Como as mulheres artistas estão redesenhando a paisagem artística em Artmajeur

VOCÊ INESQUECÍVEL (2024)Pintura de Chantal Proulx

No vasto universo da arte, a presença da mulher percorreu um caminho tortuoso e profundamente evolutivo. Historicamente, as mulheres têm sido frequentemente excluídas dos círculos artísticos dominantes, relegando as suas contribuições a papéis marginais ou confinando-as ao anonimato. Somente nos últimos séculos, através de lutas incansáveis pela emancipação e reconhecimento, as artistas femininas começaram a reivindicar o seu merecido espaço no mundo da arte.

A transição da obscuridade para a afirmação tem sido um percurso desafiante, marcado por barreiras socioculturais que têm impedido as mulheres de expressarem livremente o seu talento. As restrições acadêmicas e o acesso limitado aos mecenas, antes prerrogativas exclusivamente masculinas, foram obstáculos significativos que retardaram a ascensão das mulheres no mundo da arte. No entanto, a partir do século XX, as contribuições das mulheres começaram a ser mais amplamente reconhecidas, em parte graças ao surgimento de movimentos pelos direitos das mulheres, que promoveram uma maior igualdade de género.

Hoje, graças a plataformas como Artmajeur, assistimos a uma representação cada vez mais equilibrada e diversificada, onde artistas femininas operam com maestria em todos os meios artísticos. Pintura, escultura, fotografia, desenho, colagem, arte têxtil e arte digital são apenas alguns dos campos em que as mulheres deixaram e continuam a deixar uma marca indelével.

Nestes mesmos campos, os artistas da Artmajeur representam uma gama excepcional de talentos, explorando e transformando vários meios de comunicação, demonstrando como a arte pode ser uma ferramenta poderosa de expressão e mudança. Com cada trabalho, desafiam as percepções tradicionais e expandem os horizontes do que é possível, confirmando o papel crucial das mulheres na definição e renovação contínua do panorama da arte contemporânea.

Agora estamos prontos para explorar a perspectiva feminina através de diferentes mídias, analisando e comparando obras de pintoras, escultoras, fotógrafas e outros artistas no Artmajeur. Pronto, pronto, vá!

Três pintores que estão reescrevendo a arte

Começando pela pintura, examinamos as abordagens únicas à criatividade de três artistas excepcionais, cada um com uma visão distinta. Esta mesma análise será estendida à escultura e à fotografia, onde exploraremos diversas expressões artísticas através de obras de outros talentosos criadores. Para as outras disciplinas – desenho, colagem, arte têxtil e arte digital – selecionaremos um representante para cada uma, destacando seu impacto único.

ESPELHAMENTO (2023)Pintura de Agnese Kurzemniece

QUANDO SUA CABEÇA ESTÁ NAS NUVENS (2023)Pintura de Agnes Kurzemniece

PÔR DO SOL TROPICAL (2024)Pintura de Nataliia Sydorova

LINHAS (2024)Pintura de Naoko Paluszak

Chegamos agora à comparação entre duas pinturas abstratas: “Tropical Sunset” (2024) de Nataliia Sydorova e “Threads” (2024) de Naoko Paluszak .

Em relação a Nataliia Sydorova , a pintora ucraniana contemporânea fez uma representação vívida de um pôr do sol tropical na tela, usando uma explosão de tons laranja, rosa e azul. Esta pintura a óleo reflete a inspiração extraída das obras de Gerhard Richter, onde texturas ricas e cores brilhantes se misturam para evocar a luz quente do sol. Da mesma forma, a abordagem de Sydorova é fortemente influenciada por artistas como Mark Rothko e Cy Twombly, conhecidos por sua maestria na manipulação de cores fortes, como fica evidente em "Tropical Sunset". Além disso, além do acento lúdico da cor, esta pintura pretende irradiar bom humor e inspiração, transformando energeticamente os ambientes onde está inserida.

