A história do nu feminino na pintura

Tsanko Tsankov - Gallery Maestro, Silêncio branco , 2020. Óleo sobre tela, 80 x 110cm.

A história da nudez feminina na arte nunca é a mesma, pois diferentes sociedades e culturas aceitaram cenas de nudez em graus variados ao longo dos séculos e milênios. De fato, a nudez na arte reflete as normas sociais de um determinado tempo e lugar, referindo-se às formas como as coisas são representadas, indelevelmente ligadas à concepção do que é certo ou errado retratar. Em todo caso, embora a nudez seja frequentemente associada à sexualidade mais escandalosa, ela também pode ter outros significados, tanto que está ligada a interpretações derivadas do reino da mitologia e da religião, bem como do estudo da anatomia e da expressão de beleza ideal e perfeição estética. Essas múltiplas abordagens determinaram como o nu feminino foi e continua sendo objeto de diferentes modos de representação na história da arte ocidental.

Jean-Pierre André Leclercq, Courbes 12 , 2008. Desenho, Pastel sobre Cartão, 60 x 80cm.

O nu feminino: entre a arte e a obscenidade

Embora alguns dos tipos de representação do corpo feminino acima mencionados pareçam claramente artísticos e pouco escandalosos, na maioria das sociedades do passado as mulheres, provavelmente por gozarem de menos direitos do que os homens, raramente eram dispensadas de uma representação predominantemente associada à sexualidade. Por isso mesmo, parece provável que somente quando as mulheres conquistaram maiores direitos políticos é que o nu feminino foi oficialmente, e progressivamente, aceito no art. A história da representação do corpo feminino parece, assim, caminhar lado a lado com a da emancipação, cujas etapas foram marcadas figurativamente principalmente pelas artes grega, italiana e francesa. É justamente por esses pontos de vista que ficará evidente como o papel da mulher nua na arte é único, em perpétuo equilíbrio entre arte e obscenidade. Isso significa que quando um artista começa a mostrar uma mulher nua, ele ou ela caminha automaticamente no fio da navalha entre a representação artística e a "pornográfica".

Brigitte Derbigny, Vénus mama , 2020. Desenho, acrílica, spray, lápis e marcador sobre papel. 100 x 70 cm.

1. Pré-história: o nu da fertilidade e o nu "realista"

Na arte paleolítica, a nudez feminina estava intimamente ligada ao culto das divindades da fertilidade. Isso fica evidente nas primeiras representações da forma do corpo humano feminino, chamadas de "Vênus paleolíticas", caracterizadas pelos traços proeminentes de mulheres obesas com quadris e seios largos, que se projetam ou pendem para baixo. A maioria deles data do período aurignaciano e é feita de calcário, marfim ou pedra-sabão. As mais famosas, além da Vênus de Willendorf, são a Vênus de Lespugue, a Vênus de Savignano, a Vênus de Laussel e a Vênus de Doln Vstonice. Por outro lado, por falar em pintura, o nu feminino aparece ainda na arte rupestre, sobretudo no norte de Espanha (área franco-cantábrica) e na bacia do Mediterrâneo, onde os sujeitos femininos são capturados em cenas comunitárias de caça ou rituais e danças. Nestes últimos contextos, as mulheres são imortalizadas de uma forma realista mais simplificada, tal como no exemplo de Tassili n'Ajjer.

A arte rupestre pré-histórica de Tassili N'Ajjer, Argélia. Crédito da foto: Patrick Gruban/Wikimedia.

Pinturas rupestres do Tassili n'Ajjer

O Tassili n'Ajjer é uma cordilheira localizada no sudeste da Argélia, perto da fronteira com a Líbia. Grande parte desse planalto, que abriga ciprestes e sítios antigos, é protegido por um Parque Nacional, uma Reserva da Biosfera e um Patrimônio Mundial da UNESCO. Em termos de nudez feminina, o Tassili n'Ajjer é conhecido por sua arte rupestre, que, datada de 9.000 a 10.000 anos, mostra principalmente rebanhos de feras, grandes animais selvagens como elefantes, girafas e crocodilos e pessoas fazendo coisas como caça e dançando. Nesse contexto, é interessante observar a imagem de cinco mulheres de seios nus, cabelos altos, com físicos extremamente "realistas", tentando descansar e conversar casualmente.

Pictor Mulier, Cleópatra nua com sua oncinha , 2017. Acrílico sobre madeira, 80 x 60 cm.

