Edward Hopper, Segunda História Luz Solar. 1960. Museu Whitney de Arte Americana, Nova York.
A história da arte americana em 6 pontos
Antes de apresentar os dez pintores mais célebres da história da arte americana, juntamente com breves vislumbres de suas vidas e referências às suas peculiaridades estilísticas, gostaria de familiarizá-los com o contexto ao qual pertencem: a América e sua tradição artística. Para abordar este tema extenso e desafiador, decidi usar “tesoura e cola”, recortando e colando o material relevante aqui e ali, destacando apenas os momentos-chave. Desta intenção surge um tema resumido em 6 pontos, mas que é essencial ter em conta:
- Tradição : É importante considerar como a tradição artística dos EUA realmente se origina das artes praticadas pelas culturas indígenas.
- Os europeus : Foi somente após a chegada dos europeus que a arte distintamente ocidental que conhecemos hoje se desenvolveu, inicialmente tomando forma nos gêneros do retrato e da paisagem.
- Século 19 : Foi no século 19 que surgiu um movimento artístico americano coeso, nomeadamente o advento da Escola do Rio Hudson.
- Século 20 : No século 20, a criatividade americana visava não apenas emular a Europa, mas também mostrar os centros urbanos americanos, bem como as regiões rurais.
- Após a Segunda Guerra Mundial : O Expressionismo Abstrato do pós-guerra fez com que os holofotes da arte brilhassem diretamente sobre o contexto americano. Deste ponto em diante, a influência artística dos EUA continuou a espalhar-se globalmente, particularmente através do sucesso mundial do Minimalismo e da Pop Art.
- Hoje : A globalização contemporânea torna difícil compreender as tendências na arte específica e exclusivamente ligadas a um contexto particular, na medida em que é mais fácil identificar personalidades individuais em todo o mundo cujo trabalho tenha influenciado genuinamente o mundo da pintura num mundo cada vez mais interligado.
10 principais
“Agora estamos finalmente prontos para o top 10, então vamos mergulhar!
Gilbert Stuart, George Washington, 1796. Óleo sobre tela, 121,9×94 cm. Museu de Belas Artes, Galeria Nacional de Retratos, Boston.
1.Gilbert Stuart (1755-1828)
Biografia : Gilbert Stuart foi um pintor americano, mais conhecido por criar retratos oficiais dos primeiros cinco presidentes dos EUA, bem como de muitas outras figuras públicas proeminentes da época.
Estilo : Especializado em retratos em Londres, onde foi aluno de Benjamin West, Stuart desenvolveu um estilo neoclássico idealizado. Ele capturou meticulosamente o caráter e o status de seus súditos, estudando cuidadosamente sua postura, roupas, cores e arredores.
Obra-prima : A obra-prima indiscutível de Stuart é, sem dúvida, "George Washington (O Retrato do Ateneu)" (1796). A obra, que retrata o estadista Washington sobre um fundo marrom, permaneceu intencionalmente inacabada porque o artista não quis entregá-la aos patronos, que eram a esposa do sujeito. Stuart queria criar cópias para alavancar a fama do modelo retratado. No entanto, esta incompletude deliberada tornou a obra famosa porque parece ter sido cuidadosamente desenhada para enfatizar o rosto do presidente, visto como um modelo moral que exala poder e autoridade.
Mary Cassat, Menina na Poltrona Azul, 1878. Óleo sobre tela, Musée d'Orsay.
2.Mary Cassatt (1844-1926)
Biografia : Mary Cassatt foi uma pintora americana que passou um período significativo na França, estudando com Degas e expondo com os impressionistas.
Estilo : O estilo único de Cassatt combinava pinceladas típicas impressionistas com o uso de cores claras, muitas vezes enriquecidas por uma influência constante da arte tradicional japonesa. Com esta pincelada, muitas vezes retratou mulheres “presas” em ambientes domésticos, possivelmente aludindo à dimensão em que ela, enquanto mulher, estava muitas vezes confinada.