Quanto à exploração abstrata de Naoko Paluszak , premiada artista japonesa residente nos Estados Unidos, seu trabalho está encapsulado em "Threads", uma peça em acrílico que explora de forma inovadora as peculiaridades do Expressionismo Abstrato. Isto assume a forma de linhas coloridas, intrinsecamente entrelaçadas, mas claramente formadas, criando uma imagem que nos impressiona pela sua capacidade de evocar emoções e memórias intensas, muitas vezes emaranhadas e presas no nosso subconsciente. Falando em formação, a formação de Paluszak como designer gráfica enriqueceu distintamente a sua arte com um dinamismo emocional peculiar, por vezes quase tangível.

Assim, ambos os artistas, embora trabalhem em estilos pessoais e distintos, partilham uma propensão para o uso ousado da cor e uma tendência para a abstracção, convidando os espectadores a interpretar as obras de formas profundamente pessoais. Enquanto Sydorova se concentra numa abstração inspirada em fenómenos naturais, Paluszak explora a tensão entre abstrato e figurativo, criando formas que desafiam a percepção visual tradicional.

Duas Vozes no Mundo da Escultura

Tendo explorado a pintura, mergulhamos agora no mundo da escultura, destacando a contribuição das mulheres através das obras de duas talentosas escultoras - Ielizaveta Portnova e Joanna Zakrzewska-Cholewa.

PLAISIR (2023)Escultura de Ielizaveta Portnova

AINSI VA LA VIE (2023)Escultura de Ielizaveta Portnova

Falando em Ielizaveta Portnova , mergulhamos no mundo de uma escultora ucraniana que fez da inovação e da experimentação os pilares da sua arte. Residente em França, Portnova redefiniu as fronteiras da arte cerâmica, combinando técnicas tradicionais com explorações ousadas e criativas. Sua habilidade em moldar argila com as mãos se funde com o uso de óxidos, barbotinas e esmaltes para adicionar profundidade e complexidade visual às suas criações, que muitas vezes incorporam materiais orgânicos e inorgânicos em um jogo de ambiguidade que desafia as percepções do público.

As obras de Portnova também estão profundamente enraizadas em inspirações naturais e arqueológicas, criando um universo distinto que reflete texturas que pretendem aludir a camadas de rochas ou fósseis erodidos, manifestando uma fragilidade intrínseca e imprevisibilidade semelhante aos caprichos da natureza.

Centrando-nos agora nas esculturas “Plaisir” (2023) e “Ainsi Va La Vie” (2023), notamos uma fascinante evolução temática que reflete não só a arte de Portnova, mas também a sua vida pessoal. Ambas as esculturas foram originalmente modeladas na Ucrânia em 2020 e transportadas para França após o início da guerra, simbolizando uma viagem, tanto física como emocional. "Plaisir" é revestido com decalques que incluem versos de André Breton e partituras de Vivaldi, uma homenagem às memórias felizes de Portnova na Itália e uma afirmação de vida através da criação artística. Da mesma forma, “Ainsi Va La Vie” apresenta um corpo sem rosto, marcado por mudanças e adversidades, também abordado em versos.

Adicionalmente, observando as duas esculturas, podemos imaginar que uma é a continuação da outra, como se a figura de “Plaisir”, inicialmente ereta e composta, num movimento posterior caísse e se torcesse para se tornar “Ainsi Va La Vie”. Esta transição visual entre as obras sugere um fluxo de narrativa e forma que destaca a transitoriedade e a transformação contínua, elementos-chave na exploração artística de Portnova.

Finalmente, a análise acima demonstra não só o domínio técnico de Portnova, mas também o seu compromisso em explorar temas de memória, perda e esperança, estabelecendo um diálogo profundo entre a artista, o seu trabalho e o público. Na verdade, a arte de Portnova convida os espectadores a refletir sobre os desafios pessoais e coletivos, oferecendo um espaço de reconhecimento e catarse.

