O surrealismo é um movimento artístico e cultural que surgiu no início do século XX, com seu objetivo principal sendo libertar a imaginação, transcendendo os limites da realidade racional. Oficialmente fundado em 1924 por André Breton com a publicação do Manifesto Surrealista , o movimento se concentra na exploração do inconsciente, dos sonhos e do irracional. O objetivo é desafiar as convenções da lógica, da moralidade e da realidade tangível, para alcançar uma verdade superior escondida sob a superfície da consciência.
Artistas surrealistas, incluindo Salvador Dalí , René Magritte e Max Ernst , desenvolveram técnicas como o automatismo, que permitiam a livre expressão sem o controle da razão. Além disso, eles são conhecidos por criar cenas oníricas e paradoxais capazes de desafiar o senso comum. O resultado? Uma forma de arte intrigante e muitas vezes enigmática que convida o espectador a refletir sobre os mistérios da psique humana.
E se eu lhe dissesse que 2024 marca o centenário do Surrealismo ? Sim, cem anos de sonhos visionários e mundos impossíveis! O próprio Dalí, com um de seus olhares geniais, provavelmente repetiria sua frase icônica: "A única coisa que o mundo nunca terá o suficiente é o exagero." E que melhor ocasião para exagerar do que esta? As mais prestigiosas instituições culturais — dos Estados Unidos à Itália, passando pela Alemanha e França — estão preparando uma série de exposições de tirar o fôlego. Não será apenas uma homenagem ao passado, mas a prova de que o Surrealismo nunca morre, porque o excêntrico vive e respira mais do que nunca na linguagem visual contemporânea, onde o incrível e o inesperado ainda fazem parte da nossa imaginação cotidiana.
Um evento em particular, no entanto, inspirou a Artmajeur a participar das comemorações do centenário do surrealismo. Você está curioso para descobrir o que é? Aqui vai uma dica: ele está no coração da terceira edição da Art Basel Paris e promete transformar a experiência artística como nunca antes. Estamos falando de Oh La La!, uma nova iniciativa que convida os galeristas a reorganizar suas exposições, exibindo obras nunca vistas ou raramente vistas, criando assim uma experiência completamente nova para os visitantes. No Grand Palais , Oh La La! oferecerá uma jornada lúdica e dinâmica pelos estandes, dando aos participantes a chance de redescobrir a arte sob uma nova luz: as obras em exposição explorarão temas como amor, erotismo e, acima de tudo, surrealismo.
Aproveitando o centenário, a Artmajeur apresenta uma seleção de dez obras menos conhecidas dos pintores surrealistas mais populares, oferecendo ao público a oportunidade de ir além das obras-primas usuais de Dalí e Magritte . O objetivo não é celebrar as telas mais icônicas, mas sim fornecer uma oportunidade genuína para uma exploração mais profunda, permitindo que os visitantes descubram os aspectos menos explorados do surrealismo e superem sua percepção mais comum e mainstream. Pronto para comemorar?
Salvador Dalí, Cena de cabaré, 1922. Óleo sobre tela, Coleção particular de François Petit, Paris.
1. Salvador Dalí, "Cena de cabaré", 1922
Alguém mencionou uma festa? Não há nada melhor do que mergulhar em um cabaré movimentado, onde figuras e objetos parecem dançar juntos em uma mistura intrincada de formas e cores. No mundo paralelo e fictício da arte, tudo isso pode ser simplesmente apreciado contemplando a obra-prima de Salvador Dalí de 1922, "Cena de Cabaré", que captura a atmosfera animada e caótica de um evento social noturno. De fato, o mestre catalão criou uma cena cheia de figuras sentadas ao redor de mesas, envolvidas em conversas e atividades que parecem se misturar umas às outras. Os rostos parecem máscaras, "abstratas", quase desprovidas de detalhes distintivos, enquanto objetos como garrafas estão espalhados entre as figuras, criando uma sobreposição entre elementos concretos e formas geométricas. Nesse "caos" figurativo, cada mesa aparece como uma pequena ilha de ação, encapsulando fragmentos da vida cotidiana, com o arranjo fragmentado da cena ecoando claramente as influências cubistas. No entanto, há uma aura onipresente de mistério e imprevisibilidade que sugere o surrealismo que está por vir.
