Kluczowe punkty:
Innowacyjne wykorzystanie materiałów: Prace Stingela stanowią wyzwanie dla tradycyjnego malarstwa, ponieważ wykorzystują powszechnie dostępne materiały, takie jak styropian, dywan czy odlewany poliuretan, tworząc w ten sposób teksturowane, modyfikowane powierzchnie.
Wczesne uznanie i techniki: Sławę zdobył pod koniec lat 80. XX wieku dzięki monochromatycznym, srebrzystym obrazom, które później przekształciły się w żywe, abstrakcyjne kompozycje, wykorzystujące technikę nakładania warstw farby i gazy.
Instalacje immersyjne: W latach 90. XX wieku i w pierwszej dekadzie XXI wieku Stingel przekształcał przestrzenie galerii za pomocą dywanów i metalowych paneli, zachęcając publiczność do interakcji i zacierając granice między sztuką a architekturą.
Portrety i fotografia: Od 2005 roku Stingel tworzy portrety w oparciu o fotografie innych artystów, eksplorując tożsamość i emocje poprzez autoportrety w skali szarości oraz prace abstrakcyjne.
Sukces rynkowy i krytyczny: retrospektywy Stingela w najważniejszych muzeach i rekordowe aukcje podkreślają wpływ i uznanie Stingela w świecie sztuki współczesnej.
Rudolf Stingel, urodzony w 1956 roku, jest artystą mieszkającym obecnie w Nowym Jorku.
Pochodzący pierwotnie z Merano we Włoszech Stingel zaprasza widzów do rozmowy na temat tego, jak postrzegają sztukę. Poprzez konceptualne malarstwo i instalację bada sam proces twórczy. Często wykorzystuje codzienne materiały, takie jak styropian, dywan i odlewany poliuretan, aby budować swoje dzieła, które są osadzone w silnych ramach koncepcyjnych, które kwestionują tradycyjne idee dotyczące malarstwa. Jego dwuwymiarowe prace często zawierają powierzchnie rzeźbione, tłoczone lub wgłębione — dzięki czemu manipulacja materiałami przemysłowymi przez artystę jest wyraźnie widoczna. Stingel dzieli swój czas między Nowy Jork i Merano.
Rudolf Stingel: Ponowne odkrywanie tekstury, przestrzeni i uczestnictwa we współczesnej sztuce
Rudolf Stingel po raz pierwszy zwrócił na siebie uwagę pod koniec lat 80. XX wieku dzięki swoim monochromatycznym obrazom — srebrzystym powierzchniom subtelnie nasyconym czerwonymi, żółtymi lub niebieskimi odcieniami, stworzonym w latach 1987–1994. W latach 90. XX wieku jego abstrakcyjne prace ewoluowały w żywe kompozycje, w których oleje w jasnych, czystych kolorach były hojnie kapane, wyciskane i rozprowadzane po czarnym tle. Jego technika często zaczynała się od grubych warstw kolorowej farby nakładanej na płótno, pokrywanej gazą, a następnie spryskiwanej srebrną farbą. Po usunięciu gazy odsłaniały się bogate faktury i wzory powierzchni.
W tym okresie Stingel stworzył również serię prac na papierze, używając farb olejnych i emaliowanych nakładanych przez sita tiulowe, tworząc monochromatyczne, fakturowane obrazy, takie jak „Bez tytułu” z 1998 r. Na Biennale w Wenecji w 1989 r. zakwestionował tradycyjne pojęcia produkcji artystycznej, publikując wielojęzyczny podręcznik „zrób to sam”, umożliwiając innym kopiowanie jego abstrakcyjnej techniki malarskiej za pomocą jasnych instrukcji.
Na początku lat 90. Stingel rozszerzył swoją działalność na rzeźbę, tworząc przezroczyste grzejniki z żywicy odlewanej nasączone pomarańczową farbą akrylową, zacierając granicę między przedmiotami użytkowymi a sztuką poprzez ich świecący, marmurowy wygląd. Jednocześnie zaczął przekształcać przestrzenie wystawowe za pomocą instalacji site-specific: wykładał ściany i podłogi monochromatycznymi lub wyrazistymi wzorami, skutecznie zamieniając samą architekturę w obraz. Do godnych uwagi przykładów należą jego pluszowy pomarańczowy dywan na Biennale w Wenecji w 1993 r. oraz rozległe różowo-niebieskie dywany kwiatowe na Grand Central Terminal i Walker Art Center w 2004 r.
Wciągające instalacje Stingela często zapraszały publiczność do interakcji. Na przykład na Biennale w Wenecji w 2003 r. i retrospektywie w 2007 r. w Museum of Contemporary Art i Whitney Museum w Chicago pokrył ściany galerii odblaskowymi metalowymi panelami izolacyjnymi i zachęcał odwiedzających do swobodnego ich oznaczania, demokratyzując akt twórczy i rozpuszczając granicę między artystą a widzem.
