Kader Attia, 2015. Autor: Franz Johann Morgenbesser, za Wikipedią
Kader Attia
Kader Attia (ur. 1970, Francja) dzieciństwo spędził między Paryżem a Algierią. Przed rozpoczęciem nauki w École Supérieure des Arts Appliqués Duperré i École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs w Paryżu, a także Escola Massana w Barcelonie, przez kilka lat mieszkał w Kongo i Ameryce Południowej. Obecnie mieszka i pracuje między Berlinem a Paryżem.
Jego kontakt z różnymi kulturami, głęboko ukształtowanymi przez kolonializm, handel i wieloetniczne historie, w znacznym stopniu wpłynął na interdyscyplinarne i międzykulturowe podejście Attii do jego twórczości. Duża część jego sztuki bada kwestie związane z nierównościami społecznymi, grupami marginalizowanymi i doświadczeniami postkolonialnymi. Ponad Przez lata skupiał się na tym, w jaki sposób społeczeństwa postrzegają swoją historię, szczególnie w odniesieniu do tematów deprywacji, ucisku, przemocy i straty, a także w jaki sposób te kwestie kształtują zarówno jednostki, jak i narody, wszystko to jest ze sobą powiązane poprzez pamięć zbiorową.
Koncepcje „urazu i naprawy” odgrywają centralną rolę w praktyce artystycznej Attii, oferując perspektywę do eksploracji trwającego wpływu historii i jej spuścizny. Jego wystawy często prezentują obiekty i instalacje, które zestawiają widocznie naprawione przedmioty — takie jak maski afrykańskie — z klasyczne posągi lub wizerunki weteranów I wojny światowej poddawanych rekonstrukcji twarzy. Na jednej z wystaw rozbite kawałki witraży zostały zmontowane w kolorowy element ścienny, symbolizujący historię jako fragmentaryczny, ewoluujący proces.
Obszerne badania społeczno-kulturowe Attii skłoniły go do zbadania koncepcji naprawy, którą rozwinął zarówno filozoficznie, jak i artystycznie. Dla niego naprawa jest uniwersalną zasadą, inherentną naturze i ludzkości, obejmującą nieustanne cykle utraty, odzyskiwania i ponownego -przywłaszczenie. Przekracza jednostkę, przecinając się z płcią, nauką, filozofią i architekturą, jednocześnie łącząc szersze tematy w kulturze, micie i historii.
Jego rzeźby i instalacje dostarczają poetyckiego, ale bezpośredniego badania relacji między kulturami zachodnimi i niezachodnimi. Poprzez dogłębną eksplorację architektury, ciała, literatury i narracji historycznych Attia krytykuje, w jaki sposób tożsamość — zarówno osobista, jak i kulturowa — jest ukształtowane pod kolonialną dynamiką władzy. Wykorzystując wyrzucone przedmioty, artefakty i relikty wojenne, przekształca galerie w obszary refleksji, zapraszając widzów do ponownego rozważenia często zniekształconych przedstawień wielu historii. Poprzez takie ponowne przywłaszczenie stara się zakwestionować i rozpuścić podział na lepsze/gorsze, tradycyjne/nowoczesne i egzotyczne/znajome.
W 2016 r. Attia założyła La Colonie w Paryżu, przestrzeń przeznaczoną do wymiany idei i wspierania dyskusji. Poświęcona dekolonizacji nie tylko ludzi, ale także wiedzy, postaw i praktyk, La Colonie ma na celu przełamanie barier wiedzy poprzez transkulturowe , interdyscyplinarne i międzypokoleniowe podejście. Jego misją jest zajęcie się pilną potrzebą społecznych i kulturowych reparacji, dążąc do ponownego zjednoczenia tego, co zostało rozdrobnione lub wyobcowane.
Attia został uhonorowany wieloma prestiżowymi nagrodami, m.in. nagrodą Joan Miró Prize od Fundació Joan Miró w Barcelonie (Hiszpania), nagrodą Yanghyun Prize w Seulu (Korea Południowa) w 2017 r. oraz nagrodą Prix Marcel Duchamp w Paryżu (Francja) w 2016 r.
