Paul Gauguin, Natureza morta com três cachorrinhos, 1888. Óleo sobre madeira, 91,8 x 62,6 cm. Mãe.
O gênero da natureza morta: vamos mergulhar de cabeça!
Vamos direto ao ponto: ao ler sobre natureza morta na web, você encontrará exemplos dos períodos helenístico, romano, medieval e renascentista. Caracterizam-se pela representação predominante de temas inanimados, tanto naturais como artificiais. Apesar de serem estas as características definidoras deste tipo de composição, só no final do século XVI este se tornou oficialmente um género distinto, reconhecido, especializado e valorizado. A história continua com significativa popularidade e divulgação no século seguinte, embora no século XVIII a natureza morta tenha sido relegada para o fundo da classificação hierárquica dos tipos de arte figurativa. No entanto, a progressiva notoriedade adquirida pelo género é atribuída principalmente ao exemplo flamengo entre os séculos XVI e XVII, contexto em que foi cunhado o termo "stilleven", que significa literalmente "natureza morta". Embora este último significado tenha sido mantido nas línguas inglesas, o mesmo não acontece nas línguas neolatinas, onde a palavra imóvel foi substituída por morto (por exemplo, "natura morta"). Esta mudança resultou de uma reinterpretação italiana do termo, ocorrida no final do século XVIII, provavelmente devido a um simples erro de tradução, alterando a antiga frase holandesa. Neste ponto, a narrativa continua no meu ranking, demonstrando o sucesso de um gênero muitas vezes subestimado, mas na verdade abordado por mestres imortais de todos os movimentos, tendências e correntes artísticas.
Caravaggio, Cesta de frutas, 1597-1600. Óleo sobre tela, 46×64 cm. Pinacoteca Ambrosiana, Milão.
1.Caravaggio: Cesta de Frutas (1600)
Comecemos por uma das obras mais famosas da história da arte, pertencente ao gênero “infeliz” da natureza morta. Refiro-me, para começar com uma descarga de adrenalina e uma tendência à síndrome de Stendhal, à Cesta de Frutas de Caravaggio, uma obra-prima que remonta a 1600. A pintura é importante tanto do ponto de vista histórico-artístico como do ponto de vista temático. Não é apenas um dos primeiros exemplos do gênero artístico da natureza morta, mas também representa, de acordo com a estética italiana do realismo, não apenas frutas imaculadas, mas também uma maçã podre e folhas secas e crivadas de buracos de insetos. Tudo isto foi concebido pelo mestre para aludir à precariedade da existência humana, mas também para celebrar a autêntica imperfeição da natureza. Inclui uma cesta de vime trançada que, no centro da composição, contém cachos de uvas, peras, maçãs, figos e pêssegos, apoiados sobre uma superfície de madeira paralela ao olhar do observador. O espectador só consegue focar no realismo do assunto, o que na verdade é negado pela presença de alguns detalhes. Aliás, você já percebeu que, inacreditavelmente, o pintor cumpriu a impossível missão de colocar lado a lado frutas de diferentes estações? Por último, quero também justificar a escolha do tema por Caravaggio, que, num contexto maneirista tardio, sentiu-se justificado em expressar o seu interesse pela natureza, muitas vezes anteriormente utilizada como mero elemento de fundo em retratos ou temas religiosos.
Rembrandt, Boi Abatido, 1655. Óleo sobre painel. 95,5 x 68,8 cm. Louvre, Paris.
2.Rembrandt: Boi Abatido (1655)
Continuamos com as taquicardias, tonturas, confusões e alucinações da síndrome de Stendhal, ao nos aproximarmos de uma obra-prima rica em significados simbólicos, que visa testemunhar como entre os séculos XVI e XVII triunfaram composições de naturezas mortas, entre elas, aquelas em que carcaças de animais surgiu, para ser entendido como memento mori lúgubre e direto, capaz também de exercitar artistas, que se aproximavam da complexidade da forma e da cor. No entanto, o Boi Abatido de Rembrandt, obra-prima que representa a carcaça esquartejada de um animal suspenso pelas duas patas traseiras, amarradas a uma viga de madeira, também nos lembra o famoso exemplo da Crucificação de Jesus. Agora chegamos a um momento crítico na descrição, pois a obra representa, na verdade, uma falsa natureza morta. Na verdade, a presença de uma mulher ao fundo, que surge atrás de uma porta entreaberta, transforma a pintura numa pintura de género, toda empenhada em retratar uma cena da vida quotidiana.