É evidente que em 1922, Dalí buscava explorar novas linguagens visuais, influenciado pelo trabalho de Pablo Picasso, com quem compartilhava o interesse pelo cubismo. Além disso, o jovem espanhol ainda estava buscando seu próprio estilo pessoal naquela época, levando historiadores da arte a posicionar "Cabaret Scene" como um ponto médio entre as influências impressionistas e o eventual desenvolvimento do surrealismo. Então, onde podemos reconhecer seus primeiros passos em direção ao último movimento? Nesta obra-prima, Dalí começa a se afastar da lógica cubista, que se concentra em representar a realidade por meio da fragmentação e análise geométrica das formas. As figuras de Dalí não são mais retratos realistas de pessoas, mas símbolos fragmentados, colocados em um contexto mais mental e imaginativo. Esse distanciamento do mundo tangível é uma das pistas que indicam sua abordagem ao surrealismo, começando a representar uma visão interna, quase inconsciente, que prenuncia as composições oníricas e paisagens surreais que dominariam sua produção artística posterior.
Joan Miró, Chefe de um Camponês Catalão, 1925. Técnica de pintura a óleo e lápis de cor. Galeria Nacional da Escócia, Edimburgo.
2. Joan Miró, "Cabeça de um camponês catalão", 1925.
Joan Miró afirmou uma vez: "Tenho dificuldade em falar sobre minha pintura porque ela sempre surge em um estado alucinatório, desencadeado por qualquer tipo de choque, seja objetivo ou subjetivo, e sobre o qual não tenho controle. Quanto aos meus meios de expressão, cada vez mais me esforço para atingir o mais alto grau de clareza, potência e agressão plástica, ou seja, despertar uma sensação física primeiro e depois atingir a alma."
De fato, o artista espanhol é conhecido por seu estilo único que atravessa o surrealismo e a abstração, onde formas biomórficas, sinais geométricos e objetos abstratos ou semi-abstratos emergem, refletindo sua experimentação contínua e uma inclinação marcante para a arte não figurativa. Miró explorou o subconsciente como um "playground" para a imaginação, frequentemente expressando sua identidade catalã e seu anseio por liberdade.
Isto é exemplificado em "Head of a Catalan Peasant" (1925), abrigado na National Gallery of Scotland, que apresenta uma composição simbólica e abstrata representando um camponês catalão. A pintura é dominada por um grande chapéu vermelho, conhecido como barretina , tradicionalmente associado à cultura agrícola espanhola. Abaixo dele, elementos estilizados como uma barba serpentina e dois olhos circulares emergem contra um fundo azul-celeste delicadamente sombreado. Apesar de sua simplicidade formal, a figura transmite um forte senso de identidade e conexão com a terra natal do artista. "Head of a Catalan Peasant" ilustra claramente a mudança de Miró em direção à abstração crescente, afastando-se do cubismo e adotando uma linguagem surrealista caracterizada por uma paleta limitada, mas poderosa, onde o céu azul faz as formas estilizadas se destacarem, evocando uma sensação de vazio e mistério. A pintura também prenuncia os temas de automatismo e síntese que dominariam grande parte do trabalho posterior de Miró.
Fato interessante:
- Embora associado ao surrealismo, Miró nunca abraçou totalmente a não objetividade, sempre mantendo um vínculo com formas reconhecíveis, que ele combinou com uma linguagem visual profundamente pessoal.
"Cabeça de um camponês catalão" faz parte de uma série de quatro pinturas criadas entre 1924 e 1925, nas quais Miró explora a figura do camponês catalão como símbolo de sua identidade e raízes culturais.