ACROBATAS DE CIRCO, NO. V/VIII, ALTO 49CM (2024)Escultura de Joanna Zakrzewska-Cholewa

NOVO JOGO, NÃO. EA I/II (2022)Escultura de Joanna Zakrzewska-Cholewa

Falando de Joanna Zakrzewska-Cholewa , encontramos uma escultora polaca nascida em 1976 e formada pela Academia de Belas Artes de Cracóvia. Ela usa principalmente o bronze, trabalhando com a técnica de fundição por cera perdida para criar esculturas que se distinguem pela pureza e pelo peso material do metal.

Aprofundando-se no seu trabalho, as esculturas "Circus Acrobats, No. V/VIII" (2024) e "New Game, No. EA I/II" (2022) representam excelentes exemplos da sua abordagem artística, pois exploram temas de movimento e equilíbrio, obtido através do estudo da forma humana. Quanto aos “Acrobatas de Circo”, a obra retrata figuras em ato acrobático, onde a rigidez da pose e a harmonia das formas são fixadas no bronze. Além disso, esta escultura demonstra uma manipulação habilidosa do metal, criando uma sensação de dinamismo e leveza, apesar do material inerentemente pesado.

Em contrapartida, “New Game” explora o equilíbrio num contexto diferente, onde não é a interação entre figuras humanas que domina a cena, mas sim a ligação entre o homem e um elemento geométrico, o anel. Este trabalho expressa um diálogo entre o corpo e o objeto, explorando como o equilíbrio físico pode ser influenciado e mantido por estruturas externas. O anel não só suporta mas integra-se na dinâmica da figura, sugerindo uma simbiose entre o homem e o meio envolvente, refletindo um jogo de formas que desafia a gravidade e capta um momento de tensão e equilíbrio estético.

Assim, ambas as esculturas enfatizam o movimento, não só físico, mas também emocional e conceptual, convidando o espectador a refletir sobre a natureza do suporte e do equilíbrio nas relações humanas e entre o homem e o seu habitat. Desta forma, Zakrzewska-Cholewa articula visualmente a importância da confiança e do equilíbrio, tanto no contexto interpessoal como no individual, reforçando a ideia de interação como elemento fundamental para a harmonia e o crescimento pessoal.

Visões de dois fotógrafos

Aprofundamo-nos agora no campo da fotografia, destacando o impacto das mulheres através dos trabalhos de duas fotógrafas distintas: Valera Samarine e Mariska Karto.

SAMARINE VALERA SÉRIE OMBRES PHOTOGRAPHIE F19F (1999)Fotografia de Valera Samarine

SAMARINE VALERA SÉRIE OMBRES PHOTOGRAPHIE FN03F (1996)Fotografia de Valera Samarine

Valera Samarine é uma fotógrafa habilidosa que transforma objetos do cotidiano em verdadeiras revelações visuais. Professora e engenheira experiente, Samarine desenvolveu amplo conhecimento em fotografia em preto e branco e nos fundamentos da composição. As suas obras são apreciadas internacionalmente e figuram em inúmeras colecções públicas e privadas e galerias de prestígio.

Um aspecto distintivo da sua arte manifesta-se na série "Fourchettes" criada entre 1994 e 1999. Esta série explora o objecto comum do garfo com um olhar atento à forma e à luz, reminiscente do trabalho de André Kertész e da sua famosa fotografia "O Garfo " (1928). Kertész, igualmente celebrado pela sua capacidade de elevar detalhes simples à poesia meditativa, influenciou muitos fotógrafos, levando-os a explorar a beleza escondida no quotidiano através do uso cuidadoso de luzes fortes e sombras dramáticas.

As duas obras apresentadas, aliás parte da série "Fourchettes", demonstram o talento de Samarine em captar a dualidade e a tensão entre simplicidade e elaboração. A primeira imagem mostra um garfo projetado sobre um fundo listrado, destinado a criar um jogo de luzes e sombras, acentuando formas geométricas e lineares. Já a segunda fotografia utiliza sombras para transformar o garfo em um objeto de dupla identidade, destacando seu potencial transformador por meio da abstração fotográfica.

