Jenny Saville
Jenny Saville, urodzona 7 maja 1970 r. w Cambridge w Anglii, jest znaną brytyjską malarką i kluczową postacią we współczesnym świecie sztuki. Jako jedna z pierwotnych członkiń Young British Artists (YBAs), Saville zyskała międzynarodowe uznanie za swoje przełomowe przedstawienia kobiecej formy, przekształcając tradycyjny portret nagich kobiet w surową i niefiltrowaną eksplorację obrazu ciała, płci i tożsamości.
Podróż Saville do świata sztuki rozpoczęła się od edukacji w Lilley and Stone School w Newark, Nottinghamshire, a następnie od uzyskania tytułu Bachelor of Fine Arts w Glasgow School of Art (1988–1992). Przełomowym momentem w jej rozwoju artystycznym było przyznanie jej stypendium na University of Cincinnati. Tam studiowała teorię feministyczną i spotykała duże kobiety, których fizyczność miała głęboki wpływ na jej artystyczną wizję. Fascynacja Saville „dużymi ciałami” i niekonwencjonalnym pięknem była znakiem rozpoznawczym jej kariery, zainspirowanej częściowo pracami Pabla Picassa, który przedstawiał swoje postacie jako solidne i trwałe.
Po ukończeniu studiów licencjackich, wybitny brytyjski kolekcjoner sztuki Charles Saatchi odkrył prace Jenny Saville na wystawie Critics Choice Clare Henry w Cooling Gallery w Cork Street, kupując jeden z jej obrazów. Jej początkowa seria portretów na dużą skalę, na których była ona sama i inne modelki, skłoniła Saatchi do zaoferowania jej 18-miesięcznego kontraktu, zapewniającego wsparcie podczas tworzenia nowych prac dla Saatchi Gallery w Londynie. Dzieła te zostały zaprezentowane na wystawie Young British Artists III w 1994 r., a wyróżniającym się autoportretem Saville „Plan” (1993) był autoportret Saville. Jej szybki wzrost uznania krytyków i opinii publicznej ugruntował jej pozycję kluczowej postaci ruchu Young British Artists (YBA), znanego z łączenia klasycznego malarstwa figuralnego z nowoczesną perspektywą.
Jako członkini Young British Artists, grupy malarzy i rzeźbiarzy, którzy zdobyli uznanie pod koniec lat 80. i na początku lat 90., Jenny Saville ożywiła współczesne malarstwo figuralne, przesuwając granice gatunku i kwestionując społeczne poglądy na temat ciała i jego możliwości. Chociaż jej sztuka jest innowacyjna, odzwierciedla również głębokie zrozumienie — zarówno intelektualne, jak i sensoryczne — sposobów przedstawiania ludzkiego ciała na przestrzeni dziejów i w różnych kulturach.
Od rozpoczęcia kariery w 1992 r. Jenny Saville konsekwentnie skupiała się na eksplorowaniu kobiecej formy. W 1994 r. poświęciła dużo czasu na obserwację zabiegów chirurgii plastycznej w Nowym Jorku, dokumentując swoje doświadczenia za pomocą szkiców i fotografii. Obejmowały one obrazy liposukcji, pacjentów po urazach, operacji korekcyjnych deformacji i osób transseksualnych. Wiele jej obrazów przedstawia przesadnie zniekształcone ciało, śmiałe pociągnięcia pędzlem i żywe plamy farby olejnej, a niektóre prace podkreślają ślady pooperacyjne lub białe „tarcze”. Zazwyczaj większe niż w rzeczywistości, często o wymiarach sześciu stóp kwadratowych lub więcej, jej obrazy oferują namacalne, zmysłowe przedstawienie skóry i masy ciała.
Unikalne podejście Saville ugruntowało jej pozycję czołowej postaci w sztuce współczesnej, z reprezentacją prestiżowej Galerii Gagosian w Nowym Jorku i wystawami w takich znanych instytucjach jak Tate Britain i Museum of Modern Art w Nowym Jorku. W 2018 r. jej obraz „Propped” (1992) został wystawiony na aukcji w Sotheby's w Londynie za 9,5 mln funtów — znacznie przekraczając jego szacowaną wartość 3–4 mln funtów — co czyni go najdroższym dziełem żyjącej artystki, jakie kiedykolwiek sprzedano na aukcji.
Ciało kobiety i artystyczna wizja Saville’a
Sztuka Saville koncentruje się na kobiecym ciele, często przedstawianym w dużych, mięsistych i zniekształconych formach, które rzucają wyzwanie tradycyjnym standardom piękna i uprzedmiotowieniu w sztuce. Zamiast idealizować kobiecą formę, podkreśla niedoskonałości — takie jak guzy, dołeczki i blizny — czerpiąc inspirację z podręczników medycznych na temat urazów i deformacji. Jej prace konfrontują zarówno klasyczne przedstawienia aktów, jak i przefiltrowane, nieskazitelne obrazy ciała promowane przez media społecznościowe, wywołując silne reakcje emocjonalne poprzez prezentowanie surowych, niezmienionych przedstawień kobiecych ciał. Dzięki temu podejściu Saville podkreśla naturalne krzywizny i tekstury często pomijane w konwencjonalnych przedstawieniach kobiecego aktu, zwracając uwagę na niepewności i niedoskonałości, które są zazwyczaj ukryte.