K ader Attia: Tożsamość i cisza
Kluczowe dzieło Kadera Attii, „Ghost” (2007), powstało z obsady jego matki, zainspirowanej wspomnieniami z dzieciństwa, kiedy modliła się wśród innych pobożnych muzułmanek. Owinął ją warstwami folii aluminiowej, gdy klęczała, tworząc w ten sposób obraz wielkości człowieka. figura z tego odblaskowego materiału. Ten proces powtórzono, aby stworzyć tłum 40 postaci, każda z niewielkimi różnicami w postawie, ułożonych w kratkę na potrzeby instalacji. Późniejsze wersje zawierały odlewy różnych osób. Widzowie spotykają te postacie od tyłu, odzwierciedlając perspektywę, jaką Attia miała jako dziecko w wąskich przestrzeniach paryskich meczetów. Dopiero po dotarciu na przeciwległy koniec przestrzeni zdają sobie sprawę, że te postacie są puste; kaptury przypominające burki skrywają nie twarze, ale głęboką pustkę.
Choć „Ghost” początkowo był osobistym hołdem, porusza szersze tematy, takie jak postrzeganie religii, dążenie do przynależności i złożoność multikulturalizmu. Te zawiłe tematy od dawna intrygowały Attię; jego pierwsza rzeźba, „The Dream Machine” (2003 ), przedstawiał zakapturzoną postać wpatrującą się w automat z artykułami, które są albo zakazane w islamie, albo związane z nowoczesnością, takimi jak wieprzowina, alkohol, amerykański paszport i karta wizowa. Ten fragment ironicznie podkreślał, jak marginalizowane społeczności odzwierciedlają konsumpcję i produkcji społeczeństwa dominującego.
Na jego znaczącej wystawie indywidualnej „On Silence”, która prezentuje jego prace z ostatnich dwóch dekad, zamówiono dwa nowe, ważne dzieła. Pierwsze z nich, „Object's Interlacing” (2020), zawiera film i reprodukcje afrykańskich rzeźb, zagłębiając się do złożonych dyskusji na temat restytucji artefaktów z epoki kolonialnej. Druga, „On Silence” (2020), to instalacja różnych protez kończyn, symbolizująca naprawę dla osób, które utraciły kończyny w strefach konfliktu. Umieszczona w sercu wystawa, ta praca zachęca odwiedzających do zaangażowania się w jej tematy, wywołując głęboką refleksję i dialog. Razem te ostatnie prace podkreślają ciszę jako istotny element rozmów, przeplatany głosami, ruchem, wyobraźnią i emocjami.
Attia zazwyczaj wzmacnia głosy marginalizowanych grup, które często były uciszane. W 2011 r. rozwinął ten temat w swoim filmie „Collages”, który stworzył wraz z dziennikarką i działaczką transseksualną Hélène Hazera podczas ich wizyty w Mumbaju, gdzie zaangażowali się w społeczności hijra — jednostki, które identyfikują się jako osoby trzeciej płci i często stają przed wyzwaniami asymilacji w społeczeństwie indyjskim. Wybrane prace z „serii Hijras” zostały również zaprezentowane na jego indywidualnej wystawie „On Silence”.
Wystawy i kolekcje
Jego wystawy indywidualne prezentowane były w wybitnych instytucjach, takich jak Mathaf: Arab Museum of Modern Art w Doha (2021), BAK – base voor actuele kunst w Utrechcie (2021), Kunsthaus Zürich (2020), Sesc Pompeia São Paulo (2020), Berkeley Art Museum and Pacific Film Archive (2019), Hayward Gallery w Londynie (2019), Musée d'Art Contemporain du Val-de-Marne we Francji (2018), Fundació Joan Miró w Barcelonie (2018), Power Plant w Toronto ( 2018), Hood Museum of Art w Hanowerze (2018), Palais de Tokyo w Paryżu (2018), Muzeum Sztuki Współczesnej w Sydney (2017), Ludwig Museum w Koblencji (2017), Mildred Lane Kemper Art Museum w St. Louis (2017), Stedelijk Museum voor Actuele Kunst (SMAK) w Gandawie (2017), Centre Georges Pompidou w Paryżu (2016), Museum für Moderne Kunst we Frankfurcie (2016), Musée Cantonal des Beaux Arts w Lozannie (2015), KW Institute for Contemporary Art w Berlinie (2013) , Whitechapel Gallery w Londynie (2013), Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris (2012), Institute of Contemporary Art w Bostonie (2007) i Musée d'Art Contemporain de Lyon (2006).