2. Antigo Egito: beleza a ser levada para a vida após a morte

É importante notar um elemento fundamental da cultura figurativa egípcia antiga: nas obras do período, é bastante raro encontrar mulheres retratadas em seus anos avançados ou maduros. De fato, as personagens femininas eram retratadas esguias, belas e no auge, características que, justamente por terem sido imortalizadas pela arte, esperava-se que pudessem ser assumidas pela efígie ainda na vida após a morte. Em geral, a arte egípcia era tudo menos realista, pois essa civilização estava extremamente preocupada com a forma como era percebida. Na verdade, quase não há imagens de mulheres grávidas ou corpos femininos após o parto, para poder imortalizar exclusivamente pessoas no auge de sua beleza e juventude. No entanto, no Terceiro Período Intermediário, os estudiosos notaram uma mudança no estilo artístico voltado para a representação feminina. Foi justamente nessa época que surgiu um tipo de corpo mais arredondado e encorpado, com seios maiores e caídos. Sobre o corpo descoberto, por outro lado, a nudez era normal naquela época, tanto que certas condições sociais, assim como algumas tarefas específicas, como pesca e trabalhos braçais, exigiam que o corpo fosse despido. Falando em trabalho, servos, dançarinos, acrobatas e prostitutas andavam completamente ou quase nus, como evidenciado pelos "Dançarinos Nus" retratados em uma pintura da Tumba de Nebamun (c. 1350 aC).

Dançarinos e músicos do afresco da tumba de Nebamun, 18ª dinastia. Londres: Museu Britânico.

O túmulo perdido de Nebamun era um antigo cemitério egípcio da 18ª Dinastia, que foi encontrado na necrópole tebana na margem oeste do Nilo, um local hoje identificável com a atual cidade de Luxor (Egito). Deste túmulo vêm algumas famosas cenas de túmulos decorados, que atualmente podem ser admirados no Museu Britânico de Londres. Neste último local é possível admirar as paredes rebocadas daquela tumba, cobertas de vívidos afrescos, mostrando cenas idealizadas da vida da época e suas atividades. Entre eles, algumas das pinturas mais famosas são aquelas que retratam cenas de caça e dançarinas seminuas em um banquete.

Monika Mrowiec Monika Mrowiec, Vênus de Milo , 2021. Pintura, Spray / Acrílico / Tinta / Óleo sobre Tela, 140 x 90cm.

3. Grécia Antiga: o corpo como o de Afrodite

Na Grécia antiga, a mulher ideal deveria ter formas suaves, realçadas por nádegas arredondadas, cabelos longos com ondas e um rosto bonito e impecável. Tais exigências convinham a uma época em que ter mais gordura no corpo significava ser rico, ou seja, ter condições de comer bem, diferenciando-se das classes sociais mais baixas e famintas. Nesse contexto, Afrodite, deusa do amor, sexo, beleza e fertilidade, era retratada com rosto redondo, seios grandes e corpo em forma de pêra. O indiscutível modelo figurativo de tais cânones é a Afrodite cnidia de Praxíteles, obra que, ao mesmo tempo, é muito importante por ter sido a primeira a romper com os moldes ao introduzir o nu feminino na arte grega. De fato, a sociedade grega anteriormente retratava predominantemente o sexo masculino, limitando a nudez feminina a cenas de cativeiro, submissão e pequena escala.

Atribuído a Onesimos (grego (sótão), ativo 500 - 480 aC), pintor Attic Red-Figure Kylix , cerca de 490 aCTerracota, 8,5 × 36,9 cm (3 3/8 × 14 1/2 pol.) Museu J. Paul Getty , Villa Collection, Malibu, Califórnia, 82.AE.14

Kylix ático de figuras vermelhas de Onésimo

Um exemplo dessas primeiras abordagens do nu feminino na pintura é a figura vermelha Attic Kylix, atribuída a Onésimo (500 - 480 aC), uma obra na qual uma mulher nua e reclinada toca kottabos, uma atividade popular no simpósio masculino festival. De fato, seguindo a tradição do evento, a menina com a asa de um copo fundo (skyphos), preso ao dedo indicador, tenta lançar as sobras do fundo do copo em direção a um alvo distante. Nesse contexto, porém, é importante ressaltar que, na verdade, o simpósio era exclusivamente masculino, de modo que a presença feminina costumava estar no local para entreter os homens. De fato, a nudez das mencionadas teria sido muito ousada para as mulheres respeitáveis de Atenas, mas poderia ter sido concedida a escravas contratadas como prostitutas, ou a "etere", mulheres ricas que enriqueceram a noite de bebedeira masculina cantando, conversando , e mostrando atratividade sexual.

Tito Villa, pintura mural de Pompéia , edição aberta. Artes digitais, impressão giclée / impressão digital, vários tamanhos disponíveis.

4. O mundo romano: a arte erótica de Pompéia e Herculano

A arte erótica em Pompeia e Herculano foi trazida à luz através de uma longa série de escavações arqueológicas que começaram no século XVIII. Essa mesma atividade revelou como o referido local era rico em arte erótica, representada tanto na forma de afrescos quanto de esculturas. As peculiaridades de tais assuntos indicam que os costumes romanos eram mais liberais do que na maioria das culturas conhecidas por nós, embora deva ser enfatizado que muitas das imagens que podem nos parecer exclusivamente eróticas podem na verdade ser símbolos da fertilidade da natureza no sentido mais amplo, bem como talismãs de boa sorte e auspiciosidade.

