Desde o século XIX, a escultura passou por transformações significativas, particularmente com a introdução de novos materiais e técnicas que expandiram os limites desta forma de arte. O século seguinte marcou um ponto de virada com movimentos modernistas desafiando abordagens convencionais à escultura. Artistas começaram a experimentar materiais não tradicionais, como ferro, aço e gesso, inspirados pela industrialização e avanços tecnológicos.
Além disso, o advento de materiais sintéticos como resina, plástico e fibra de vidro abriu novas possibilidades para escultores. Esses materiais leves e altamente adaptáveis permitiram a criação de designs intrincados, cores ousadas e técnicas experimentais.
Entre o final do século XX e o início do século XXI, materiais como cimento, concreto e alumínio ganharam destaque, refletindo uma mudança em direção a influências arquitetônicas e instalações públicas de grande escala. Artistas contemporâneos frequentemente combinam materiais tradicionais e modernos, explorando temas relacionados à identidade, ecologia e comentário social.
Torna-se evidente, portanto, que do século XIX até hoje, a escultura evoluiu de suas raízes clássicas para uma forma de arte dinâmica e multifacetada. Cada material introduzido ao longo do tempo, seja tradicional ou moderno, contribuiu para redefinir as possibilidades de expressão artística, refletindo as mudanças culturais, tecnológicas e filosóficas de cada era.
ZOE BRUTALIST HEAD (2024) Escultura de Paolo Castagna (Design Brutalista)
Concreto e Brutalismo Italiano
O concreto, frequentemente negligenciado em narrativas artísticas e arquitetônicas em favor de materiais mais "nobres" como mármore ou madeira, na verdade desempenhou um papel fundamental em uma revolução ousada e decisiva. Na Itália, sua adoção marcou uma reviravolta significativa na arquitetura moderna e pós-guerra, introduzindo inovações radicais que remodelaram a paisagem urbana. No cerne desse movimento está o Brutalismo, uma abordagem que celebra o béton brut , ou concreto bruto, não apenas como uma base estrutural, mas também como um meio poderoso de expressão estética e filosófica. O Brutalismo transforma o concreto em um símbolo de força e sinceridade arquitetônica, revelando a energia intrínseca de uma era que ousou romper com o passado para moldar o futuro.
Mas vamos dar um passo atrás: como e onde o Brutalismo surgiu?
Este estilo arquitetônico ousado, nomeado em homenagem à frase francesa béton brut — que significa "concreto bruto" — surgiu poderosamente nas décadas de 1950 e 1960. Caracterizado pelo uso deliberado de concreto armado exposto, o Brutalismo enfatiza a funcionalidade e a geometria de uma maneira distintamente visível. Mestres como Le Corbusier lançaram as bases deste movimento com obras que celebravam a materialidade bruta e o essencialismo estrutural. Espalhando-se pelo mundo todo, o Brutalismo assumiu várias formas, da estética europeia estrita ao dinamismo de suas manifestações no Brasil e na Índia. Exemplos icônicos deste movimento incluem o Barbican Centre em Londres, a Prefeitura de Boston e o Centre Pompidou em Paris, todos exibindo uma estética imponente, mas funcionalista.
Mas não deveríamos estar falando da Itália?
Exatamente, não me esqueci do Bel Paese ! Na Itália, o Brutalismo deixou uma marca indelével graças à engenhosidade de mestres como Pier Luigi Nervi e Giuseppe Perugini. Considere, por exemplo, o Palazzo del Lavoro em Turim e o Palazzo dello Sport em Roma — esses monumentos não são apenas suportes para estruturas complexas e dinâmicas, mas verdadeiros contadores de histórias visuais. Eles rompem com a tradição e abraçam uma visão na qual o concreto não é mais apenas um material, mas um símbolo de modernidade e resiliência.
Ao mesmo tempo, as criações brutalistas italianas, embora desafiem convenções estéticas, frequentemente se destacam com uma certa dissonância em seus arredores, distinguindo-se de forma ousada e às vezes controversa dentro do tecido urbano e cultural. Essas estruturas, frequentemente percebidas como frias ou alienígenas, incorporam um capítulo crítico na história arquitetônica da Itália, elevando o concreto de um mero elemento estrutural a uma poderosa ferramenta de expressão artística e arquitetônica. Suas formas imponentes e superfícies de concreto bruto convidam à reflexão sobre seu impacto visual e sua capacidade de influenciar e transformar radicalmente a paisagem urbana, desencadeando debates contínuos sobre sua integração ou contraste com o ambiente existente.