Ponadto jego prace były częścią znaczących wystaw zbiorowych, w tym „YOYI! Care, Repair, Heal” w Gropius Bau w Berlinie (2022), „Human, 7 Questions” w Leeum, Samsung Museum of Art w Seulu (2021 ), „Szaleńcze lata dwudzieste” w Guggenheim Bilbao (2021), „Afryka odrodzona” w Musée du Quai Branly w Paryżu (2021), „Dym i lustra: Szaleńcze lata dwudzieste” w Kunsthaus Zürich (2020), „Down to Earth” w Gropius Bau w Berlinie (2020), „Globalny(e) opór” w Centre Pompidou w Paryżu (2020), „Mitologie – początek i koniec cywilizacji” w ARoS Aarhus Art Museum w Danii (2020), „Nasz świat jest Burning” w Palais de Tokyo w Paryżu (2020), „Phantom Limb” w Jameel Arts Center w Dubaju (2019), „When Home Won't Let You Stay: Migration Through Contemporary Art” w Institute of Contemporary Art w Bostonie i Minneapolis Institute of Art (2019-2020), „The Warmth „of Other Suns: Stories of Global Displacements” w Phillips Collection w Waszyngtonie (2019), „The Flow of Forms” w Pinakothek der Moderne w Monachium (2017), „Foreign Gods: Fascination Africa and Oceania” w Leopold Museum w Wiedniu (2016), „Ale burza wieje z raju” w Muzeum Solomona R. Guggenheima w Nowym Jorku (2016), „Picasso w sztuce współczesnej” w Deichtorhallen w Hamburgu (2015), „Boska komedia” w Muzeum Smithsona Sztuki Afrykańskiej w Waszyngtonie, SCAD Museum of Art w Savannah i Museum für Moderne Kunst we Frankfurcie (2014-2015), „Here and Elsewhere” w New Museum w Nowym Jorku (2014), „Performing Histories” w Museum of Modern Art w Nowym Jorku (2012) i „Contested Terrains” w Tate Modern w Londynie ( (2011)
Był kuratorem 12. Biennale Sztuki Współczesnej w Berlinie (2022) i brał udział w licznych biennale, m.in. w Szardży 15. Biennale (2023), Aichi Triennale w Nagoi (2022), Biennale w Gwangju (2020, 2018), Biennale w Szanghaju (2018), Biennale w Marrakeszu 4. i 6. (2014, 2016), Biennale w Lyonie (2005, 2015), dOCUMENTA 13 w Kassel (2012) i Biennale w Wenecji (2003, 2011).
Jego prace znajdują się w najważniejszych międzynarodowych kolekcjach, takich jak Barjeel Art Foundation w Szardży, Collection Centre Georges Pompidou, Fondation Louis Vuitton, Fond National d'Art Contemporain, Hood Museum of Art, Institute of Contemporary Art w Bostonie, Museo Jumex w Mexico City, Mathaf: Arabskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Dosze, Kolekcja Marguliesa w Miami, Moderna Museet w Sztokholmie, Museum für Moderne Kunst we Frankfurcie, Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku, Museum der Moderne w Salzburgu, Fundacja Sztuki w Szardży, Miejskie Muzeum Sztuki Współczesnej SMAK Art w Gandawie, Société Générale w Paryżu, Solomon R. Guggenheim Museum w Nowym Jorku, Tate Modern w Londynie, Vehbi Koç Foundation w Stambule i Vanmoerkerke Collection w Belgii.
Selena Mattei