Max Ernst, Aquis Submersus, 1919. Óleo sobre tela. Städelsches Kunstinstitut und Städtische Galerie, Frankfurt.
3. Max Ernst, "Aquis Submersus", 1919
"Para mim, pintar não é diversão decorativa, nem invenção plástica de uma realidade sentida; deve ser sempre: invenção, descoberta, revelação." Esta citação de Max Ernst introduz perfeitamente sua pintura de 1919 "Aquis Submersus", onde a pintura se torna um meio para exploração interior e um desafio às convenções artísticas tradicionais.
Em "Aquis Submersus", Ernst apresenta um espaço suspenso entre a realidade e o sonho, situado em uma piscina cercada por edifícios desenhados à mão. Essas estruturas têm contornos borrados, lançando sombras ambíguas contra um céu que parece sólido como uma parede. Um relógio flutua no céu, refletindo na água como se fosse uma lua, quebrando as regras da física e da lógica visual. No centro da piscina, o corpo de cabeça para baixo de uma figura feminina emerge, com apenas suas pernas visíveis acima da água, evocando uma imagem de mergulho ou afogamento.
No primeiro plano, está uma figura sem braços, parecendo uma estátua de argila, projetando uma sombra em direção à piscina. Esse personagem, com um bigode de guidão que lembra o pai de Ernst, olha para longe da água, adicionando mais mistério à composição. Ernst captura magistralmente o espectador em um estado de suspensão, entre a vida e a morte, entre o real e o onírico.
Curiosidade:
- A pintura reflete a influência da arte metafísica italiana, particularmente a de Giorgio de Chirico, com sua habilidade de evocar uma sensação de alienação por meio de cenas estáticas e não naturais. No entanto, mesmo neste estágio inicial, acentos surrealistas já estão presentes na obra de Ernst, o que logo o tornaria um dos pioneiros do movimento surrealista.
Ernst foi profundamente influenciado pelas teorias de Sigmund Freud, e a figura na pintura, submersa ou afogada, conecta-se às suas explorações psicológicas, onde a água frequentemente simboliza o subconsciente e a imersão nas camadas mais profundas da mente.
René Magritte, Time Transfixed, 1938. Óleo sobre tela. Art Institute of Chicago, Chicago.
4. René Magritte, "Tempo Transfixado", 1938.
"Se o sonho é uma tradução da vida desperta, então a vida desperta também é uma tradução do sonho." Esta citação de René Magritte encapsula perfeitamente a visão onírica e paradoxal que permeia sua obra "Time Transfixed", pintada em 1938. O artista, renomado por sua exploração do mistério na vida cotidiana, nos apresenta um mundo onde sonhos e realidade se fundem, desafiando a percepção do observador.
A obra-prima retrata uma locomotiva emergindo de uma lareira em uma serena sala de jantar burguesa. O trem, em miniatura em escala comparada à lareira, é retratado acelerando impossivelmente pela lareira, como se estivesse saindo de um túnel ferroviário. O contraste entre a energia dinâmica do trem e a quietude da sala é intensificado pelos elementos estáticos, como o relógio e os castiçais que adornam a lareira. O piso é forrado com parquet, enquanto um grande espelho acima reflete parcialmente os objetos na sala.
O estilo de Magritte é geralmente caracterizado por um realismo altamente detalhado, onde cada elemento é representado com precisão quase fotográfica. No entanto, o mistério da obra está em seu paradoxo: a locomotiva, tipicamente associada ao ar livre e à velocidade, aparece dentro de uma sala, em um espaço fechado, quebrando as leis da física e da lógica. Magritte usa essa "crise do objeto", onde itens comuns e familiares são arrancados de seu contexto usual e colocados em situações estranhas, para criar uma cena misteriosa e inexplicável. Assim, "Time Transfixed" incorpora a essência da poética surrealista de René Magritte: revelando o mistério oculto em coisas familiares, criando uma nova realidade onde sonhos e vigília se misturam, e onde objetos comuns se tornam portadores de significados ocultos.
