O deserto descrito pela arte da terra de Michael Heizer

As paisagens de dunas, picos altos e nus, formações rochosas e desfiladeiros suaves que distinguem os desertos poderiam ser simplesmente descritos com base nas palavras da National Geographic. Precisamente, a conhecida revista americana identifica a referida extensão de terreno árido como um ecossistema específico, que, apesar de ser marcado por chuvas pouco frequentes e temperaturas extremas, é na verdade animado por uma grande variedade de flora e fauna, cujas peculiaridades e estilos de vida, bem adaptar-se à já mencionada "esterilidade" climática. De fato, as plantas geralmente crescem amplamente espaçadas para acessar o máximo de água possível, enquanto os animais escapam do calor cavando tocas frescas no solo, locais onde descansam durante o dia, para poder obter alimento durante o período mais frio. noite. Este exaustivo relato de cunho puramente científico pode ser enriquecido por uma perspectiva histórico-artística, oferecida a nós pela land art de Michael Heizer, um mestre americano que, no final dos anos 1960, deixou Nova York para viajar aos desertos da Califórnia e Nevada, onde começou a produzir obras em grande escala, documentando-as com filmes e exposições fotográficas. Foi precisamente em contextos tão áridos que nasceram obras como Double Negative (1969-79) e The City (1972-2022), em que as características estilísticas de Heizer, cuja investigação artística se caracteriza pela paixão pelas civilizações antigas, o O ritmo entre volumes positivos e negativos, saltos de elevação, mudanças de escala, o uso predominante de materiais naturais e a escolha de locais desérticos ou habitacionais de muito baixa densidade, surgem claramente. Falando em Double Negative , esta obra de land art representa o primeiro grande empreendimento do referido mestre, consistindo em duas trincheiras cavadas na borda leste de Mormon Mesa (Overton, Nevada). Portanto, tal "escultura" é o resultado de um ato de pura subtração, que foi realizado através do uso de explosivos e equipamentos pesados, com o objetivo de criar dois entalhes geométricos na terra, que, passíveis de serem explorados pelos espectadores, revelam a paisagem através da contemplação da arte. Como resultado, o público de Double Negative é estimulado a considerar a relação existente entre a terra e a criatividade, mas também a refletir sobre a trivial tentativa humana de impor sua vontade ao meio ambiente, como a obra de land art, passível de alteração ou desaparecimento ao longo do tempo, demonstra toda a precariedade da intervenção humana. Quanto a The City , por outro lado, tal complexo escultórico representa uma das maiores obras de arte do mundo, que, iniciada em 1970 e concluída em 2022, está localizada em uma vasta área do remoto Condado de Lincoln, localizado no árido Nevada deserto. Esta obra monumental é composta por montículos de terra, pirâmides de concreto e hieróglifos, visando gerar uma cidade "ideal" cuja intenção é "atualizar" construções pré-colombianas e egípcias. De fato, a criação de Heizer faz referência explícita ao patrimônio cultural de Luxor (Egito), mas também ao de Yucatán, um lugar onde o artista certamente se inspirou nas construções maias e, em particular, no complexo arqueológico de Chichen Itza. Tais "fontes" permitiram ao americano combinar a grande tradição das cidades do passado com uma visão mais moderna, minimalista e industrializada, concretizada através da concepção de construções feitas com o uso de materiais básicos, que, como argila, areia e rocha, foram colhidos por meios minimamente invasivos, a fim de deixar as plantas nativas e a vida selvagem intocadas, de acordo com o propósito mais antigo da arte da terra.

Suren Nersisyan, cactos Saguaro no deserto , 2022. Óleo sobre tela, 76,2 x 61 cm.

Yaël Moon, Vênus V , 2017. Acrílico sobre tela, 100 x 100 cm.

O Deserto: da arte da terra à pintura e escultura

Na narrativa supracitada, a atualidade do deserto foi narrada sob o ponto de vista da land art, uma arte contemporânea nascida nos Estados Unidos na década de 1960, que abandonou os limites do meio pictórico e escultórico tradicional para trabalham diretamente no terreno, gerando criações em formato monumental, feitas através do uso de materiais e elementos naturais, com a finalidade de construir um trabalho na paisagem e com a paisagem. A montante desta ideologia está também um conceito fundamental: o homem atua na paisagem, que está em constante mudança, para reconhecer e demonstrar toda a efemeridade de suas ações. Apesar da permanência destes pontos de vista, os intérpretes mais contemporâneos da land art têm interagido progressivamente com a paisagem de forma cada vez mais pessoal, ou seja, por vezes utilizando materiais não presentes no local onde operavam. Em todo o caso, não só as obras da referida forma de arte são criadas com a finalidade de celebrar um determinado lugar; de fato, as pinturas e esculturas de artistas Artmajeur também contaram a história do deserto, como evidenciado pelas vistas de Petra Ackermann, Andrey Gorenkov e Artūras Tamašauskas.