Obra-prima : Uma das obras mais famosas do artista é sem dúvida “A Menina na Poltrona Azul” (1878), retratando uma jovem acompanhada apenas por um pequeno cão, talvez um Yorkshire Terrier, imitando-a relaxando numa cadeira colocada num interior, possivelmente parecendo uma sala de estar. Esta cena capta a natureza despreocupada e descontraída da juventude, como se pretendesse evocar ao espectador memórias de uma infância perdida. No entanto, a proeminência do mobiliário na pintura também pode sugerir que o sujeito, às vezes, se sente oprimido pelo mundo adulto."
John Singer Sargent, Retrato de Madame X, 1884. Óleo sobre tela, 2,35 mx 1,1 m. Museu Metropolitano de Arte, Manhattan.
3.John Singer Sargent (1856-1925)
Biografia : John Singer Sargent, um artista americano expatriado, é considerado um dos retratistas mais importantes do século XIX. Através de suas viagens pelo mundo, ele também realizou pinturas em estilo documentário, capturando lugares icônicos como Veneza.
Estilo : John Singer Sargent é conhecido por suas pinceladas impressionistas distintas, que ganharam vida em composições convencionais. Suas obras imortalizaram tanto os traços de caráter de seus retratos quanto as paisagens que pintou ao ar livre. Isto foi resultado de sua hábil reinterpretação dos ensinamentos de mestres como Anthony Van Dyck e Diego Velázquez, enriquecidos por nuances impressionistas.
Obra-prima : É impossível não mencionar "Retrato de Madame X" (1884)! Talvez a obra mais famosa do mestre, retrata Virginie Amélie Avegno Gautreau, uma mulher da alta sociedade que não encomendou a pintura. Na verdade, a artista a escolheu como modelo para capturar uma figura muito comentada na sociedade parisiense. A fofoca surgiu devido a certos traços físicos e de caráter da modelo, cujas habilidades sedutoras, combinadas com um fascínio marcante, foram lindamente retratadas na pintura, mostrando sua pele de alabastro e um decote audacioso. A obra de arte se enquadra no gênero do retrato moderno devido a essas qualidades únicas, pois comunica com eficácia a atitude real do sujeito.
Edward Hopper, Nighthawks, 1942. Óleo sobre tela, 84 cm x 1,52 m. Escola do Instituto de Arte de Chicago.
4. Edward Hopper (1882-1967)
Biografia : A Wikipedia afirma corretamente que Edward Hopper foi "um dos artistas mais renomados da América, cuja influência na arte e na cultura popular foi significativa". Distinguiu-se como uma figura do realismo americano, proporcionando um retrato autêntico da sociedade americana contemporânea, permeada por um profundo sentimento de solidão.
Estilo : O termo "realismo americano" abrange todos os artistas que preferiam retratar as atividades diárias das pessoas comuns, oferecendo um vislumbre fiel da vida real entre meados do século XIX e início do século XX. Contudo, a grandeza de Hopper foi além disso; ele mergulhou e revelou o lado mais sombrio da experiência humana, revelando a psicologia de seus temas. Como resultado, as pessoas que retratou, aflitas pelo mal-estar da época, muitas vezes pareciam isoladas e desligadas do ambiente, frequentemente caracterizado pela presença de luzes reveladoras recorrentes.
Obra-prima : A descrição acima serve como uma interpretação de uma das obras mais conhecidas do mestre, “Nighthawks” (1942), ambientada em um restaurante de Nova York tarde da noite, quando as ruas estão desertas e as poucas figuras reunidas. , cansados e quase mudos, sucumbem aos seus pensamentos, percebendo sua perpétua solidão.
Georgia O'Keeffe, Red Canna, 1924. Óleo, 73,7 cm × 45,7 cm.
5. Georgia O'Keeffe (1887–1986)
Biografia : Georgia Totto O'Keeffe foi uma pintora americana cujo trabalho, em grande parte independente de movimentos artísticos, prestou especial atenção à representação de formas naturais. Ela frequentemente retratava flores e paisagens, algumas das quais ela visitou pessoalmente.
Estilo : Apelidada de "Mãe do Modernismo Americano", O'Keeffe direcionou sua exploração artística para transmitir emoções que muitas vezes se materializavam na abstração do mundo natural, principalmente na forma de close-ups altamente detalhados de diferentes espécies florais.