Yves Tanguy, Mama, papa is hurted, 1927. Óleo sobre tela. Museu de Arte Moderna, Nova York.
5. Yves Tanguy, "Les Amoureux" (Os Amantes), 1929
"A pintura se desenvolve diante dos meus olhos, revelando suas surpresas à medida que progride. É isso que me dá a sensação de liberdade completa, e por essa razão sou incapaz de formar um plano ou fazer um esboço de antemão." Essas palavras de Yves Tanguy descrevem perfeitamente sua visão criativa, um processo espontâneo que reflete o fluxo livre e imprevisível do inconsciente, um princípio-chave do surrealismo.
Pelo mesmo processo, nasceu "Les Amoureux" (1929), uma obra de arte que apresenta uma cena onírica, dominada por um fundo borrado de verdes, que lembra uma paisagem subaquática. Nesse contexto, as figuras principais, amorfas e abstratas, parecem flutuar em uma dimensão suspensa, como se pertencessem a um mundo aquático alienígena ou a uma terra deserta e parada. Esses personagens, colocados um pouco perto de um plano quase plano, são distribuídos aleatoriamente, isolados ou agrupados, evocando uma atmosfera oscilando entre sonho e pesadelo. Em primeiro plano, uma estrutura esbelta, semelhante a um tronco ou a uma figura humanoide, se destaca, enquanto no fundo, outros elementos indefinidos parecem flutuar ou subir em direção a um céu indistinto.
A pintura reflete, portanto, o estilo distinto de Tanguy, conhecido por sua capacidade de criar paisagens surreais, mas incrivelmente realistas, com formas precisas e definidas, muitas vezes inspiradas nas paisagens rochosas da Bretanha.
Frida Kahlo, Meus avós, meus pais e eu, 1936.
6. Frida Kahlo, "Meus avós, meus pais e eu", 1936
"Eu realmente não sei se minhas pinturas são surreais ou não, mas eu sei que elas representam a expressão mais franca de mim mesma." Com essas palavras, Frida Kahlo captura a essência de seu trabalho: a manifestação pura de sua identidade, dor e história pessoal. Na pintura "Meus Avós, Meus Pais e Eu", a artista se retrata como uma criança nua, segurando uma fita vermelha em forma de laço, simbolizando sua linhagem e ancestralidade. Essa fita sustenta sua árvore genealógica, que paira acima dela como uma série de "balões suspensos".
Nesta composição intrincada, Kahlo se coloca no centro de uma rede simbólica de família e identidade: acima dela, descansando em nuvens suaves, estão seus avós — mexicanos de um lado e alemães do outro — cada um posicionado para refletir suas raízes geográficas e culturais. Sua mãe, que carrega a Frida ainda não nascida, e o pai da artista são retratados no centro da pintura, com seus corpos ligeiramente sobrepostos. Abaixo do feto, um aglomerado de espermatozoides nada em direção a um óvulo, aludindo ao futuro nascimento da artista. Finalmente, um cacto florido sob o óvulo fertilizado serve como um símbolo adicional de nascimento, um tema recorrente na obra de Kahlo.
O estilo de "Meus Avós, Meus Pais e Eu" reflete claramente a abordagem de Kahlo à arte como um meio de explorar sua identidade e herança. Para conseguir isso, Frida mistura elementos da arte popular mexicana, simbolismo católico e realismo mágico, criando uma obra que é tanto uma crônica familiar quanto uma meditação sobre identidade e feminilidade. Também vale a pena notar que, embora ela fosse frequentemente associada ao Surrealismo, Kahlo nunca se identificou formalmente com o movimento, embora ela frequentemente usasse imagens extraídas de sonhos e imaginação.
AndréMasson, L'Enfantement (Parto), 1955.