Vênus em uma concha , afresco. Pompéia: Casa da Vênus em uma concha.

Afresco da Vênus em uma Concha - Pompéia

A Casa da Vênus em Shell, um local descoberto entre 1933 e 1935, apresenta um grande peristilo, que é essencialmente o centro da domus. Esta mesma divisão era dominada pelas várias divisões da casa, tendo as paredes decoradas ao estilo pompeiano IV. Na realidade, porém, a casa leva o nome de seu afresco mais famoso, ou seja, a Vênus em uma concha, que, comparada ao erotismo predominante na antiga cidade romana, acaba sendo bastante recatada. Na verdade, a Vênus nua está simplesmente deitada em uma concha, acompanhada no ato do nascimento por um cupido e uma criança, presumivelmente o bebê Marte.

Miguel Rojas, Adam Eve , 2022. Desenho, tinta sobre papel, 20,5 x 12,5 cm.

5. Idade medieval: a nudez de Eva

Na Idade Média, com a difusão da cultura derivada do cristianismo, o corpo passou a ser intenso como templo sagrado da alma, que devia ser preservado a todo custo dos impulsos carnais, arautos de pecados graves aos olhos de Deus. Apesar de tais suposições, o vício continuou desenfreado, tanto que foi na sensualidade do corpo feminino, derivado da pecadora Eva, que o demônio e a personificação da luxúria foram identificados. Por isso, a época medieval apresenta muitas obras, retratando a progenitora, muitas vezes retratada em sua nudez ingênua e imatura, já capaz de agarrar a maçã do pecado.

Masaccio, Expulsão dos progenitores do Éden , 1424-25. Afresco, 214 x 88 cm. Florença: Capela Brancacci (igreja de Santa Maria del Carmine).

Expulsão dos progenitores do Éden (1424-1425) por Masaccio

A Expulsão dos progenitores do Éden é um afresco de Masaccio, localizado na Capela Brancacci da Igreja de Santa Maria del Carmine, em Florença. Mostra Adão e Eva depois que eles quebraram as regras de Deus e assim comeram o fruto do conhecimento. Na verdade, eles são mostrados nus e indefesos ao serem levados para longe do Paraíso Terrestre. Na realidade, porém, é bom destacar como, no relato bíblico, Adão e Eva atravessaram vestidos o limiar do Paraíso.

Masolino, Tentação de Adão e Eva , 1424-25. Afresco, 260 x 88 cm. Florença: igreja de Santa Maria del Carmine.

Tentação de Adão e Eva (1424-25) de Masolino

Na mesma capela da Expulsão dos progenitores do Éden, de Masaccio, existe outra obra com um tema "relacionado": A Tentação de Adão e Eva ou Pecado Original, obra de Masolino de cerca de 1424-1425. O afresco mostra uma cena famosa do Antigo Testamento, ou seja, quando a serpente do livro de Gênesis tenta convencer Adão e Eva a quebrar as regras. Este episódio, ambientado no estilo gótico tardio, é caracterizado pela luz, que molda as figuras de forma suave e envolvente, como se delas emanassem um brilho difuso. Além disso, o fundo escuro realça a plasticidade sensual dos nus das duas pecadoras.

Nagy Peter, Vênus , 2021. Pintura, Acrílico/Marca sobre Tela, 40 x 50 cm.

6. A era do Renascimento: o início da sensualidade

Do final da Idade Média ao início do Renascimento, os padrões de beleza das mulheres mudaram drasticamente: elas passaram de modelos pálidas e magras com seios quase imperceptíveis a mulheres carnudas com quadris largos e lábios e bochechas pintadas de vermelho. A maioria dos patronos da época não resistia a tais cânones estéticos, tanto que exigiam temas sagrados como pretexto para contemplar a referida sensualidade. Neste contexto cristão, a nudez tornou-se cada vez mais um sinal de santidade, pureza e mortificação do corpo e, se entendida fora desta esfera, foi interpretada como uma referência óbvia à mais inescrupulosa luxúria e lascívia. Da mesma forma, na época, os nus eram aceitos, e não demonizados, se vinculados a uma alegoria específica ou à reencenação de um evento mitológico. Um exemplo do que foi dito acima é a criatura celestial e assexuada na Vênus de Botticelli, uma obra que discorda fortemente das tendências do final do Renascimento, bem exemplificada pela Vênus de Urbino, mais “provocativa”, de Ticiano.

Sandro Botticelli, Nascimento de Vênus , 1485. Têmpera sobre painel, 172,5 x 278,5 cm.

