Natureza morta

A contagem regressiva para o Natal já começou, então não podemos deixar de pensar: as luzes coloridas, a árvore, o presépio, as cores vermelho e dourado, Papai Noel, os presentes e as mesas postas. Na verdade, o dia 25 de dezembro não é apenas o dia em que, além de prometer ser melhor, se trocam presentes entre amigos e parentes, é também uma oportunidade para colocar mesas ricas em torno das quais toda a família se reúne. Como resultado, nos dias que antecedem o Natal, os mercados de alimentos lotam de pessoas, preparando-se para organizar farras memoráveis. No mundo da arte, banquetes e mercados têm sido objetos pictóricos amplamente investigados, e dentre os muitos destacam-se: o Banquete de Bodas de Cupido e Psiquê de Rafael e o Mercado Vucciria de Renato Guttuso. Apesar desses exemplos, no entanto, a mais famosa associação entre arte e comida tomou a forma de naturezas-mortas, representações pictóricas de objetos inanimados, cuja popularidade se espalhou especialmente entre o final do século XVI e o início do século XVII, épocas em onde se impôs o gosto por temas menos exigentes em relação aos tradicionais, como: pintura histórica, retratos e pintura de paisagem. O maior desenvolvimento da representação pictórica de objetos inanimados ocorreu no norte da Europa, uma vez que a religião protestante havia proibido retratar assuntos religiosos. Na Itália, no entanto, o primeiro a tornar famoso o gênero da natureza morta foi Michelangelo Merisi, conhecido como Caravaggio.

Rafael, Banquete de casamento de Cupido e Psique , 1517 cerca. Fresco, Roma: Villa Farnesina.

Renato Guttuso, Vucciria , 1974. Óleo sobre tela, 300 × 300 cm. Palermo: Palazzo Steri.

Caravaggio, Cesto de Frutas , 1597-1600. Óleo sobre tela, 46 × 64 cm. Milão: Pinacoteca Ambrosiana.

Caravaggio: Cesta de Frutas

A Canestra di Frutta de Caravaggio (Cesta de Frutas) é considerada o incunábulo do gênero natureza morta na arte italiana, porque antes dessa obra-prima, objetos inanimados eram representados apenas como simples ornamentos e decorações. Consequentemente, a obra de Merisi, em que a fruta é protagonista, confere uma nova dignidade a este género, elevando-o ao nível da pintura figurativa. O que foi dito deve-se seguramente também ao talento pictórico do artista, que soube realizar uma investigação real e realista do assunto retratado, a ponto de relatar até mesmo suas imperfeições. Quanto à descrição da pintura, no centro da obra é colocado um cesto de vime trançado, onde, no seu interior, são colocados frutos de vários tipos. Este assunto, dentro de um fundo nu e neutro, repousa sobre um plano de madeira visível apenas em suas extremidades, que corre paralelamente ao olhar do espectador. Em contraste com a simplicidade do cenário, a fruta foi pintada com precisão magistral, de modo que seus mínimos detalhes e defeitos, como buracos e poeira, sejam visíveis. Finalmente, ao representar as coisas simplesmente como elas aparecem para nós e sem nenhum filtro, Caravaggio revolucionou a forma como a natureza morta é retratada.

Giorgio Morandi, Natureza-Morta , 1920. Óleo sobre tela, 60,5 × 66,5 cm. Milão: Galeria de Arte Brera.

Giorgio Morandi: Natureza morta , 1920

Outro pintor italiano que, depois de Caravaggio e muitos outros, contribuiu para a popularidade do tema da natureza morta, graças ao seu estilo muito pessoal, foi Giorgio Morandi. A grande sensibilidade de Morandi, enriquecida pelo estudo dos grandes mestres, incluindo especialmente Paul Gauguin, foi capaz de transformar a representação pictórica da natureza morta em uma elegia sobre a existência. De fato, as obras de Giorgio Morandi, introspectivas e espirituais, permitiram ao artista cavar a superfície do visível, a fim de buscar algo superior e supremo. Os principais temas das naturezas-mortas de Morandi são garrafas, vasos, caixas, tigelas, jarras e lamparinas, ao lado dos quais, em algumas ocasiões, também são colocadas frutas ou alimentos. Todos esses componentes escondem significados mais profundos, pois o artista, que lutou contra o efêmero e o supérfluo, atribuiu às suas obras um estudo quase sagrado e uma ritualidade de execução. Portanto, as naturezas-mortas de Morandi não são representações assépticas da realidade, mas testemunhos de uma verdade mais profunda, que foi até a essência das coisas. De fato, os objetos, carregados de poder evocativo, povoam suas telas, sempre ocupando um espaço muito preciso, fruto de um longo e articulado processo criativo. Em Natura morta de 1920, os objetos típicos da obra de Morandi, como garrafas e vasos, deixam um lugar marginal para as frutas, que novamente parecem ser tratadas como ornamento, relegadas apenas a determinados espaços da pintura.