7. André Masson, "L'Enfantement" (Parto), 1955.
Nesta pintura, André Masson constrói uma cena surreal e onírica, povoada por formas semi-abstratas que parecem se mover livremente sobre um fundo azul-esverdeado intenso. As linhas sinuosas e fluidas que moldam as figuras sugerem uma energia quase cósmica, como se toda a composição estivesse imersa em um movimento contínuo e sem limites. Acima dessas figuras biomórficas, estrelas e linhas curvas traçam uma conexão entre o céu e a terra, evocando uma narrativa mitológica ou astral.
Masson é de fato um dos pioneiros do surrealismo e das técnicas automáticas, conhecido por combinar sua habilidade de explorar o inconsciente com experimentação formal. As figuras sintéticas na pintura refletem seu interesse em abstração orgânica e metamorfose, temas centrais em sua produção artística. Além disso, sua técnica de desenho automático, claramente evidente aqui, permite que ele explore a espontaneidade do gesto e da linha, criando imagens que parecem emergir diretamente do subconsciente.
Da análise de " Enfantement " , fica claro que o mestre não estava meramente criando representações visuais simples, mas através de um fluxo de formas abstratas e distorcidas, ele buscou abordar temas universais como vida, sexualidade, violência e morte. Certamente, a influência da filosofia de Friedrich Nietzsche e a experiência direta de Masson com a violência da Primeira Guerra Mundial são evidentes em suas criações, que frequentemente refletem uma sensação de caos e destruição, mas também uma busca por significado existencial.
Giorgio de Chirico, A Torre Vermelha, 1913. Coleção Peggy Guggenheim.
8. Giorgio de Chirico, "A Torre Vermelha", 1913
"Uma obra de arte para se tornar imortal deve sempre transcender os limites do humano sem se preocupar com o senso comum ou a lógica." Com essas palavras, Giorgio de Chirico expressa sua visão artística, caracterizada por uma ruptura com a realidade tangível e uma tensão em direção ao mistério e enigma. Essa filosofia é perfeitamente incorporada em "A Torre Vermelha " (1913), uma de suas obras-primas da pintura metafísica, onde a lógica e a razão são deixadas de lado para criar uma atmosfera surreal e onírica.
" The Red Tower " apresenta um espaço desolado e irreal, dominado por uma enorme torre cilíndrica que se ergue no centro da cena. A composição é emoldurada por duas arcadas escuras nas laterais, conduzindo o olhar do observador em direção à torre, a protagonista indiscutível da peça. A ausência de elementos claros que definam o local aumenta uma sensação de alienação, embora no lado direito, uma estátua equestre apareça, possivelmente uma referência ao monumento de Carlo Alberto em Turim, adicionando mais ambiguidade à cena. Apesar da aparente simplicidade, a composição é carregada de tensão invisível, como se algo importante estivesse prestes a acontecer ou tivesse acabado de ocorrer.
"A Torre Vermelha" é um exemplo paradigmático da pintura metafísica de De Chirico, caracterizada pela perspectiva irracional e sombras alongadas, elementos que dão à obra sua atmosfera onírica e melancólica. Além disso, o uso de praças vazias, pórticos e arquitetura clássica é típico de seu estilo, onde a realidade é transformada em um palco para dramas invisíveis. A ausência de fontes de luz unificadas e o foco alucinatório em objetos contribuem ainda mais para uma sensação de desorientação e mistério, enquanto a arquitetura solene e silenciosa evoca um sentimento de solidão e antecipação suspensa.
É importante notar que, embora Giorgio de Chirico seja frequentemente associado aos surrealistas, seu movimento, a pintura metafísica, é fundamentalmente diferente do surrealismo, tanto em seus objetivos quanto em sua visão filosófica. Ambas as tendências exploram o inconsciente e o mistério oculto por trás da realidade visível, seguindo caminhos semelhantes, mas decididamente separados.
Leonora Carrington, A horta no Eyot, 1946.