O Nascimento de Vênus (1476-1487) de Sandro Botticelli

No centro da pintura, Vênus, de pé sobre uma concha ao sair da água, parece se mover como se flutuasse levemente nas ondas. A deusa está nua, cercada no lado direito da tela por Zéfiro, que, querendo segurar a ninfa Clori, sopra em direção a Vênus. A ideia para esta obra-prima foi tirada das Metamorfoses de Ovídio. De fato, o escritor latino contou que Vênus, deusa romana do Amor, nasceu diretamente da espuma do oceano, na costa da ilha de Chipre. É justamente neste último destino que parece aterrissar a deusa de Botticelli, mestre, que, na concepção de tal obra-prima, se inspirou na cultura neoplatônica prevalente na Florença da época, dentro da qual triunfa o pensamento , segundo a qual, o amor representa um princípio vital e a força de renovação da natureza.

Tiziano Vecellio, Vênus de Urbino , 1538. Óleo sobre tela, 119 x 165 cm. Florença: Galeria Uffizi.

Vênus de Urbino (1538) de Ticiano Vecellio

A Vênus de Urbino é uma pintura perfeitamente equilibrada, cuja composição não diminui a naturalidade sensual da efígie, retratada sem roupa, deitada sobre um colchão forrado de tecido de padrão floral com um lençol branco por cima. Nesse cenário, Vênus, que usa detalhes preciosos e tem o cabelo parcialmente puxado para trás para formar um elástico que coroa a nuca, se apoia em dois travesseiros para apoiar a parte superior do corpo. O rosto da deusa, que cobre sensualmente o púbis com a mão esquerda, está voltado para a frente, como se quisesse olhar diretamente para o espectador. No quarto que abriga Vênus, ricamente mobiliado em estilo renascentista, vislumbra-se também a presença de um cachorrinho e duas aias, empenhadas em extrair roupas de um baú. Interpretando com mais precisão as intenções de Ticiano, a obra foi criada a mando de Guidobaldo, que desejava usar a obra-prima como exemplo de vida conjugal para propor a sua esposa Giulia da Varano. Assim, para satisfazer o patrono, o artista italiano actualizou a clássica figura de Vénus, alongando-a num cenário do século XVI e tornando-a portadora de uma mensagem moral inovadora. De fato, a presença das rosas alude à beleza, enquanto a do cachorro remete à fidelidade, uma peculiaridade menos afimera, mas esperançosamente mais duradoura.

Niko Sourigues, Standing nu , 2017. Óleo sobre Tela, 41 x 33 cm.

7. Maneirismo e Barroco: a sensualidade da torção e o dinamismo

O maneirismo é uma corrente artística, primeiro italiana e depois europeia, cujas origens remontam ao século XVI. Os nus femininos dessa corrente figurativa foram predominantemente inseridos em composições complexas, estudadas a ponto de serem artificiais, pois são marcadas por distorções perspectivas construídas, nas quais a disposição excêntrica dos sujeitos, traduzida pela típica figura serpentina, se concretiza como o dinamismo de uma chama de fogo, se destaca. Acrescentando à sensualidade "distorcida" está um uso preciso da luz, visando enfatizar expressões e movimentos, ao custo de ser às vezes irrealista. É de realçar como tais peculiaridades serão herdadas pelo subsequente e relacionado período barroco, no qual o nu feminino, ainda mais erótico pela acentuação da sensualidade maneirista, continuou a ser explorado para imortalizar temas sobretudo mitológicos e alegóricos.

Bronzino, Alegoria com Vênus e Cupido , 1540-45. Óleo sobre painel, 1,46 x 1,16 m. Londres: National Gallery.

Alegoria com Vênus e Cupido (1540 1545) de Bronzino

"Vênus nua com Cupido beijando-a, e Prazer de um lado e Gozo com outros amores, e do outro lado Fraude, Ciúmes e outras paixões do amor." A descrição de Giorgio Vasari introduz-nos na Alegoria da Vénus e do Cupido, de Bronzino, obra encomendada por volta de 1540 por Cosimo I, segundo e último duque da República Florentina, que quis homenagear, através do presente da referida obra-prima, o Rei de França Francisco I, a fim de ganhar oportunidades políticas vantajosas. É justamente essa intenção que torna a obra, que imortaliza Vênus vencendo Cupido, ainda pouco clara em seu significado, tanto que o tema retratado pode ter sido elaborado por um literato, provavelmente membro do próspero meio cultural do século XVI. corte dos Médici do século. Falando da descrição da obra-prima, o óleo retrata Vênus e Cupido, os protagonistas indiscutíveis da pintura, que foram imortalizados sem roupas, enquanto seus corpos, tão frios que parecem esculturas de cera, se entrelaçam harmoniosamente, tanto de modo que a deusa parece assumir a pose contorcida de uma serpente sensual. Nessa atmosfera lânguida, Vênus e Cupido vêm se beijar, por meio de uma relação confusa, pois é sensual demais para ser uma manifestação do amor casto entre mãe e filho. A ambiguidade dos dois protagonistas é agravada pela das personagens que os rodeiam, bem como pelas máscaras que repousam no chão. De fato, o monstro com cara de donzela, tendo em uma das mãos um doce favo de mel e na outra um ferrão venenoso, tornando-se provável personificação do "engano", enquanto as máscaras aludem ao fato de que tudo nessa cena é uma encenação. Justamente, Vênus e Cupido, se bem observados, revelam a iminente traição um do outro: enquanto se beijam, ela puxa uma flecha de sua aljava e ele, ao mesmo tempo, está prestes a roubar o diadema de seus cabelos.