W jego procesie malowania wyczuwalne były również elementy performatywności, co można dostrzec w pracach, które powstawały poprzez chodzenie po nasiąkniętych lakierem podłogach ze styropianu, topienie materiału i pozostawianie śladów stóp, które stawały się dziełami sztuki prezentowanymi w formie monumentalnych paneli.
Od 2005 roku Stingel rozpoczął serię portretów opartych na fotografiach innych artystów, w tym serię autoportretów w skali szarości inspirowanych obrazami Sama Samore'a. Portrety te odzwierciedlają różne etapy życia i stany emocjonalne, zestawione z dużymi abstrakcyjnymi płótnami śledzącymi ślady czasu i aktywności w studiu.
Jego późniejsze prace obejmują rozległe obrazy krajobrazowe inspirowane czarno-białymi zdjęciami jego rodzinnego Merano, wystawione na wystawie „Rudolf Stingel. LIVE” w 2010 r. w berlińskiej Neue Nationalgalerie.
Stingel współpracował również ze współczesnym artystą Ursem Fischerem przy wielu projektach, co jeszcze bardziej poszerzyło jego zainteresowanie obszarami, na których stykają się sztuka, proces i przestrzeń.
Wystawy w centrum uwagi: Kamienie milowe muzeum Rudolfa Stingela
Rudolf Stingel wywołał poruszenie swoim udziałem w Biennale w Wenecji w 1999 i 2003 roku. Jego retrospektywa w połowie kariery, Rudolf Stingel , była ważnym wydarzeniem zorganizowanym przez Museum of Contemporary Art (MCA) w Chicago, a później wystawiona w nowojorskim Whitney Museum of American Art w 2007 roku. Na swoją pierwszą indywidualną wystawę muzealną w USA Stingel przekształcił trzypiętrowe atrium MCA i galerię Whitney, tworząc wciągającą instalację pokrytą powierzchniami z aluminium, uzupełnioną wiszącym ozdobnym żyrandolem. Odwiedzający byli zachęcani do pozostawiania swojego śladu poprzez wydrapywanie wiadomości i rysunków na miękkich ścianach, dzięki czemu wystawa stała się interaktywnym doświadczeniem.
Wzrost na rynku: jak sztuka Stingela osiągnęła nowe szczyty
Po wystawie w Whitney w 2007 r. wartość rynkowa Stingela gwałtownie wzrosła. Godnym uwagi momentem była sprzedaż dużego dzieła ze styropianu za 1,9 mln dolarów w Phillips de Pury & Company. W latach 2007–2009 na aukcjach wystawiono ponad 56 jego prac — ponad dwukrotnie więcej niż w poprzedniej dekadzie. Na aukcji Christie's w Nowym Jorku w 2015 r. jego srebrny obraz Untitled (1993) został sprzedany za prawie 4,8 mln dolarów. Następnie w 2017 r. jego dzieło Untitled (for Sam) ustanowiło osobisty rekord aukcyjny, osiągając ponad 10,5 mln dolarów na aukcji Christie's Post-War and Contemporary Art.
Pochwały i nagrody: świętowanie wpływu Stingela
W 2008 roku Stingel zdobył krajowe uznanie, zdobywając drugą nagrodę Amerykańskiego Stowarzyszenia Krytyków Sztuki za najlepszą wystawę monograficzną w sezonie 2006–2007, co podkreśliło jego znaczący wkład w sztukę współczesną.
Często zadawane pytania
P1: Jakich materiałów Rudolf Stingel najczęściej używa w swoich dziełach?
A1: Stingel często pracuje z niekonwencjonalnymi materiałami, takimi jak styropian, dywan, poliuretan odlewany, farba olejna, emalia i metaliczna farba w sprayu. Jego podejście podkreśla teksturę i manipulację powierzchnią.
P2: W jaki sposób Stingel angażuje publiczność w swoje instalacje?
A2: Wiele instalacji Stingela zachęca widzów do interakcji z dziełem sztuki, np. drapania lub rysowania po odblaskowych ścianach, zacierając w ten sposób granicę między artystą a widzem.
P3: Jakie tematy porusza Stingel w swojej sztuce?
A3: W swojej twórczości zajmuje się badaniem percepcji, procesu twórczego, relacji między malarstwem a przestrzenią, tożsamością oraz rolą czasu i pamięci.
P4: Gdzie Rudolf Stingel wystawiał swoje prace?
A4: Brał udział w ważnych wystawach międzynarodowych, m.in. w Biennale w Wenecji (1999, 2003), a także miał retrospektywy w Museum of Contemporary Art w Chicago i Whitney Museum of American Art w Nowym Jorku.
P5: Co jest godnego uwagi w sukcesie rynkowym Stingela?
A5: Od wystawy w Whitney w 2007 r. ceny aukcyjne prac Stingela wzrosły. Niektóre z nich zostały sprzedane za ponad 10 milionów dolarów, co odzwierciedla jego znaczącą pozycję na rynku sztuki współczesnej.
Selena Mattei
