Fernando Botero Angulo - Roel Wijnants - Flickr, via Wikipédia.
Fernando Botero, o célebre artista colombiano conhecido por suas telas mundialmente reconhecidas, adornadas com indivíduos rechonchudos da alta sociedade, e cujo trabalho abriu caminho para vários artistas latino-americanos, faleceu aos 91 anos.
Segundo sua filha, Lina Botero, que falou à rádio colombiana Caracol, seu pai deu seu último suspiro em sua residência em Mônaco na sexta-feira, 15 de setembro, sucumbindo a uma batalha contra uma pneumonia.
As obras de arte de Botero apresentando figuras do governo e clérigos colombianos alcançaram aclamação mundial. Certa vez, ele comentou que quando começou a criá-los na década de 1950, quase não havia arte semelhante em sua terra natal. Na época, a pintura modernista europeia ainda não tinha obtido amplo reconhecimento na Colômbia.
Suas formas rechonchudas e arredondadas, caracterizadas por braços amplos, barriga robusta e coxas substanciais, tornaram-se inconfundivelmente sinônimo do estilo distinto de Botero. Ele passou a traduzir essas figuras corpulentas em esculturas tridimensionais, ocasionalmente colocando-as em ambientes públicos, onde pairavam sobre os espectadores.
Inicialmente, os críticos envolveram-se em debates sobre se estas figuras pretendiam ser paródias satíricas, dadas as conotações políticas deliberadamente evasivas do trabalho de Botero.
“A sátira de Botero não é pesada, mas é inequívoca, já que suas pinturas funcionam, em última análise, como sonhos, e não como meras caricaturas”, observou certa vez Peter Schjeldahl. “Há algo em suas monstruosidades carnais e caprichosas que parece íntimo e familiar, um lembrete sutilmente perturbador do eu em uma de suas formas primordiais.” Ele previu que a arte de Botero desencadearia um "renascimento" na arte latino-americana.
Mulher deitada com frutas em Bamberg - Gerd Eichmann, via Wikipedia.
No entanto, à medida que chegou meados dos anos 2000 e o repertório artístico de Botero se expandiu para abranger o conflito em curso envolvendo facções guerrilheiras na Colômbia e a representação de cenas de tortura na prisão de Abu Ghraib, no Iraque, tornou-se cada vez mais evidente que o seu trabalho tinha uma ressonância política mais profunda do que alguns já haviam reconhecido.
“Você ouve falar desses incidentes, dessa violência, e isso deixa um impacto profundo em você”, ele transmitiu ao New York Times. “Como artista, você se sente compelido a contemplar esta dura realidade.”
Em contraste, as peças que o catapultaram para a fama a partir da década de 1960 são consideravelmente menos abertas nos seus comentários sociais. Sua obra-prima de 1967, “A Família Presidencial”, atualmente exposta no Museu de Arte Moderna de Nova York, retrata o líder colombiano daquela época, ao lado de sua esposa e outros associados. Estão situados entre montanhas pitorescas, aparentemente desligadas do contexto nacional mais amplo. Com um toque de Botero, uma figura semelhante ao próprio artista pode ser vista ao fundo, um aceno que lembra a inclusão de Velázquez de sua própria imagem em algumas de suas obras.
"Dancing in Colombia (1980)", uma pintura atualmente exposta no Metropolitan Museum of Art, carrega ainda menos camadas de complexidade. Ele captura a essência de dois indivíduos balançando sob uma banda distante tocando no alto. A presença de cigarros espalhados pelo chão é o único indício de que a festa perdura.
A obra de Botero frequentemente trava um rico diálogo com séculos de história da arte. Entre seus temas estão mulheres voluptuosas que secam meticulosamente os cabelos enquanto se olham no espelho, invocando uma linhagem de nus femininos que abrange incontáveis anos. Além disso, suas madonas rechonchudas e figuras ampliadas inspiram-se na renomada arte espanhola. Ao retratar essas figuras com proporções alteradas, Botero desafia simultaneamente as convenções históricas e, ao mesmo tempo, presta-lhes ternamente homenagem.