Peter Paul Rubens, Vênus no Espelho,   1613/14. Quadro. Viena: Liechtenstein Museum.

Vênus no Espelho (1613-14) de Peter Paul Rubens

Na obra-prima sensual do mestre flamengo, o espelho é usado para mostrar a beleza da deusa de diferentes pontos de vista. Tal estratagema de perspectiva ocorre em uma cena da vida privada, dentro da qual a deusa é mostrada por trás usando apenas um véu branco, que envolve seus quadris. É precisamente através do espelho sobremaneirado, sustentado por um cupido, que se pode conhecer o rosto perfeito de Vénus, que se distingue pela sua forma oval regular, avivado pela presença de faces rosadas e por um olhar concentrado, acompanhado por uma indício de sorriso. A sensualidade dessa atmosfera voyeurística é potencializada pelo movimento sinuoso dos longos cabelos loiros, cuidadosamente trabalhados como se fossem finos fios de ouro. Finalmente, tal obra-prima acaba sendo claramente inspirada por Ticiano e Veronese, já que a luz quente e as cores brilhantes criam contrastes de cores marcantes projetados para realçar ainda mais a beleza da deusa.

Naïs Philip, Vênus , 2020. Óleo sobre tela de linho, 97 x 146 cm.

8. Romantismo e Realismo: um pouco explícito

O nu feminino, a partir da segunda metade do século XVIII, ou seja, coincidindo com o advento do Iluminismo, desprendeu-se do mito, como o demonstra, por exemplo, a investigação artística de François Boucher que, em obras como Brown Odalisque (1745) e Fragonard (1765-72), pintaram mulheres jovens comuns capturadas em ambientes íntimos e altamente sensuais. Uma narrativa tão livre e ousada da feminilidade continuou com grande sucesso no Romantismo e no Realismo. No primeiro dos dois últimos movimentos artísticos, o nu feminino tornou-se altamente expressivo, pois o romantismo enfatizou fortemente a cor para alcançar representações mais dramáticas, a propósito de assuntos que exploram temas múltiplos, como orientalista, estranho, misterioso, trágico, heróico e extremamente apaixonantes, visando exaltar a mais pura liberdade de expressão do ser humano. Já o realismo é bem sintetizado pela análise da investigação figurativa de Gustave Courbet, o pai do movimento que superou os "erros românticos e classicistas" para trazer maior fidelidade à representação do real datum nu, superando aquela concepção idealizada do corpo feminino.

Jean-Auguste-Dominique Ingres, A Grande Odalisca , 1814. Óleo sobre tela, 91 x 162 cm. Paris: Museu do Louvre.

A Grande Odalisca (1814) de Jean-Auguste-Dominique Ingres

Entre o Neoclassicismo e o Romantismo tardio está um dos nus mais conhecidos da história da arte, ou seja, A Grande Odalisca de Jean-Auguste-Dominique Ingres, um óleo sobre tela mantido no famoso Museu do Louvre em Paris. A protagonista desta obra-prima é uma bela jovem odalisca, que foi capturada no momento em que está confortavelmente deitada em uma cama coberta por lençóis finos. Quanto à sua nudez supina, ecoando modelos clássicos, emprestados dos gregos, revela-se limpa, elegante e refinada. Na verdade, as partes mais íntimas da odalisca foram habilmente escondidas, de modo que apenas a parte inferior de um dos seios é visível. Falando em olhar, a raggazza, vista de três quartos, expõe seu belo rosto ao espectador, para quem também dirige seu olhar, emoldurado pela presença de um belo turbante, que, amarrado na cabeça, esconde boa parte de seu corpo. cabelo. Por fim, tal imagem é claramente resultado da influência que o mundo oriental exerceu sobre o mestre francês, realidade que ele provavelmente conheceu através das campanhas de Napoleão no Oriente.

Goya, Maja desnuda , 1790-1800, óleo sobre tela, 95 x 190 cm. Madri, Museu do Prado.

Maja desnuda (ca. 1790) de Francisco Goya

Maja desnuda e Maja vestida são duas pinturas de Francisco Goya, que, realizadas no final dos anos 1700 e início dos anos 1900, podem ser vistas na instituição do Museu do Prado em Madri. Na primeira obra-prima do pintor que antecipou o romantismo, a pose da mulher, neste caso nua, é a mesma da segunda: a mulher deitada num sofá com os braços atrás da cabeça e rodeada por um fundo escuro. Quase certamente essas duas pinturas sensuais foram encomendadas por Manuel Godov, o primeiro-ministro espanhol, uma pessoa muito poderosa que podia se dar ao luxo de ir contra o conservadorismo da Igreja. Apesar disso, as ousadas obras foram apreendidas e posteriormente exigidas pelo Tribunal da Inquisição, que havia proibido imagens de nus sem pretextos alegóricos ou mitológicos em toda a Espanha. Quanto à identidade da modelo, muitos relatos da época reconhecem em seus traços Maria Teresa Cayetana de Silva, duquesa de Alba que costumava hospedar em sua casa políticos e artistas famosos, entre eles, também Francisco Goya, pintor com quem teve uma relacionamento apaixonado.