DIA DA LAVANDERIA (2021)Fotografia de Mariska Karto

ATAQUE DIVA (2017)Fotografia de Mariska Karto

Mariska Karto , nascida no Suriname e criada na Holanda, combina em suas obras uma rica herança cultural que se estende da América do Sul à Indonésia, da África à Holanda. A sua arte reflecte esta diversidade através de uma fusão única de estilos e temas, mostrando uma forte inclinação para a arte figurativa, representada em formas humanas, integrada com cores, elementos naturais e ambiente. Mariska não se limita a explorar externamente esta estética, mas mergulha na narrativa, aludindo também ao mistério interior das personagens retratadas.

As suas fotografias “Laundry Day” (2021) e “Diva Attack” (2017) encarnam de forma brilhante o estilo da fotógrafa, dando vida a uma representação poderosa e sensual da feminilidade. “Laundry Day” transforma uma cena doméstica comum numa expressão humorística da força feminina, onde os objetos do quotidiano simbolizam a resiliência e a independência das mulheres. Da mesma forma, “Diva Attack” alude, com leveza e gosto um tanto kitsch, a situações e assuntos semelhantes.

Ambas as obras, ao mesmo tempo que apresentam visualmente figuras femininas em posições que podem parecer vulneráveis ou submissas, derrubam estas percepções com um uso inteligente da ironia e do simbolismo, revelando a verdadeira força interior e resiliência das mulheres. Na verdade, com uma mistura de diversão e expressão poderosa, Karto não só capta a aparência exterior dos seus modelos, mas também penetra a sua essência mais profunda, transformando cada fotografia numa poderosa afirmação da força e da beleza das mulheres. Torna-se evidente que as suas obras falam da feminilidade não como fraqueza, mas como uma potente fonte de força, mesmo quando parece enterrada ou escondida sob camadas de contextos quotidianos.

TOMATE NOIRE (2023Desenho de Sylvie Talon

Perfil de uma desenhista

Sylvie Talon é uma artista francesa autodidata especializada em desenhos a lápis e nanquim. Nascida em 1962 em Bayonne, Sylvie instalou o seu atelier numa pequena aldeia de 200 habitantes na fronteira entre Landes e Gers, em França, onde encontra a tranquilidade necessária para se dedicar à pintura e ao desenho, a sua paixão de longa data.

Suas obras, caracterizadas por impecável domínio técnico e cores delicadas, exploram a vida feminina em suas dualidades, aludindo a sonhos, aspirações e conquistas. Os personagens sensuais de Sylvie, muitas vezes retratados em levitação, envolvem o espectador em uma atmosfera onírica, criando um mundo de delicadeza e intimidade visual.

Um dos seus trabalhos mais recentes, “Tomate Noire” (2023), é um esplêndido exemplo do seu talento em captar a beleza única da natureza. Este desenho, feito a lápis sobre papel, retrata um lindo tomate preto colhido em sua horta. Apesar do título, a cor desta fruta é um vermelho profundo, reproduzido com uma precisão que realça a sua forma extraordinária e original, dando-lhe vida na sua sensualidade.

Esta particularidade da fruta lembra as obras de Edward Weston, particularmente a sua “Pepper No. 30”, onde o objeto do quotidiano é elevado a um ícone de beleza e forma pura através da arte fotográfica. Da mesma forma, Sylvie Talon transformou um simples tomate numa obra de arte, celebrando a singularidade das formas naturais.

EMANATION 6 (2024)Colagens de Annemarieke Van Peppen

Uma visão artística da colagem

Annemarieke van Peppen é uma artista nascida em 1971 em Rotterdam e formada na Academia de Arte e Indústria (AKI) de Enschede, onde se especializou em moda. Após os estudos, viajou para a Indonésia, Austrália e Malásia, encontrando inspiração e desenvolvendo um estilo artístico pessoal. Seu trabalho abrange colagens, instalações, projetos artísticos impactantes, fotografia, esculturas e roupas, em uma busca constante pela essência humana, mesmo em sua complexidade.