O brutalismo contemporâneo de Paolo Castagna
A escultura Zoe Brutalist Head de 2024, de Paolo Castagna, representa um exemplo notável de como o brutalismo, originalmente enraizado na arquitetura, encontrou expressão na arte e no design.
O trabalho de Castagna constrói uma ponte eloquente entre o Brutalismo arquitetônico e o escultural, demonstrando poderosamente como princípios inicialmente concebidos para estruturas imponentes podem ser reinterpretados em obras de arte mais pessoais e íntimas. Nessa transição do macro para o micro, Castagna preserva a essência da solidez e autenticidade que torna o Brutalismo um movimento tão provocativo, mas fascinante.
Sua escolha de usar concreto, o próprio símbolo e pilar do Brutalismo, não é coincidência: por meio desse material, o artista explora e comunica uma sensação de força e pureza, transformando cada escultura em um diálogo tangível entre criador e observador. Castagna celebra corajosamente a beleza das imperfeições e o poder expressivo dos materiais industriais, convidando os espectadores a redescobrir o fascínio único das irregularidades da superfície.
Entrada do templo (2023) Escultura de Emmanuel Passeleu
Concreto: da arquitetura romana à escultura contemporânea
De repente, nos encontramos sob o sol escaldante de Roma, em meio a um grupo de turistas cativados pela história e beleza dos monumentos que cercam a Cidade Eterna. Nosso guia, com um tom entusiasmado, nos leva em direção a um dos edifícios mais icônicos e começa a falar:
"O Panteão, uma verdadeira joia arquitetônica da Roma antiga, fica no distrito de Pigna, no coração do centro histórico. Originalmente construído como um templo dedicado a todas as divindades, sua história começa em 27 a.C., quando Marcus Vipsanius Agrippa, genro do Imperador Augusto, o mandou erguer em homenagem à deusa Cibele e outros deuses."
"Blá, blá, blá..."
"Mas você sabe do que o Panteão é feito? Ele é construído principalmente com concreto!"
No entanto, o concreto usado pelos antigos romanos, incluindo o do Panteão, possui características únicas que diferem significativamente do concreto moderno. Um de seus principais ingredientes é a pozolana , uma cinza vulcânica que, quando misturada com cal e água, cria uma argamassa extremamente durável. A pozolana contém sílica e alumina, que reagem com cal na presença de água, formando compostos cimentícios hidráulicos que podem endurecer até mesmo debaixo d'água, garantindo notável durabilidade e resistência às estruturas.
Hoje em dia, o concreto é tipicamente uma mistura de cimento Portland, areia, cascalho e água. Ao contrário da pozolana, o cimento moderno requer queima em temperaturas extremamente altas e não tem as propriedades hidráulicas e de autocura do concreto romano.
Se o concreto mais duradouro do passado era usado quase exclusivamente para propósitos arquitetônicos, o concreto contemporâneo assumiu um novo papel, tornando-se uma linguagem artística mais jovem e expressiva. Ao contrário de materiais tradicionais como mármore ou bronze, somente nas últimas décadas muitos artistas o escolheram como um meio, atraídos por sua plasticidade e materialidade.
Passado e presente na obra escultórica de Emmanuel Passeleu
Uma obra escultórica contemporânea que também relembra a conexão histórica entre concreto e arquitetura é "Entrada para o Templo" (2023) de Emmanuel Passeleu. Esta escultura combina elementos arquitetônicos essenciais com uma estética minimalista e visionária, sua forma representando uma seção de um templo imaginário onde escadas, arcos e aberturas evocam as geometrias puras e funcionais da arquitetura clássica. O concreto, com sua textura crua e natural, torna-se não apenas um meio expressivo, mas também uma ponte conceitual entre o passado e o presente, evocando a solidez e a atemporalidade de construções antigas.
planeta stroemender (2022) Escultura de Nikolaus Weiler
Alumínio entre o modernismo, a pop art e a reciclagem
O alumínio é um material relativamente novo na arte. Embora os artistas tenham usado metais desde os tempos antigos, o que nos interessa só se tornou disponível depois que Hans Christian Ørsted o isolou pela primeira vez na década de 1820. No entanto, foi somente com o desenvolvimento do processo Hall-Héroult em 1886 — que reduziu drasticamente os custos de produção — que o alumínio se tornou amplamente acessível para aplicações mais amplas.