Aurelia Steffanetti, Não toque , 2020. Acrílico sobre tela, 100 x 80 cm.

Daria Kamishanova, Blooming cactus , 2020. Aquarela sobre papel, 30 x 21 cm.

Petra Ackermann, Tempestade no deserto , 2010. Pintura a óleo, 80 x 80 cm.

Petra Ackermann: Tempestade no Deserto

A pintura de Ackermann nos remete a um dos símbolos mais conhecidos do oeste dos Estados Unidos, o Monument Valley (Utah), um planalto desértico de origem fluvial, caracterizado por pináculos formados por rocha e areia, tendo a forma de torres de cor avermelhada, destinado a representar as testemunhas mais antigas dos fenômenos de erosão. No mesmo estado, outra narrativa criativa tomou forma, a de Sun Tunnels, de Nancy Holt, destinada a destacar as peculiaridades luminosas da paisagem do Deserto das Grandes Bacias (Utah), local marcado por amplos vales margeados por serras paralelas, geralmente orientado no sentido norte-sul. Precisamente neste contexto, o artista americano quis colocar quatro cilindros de concreto, dispostos em forma de cruz aberta e alinhados de modo a enquadrar o sol no horizonte durante os solstícios de verão e inverno, perseguindo o propósito de unir a terra e o céu em uma única dimensão, tendo a arte como ponto de referência. De fato, é apenas o último que Holt acredita ser capaz de ocupar uma posição estável dentro de um terreno baldio, onde nem mesmo o homem pode se estabelecer, exceto por muito breves fragmentos de tempo.

Andrey Gorenkov, Rinoceronte cheio de nuvens , 2020. Óleo sobre tela, 50 x 70 cm.

Andrey Gorenkov: Um rinoceronte cheio de nuvens

O título poético da obra de Gorenkov é uma introdução perfeita ao mundo surreal do artista, dentro do qual, em uma paisagem desértica semelhante à do já mencionado Monument Valley, ocorre um fenômeno ótico, justificado pelo pintor como uma poderosa miragem causada pelo calor ar do deserto. De fato, a pintura é caracterizada pela visão "leve e transparente" de um rinoceronte, animal cujo corpo permite vislumbrar algumas montanhas, parte de uma paisagem semelhante à paisagem "principal" da obra. Na história da arte, um importante conto surreal aconteceu dentro de uma paisagem desértica; de fato, em Os Elefantes (1948), de Salvador Dali, dois animais com pernas muito longas e finas avançam das laterais da pintura em direção ao centro, movendo-se em um contexto residencial extremamente árido e de baixíssima densidade, onde encontramos apenas dois humanos figuras, que parecem estar indo em direção ao outro. Precisamente, os já mencionados elefantes, com obeliscos nas costas, tornam-se um tema recorrente na obra do espanhol, encontrado em outras obras-primas, como, por exemplo, Sonho causado pelo vôo de uma abelha (1944) e A tentação de Santo António (1946). Por fim, as peculiaridades físicas de tais mamíferos aludem ao contraste entre robustez e fragilidade, enquanto os obeliscos parecem ser uma clara referência de Dali à obra do mestre italiano Gian Lorenzo Bernini.

Artūras Tamašauskas, Cactus , 2018. Escultura em metal e alumínio, 40 x 30 x 22 cm / 2,50 kg.

Artūras Tamašauskas: Cactus

A vegetação típica do deserto consiste em plantas xerófilas, formas de vida que preferem um ambiente árido porque suas folhas, sem clorofila, são capazes de suportar longos períodos de seca e reter água na presença de umidade. Plantas suculentas, como o cacto, símbolo indiscutível da flora do deserto, são capazes de armazenar grandes quantidades de água no caule ou órgãos hipógeos, além de eliminar a transpiração excessiva em tecidos duros e impermeáveis. Estas peculiaridades, aliadas à estética peculiar e simpática da referida planta, tornaram o cacto um assunto extremamente popular, tanto na moda como na arte e no design, onde é considerado alusivo a valores extremamente profundos, centrados predominantemente na sua capacidade para se adaptar, uma virtude necessária na presença de situações hostis, como as condições adversas em que tal planta consegue prosperar. A obra do artista Artmajeur, provavelmente inspirada nos significados citados, traz à mente o icônico Cactus de Franco Mello e Guido Drocco, objeto de design feito para a Gufram em 1972, que, embora concebido como um cabide, representa um "totem" e, ao mesmo tempo, uma "escultura". Apenas um Cacto, como o de Artmajeur, apresenta-se como um objeto irônico, curioso, lúdico e irreverente com uma funcionalidade emocional e comunicacional bastante desenvolvida.