Nataliya Bagatskaya, Just tender peaches , 2021. Acrílico/placa sobre tela, 80 x 100 cm.

Nataliya Bagatskaya: Apenas pêssegos macios...

A natureza morta ainda é um tema central na pesquisa pictórica de artistas de todo o mundo, tanto que a coleção de Artmajeur está repleta de obras dedicadas a esse gênero. Por exemplo, a pintura a óleo de Nataliya Bagatskaya retrata, com realismo impressionante, pêssegos que, exceto um, estão contidos em um saco plástico. É precisamente este último detalhe que faz com que a obra do artista de Artmajeur apareça como um "remake" contemporâneo da Natureza-Morta com Pêssegos e Folhas de Videira do lombardo Ambrogio Figino (1591-94). Nesse sentido, vale destacar que foi justamente na Lombardia, região do norte da Itália, que surgiram os primeiros exemplos italianos de natureza morta autônoma, ou seja, totalmente desvinculada de contextos figurativos de outros tipos, que, muito provavelmente, serviram como modelo para a Canestra de Caravaggio.

Josep Maria Fontanet Sureda, Mig canal de vedella , 2018. Óleo sobre papel, 75 x 55 cm.

Josep Maria Fontanet Sureda: Mig canal de vedella

A natureza morta com carcaça de Fontanet Sureda, artista de Artmajeur, retrata um assunto caro à história da arte, tanto que artistas como Rembrandt, Soutine, Chagal e Bacon a imortalizaram, tornando-a icônica. A carcaça do artista de Artmajeur, pelo seu hiper-realismo, aproxima-se mais daquela feita, em 1655, por Rembrandt e intitulada Boi Abatido . Nesta última pintura, a localização espacial do sujeito pictórico, juntamente com a presença de uma mulher de frente para a porta, parecem insignificantes em comparação com a grandeza do corpo morto, que é iluminado pela esquerda, em uma atmosfera de penumbra caravaggio. . Ao contrário do trabalho de Rembrandt, o de Fontanet Sureda, que carece de uma colocação espacial do sujeito e dos personagens pictóricos, concentra-se exclusivamente em realçar as características da carcaça. Por fim, a interpretação muito pessoal do artista de Artmajeur, distingue-se da obra-prima do mestre holandês pela disposição da luz que, neste caso, se distribui uniformemente sobre o tema pictórico investigado.

Art'Mony, Croquez la vie , 2021. Resina acrílica e colagem, 35 x 30 x 30 cm.

Art'Mony: Croquez la vie

Na escultura do artista Artmajeur Art'Mony, a maçã, retratada no estilo caro à pop art, é tratada como um ícone, como se fosse um objeto ou uma personalidade popular na sociedade de consumo. Além disso, a mordida, presente na superfície da obra, poderia aludir ao logotipo da Apple, catapultando-nos diretamente para o mundo contemporâneo. Por outro lado, no que diz respeito à história da arte, uma famosa escultura, representando uma maçã e intitulada A Maçã Reintegrada , foi criada em 2015 por um conhecido expoente da arte povera, Michelangelo Pistoletto. Esta obra, que encontrou seu lugar dentro da famosa praça da estação de Milão, traz uma grande cicatriz em sua superfície, como se, depois de mordida, tivesse sido reparada pelo artista. Por fim, a escultura do artista italiano também esconde um significado simbólico, pois, a mordida, agora escondida, representaria o desprendimento do ser humano em relação à natureza, o que favoreceu o nascimento de um mundo artificial.