As naturezas mortas são um exercício tão fascinante quanto enigmático para os artistas. Fascinante pela técnica, pois muitos pintores têm "feito a mão" nestas pinturas de gênero, fáceis de perceber porque não exigem modelos, nem longas horas de poses, mas também porque podem ser pintadas diretamente no ateliê, muitas vezes até à luz de velas.
Vincent van Gogh, Sunflowers (F456) , 1888. Neue Pinakothek, Munich, Germany.
Acima de tudo, muitas naturezas mortas revelam-se particularmente misteriosas, porque contêm significados mais profundos do que uma simples representação de objetos inanimados . Embora muitas vezes esquecidas, as naturezas mortas são o legado das vanitas , aquelas pinturas de gênero que nos lembram a passagem inevitável do tempo e a natureza perecível das coisas que amamos. Na pintura, uma fruta danificada pode ilustrar uma morte, e um girassol em flor pode representar melancolia .
Então, quais são as naturezas mortas mais famosas da história da arte?
1. Fede Galizia, Still Life (ca. 1610)
Fede Galizia, Still Life, por volta de 1610. Coleção particular.
E se começássemos devolvendo um pouco de justiça à história da arte? Pode ser uma surpresa, considerando o lugar deixado para as mulheres na epopeia artística dos últimos séculos, mas o surgimento da natureza-morta como um estilo distinto é principalmente o resultado de uma forte vontade feminina .
Mulher? Não, mulheres . Foi no início do século XVII que floresceram as primeiras experiências reais com naturezas mortas, no sentido moderno do termo (longe das velhas vaidades) , significando composições de objetos inanimados, geralmente frutas, alimentos, utensílios e animais.
Fede Galizia, Natureza morta com maçãs em uma tazza de majólica, com nêsperas e groselhas brancas , ca. 1612. Localização desconhecida.
Naquela época, as naturezas mortas não eram depreciadas, mas coexistiam com outros gêneros tradicionais: pinturas mitológicas e religiosas , retratos ou paisagens . No entanto, os pintores pintaram principalmente retratos (porque eram pagos para isso), depois pinturas mitológicas e religiosas (porque os tornou famosos), e gradualmente abandonaram vaidades, naturezas mortas e paisagens que não lhes trouxeram fama nem fortuna. A Europa está em plena efervescência artística, da Holanda à Itália, passando pela França, muitos locais artísticos fervilham de talentos de todos os tipos. Dentre essas artistas, três mulheres vão se desvincular do bom senso para dedicar o máximo de sua criatividade à realização de naturezas-mortas .
Mas quem são essas Meninas Superpoderosas de naturezas mortas?
Primeiro, em Milão (Itália), Fede Galizia cria uma série de deliciosas cestas de frutas. A alguns milhares de quilômetros de distância, uma de suas contemporâneas, Clara Peeters , que mora em Antuérpia (Holanda), floresce em meio a centenas de naturezas-mortas representando mesas postas para refeições copiosas e refinadas. Finalmente, alguns anos depois, por volta de 1630, a artista francesa Louise Moillon também produziu inúmeras naturezas-mortas no estilo de Fede Galizia.
Clara Peeters, Natureza morta com prata dourada tazza , 1613. Coleção particular.
Essas três mulheres inegavelmente popularizaram este gênero em toda a Europa, tanto com colecionadores quanto com outros artistas. No entanto, são os seus homólogos masculinos, que chegaram mais tarde, que têm um lugar de eleição na história da arte. Façamos hoje justiça a estas três mulheres injustamente esquecidas apesar do seu trabalho pioneiro, que merece ser redescoberto .
Louise Moillon, Still Life with Basket of Fruit and Asparagus, 1630. Art Institute of Chicago.
Se a reabilitação de mulheres artistas na história da arte é um assunto que toca seu coração, confira nossos artigos dedicados: 4 mulheres extraordinariamente duras que mudaram a história da arte (muito patriarcal) e 4 mulheres artistas ofuscadas pela fama de seus maridos .
2. Jean-Siméon Chardin, The Ray (1728)
Jean Siméon Chardin, The Ray , 1728. Museu do Louvre, Paris.
Para seus contemporâneos, Jean-Siméon Chardin foi considerado um mestre absoluto do gênero , notadamente por sua habilidade técnica e composições surpreendentes. Esta obra de arte, em exibição no Museu do Louvre, é um testemunho convincente de sua eficiência pictórica.
Nesta composição, descobrimos uma pequena bancada de madeira sobre a qual estão dispostos vários objectos: utensílios de cozinha e recipientes encontram-se ao lado de um gato, carcaças de peixe e ostras. Acima dessa estranha desordem, uma parede de tijolos impõe sua meia-luz e um raio, no centro da obra, é sustentado por um gancho de metal .
Por que essa bagunça? Esse emaranhado de objetos inanimados (além desse felino intrépido) permite ao artista expressar sua vontade pictórica com mais liberdade : aqui, por exemplo, ele escolhe uma construção piramidal para estruturar a composição. A pirâmide central é obviamente representada pelo raio, então duas outras pirâmides inferiores são reveladas em cada lado do animal: uma atinge o topo na ponta da cauda do felino, a outra na ponta da concha colocada em equilíbrio no molde panela de ferro.