9. Leonora Carrington, "A horta no Eyot", 1946
"The Kitchen Garden on the Eyot" de Leonora Carrington é uma obra imbuída de simbolismo, retratando uma cena mágica e onírica ambientada em um jardim onde elementos humanos, animais e sobrenaturais se entrelaçam, criando um ambiente fantástico. A composição é dominada por um vasto espaço verde cercado por muros de plantas, com vegetais e árvores frutíferas, embora a ação principal ocorra em primeiro plano. Aqui, mais precisamente à esquerda, encontramos três figuras femininas interagindo misteriosamente entre si enquanto um pássaro voa por perto. No lado direito, uma figura branca semelhante a um fantasma emerge de uma árvore, segurando um grande ovo — um símbolo recorrente na obra — enquanto uma figura laranja parece espalhar poeira ou lançar um feitiço.
Para entender completamente o que foi descrito, é preciso estar familiarizado com a linguagem visual de Carrington, que, embora notavelmente influenciada pelo surrealismo, é distinta por sua intensidade, o uso de simbolismo pessoal e seu foco em temas de metamorfose e magia. Torna-se evidente como "The Kitchen Garden on the Eyot" funde elementos da mitologia celta, espiritualidade esotérica e alquimia, enriquecidos pelo uso de têmpera de ovo, que empresta à cena um brilho místico. Além disso, este trabalho é significativo porque Carrington, como costuma fazer, se afasta dos papéis tradicionais atribuídos às mulheres na arte surrealista, explorando a criatividade e a autonomia femininas por meio de seus personagens. Suas figuras, parte humanas e parte animais, incorporam temas de transformação e identidade em constante mudança.
Finalmente, em "The Kitchen Garden on the Eyot", o ovo é inegavelmente um elemento central, simbolizando fertilidade e criação, tanto biológica quanto artística. Neste contexto, o uso da têmpera de ovo enfatiza ainda mais esta metáfora. Além disso, a pintura, criada durante a gravidez da artista, reflete uma profunda conexão com o tema do nascimento e da transformação, expressa por meio de imagens etéreas e iconografia mitológica.
Salvador Dalí, Mercado de escravos com o busto desaparecido de Voltaire, 1940. Museu Salvador Dalí, São Petersburgo, Flórida.
10. Salvador Dalí, "Mercado de escravos com o busto desaparecido de Voltaire", 1940
Vamos concluir com um exemplo mais claro do Surrealismo de Dalí, representado por uma obra-prima na qual o artista combina o ordinário e o extraordinário para criar uma visão que desafia a lógica e a percepção. Dalí brinca com a realidade e a aparência por meio de uma representação hiper-realista de objetos e figuras, fazendo o normal parecer anormal e vice-versa.
O uso da ilusão de ótica é um elemento central nesta e em muitas outras obras do mestre catalão. Por meio dessa técnica, Dalí permite que o espectador não apenas observe, mas interprete a composição em vários níveis, revelando significados ocultos e surpreendentes dentro da mesma imagem. Aqui, a figura de Voltaire emerge magicamente do arranjo de personagens no mercado, expondo não apenas a fragilidade da percepção humana, mas também colocando a composição em um contexto filosófico profundo, onde realidade e ilusão se entrelaçam para provocar reflexão crítica. De fato, Voltaire, conhecido por suas ideias racionais e postura antiescravista, emerge simbolicamente em um cenário de escravos, criando um forte contraste temático entre liberdade e opressão.
Além disso, a precisão meticulosa com que Dalí retrata figuras e formas é uma marca registrada de seu estilo de pintura. No entanto, a composição e o significado da obra transcendem a realidade tangível, transportando o espectador para um mundo suspenso entre o sonho e a realidade, onde a ilusão e o simbolismo se fundem para criar uma experiência visual única. Finalmente, o uso de cores quentes e sombras longas serve para amplificar o sentimento de surrealismo e mistério, característico das obras do artista.
Olimpia Gaia Martinelli
| Revista ArtMajeur