Gustave Courbet, A Origem do Mundo , 1866. Óleo sobre tela, 46 x 55 cm. Paris, Museu d'Orsay.

A Origem do Mundo (1866) de Gustave Courbet

A Origem do Mundo, de Gustave Courbet, é uma pintura que mostra, na perspectiva de um close-up realista, a região pubiana do corpo de uma mulher, sensualmente envolvida pelos seios e coxas adjacentes, que aparecem natural e confortavelmente, deitados em um folha branca desgrenhada. Um assunto tão inovador causou escândalo na época de sua criação, pois oferecia uma visão quase extremamente correta e não filtrada do corpo feminino, que foi tomado, pela primeira vez, em um contexto e por um ângulo que era extremamente íntimo e privado, capaz de nos revelar o que se escondia entre as pernas da efígie. Na realidade, porém, é preciso enfatizar que A Origem do Mundo não é uma obra pornográfica, pois é fruto de um estudo diligente do artista, que se concentrou em reproduzir da melhor maneira possível os traços da realidade. O desígnio que acabamos de referir foi conseguido através de um cuidadoso estudo da representação, bem como da utilização da técnica italiana do tonalismo, que transformam a obra-prima numa obra de grande domínio técnico. Além disso, o significado potencialmente escandaloso poderia ser substituído pela representação de uma metáfora autêntica, a da grande magia da reprodução feminina. Ainda hoje, porém, o forte realismo com que foi pintada a modelo, provavelmente Constance Queniaux, bailarina da Ópera de Paris, torna a pintura "incômoda" de se ver, quando na verdade a obra mais escandalosa do século XIX também conta outra história: a da difusão das primeiras fotografias eróticas, que se deu justamente na época da concepção da obra-prima!

Trnski Velimir, Banho na floresta , 2021. Acrílico sobre Tela, 58 x 40 cm.

9. Impressionismo e Escola de Paris: os modelos de prostitutas.

As obras dos impressionistas costumam mostrar mulheres nuas, embora esse tipo de assunto tenha incomodado a Academia e os parisienses em geral, tanto que em 1863, ou seja, quando foi exibido o Café da manhã na grama, de Manet, a pintura causou um grande escândalo, pelo fato de a mulher nua da obra-prima aparecer sentada na grama com dois membros da burguesia parisiense. O problema é que a modelo, que não era uma ninfa nem uma figura alegórica, temas preferidos de artistas acadêmicos que buscavam emular grandes artistas como Rafael, parece posar com atitudes de prostituta, cujo olhar se dirige provocativamente para o espectador, como se ela quisesse convidá-lo para o "banquete". A justificar esta interpretação estaria também o facto de Manet ter pintado na obra uma rã, animal que, na linguagem parisiense da época, aludia precisamente à figura da prostituta. Por fim, vale notar como esse tipo de sujeito feminino persistiria na obra do mestre, tal como evidencia Olympia, óleo de 1863 que retrata uma mulher em atitude ainda mais explícita e desavergonhada, um alerta de má fama. A seguir aos impressionistas, os artistas da Escola de Paris, grupo nascido no início do século XX, continuaram a escandalizar com os seus nus femininos, como o demonstra o caso de Amedeo Modigliani.

Édouard Manet, Olympia , 1863. Óleo sobre tela, 130,5 x 190 cm. Paris: Musée d'Orsay.

Olympia (1895) de Édouard Manet

A Olympia de Édouard Manet é uma pintura conhecida cujo estilo inovador, um precursor do Impressionismo, e o tema feminino retratado, provavelmente uma prostituta, causaram muita discussão no Salão de Paris de 1865. Na obra, a donzela em questão é capturada reclinada sensualmente em uma cama, local de onde lança um olhar penetrante para o espectador. Além disso, a protagonista, cujo rosto não demonstra nenhuma emoção, usa, em sua total nudez, apenas tamancos, uma pulseira, brincos de pérolas e um fino cordão preto amarrado no pescoço. Nesse contexto, vale notar como nessa obra-prima, na qual aparecem também uma negra e um gato preto, Manet propôs uma nova forma de olhar para a mulher nua, representando-a de forma direta, crua e sem compromisso com a moral do tempo. De facto, em vez do clássico nu idealizado, propôs a imagem fria e realista de uma jovem prostituta, cuja figura não foi revisitada com intenções mitológicas, alegóricas ou simbólicas. Além disso, precisamente a pose clássica da recatada Vênus, ou seja, a Vênus com a mão no púbis, é assumida nesse contexto decididamente mais terreno.