A toalha de mesa branca cria uma dualidade no centro da obra de arte e divide a composição em duas . Por fim, as entranhas visíveis do raio trazem uma brutalidade surpreendente à obra: assim dispostas, sua estranha expressão facial nos encara e nos incomoda. Chardin nos afasta do romantismo com essa arraia estripada, que é tão sinistra quanto perturbadora .
3. Edouard Manet, Bunch of Asparagus and The Asparagus (1880)
Edouard Manet, Bunch of Asparagus , 1880. Wallraf – Richartz Museum, Cologne, Germany.
Aqui está uma história pouco convencional no mundo da arte e uma anedota engraçada para brilhar na sociedade. Essas duas naturezas-mortas são uma e a mesma e são mais conhecidas pela história por trás de sua criação do que por suas qualidades estéticas puras.
Era uma vez, em 1880, um colecionador de arte e bom amigo dos impressionistas: Charles Ephrussi . Ele decidiu contratar seu artista favorito, Edouard Manet, para pintar uma natureza-morta representando um monte de aspargos. Ele ofereceu-lhe 800 francos pela obra de arte . Manet aceitou, pintou os aspargos e mandou o resultado para seu patrono. Depois de recebê-lo, é um espanto: Charles Ephrussi adora o quadro , ficou encantado com este magnífico cacho de aspargos e dá 1000 francos a Manet (ou seja, 200 francos a mais do que o esperado). O artista então decidiu oferecer a este generoso patrono outra natureza morta - Os Aspargos - acompanhada do seguinte comentário: “ Faltava um no seu ramo”. .
Edouard Manet, A Sprig of Asparagus , 1880. Musée d'Orsay, Paris, França.
Isso bastou para que uma obra de arte aparentemente insignificante se tornasse uma lenda na história da Arte Moderna. Hoje, as duas obras estão separadas: uma está no Musée d'Orsay em Paris, a outra no City Museum de Colônia, mas por serem ambas tão intimamente relacionadas, esperamos de todo o coração que um dia venham juntos .
4. Paul Cézanne, Still Life with Skull (ca. 1898)
Paul Cézanne, Still Life with Skull , por volta de 1898. Barnes Foundation, Philadelphia.
Como podemos falar das naturezas mortas mais famosas da história da arte sem falar do indiscutível mestre deste exercício estilístico: o estranho e fascinante Paul Cézanne . Este artista, apaixonado pelo Sul da França, realizou várias centenas de naturezas mortas ao longo de sua carreira, todas mais sublimes que as outras.
Para Wassily Kandinsky , Cézanne "elevou a natureza-morta a tal ponto que deixou de ser inanimada. Ele pintou essas coisas como seres humanos porque recebeu a capacidade de adivinhar a vida interior de tudo" . Uma bela homenagem a este pintor apaixonado, que se dedicou a analisar a pintura sob o prisma da matemática.
P aul Cézanne, The Basket of Apples, ca. 1892. Art Institute of Chicago.
Se as maçãs de Cézanne são tão fascinantes, é porque ele as viu como esferas e cilindros, e não como simples objetos de representação. Se as suas composições são tão naturais é porque não são feitas de linhas e formas, mas sim da alquimia dos contrastes. A forma é criada por meio de uma concordância exata de tons, e se essa coordenação for harmoniosa, então a pintura se faz . Na linguagem dos artistas, "modelar" significa, acima de tudo, "modular" . A obra de Cézanne é parte essencial da história da arte, prenunciando as principais tendências artísticas do século 20, notadamente o cubismo .
5. Georges Braque, Violin and Candlestick (1910)
Georges Braque, Violin and Candlestick , 1910. Museu de Arte Moderna de São Francisco.
Foi com Pablo Picasso que Georges Braque cofundou o cubismo , o estilo artístico dominante do século XX. O cubismo é um movimento artístico que se caracteriza principalmente pelo abandono da perspectiva clássica , pela quebra das formas em diferentes facetas geométricas (o que dá a impressão de "cubos") e pela independência dos diferentes planos da composição. Para dar sentido às suas pesquisas, Braque e Picasso tiveram que produzir obras de arte de acordo com estes processos: Braque primeiro fez paisagens, depois começou a desconstruir o tema tradicional da natureza morta .
Violino e Castiçal é certamente a natureza morta cubista mais famosa da História da Arte . Criado em 1910, faz parte da primeira fase do cubismo, comumente conhecido como cubismo analítico . Aqui, os elementos da composição são representados por formas simples, utilizando múltiplos pontos de vista em um estilo puramente monocromático: o artista utilizou apenas os diferentes tons de uma mesma cor. Com Braque e Picasso, a arte torna-se um exercício lógico e matemático .
Georges Braque, Still Life with Glass and Letters, 1914. MoMA, Nova York.
E é isso, essa classificação acabou, e esperamos que tenham gostado!
Para ir mais longe, você pode ler nosso artigo sobre os autorretratos mais famosos aqui , ou descobrir nossa coleção de naturezas mortas , disponível no Artmajeur aqui .
Bastien Alleaume