Qual foi um dos primeiros usos do alumínio na arte?
O primeiro uso artístico conhecido do alumínio remonta a 1893 com Anteros , uma escultura de Alfred Gilbert feita inteiramente de alumínio. Localizada no topo da Shaftesbury Memorial Fountain em Piccadilly Circus, Londres, a obra homenageou o Conde de Shaftesbury, um filantropo vitoriano, e se tornou um símbolo de inovação tecnológica.
Com sua crescente acessibilidade no início do século XX, o alumínio se tornou um material favorito no Modernismo. Na década de 1930, Alexander Calder começou a usar folhas finas de alumínio para seus famosos móbiles , esculturas cinéticas leves que se movem com correntes de ar. Ele explorou a leveza e a flexibilidade do material para criar obras que pareciam desafiar a gravidade, introduzindo uma nova maneira de conceber a relação entre arte e espaço.
Na década de 1960, o escultor abstrato Bill Barrett começou a usar alumínio para obras de grande escala. Sua escultura Hari IV , com mais de 10 metros de altura, dá as boas-vindas aos alunos na entrada da New Dorp High School em Staten Island, demonstrando como o alumínio pode ser usado para criar obras monumentais que permanecem leves e elegantes.
Mais tarde, o alumínio não era mais considerado apenas um material, mas também um símbolo de modernidade, produção em massa e consumismo. Isso o tornou irresistível para artistas pop, incluindo James Rosenquist, que incorporou o alumínio em sua obra The F-111 .
Por fim, é fundamental destacar como o alumínio, com sua infinita reciclabilidade, continua a inspirar muitos artistas que experimentam reaproveitar objetos descartados para criar obras de arte sempre novas.
Escultura Contemporânea: Alumínio e as Geometrias Abstratas de Nikolaus Weiler
A escultura Stroemender Planet (2022) de Nikolaus Weiler é uma obra de alumínio que se distingue pelo seu forte impacto visual e conceitual, caracterizada por uma interação harmoniosa entre forma, material e dinamismo.
O título sugere uma ideia de movimento contínuo, dinamismo e transformação — temas centrais na prática artística de Weiler. A escultura explora o conceito de fluxo e mudança, possivelmente representando o ciclo da vida, a evolução constante da energia ou a interconexão entre elementos naturais e artificiais.
A obra combina alumínio e madeira, dois materiais com características contrastantes que dialogam harmoniosamente. O alumínio, com seu acabamento polido e cor prata, evoca modernidade, leveza e tecnologia. Em contraste, a madeira, com sua textura quente e orgânica, remete à natureza e à tradição. A escolha dos materiais ressalta a tensão entre o artificial e o natural, o rígido e o fluido — elementos fundamentais no conceito artístico de Weiler.
Boa Pop-Art! : L'imperatore Pop (2024) Escultura de Achab
Plástico: Um "Novo" Material para a Arte
Imagine andar por um museu, cercado por esculturas contemporâneas. Uma delas captura sua atenção: uma figura sinuosa com formas fluidas e cores vibrantes que quase parecem artificiais. Você se aproxima, tentando adivinhar de que material ela é feita. Mármore? Vidro? Resina? Então você lê o rótulo: plástico.
Um material frequentemente considerado mundano e comum, mas que, nas mãos de artistas visionários, se tornou uma ferramenta de criatividade extraordinária. O plástico se estabeleceu como uma presença fundamental na arte contemporânea, abrindo novas possibilidades expressivas e mudando a maneira como percebemos a relação entre arte, materiais e nosso mundo.
Introduzido na segunda metade do século XIX com a invenção do celuloide, o plástico experimentou um boom de produção durante o século XX, graças à descoberta de materiais sintéticos como PVC, polietileno e plexiglass. Sua leveza, maleabilidade e capacidade de assumir praticamente qualquer forma e cor o tornam um material extraordinariamente versátil, adequado tanto para obras monumentais quanto para detalhes esculturais intrincados.
Diferentemente de materiais tradicionais como mármore ou bronze, o plástico representa uma ruptura com o passado. É um símbolo do progresso tecnológico e da era contemporânea, mas também carrega um aspecto crítico: seu impacto ambiental. Esse duplo significado — inovação e preocupação ecológica — faz dele o material perfeito para artistas que buscam refletir sobre o nosso tempo.