Obra-prima : Uma das obras mais icónicas da artista é "Red Canna" (1924), uma pintura que demonstra claramente a sua singularidade estilística, embora neste caso seja dirigida a uma flor frequentemente presente na sua obra: o lírio-canna. Embora O'Keeffe justificasse seu interesse dizendo que queria mostrar como via essas plantas, muitos críticos as interpretaram como uma clara alusão à representação íntima da forma feminina, um ponto de vista que a própria artista declarou mais tarde não compartilhar.
Grant Wood, American Gothic, 1930. Óleo sobre madeira de castor, 78 cm × 65,3 cm. Instituto de Arte de Chicago, Chicago.
6. Grant Wood (1891–1942)
Biografia : Grant DeVolson Wood foi um pintor americano conhecido por sua associação com o regionalismo, reconhecido principalmente por suas pinturas que retratam as áreas rurais do meio-oeste americano. Ele é particularmente famoso pela criação da obra "American Gothic" (1930).
Estilo : Em consonância com o movimento do Regionalismo, Wood dedicou sua carreira artística à representação realista dos referidos temas rurais, retratando-os como testemunhas do árduo trabalho no campo. Isto foi conseguido “citando” dois estilos distintos: a clareza da arte da Renascença do Norte e as linhas curvas e orgânicas do design Art Déco. Outras características do trabalho de Wood incluem o uso de composições formais complexas e perspectivas muitas vezes peculiares, projetadas para cativar o espectador. Contudo, por trás de tudo isto estava uma intenção crítica específica, pronta a expor os males da era da Grande Depressão.
Obra-prima : Voltemos ao já mencionado “Gótico Americano”, obra reconhecida como um dos símbolos por excelência da pintura americana do século XX. Insere-se no gênero das cenas de gênero, neste caso evocando o exemplo da Renascença Flamenga de Jan Van Eyck. No entanto, Wood toma emprestado deste último para retratar, talvez ironicamente, uma dupla de puritanos, simbolizando uma América provinciana, desconhecida, isolada e atrasada, muito distante das imagens mais populares e exportadas do "sonho americano".
Jackson Pollock, Autumn Rhythm: Número 30, 1950. Esmalte sobre tela, 266,7 × 525,8 cm. MET, Nova York.
7.Jackson Pollock (1912–1956)
Biografia : O pintor americano Paul Jackson Pollock foi uma figura fundamental no movimento do Expressionismo Abstrato, deixando uma marca indelével com seu uso distintivo da técnica de pintura por gotejamento.
Estilo : É justamente a citada técnica de gotejamento, que o artista começou a utilizar no final da década de 1940, que tornou famosa a obra de Pollock. Através desta técnica, Pollock permitiria que a tinta pingasse diretamente de um tubo ou lata de tinta sobre uma tela colocada no chão. Seguindo esse método, surgiu um dos estilos abstratos mais radicais da história da arte, separando revolucionáriamente a linha da cor para redefinir o desenho, a pintura e o espaço pictórico. Para revelar a ligação entre técnica e instinto, é importante notar que o gotejamento de Pollock resultou do impulso natural do ato físico da pintura, permitindo que a obra concluída transmitisse o poder emocional do gesto.
Obra-prima: "Ritmo de Outono: Número 30" (1950)! Esta obra foi criada através da presença de uma estrutura linear de tinta preta, sobre a qual foram aplicadas tiras adicionais de tinta em diversas cores, formando linhas grossas, finas, claras, escuras, retas, curvas e muito mais. Como o título sugere, evoca a atmosfera do outono, principalmente através dos tons terrosos.
Roy Lichtenstein, Whaam!, 1963. Acrílico, Cor Óleo, Magna, 1,7 mx 4 m. Tate Moderno.
8.Roy Lichtenstein (1923 – 1997)
Biografia : Roy Fox Lichtenstein foi um artista americano e uma figura proeminente no movimento Pop Art, influenciando profundamente seus estilos e temas, ao lado de artistas como Andy Warhol, Jasper Johns e James Rosenquist.