Chaim Soutine, Carcaça de Carne, 1925. Óleo sobre tela, 147,32 x 113,03 cm. Coleção do Instituto de Arte de Minneapolis.
3.Chaim Soutine: Carcaça de Carne (1925)
Para transformar o que foi dito acima em uma verdadeira natureza morta, Chaim Soutine veio ao resgate! Refiro-me à sua Carcaça de Carne de 1925, na verdade inspirada na obra-prima descrita acima, que foi reinterpretada em uma série de obras com o mesmo tema do mestre russo. É interessante notar, no entanto, que outros grandes mestres, incluindo Daumier e Slevogt, abordaram o mesmo tema, embora no caso de Soutine seja evidente uma interpretação especialmente emocional, caracterizada por cores intensas e saturadas que refletem a personalidade excêntrica do pintor. Deixe-me me debruçar brevemente sobre esse aspecto característico do artista para revelar alguns detalhes sombrios sobre sua execução das naturezas-mortas dos animais em questão. Soutine, amigo dos funcionários de um matadouro parisiense, comprava-lhes carne e levava-a para o seu ateliê para pintar durante semanas, período durante o qual também sofria uma decomposição fétida... Não sabemos se esta fixação pelo mundo animal decorreu de uma privação inicial, pois sabe-se que o artista, quando ainda pobre, evitava comprar carne por ser muito cara. Paradoxalmente, ao enriquecer, decidiu comprá-lo apenas para estudá-lo e pintá-lo...
Vincent van Gogh, Girassóis, 1888. Óleo sobre tela, 92,2 cm × 73 cm. Galeria Nacional, Londres.
4.Vincent van Gogh: Girassóis (1888)
O olhar do espectador fixa-se no único tema retratado na natureza morta em questão: um ramo de girassóis dispostos num vaso, com as suas formas apoiadas numa superfície amarela, prontas para se destacarem numa parede de cor clara. Os girassóis, colhidos em vários estágios de maturação, aparecem de forma semelhante em uma série de sete obras do artista, concebidas para decorar o quarto em Arles que van Gogh pretendia para seu amigo e colega Gauguin. Deixe-me fazer uma pausa na palavra “amigo”, revelando que, na realidade, o artista francês só procurou Vincent depois de ser compensado financeiramente por Theo van Gogh. Mas por que havia necessidade de dinheiro? Pois bem, digamos que Gauguin já imaginava que viver com Vincent seria um pouco problemático, e também não gostava da referida província mediterrânica. Em qualquer caso, Paul livrou-se do amigo pouco depois, na sequência de uma das disputas mais famosas da história da arte, deixando Arles e desencadeando uma crise autolesiva em Van Gogh, culminando no agora trágico e icónico incidente do corte de orelhas. Voltando às flores, sabe-se também que os girassóis nas diversas composições variam em número, variando de quatorze a quinze exemplares. Porquê esta escolha específica? Vicente considerava o número 14 porque se referia ao número de apóstolos, enquanto com 15 ele se incluía na mesma referência (14 apóstolos + Vicente). Ironia: este top ten fala sobre eventos que é melhor não experimentar em casa!
Paul Gauguin, Natureza morta com três cachorrinhos, 1888. Óleo sobre madeira, 91,8 x 62,6 cm. Mãe.