A reinvenção de Napoleão na Pop Art de Achab
"Buona'Pop-Art! The Pop Emperor" , uma escultura de Achab, é um tributo ousado e contemporâneo, reinterpretando uma das figuras mais icônicas da história de uma maneira minimalista, simbólica e altamente inspirada no Pop. Quem?
Napoleão Bonaparte!
A escultura se destaca pelo seu design geométrico e estilizado. O rosto de Napoleão é reduzido a uma essência quase abstrata, com formas angulares que lembram bustos clássicos, mas radicalmente simplificadas. A cabeça é encimada por seu icônico bicorne preto, um símbolo imediatamente reconhecível do imperador, aqui representado de forma essencial e modernizada.
No centro da peça, um enorme coração vermelho domina a composição, posicionado onde um busto tradicional estaria. Essa escolha de forma e cor sugere paixão, poder e humanidade, destacando a dimensão emocional e simbólica da figura histórica. A escultura é completada por uma base azul escura, fornecendo estabilidade visual e adicionando profundidade ao design geral.
As cores — preto, branco, vermelho e azul — não são aleatórias. Elas refletem uma combinação de força, ousadia e modernidade, utilizando uma linguagem cromática universal que evoca a bandeira francesa, ao mesmo tempo em que ressoa com a Pop Art por meio de sua vibração e simplicidade.
Idade do Ferro (2024) Escultura de Roman Rabyk
Os efeitos extraordinários da resina
No final da jornada museológica acima mencionada, diante da última obra exposta, o olhar se fixa em uma escultura incomum. Sua superfície parece brilhante, quase líquida, com formas que parecem flutuar no espaço. Sua transparência e nuances cromáticas a tornam ambígua — poderia ser vidro ou cerâmica, talvez até metal? Então, lendo o rótulo, descobre-se que é feita de resina, um material que tem cada vez mais encontrado seu lugar na arte contemporânea.
Resina é uma substância orgânica, natural ou sintética, que pode se solidificar em um material durável e resistente por meio de processos químicos específicos. Enquanto no passado era usada principalmente na indústria ou no artesanato, hoje conquistou o mundo da arte devido à sua versatilidade. Resinas sintéticas, como epóxi, poliuretano ou poliéster, oferecem oportunidades ilimitadas para experimentação.
Artistas contemporâneos escolheram a resina precisamente por sua capacidade de criar efeitos extraordinários. Com ela, eles podem produzir obras translúcidas e luminosas que refratam a luz como vidro ou superfícies lisas e reflexivas que lembram metais polidos. A capacidade de misturar pigmentos e materiais diferentes fornece uma gama infinita de tons e jogo de cores. Além disso, a leveza e a resistência da resina a tornam ideal para criar obras em grande escala sem o peso e a fragilidade associados a materiais mais tradicionais.
E a sustentabilidade?
Como a resina é predominantemente sintética, as versões tradicionais podem não ser ecologicamente corretas. No entanto, nos últimos anos, a pesquisa desenvolveu novas alternativas, como resinas de base biológica ou materiais reciclados, capazes de reduzir o impacto ambiental sem comprometer a qualidade artística. Mais e mais artistas estão adotando soluções ecologicamente corretas, experimentando novas técnicas para mesclar inovação com sustentabilidade.
Busto de resina de Roman Rabyk
A escultura Iron Age de Roman Rabyk representa uma jornada emocional e simbólica pelos eventos dramáticos que moldaram a Ucrânia contemporânea. Criada com uma combinação de resina de poliéster, metal, acrílico e verniz, a escultura incorpora uma reflexão profunda sobre conflito, resiliência e identidade nacional.
O busto retrata um rosto humano marcado por uma rede de texturas e incisões, evocando feridas, cicatrizes e fragmentos da história recente. A aparência bruta e metálica da superfície se entrelaça com a transparência e a sobreposição da resina, sugerindo uma sensação de transformação e resiliência. A escolha dos materiais — um diálogo entre o peso e a solidez do metal e a flexibilidade da resina — simboliza tanto a força interior quanto a fragilidade humana diante da violência e da mudança.
Por fim, a escultura parece incorporar a transição de uma Idade do Ferro metafórica para uma era de renovação e reflexão. A dureza do metal representa a brutalidade e a tensão da realidade, enquanto o uso de resina e verniz sugere a possibilidade de cura e transformação. Os detalhes do rosto, emergindo como relíquias de emoções profundas, convidam o observador a contemplar a experiência humana em tempos de crise.
Olimpia Gaia Martinelli