Edgar Degas, A banheira , 1886. Pastel sobre cartão, 60 x 83 cm. Paris: Museu d'Orsay.

A banheira (1886) de Edgar Degas

Edgar Degas era extremamente interessado e atraído pela vida parisiense, mesmo a vida mais íntima e escondida da cidade, aspecto que é muito perceptível em sua série de pinturas "voyeurísticas", destinadas a retratar mulheres nuas que, dentro de suas casas, lutavam com vestindo. O pastel de 1886, intitulado The Tub, reinterpreta o referido tema, tão querido pelos artistas renascentistas, através de um corte inovador da composição, visando quebrar as regras tradicionais do nu, de forma a mostrar o corpo da mulher visto de cima. De fato, a jovem é representada dobrada sobre si mesma, com a mão esquerda na bacia e a direita no cabelo. Além disso, seu rosto está escondido por uma sombra inteligente, enquanto suas belas costas se curvam como um arco, mostrando seu pescoço e nádegas.

Amedeo Modigliani, Nu couché , 1917-18. Dipinto.

Nus Ultrajantes de Amedeo Modigliani

Em 1917, o artista Leghorn Amedeo Modigliani, também conhecido como Modì e Dedo, realizou uma exposição individual na Galeria Berthe Weill em Paris. Nesta ocasião especial, Léopold Zborowski, um marchand polonês que vendia as obras do jovem italiano para a referida empresa, foi contratado para organizar o referido evento. Antes deste projeto, Modigliani nunca havia exposto antes, tanto que a do Weill representou sua primeira exposição individual. Apesar da "inexperiência" esta foi uma estreia inflamada, pois os nus expostos na montra, de beleza invulgar e fora dos padrões da época, levaram à intervenção da polícia, que procedeu ao abaixamento das janelas e à interrupção daquelas visões escandalosas. . O engraçado é que quando Berthe Weill perguntou aos oficiais o que havia de tão chocante em uma série de nus, ou seja, temas que foram pintados por milhares de anos, eles responderam: "é que esses nus têm cabelo". Por isso, a primeira exposição de nus de Modigliani foi cancelada antes mesmo de começar.

Victor Molev, Kabbalah , 2020. Pintura, óleo sobre tela, 28 x 36 cm.

10. Expressionismo e Surrealismo: interpretações pessoais e visionárias

Entre os movimentos de vanguarda do século XX, os nus expressionistas e surrealistas se distinguem por sua sensualidade, significados ocultos, alusões e ligações com o mundo interior e íntimo do artista. No que diz respeito ao Expressionismo, o nu tende a expressar, através do corpo, o sentimento individual do artista, mais do que uma mera representação objetiva do dado anatômico. A angústia, a tristeza e o drama existencial, por exemplo, são os temas principais da investigação artística de Edvard Much, sentimentos que ele repropõe em Puberdade, obra de 1894 que visa imortalizar uma adolescente nua. Da mesma forma, os artistas de Die Brücke (expressionismo alemão) também costumam retratar adolescentes nuas, assim como Kirchner, que em 1910 produziu Marcella, uma obra na qual uma jovem é retratada com formas simplificadas, cores nítidas e vibrantes e um forte, traço expressivo. Por fim, outro expressionista é Schiele, artista cujo tema da corporeidade feminina foi um dos mais populares, traduzido pela fusão da sexualidade e do tormento. Já no Surrealismo, a visão desta corrente artística sobre o nu feminino pode ser sintetizada através da obra do seu mais famoso mestre, nomeadamente Salvador Dali, artista que abordou a feminilidade através de um enfoque poético sobre a dimensão inconsciente e onírica do ser humano.

Edvard Munch, Puberdade , 1894-95. Óleo sobre tela, 151,5 × 110 cm. Oslo: Galeria Nacional.

Puberdade por Munch (1893)

O nu feminino, assim como o tema da sexualidade, é investigado na pintura Puberdade, realizada por Munch em 1893. A primeira versão deste tema foi feita em 1885 ou 1886, mas se perdeu, de modo que, com o passar do tempo, o mestre a reproduziu em diversas obras. Na pintura de 1893, uma adolescente, retratada dentro de um lugar vazio, aparece sentada na beira da cama, enquanto, sozinha e nua, tem as pernas juntas e os braços cruzados sobre o púbis. Nessa pose, seus olhos estão bem abertos e sua boca cerrada, como se sugerisse um estado emocional conturbado, provavelmente devido à imaturidade de seu corpo, iluminado por uma luz vinda da esquerda, com o objetivo de gerar uma sensação estranha e ameaçadora. sombra. É precisamente esta última zona obscura que parece aludir ao futuro da rapariga, que se projecta dramático ou mesmo trágico. De fato, o sentido do trabalho pode ser reconhecer na puberdade o poder de transformar meninas inocentes em mulheres, cuja sexualidade pode ser uma ferramenta, seja de prazer ou dor, para seus colegas masculinos.