Estilo : Roy Lichtenstein é conhecido principalmente por seu estilo maduro, que desenvolveu a partir da década de 1960, fortemente inspirado no mundo dos quadrinhos e realizado através da fusão de reprodução mecânica e elementos desenhados à mão. Neste contexto, brilha a sua característica estilística mais distintiva: a utilização dos icónicos pontos Ben-Day, revelando como a Pop art estava pronta para filtrar todos os aspectos da época, desde a publicidade ao cinema e, nomeadamente, à banda desenhada.
Obra-prima : "Uau!" (1963), pintura que reproduz um painel de história em quadrinhos onde um caça americano abate uma aeronave inimiga com um míssil. Mantendo a linguagem única dos quadrinhos, a arte é enriquecida com um painel que mostra explicitamente as palavras do piloto vitorioso, enquanto o som da explosão é transmitido pela onomatopeia "WHAAM!" O que é descrito aqui, no entanto, não é apenas produto da imaginação de Lichtenstein, já que a obra-prima de 1963 representa uma adaptação artística do painel de 1962 desenhado pelo artista de quadrinhos Irv Novick, que apareceu na edição #89 de “All-American Men of War”. "
Andy Warhol, Latas de sopa Campbell, 1962. Polimero sintético em tela, 51×41 cm. Museu de Arte Moderna, Nova York.
9. Andy Warhol (1928–1987)
Biografia : Andy Warhol é o mestre pop definitivo, pois expressou os estilos e ideais do movimento não apenas através da pintura e da serigrafia, mas também através da fotografia, escultura, filme e música (ele criou capas de discos icônicas).
Estilo : As obras de Warhol, explorando principalmente a relação entre expressão artística, publicidade e cultura de celebridades, abordam esses temas através do uso de cores vibrantes e assuntos repetidos compulsivamente. Seu objetivo era transformar os símbolos de uma época em ícones atemporais, semelhantes a divindades eternas escolhidas pela sociedade de consumo.
Obra-prima : "Latas de sopa Campbell's" (1962), instalação composta por 32 pinturas representando as latas de sopa Campbell's homônimas. O artista concebeu-o para documentar a serialidade industrial dos produtos supermercadistas, na medida em que a disposição destes temas foi especificamente pensada para replicar a sua exposição nas prateleiras. A referida serialidade não está presente apenas no tema da obra-prima, mas também na sua execução, já que "Latas de Sopa Campbell" foi criada a partir de uma técnica de serigrafia semimecanizada, destacando o conceito de reprodutibilidade da obra.
Basquiat, Sem título, 1982. Acrílico, tinta spray e óleo sobre tela, 183,2 cm × 173 cm.
10.Jean-Michel Basquiat (1960-88)
Biografia : Jean-Michel Basquiat foi um artista americano que começou como grafiteiro e mais tarde se tornou uma das figuras proeminentes do Neo-Expressionismo, movimento através do qual trouxe a linguagem do graffiti dos metrôs para as galerias de arte. Por que Basquiat é frequentemente associado a Andy Warhol? É importante ressaltar que foi o encontro com este último que abriu as portas de renomadas galerias nova-iorquinas ao jovem artista!
Estilo : A arte de Basquiat representa o encontro de dois mundos distintos: o do pincel, e portanto da pintura num sentido mais tradicional, e o da lata de spray, porta-voz da linguagem distinta do graffiti, manifestada principalmente em desenhos e escritos estilizados. Esta combinação gera um estilo expressivo, por vezes parcialmente abstrato, rico em referências à cultura da época do artista, bem como em condenações explícitas ao racismo e à desigualdade social. Os ricos e os pobres, o preto e o branco, mas também a exploração contínua que levou o artista a justapor o seu mundo interior ao exterior, o que levou à sua afinidade com o expressionismo, altamente interessado na figura humana e nas mazelas da sua existência.
Obra-prima : Os aspectos acima mencionados podem ser encontrados em "Sem título (pintura de caveira de Basquiat)" (1982), uma pintura representando uma caveira, semelhante em tema a uma obra criada por Basquiat apenas um ano antes, estou me referindo a "Sem título (crânio )” (1981). Ambos, dando-nos uma ideia do que está por baixo da nossa pele, parecem ser capazes de transmitir os aspectos interiores e exteriores da vida, permitindo-lhes coexistir na tela.
Olimpia Gaia Martinelli
| Revista ArtMajeur