5.Paul Gauguin: Natureza morta com três cachorrinhos (1888)
Como activista animal que sou, tive de compensar a presença, neste top 10, de seres vivos falecidos, objectivo que cumpro falando da Natureza morta com três cachorrinhos de Gauguin, uma obra que, ao mesmo tempo tempo, levanta minhas dúvidas. Na verdade, se estamos falando de natureza morta, como é que os animais poderiam estar vivos? Se quisermos ser fiéis aos pressupostos do gênero, a fauna pintada deveria estar realmente morta e, as vivas, só seriam aceitáveis se fossem feitas a partir de modelos falecidos. Sabemos, no entanto, que no contexto figurativo em que Gauguin se encontrava a trabalhar, ele estava agora bastante livre deste tipo de limitação mais antiga, tanto que na altura da realização de Natureza morta com três cachorrinhos, ele vivia na Bretanha juntamente com um grupo de artistas experimentais. Foi precisamente com esta última que se afastou das representações mais realistas, resultando, em algumas ocasiões, em traços estilísticos de sabor parcialmente abstrato, fruto da união que defendia entre o sonho e a natureza. Em todo o caso, uma componente decisiva da obra-prima é também a interpretação peculiar dos traços estilísticos da arte japonesa, encontrados, por exemplo, no delineamento a azul dos corpos dos cachorros, bem como no motivo dos seus casacos, destinados a para lembrar a estampa da toalha de mesa.
Paul Cezanne, Natureza morta com maçãs e laranjas, 1899. Óleo sobre tela, 74×93 cm. Museu d'Orsay, Paris.
6.Paul Cezanne: Natureza morta com maçãs e laranjas (1899)
Aqui estamos, descrevendo mais uma das obras mais populares do gênero: por que eu disse o que disse? Pois bem, é importante saber que em Natureza morta com maçãs e laranjas, muitos historiadores da arte reconheceram um precursor do cubismo, pois utiliza formas geométricas para representar as frutas, além da presença de linhas quebradas nas dobras do tecido. Descrevamos agora o que foi antecipado: sobre uma tela estão dispostas diversas maçãs e laranjas, algumas espalhadas, outras reunidas em pratos, que, do lado direito do suporte, também são acompanhados pela presença de um jarro. A referida tela assenta sobre um tecido floral, que pretende realçar a presença das cores complementares azul e laranja. Vamos agora nos aprofundar nesse aspecto cromático da obra-prima, inteiramente focados na descrição de seus objetos por meio de variações tonais, que, no caso da fruta, vão do amarelo ao vermelho. A visão destas cores não se oferece a partir de uma perspectiva que siga regras geométricas, pois o espaço é o resultado da sobreposição de volumes muito simples, vistos de um ponto de vista elevado.
Frida Kahlo, Viva la Vida, Melancias, 1954. Museu Frida Kahlo. @danielharoro
7.Frida Kahlo: Viva la Vida, Melancias (1954)
A importância e a iconicidade da obra em questão serão reveladas no decorrer da narrativa, mas por enquanto quero dar uma prévia dizendo que escolhi esta pintura para demonstrar o potencial do gênero natureza morta, que é igualmente capazes de transmitir mensagens altamente positivas e esperançosas. Contudo, o que acabei de mencionar surge de um forte contraste, elemento recorrente na obra de Frida. Neste caso, a dualidade deve-se ao facto de a artista pintar a obra-prima em grave estado de saúde, mas retratar melancias, símbolo por excelência da vivacidade da vida. Quando observamos de perto esses assuntos, porém, notamos que eles estão passando por diferentes estágios de maturação, muito provavelmente aludindo às diferentes fases da vida humana. De qualquer forma, o otimismo se espalha pela utilização do vermelho, aliado ao verde, cor complementar da casca da fruta, aspecto cromático que cria um contraste agradável e vibrante. Por fim, as intenções do pintor, até então apenas especuladas, ficam claras na melancia inferior, que traz a frase: “Viva la Vida - Coyoacán 1954 México”. Assim como termina a narração sobre a pintura, termina a de Frida, pois Viva la Vida é, em todos os aspectos, a última obra criada pela artista...