Salvador Dalì, Sonho Causado pelo Voo de uma Abelha , 1944. Óleo sobre madeira, 51× 40,5 cm. Madri: Museu Thyssen-Bornemisza.

Sonho causado pelo vôo de uma abelha (1944) de Salvador Dali

Na composição rica, onírica e surreal de Dream Caused by the Flight of a Bee, obra de Salvador Dali de 1944, encontramos também o corpo nu e estendido de uma mulher, decidida a flutuar sobre uma rocha no meio do mar. A tranqüilidade de tal sujeito é inimaginável, se, como na pintura, imaginarmos a aproximação repentina de dois tigres enormes e vorazes, bem como a aproximação de uma arma de baioneta, cuja ponta está prestes a tocar o corpo da mulher. braço. Além dessas, são múltiplas as imagens que aparecem na pintura, tanto que a obra parece ter sido concebida a partir de um sonho, uma realidade em que a estranheza se sucede enquanto remete ao mundo real. Na verdade, a obra-prima tem origem no relato de um acontecimento onírico ocorrido com a amada do mestre espanhol, nomeadamente Gala, que, devido ao zumbido de uma abelha, que lhe voava ao redor da orelha, limmaginou sucessivamente todas as visões acima.

Andrea Vandoni, A preguiça , 2022. Óleo sobre tela, 73 x 116 cm.

11. Arte contemporânea: liberdade de expressão e múltiplos pontos de vista

Os artistas contemporâneos podem representar o nu feminino, seja referindo-se à grande tradição figurativa do passado, seja expressando-se através de pontos de vista livres e inovadores. Em ambos os casos, o objetivo de tal investigação, tendo como objeto a mulher, é revelar a semelhança daquilo que, segundo a artista, poderia expressar a mais pura ideia de feminilidade, capaz de animar, intrigar, atrair e comover seus imaginação. Neste contexto, é impossível não mencionar a investigação artística de Tom Wesselmann, Marina Abramović, Yayoi Kusama, Takashi Murakami, Damien Hirst, Jeff Koons e Fernando Botero, que, em algumas ocasiões, também retrataram o corpo feminino nu.

Tom Wesselmann

Wesselmann começou a pintar mulheres nuas por volta de 1959, rejeitando o estilo predominante do expressionismo abstrato para se expressar por meio de retratos gráficos e provocativos. Estes últimos, perfeitamente adaptados à revolução sexual dos anos 60, encontram-se frequentemente em poses sugestivas e sensuais, nas quais, por vezes, não falta uma espécie de ironia. Suas figuras, muitas das quais modeladas a partir da esposa do artista, Claire Selley, costumam apresentar vigorosas linhas bronzeadas, com o objetivo de atrair a atenção do espectador para os pontos focais dos seios e do púbis. Desde sua primeira série de nus, intitulada "Great American Nude" (1961-73), até sua mais recente "Sunset Nudes" (2003-04), Wesselmann se interessou por experimentar novas técnicas e composições artísticas, nas quais aproximações não convencionais os ups do corpo se destacam, com o objetivo de gerar novas formas de provocar os espectadores com a forma feminina. Em resumo, para melhor compreensão de seu trabalho, podemos citar diretamente as palavras da artista: “Não represento nus por nenhuma intenção sociológica, cultural ou emocional”. "O nu, eu acho, é uma boa forma de ser agressivo, figurativamente falando. Quero provocar reações intensas e explosivas nos espectadores."

Retrospectiva " Yayoi Kusama: 1945 até o presente". Hong Kong: Museu M+!

Yayoi Kusama

Nos últimos 50 anos, artistas, historiadores da arte e teóricos refletiram muito sobre a política, a dor e os prazeres do corpo e como ele se relaciona com a identidade. A extensa obra de Yayoi Kusama, repleta de trabalhos instigantes, abordou muitos dos tópicos acima. De fato, através de sua ampla gama de estilos e imagens, que bem traduzem sua complicada personalidade, a artista tem investigado o corpo, principalmente por meio da arte performática. Tal investigação, capturou também a nudez da própria artista, que, marcada por seus pontinhos icônicos, aparece em famosas fotos do final dos anos 1960, nas quais Kusama posa junto com sua série “Accumulation”.

Roman Rembovsky, No jardim do Éden , 2022. Óleo sobre tela, 120 x 140 cm.

O apelo imortal do nu: continua...

O nu, como as naturezas-mortas, as paisagens e os retratos, representa um sujeito imortal na história da arte, com o qual os artistas nunca deixarão de se confrontar, entrando em “competição” com os maiores mestres de todos os tempos. Neste contexto, o nu feminino revela-se um tema de grande interesse, pois, se na antiguidade eram os homens os mais representados, sabe-se como, a partir do Renascimento, o belo sexo "se impôs" neste tipo de representação. Portanto, o relato acima não se revela exaustivo, pois pode ser continuamente implementado por pontos de vista futuros, inéditos, originais e, provavelmente, escandalosos.