A série “Emanações”, da qual a colagem acima faz parte, reflete sobre o termo “emanação”, significando algo que emerge de uma fonte, manifestando-se em novas formas, para explorar a essência da experiência humana através da criação de novas identidades. O objetivo é simbolizar a busca contínua pela autodescoberta e pelo crescimento. Esta abordagem funciona como um espelho para a artista, convidando à introspecção e à reflexão, narrando também o seu processo pessoal de reinvenção e aceitação relativamente ao constante fluxo de mudança e evolução.

Em relação a “Emanations 6”, a colagem apresenta um retrato em tons de cinza composto por numerosos pequenos pedaços de fibra têxtil colados sobre uma superfície de madeira. As partes individuais do trabalho são meticulosamente organizadas para formar uma imagem coesa e detalhada do rosto de uma pessoa, com especial atenção à gradação de tons e texturas para alcançar uma representação realista. Além disso, o tecido sobreposto cria uma superfície única e texturizada que aumenta a profundidade visual e a complexidade do retrato. Por fim, fica evidente que a obra combina elementos do retrato tradicional com técnicas contemporâneas de colagem, mostrando a habilidade do artista na manipulação de materiais para evocar emoções e significados.

COMPOSIÇÃO DE VASO VI'24 (2024)Arte têxtil de Milena Paladino.

Inovação Têxtil por Mulheres

Milena Paladino , nascida na Polónia em 1985, formou-se em História da Arte pela Universidade Adam Mickiewicz em Poznan antes de se mudar para Itália para prosseguir a sua paixão pela arte. A busca pelo meio expressivo ideal a levou a se especializar em trabalhos têxteis, utilizando a técnica punch needle.

Suas criações são caracterizadas por composições simples e delicadas que exploram forma e proporção através da natureza morta. Guiada pela busca pela essência e pela pureza formal, Milena aspira à harmonia e à proporção nítidas, resultando em trabalhos minimalistas e sensuais. Trabalhando com tecidos naturais como a lã ou a alpaca, Milena transmite os seus trabalhos com um forte impacto visual e uma qualidade táctil, permitindo ao espectador satisfazer múltiplos sentidos.

Da mesma forma, “Vase Composition VI'24” (2024) exemplifica a arte de Paladino, moldando uma combinação de figuras e materiais onde o arranjo têxtil explora de forma inovadora a textura e a cor. Neste contexto, a técnica punch needle, juntamente com materiais naturais, cria uma superfície mais uma vez rica em variações visuais e táteis.

DEEP SOUL 138 (2023)Arte digital de Laurence Verney

O futuro digital é feminino

Laurence Verney é um artista francês nascido em 1962, cujo universo artístico hoje se expressa através da arte digital. Verney adora dar vida às ilusões, por isso o material, a textura, a profundidade, o movimento e o contraste em suas obras geram uma força expressiva que dá sentido às suas imagens e estimula a imaginação. Neste sentido, também desempenha um papel a qualidade misteriosa da luz, capaz de evocar emoções profundas e conferir esplendor e vibração aos temas explorados.

Falando em ilusão Laurence Verney se inspira na arte óptica de Victor Vasarely bem como na abstração de Pierre Soulages na fotografia em preto e branco de Edward Weston e nas imagens efêmeras de grandes cidades criadas por Ernest Pignon-Ernest e JR. Esses mestres influenciam sua pesquisa criativa, que também se inspira na espontaneidade da arte de rua.

A arte digital "Deep Soul 138" (2023) é uma combinação de fotografia digital manipulada, imagens geradas por IA e fotomontagens 2D em alumínio. Foi criado para explorar a essência da experiência humana através do uso de texturas intrincadas e jogos de luz, com o objetivo de criar uma obra quase tangível. Quanto ao rosto retratado, este emerge de um véu etéreo, transmitindo uma sensação de profundidade e introspecção, enquanto a manipulação digital e a utilização de materiais como o alumínio criam uma imagem contemporânea capaz de fundir tradição e inovação.