Fernando Botero, nascido em 1932 em Medellín, Colômbia, teve uma infância desprovida de exposição artística. Nas suas próprias palavras, ele recordou: “Na minha cidade não havia museus, nem galerias, nem qualquer informação sobre arte”, como partilhou numa entrevista de 1985 com Ingrid Sischy da Artforum. "Tínhamos uma pintura da Virgem Maria na sala. Era isso. A única outra arte que vi quando criança foram os quadros pendurados na igreja, que eram do período colonial. Eram cópias de gravuras europeias ou pinturas."
Durante a adolescência, ele nutria aspirações de se tornar toureiro e frequentou uma escola dedicada a essa atividade. Foi nessa época que começou a criar aquarelas e desenhos inspirados nas cenas de touradas que presenciou. Ele mostrou alguns desses primeiros trabalhos ao dono de uma loja em Medellín, que posteriormente os vendeu. Essa experiência serviu de virada para Botero, fazendo-o perceber que a carreira artística era um caminho viável.
La mano Madrid, Paseo de la Castellana - Manuel González Olaechea, via Wikipedia.
Aos 16 anos, enquanto frequentava uma escola católica em Medellín, escreveu um artigo sobre Picasso, o cubismo e o que descreveu como “a destruição do individualismo na sociedade moderna”, um conceito que encontrou na literatura marxista. Essa exploração intelectual levou à sua expulsão da escola.
Três anos depois, Botero alcançou um marco significativo ao ganhar um prêmio nacional de arte no valor de US$ 7.000. Com este prêmio, ele embarcou em uma viagem à Europa, onde estudaria afrescos e se aprofundaria na história da arte em Florença, no início dos anos 1950. A sua exposição a séculos de arte europeia provou ser uma revelação profunda, inspirando Botero a criar uma forma de arte que ele acreditava estar praticamente ausente na Colômbia.
Em 1960, Fernando Botero rumou para Nova York. A arte que ele produziu durante este período foi notavelmente distinta do movimento predominante da Pop Art, que se centrava nas representações de bens de consumo e no comercialismo. A visão artística de Botero continuou a diferenciá-lo das tendências ocidentais predominantes da época. Somente em 1972 ele começou a obter um reconhecimento significativo na cidade que viria a chamar de lar.
Embora inúmeras peças de arte de Botero encontrem casas em museus americanos, uma parte substancial de suas obras mais significativas reside no Museu Botero em Bogotá e no Museu de Antioquia. Em 2000, doou generosamente centenas de peças, tanto de sua autoria como de outros artistas, a estas instituições.
A série de pinturas de Botero inspiradas nos acontecimentos de Abu Ghraib, que ele iniciou em 2005, foi saudada como uma conquista notável nas fases posteriores de sua carreira. Estas obras representam algumas das representações mais inabaláveis e viscerais da violência infligida por membros das forças armadas dos EUA aos detidos no Iraque. Eles apresentam retratos em close de pés e mãos amarrados e ensanguentados, bem como imagens nítidas de cães atacando prisioneiros nus. Um número significativo dessas peças está atualmente no Museu de Arte de Berkeley, na Califórnia.
A crítica destas obras reconhece frequentemente que, embora possam não atingir o estatuto de obras-primas, a sua importância permanece inegável. Conforme observado pela crítica Roberta Smith: "Eles podem não ser obras-primas, mas isso pode não importar. Eles estão entre os melhores trabalhos do Sr. Botero e, em um mundo da arte onde as respostas à guerra do Iraque têm sido escassas - sejam literais ou veladas - eles se destacarem."
Botero sustentou consistentemente que as suas criações artísticas serviam como forma de protesto, não apenas contra questões contemporâneas, mas também como protesto contra séculos de colonialismo na América Latina. Nas suas palavras da entrevista ao Artforum: "Não quero ser colonizado por ninguém, sentir que a arte latino-americana está a ser definida para mim. A arte deve ser independente. Este é o início de uma independência genuína; só então se pode alcançar independência no pensamento, na postura, na expressão."
Olimpia Gaia Martinelli
| Revista ArtMajeur