Milena Paladino: W poszukiwaniu piękna

Co zainspirowało Cię do tworzenia sztuki i zostania artystą? (wydarzenia, uczucia, doświadczenia...)

Kreatywność zawsze była jedną z głównych cech mojej osobowości. Szukałem piękna we wszystkim, co mnie otaczało. Po ukończeniu liceum plastycznego zdecydowałem się na studiowanie historii sztuki na uniwersytecie. Stały kontakt ze sztuką pomógł mi rozwinąć wiele umiejętności. Podczas studiów nauczyłem się konstruować wizualne argumenty, a przede wszystkim wyćwiczyłem spojrzenie tak, aby przyjmowało krytyczną perspektywę. Doświadczenie to w znacznym stopniu przyczyniło się do mojego późniejszego rozwoju artystycznego, gdyż pozwoliło mi poszerzyć percepcję rzeczywistości i poprawić analizę wizualną.

Jakie jest Twoje artystyczne wykształcenie i z jakimi technikami i materiałami eksperymentowałeś do tej pory?

W szkole średniej nauczyłam się malować, rysować i rzeźbić w glinie. Na studiach pogłębiłem tę wiedzę praktyczną, studiując teoretyczne aspekty sztuki i jej odbioru. Jednakże przez lata nie udało mi się znaleźć formy twórczej, która by mnie w pełni wyrażała. Pewnego dnia, nie spodziewając się większego rezultatu, postanowiłem wyhaftować jedną z moich szkicowych kompozycji bezpośrednio na płótnie, zamiast ją malować. Sam proces haftowania okazał się bardzo relaksującym i fascynującym doświadczeniem. Tam się zupełnie zgubiłem. Co więcej, widząc, jak bardzo zadowalające wizualnie wydało mi się ukończone dzieło, od razu wiedziałem, że znalazłem coś wyjątkowego.

Jakie 3 aspekty wyróżniają Cię na tle innych artystów i sprawiają, że Twoja praca jest wyjątkowa?

Trudno mi wybrać, bo każdy artysta jest wyjątkowy na swój sposób. Jestem głęboko przekonany, że sztuka, którą tworzymy, oprócz przesłania, które chcemy przekazać, musi również mówić o nas samych. Staram się odnaleźć harmonię poprzez eksplorację koloru, formy i kompozycji w poszukiwaniu piękna. Za pomocą materiałów materialnych staram się również wyrazić niematerialne emocje, takie jak wspomnienia, marzenia i ciszę. Jestem osobą bardzo wrażliwą, trochę powściągliwą, ale jednocześnie otwartą na piękno tego świata. Mam nadzieję, że moja sztuka odzwierciedla tę wizję, sposób, w jaki postrzegam siebie na świecie i sposób, w jaki chcę to przedstawić innym.

Skąd czerpiesz inspirację?

Ostatnio inspirują mnie nowoczesne przedmioty użytkowe oraz współczesna ceramika. Znalazłem tam punkt wspólny z moją własną eksploracją linii, kształtów, kompozycji i faktur. Jestem głęboko zafascynowany ideą łączenia sztuki z nowoczesnym designem, tworząc przedmioty, które niosą duszę dzieła sztuki.

Jakie jest Twoje podejście artystyczne? Jakie wizje, wrażenia i uczucia chcesz wywołać u widza?

Anish Kapoor powiedział kiedyś: „Sztuka inspiruje i kieruje poezją w nas”. „ Całkowicie utożsamiam się z tym stwierdzeniem. Moje prace przywołują piękno, które jest czasami poetyckie i niematerialne, poezję ciszy. Szczerze wierzę, że tworząc dzieło sztuki, powinieneś w nim odzwierciedlać siebie. Każde dzieło sztuki musi opowiadać historię swojego twórcy. Tylko w ten sposób możemy stworzyć coś autentycznego i szczerego, co znajdzie oddźwięk u widzów. To siła i autentyczność naszego przekazu pobudzają ich wyobraźnię i stanowią podstawę ich więzi emocjonalnej.

Jest to dla mnie ważne, bo wiem, że to moi kolekcjonerzy, a nie ja, będą żyć z moimi dziełami. A życie z czymś wymaga więzi emocjonalnej. Rzeczy wokół nas są dla nas ważne, ponieważ ujawniają pewne informacje o tym, kim jesteśmy.

Jak wygląda proces tworzenia Twoich dzieł? Czy jest to spontaniczne, czy też wynik długiej pracy przygotowawczej (technicznej, inspirowanej klasyką sztuki lub inną)?

Zazwyczaj zaczynam od rysunku. Robię wiele szkiców w moim notesie, starając się przelać na papier ideę kompozycji, którą mam w głowie. Znalezienie idealnych linii i kształtów zazwyczaj przychodzi mi intuicyjnie. Wiem, że kompozycja jest dobra i kompletna, gdy ją widzę, i nie czuję potrzeby, aby cokolwiek zmieniać. Jak już wspomniałem, krytyczne spojrzenie, które wyrobiłem sobie w szkole artystycznej i na studiach, bardzo mi w tym procesie pomaga.

Po zakończeniu pracy nad kompozycją przenoszę wzór na płótno lniane lub bawełniane, aby wyraźnie zobaczyć, gdzie powinny znaleźć się haftowane części, a które powinny pozostać nienaruszone. Podstawą mojej pracy jest kontrast między pełnią i pustką. Tworząc początkowy liniowy haft kompozycji, skupiam się głównie na wyrazistości linii, różnicując jej grubość. W pozostałych elementach haftu wybieram głównie kolory neutralne, aby podkreślić harmonię kompozycji. Każdy element musi współgrać z pozostałymi, kierując widza w stronę kontemplacji wizualnej.