Salvador Dalí, Natureza morta viva, 1956. Óleo sobre tela, 125 cm × 160 cm. Museu Salvador Dalí, São Petersburgo, Flórida.@
8.Salvador Dalí: Vivendo a Natureza Morta (1956)
Em contraste, a estranha associação dinamismo-natureza morta ocorre em Living Still Life, de Salvador Dali, obra-prima de 1956 realizada no período que o catalão chamou de Misticismo Nuclear, momento pictórico em que procurou investigar a relação entre a mente consciente e a quântica. física. Como posso tentar explicar o que foi dito acima de uma forma simples? Pois bem, Dali, ao fazer a obra-prima em questão, inspirou-se, apelando à sua mente consciente, ao recordar o exemplo de Van Schooten, representado pela sua natureza morta Mesa com Comida. Falando em física, ela entrou em cena quando o mestre transformou a disposição da mesa holandesa, dando-lhe o milagre do movimento, para ser interpretado, claro, de uma forma perfeitamente surrealista. Conseqüentemente, o gênero geralmente estático da natureza morta torna-se, conforme o título, vivo! A existência é, neste caso específico, testemunhada pelo movimento dos objetos, redutível, na sua menor componente, a partículas atómicas. Através deste último chegamos ao conceito gerador da pintura, o já mencionado Misticismo Nuclear, indissoluvelmente inspirado na nefasta e aterrorizante bomba atômica lançada pelos Estados Unidos sobre o Japão.
Andy Warhol, Latas de Sopa Campbell, 1962. Tinta de polímero sintético sobre tela, 51 cm × 41 cm. Museu de Arte Moderna.
9.Andy Warhol: Latas de sopa Campbell (1962)
As 32 serigrafias idênticas, inspiradas nas embalagens da sopa Campbell's, repetem intencionalmente o tema em questão, visando criar uma instalação que reproduza a típica disposição serial dos produtos de supermercado. O tema, interpretado diversas vezes pelo artista, foi primeiramente reproduzido na obra-prima em questão, que também foi concebida para aludir à presença constante da sopa na vida dos americanos da época. Basta pensar que o próprio Andy, uma vez concluída a obra, confessou ter consumido o produto repetidamente durante vinte anos! Além disso, através da onipresença da imagem em questão, ele também desafiou a ideia da pintura como meio de invenção e originalidade porque o caráter serial das Latas de Sopa Campbell se deve ao uso de uma técnica de serigrafia semimecanizada. No entanto, há uma imprecisão em tudo o que escrevi: você consegue encontrar? Brincadeira, mas quero esclarecer que as latas de sopa não são, como anunciado acima, idênticas entre si porque cada pintura representa uma réplica de um modelo original com alguns detalhes distintivos aplicados. Neste ponto, Andy destacou involuntariamente aquelas características particulares que tornam únicos até mesmo os objetos industriais?
Giorgio Morandi, Natureza morta, 1949. Coleção particular.
10.Giorgio Morandi: Natureza morta (1950)
Vários objetos domésticos estão agrupados quase no centro da pintura, onde repousam sobre uma superfície indefinida, destacando-se sobre um fundo de tonalidades semelhantes, mas mais claras. Qual a razão da escolha de imortalizar alguns objetos dispostos de forma simples? Para responder, devemos recuar às décadas de 1940 e 1950, período em que o pintor optou por este tipo de composição para se concentrar mais na análise da técnica da pintura. Sempre perseguindo esse objetivo, suas naturezas mortas também se tornaram menos "fantasiosas", pois representavam principalmente os mesmos temas, principalmente garrafas, jarras, vasos e tigelas. Então, o que tornou cada trabalho distinto dos outros? O formato, o ponto de vista e a luz! Na verdade, Morandi focou em variações mínimas de tons, embora preferisse o uso de tons de cinza, marfim e branco, sem esquecer de justapor cores saturadas como laranja, rosa e azul. Que outras constantes podem ser acrescentadas ao seu trabalho? O pintor pintava com suas típicas pinceladas gomadas, visando criar visões suaves com limites "flutuantes". Essa característica se deve ao fato de que a luz brilhante ilumina as sombras, que, junto com as fontes de luz, são renderizadas por meio de campos de cores bidimensionais que efetivamente tendem a desmaterializar os objetos!
Olimpia Gaia Martinelli
| Revista ArtMajeur