Czy stosujesz jakąś szczególną technikę pracy? Jeśli tak, czy możesz mi to wyjaśnić?

Wszystkie hafty wykonuję techniką dziurkowania igłą. Lubię eksperymentować z tym medium i odkrywać efekty wizualne, jakie można za jego pomocą uzyskać. Zawsze fascynowały mnie linie i płaskie powierzchnie w kompozycji oraz ich wzajemne oddziaływania, które często sprawiają, że obraz wydaje się bardziej abstrakcyjny niż rzeczywisty. Jest to forma rzeczywistości, która służy jako punkt wyjścia do uchwycenia czegoś nieuchwytnego, bliskiego abstrakcji.

Czy w Twojej pracy są jakieś innowacyjne aspekty? Czy możesz nam o tym opowiedzieć?

Sztuka tekstylna odgrywała rolę w wytwarzaniu praktycznych i dekoracyjnych przedmiotów przez ludzi przez setki tysięcy lat. Przed Anni Albers (artystką zajmującą się tkaniną XX wieku) tkactwo uważano za proste rzemiosło, ale ona pomogła przekształcić je w formę sztuki, która była zarówno piękna, jak i funkcjonalna. Podobnie jak wszystkie formy sztuki, sztuka tekstylna ciągle się odradza, oferując niezliczone możliwości wyrażania siebie, przy jednoczesnym zachowaniu wielu cennych tradycji tekstylnych. Połączenie tradycji z osobistymi doświadczeniami kształtuje przyszłość tej sztuki, nie tylko dając poczucie przynależności do czegoś większego, ale także pozostawiając przestrzeń na innowację.

Czy jest format lub medium, w którym czujesz się najswobodniej? Jeśli tak, to dlaczego?

Do tworzenia swoich prac używam naturalnych materiałów, takich jak włóczki alpaki i bawełny, ponieważ oferują one najwyższą jakość, zarówno pod względem estetycznym, jak i sensorycznym. Chcę, aby moi kolekcjonerzy byli zainteresowani produktem bardzo wysokiej jakości. Miękkość alpaki w zestawieniu z szorstką naturą wełny i bawełny tworzy dynamiczne relacje na płótnie. Jednym z najciekawszych aspektów przędzy jest jej ciepło i przyjemne w dotyku właściwości. Aby w pełni docenić wartość moich prac, konieczna jest interakcja z człowiekiem.

Gdzie tworzysz swoje dzieła? W domu, we wspólnej pracowni czy we własnej pracowni? A jak w tej przestrzeni organizujesz swoją twórczą pracę?

Pracuję wyłącznie w domu. Jedną z wielu zalet haftu jest to, że jest to „czysta” technika, która nie wprowadza zbytniego chaosu w przestrzeni życiowej.

Czy Twoja praca wymaga od Ciebie podróżowania w celu spotykania się z nowymi kolekcjonerami, uczestniczenia w targach i wystawach? Jeśli tak, jakie wnioski wyciągasz z tych doświadczeń?

Szczerze mówiąc, nie. Chociaż wszyscy moi kolekcjonerzy pochodzą z zagranicy, większość z nich odkryła moje prace za pośrednictwem internetowych galerii sztuki lub mediów społecznościowych.

Jak wyobrażasz sobie rozwój swojej pracy i kariery artystycznej w przyszłości?

Mam wielkie marzenia dotyczące swojej kariery artystycznej, jak każdy początkujący artysta, który rozumie wartość swojej pracy. Jeśli chcesz rozwijać karierę w świecie kreatywnym, musisz być pewny tego, co oferujesz. Jest tylu utalentowanych artystów, ilu kolekcjonerów gotowych zainwestować w Twoją sztukę. Ale żeby tak się stało, muszą otrzymać od ciebie coś wyjątkowego, czego nikt inny nie może im zaoferować, coś, co wywoła u nich jakąś reakcję, jakakolwiek ona będzie.

Jaki jest temat, styl i technika Twojej najnowszej produkcji artystycznej?

Moje obrazy nie przedstawiają rzeczywistych obiektów, nie są to klasyczne martwe natury. Są przede wszystkim eksploracją formy, która podsumowuje współzależność linii i powierzchni. Nie chodzi o pojedynczy obiekt, ale o kompozycję jako całość. Forma ta jest uproszczona do minimalizmu, ponieważ prostota jest najbardziej szczerą formą ekspresji.

Gdybyś mógł stworzyć jedno słynne dzieło sztuki, które byś wybrał? A dlaczego?

Powiedziałbym, że żadne. :) Jak już wcześniej wspomniałem, każde dzieło sztuki powinno opowiadać o swoim twórcy. To właśnie czyni go wyjątkowym i niezastąpionym. Wybranie jednego z nich oznaczałoby wyrwanie go z kontekstu, a dzieła sztuki podziwiamy nie tylko za to, co przedstawiają na płótnie, ale również za to, co nadaje im głębsze znaczenie, czyli umysł artysty.

Gdybyś mógł zaprosić na kolację dowolnego znanego artystę (żyjącego lub zmarłego), kogo byś wybrał? Jak proponujesz spędzić wieczór?

Sara Ball. Ale zamiast zaprosić ją na kolację, wolę poprosić, aby spędziła czas w swojej pracowni, przyglądała się swoim pracom i w ciszy marzyła o tym, żeby zostać uwiecznioną na jednym z ich dzieł. Moim zdaniem jest jedną z niewielu współczesnych artystek, które potrafią uchwycić duszę.