Charakterystyczny styl Saville jest definiowany przez bogate pociągnięcia pędzla, żywe odcienie skóry i szczegółowe nakładanie farb olejnych, które nadają jej pracom rzeźbiarski charakter. Jej obrazy, często porównywane do obrazów Luciana Freuda i Rubensa, są bardziej intensywne i instynktowne, eksplorują tematy takie jak niejednoznaczność płci, trauma i transformacja. Czerpiąc inspirację ze swoich obserwacji operacji plastycznych, Saville włącza do swojej pracy liposukcję, korektę deformacji i pacjentów transseksualnych, przesuwając granice reprezentacji ciała i kwestionując konwencjonalne przedstawienia piękna.
Używając małych pociągnięć pędzla, aby zmiękczyć obraz i stonowanych kombinacji kolorów, aby stworzyć delikatną atmosferę, Saville zestawia intensywność swoich tematów ze swoją techniką. Jej ogromne płótna pozwalają widzom w pełni docenić szczegóły i ruch w jej warstwowych farbach olejnych, tworząc estetykę abstrakcyjnego realizmu. Przedstawiając zniekształcone, mięsiste ciała kobiet, Saville komentuje politykę płci, seksualność i samorealizację, jednocześnie łamiąc społeczne standardy piękna. Jej sztuka odzyskuje piękno i podmiotowość w ciałach często określanych jako groteskowe, oferując mocną krytykę tego, jak społeczeństwo kształtuje i kontroluje postrzeganie kobiecej formy.
Znane dzieła
„Branded” (1992) – W tym obrazie Saville łączy swoją twarz z ciałem otyłej kobiety. Przesadny rozmiar piersi i środkowej części ciała postaci podkreśla temat wizerunku ciała. Osoba jest przedstawiona trzymając i pozornie eksponując fałdy swojej skóry.
„Closed Contact” (1995–1996) – Współpraca z Glenem Luchfordem, seria C-printów przedstawia większy akt kobiecy leżący na pleksi. Fotografowane od dołu obrazy tworzą zniekształcony obraz postaci, kwestionując percepcję ciała.
„Hybrid” (1997) – Ten obraz przypomina patchwork, łącząc części czterech różnych kobiecych ciał w jedno. Rezultatem jest unikatowy kompozyt, który podkreśla złożoność i różnorodność ludzkiej formy.
„Fulcrum” (1999) – W tym dziele trzy otyłe kobiety ułożone są na wózku medycznym. Cienkie pionowe paski taśmy, nakładane i usuwane, tworzą geometryczny kontrast z organicznymi, mięsistymi formami.
„Hem” (1999) – Przedstawiający dużą, nagą postać kobiecą obraz jest bogaty w subtelne faktury. Odrobiny pomarańczowego dodają ciepła brzuchowi, podczas gdy gruba biała farba po lewej stronie przypomina gipsowy odlew. Różowo-brązowy obszar łonowy jest pomalowany tak, aby przypominał rzeźbione drewno.
„Ruben's Flap” (1998–1999) – Ten autoportret przedstawia fragmentaryczny widok ciała Saville, podzielonego na kwadratowe płaszczyzny. Segmentowany obraz sugeruje walkę o pogodzenie się z własnym ciałem, gdy próbuje ukryć swoją nagość w podzielonych przestrzeniach.
„Matrix” (1999) – Leżąca naga postać z kobiecymi piersiami i genitaliami, ale w centrum tego obrazu znajduje się męska, brodata twarz. Genitalia są eksponowane w sposób widoczny, podczas gdy ramiona i nogi wystają poza ramę, pozostawiając widoczną tylko część ciała. Dzieło jest wykonane w realistycznych odcieniach skóry, eksplorując tematy płci i tożsamości.
Najważniejsze wystawy
Do 1994 roku Jenny Saville zyskała znaczące uznanie, co doprowadziło do jej udziału w kilku znaczących wystawach zbiorowych. Wśród nich wyróżniała się „Young British Artists III” w Saatchi Gallery w Londynie, a następnie „Contemporary British Art '96” w Museum of Kalmar w Sztokholmie. Przełom nastąpił wraz z wystawą „Sensation: Young British Artists from the Saatchi Collection” w Royal Academy of Arts w Londynie w 1997 roku, co pomogło jej ugruntować reputację czołowej malarki swojego pokolenia. Jej wielkoformatowe prace, takie jak „Plan” (1993), w których naga kobieta jest przedstawiona od dołu z ekstremalnym skrótem perspektywicznym i szczegółowym topograficznym ciałem, zapoznały wielu z jej charakterystycznym podejściem.
W 1999 r. Saville miała swoją pierwszą dużą wystawę indywidualną zatytułowaną „Territories” w Gagosian Gallery w Nowym Jorku, co stanowiło ważny kamień milowy w jej karierze. Po niej nastąpiła jej druga wystawa indywidualna, „Migrants”, w tej samej galerii w 2003 r. Jej eksploracja tematów i skali trwała dalej, a jej prace obejmowały znaczące wystawy, w tym kompleksowy przegląd w Museo d'Arte Contemporanea w Rzymie w 2005 r. oraz zlecenie wykonania trzech dzieł sztuki na inauguracyjną wystawę Museo Carlo Bilotti w Rzymie w 2006 r.
Przez całą swoją karierę Saville była prezentowana na wielu znaczących wystawach. Jej wczesny debiut solowy w Cooling Gallery w Londynie w 1992 r., gdzie Charles Saatchi nabył jedno z jej dzieł, przygotował grunt pod jej przyszłą sławę. Kluczowe wystawy obejmują „Continuum” w Gagosian Gallery w Nowym Jorku w 2011 r., „Egon Schiele - Jenny Saville” w Kunsthaus Zürich w 2014 r. i „Ancestors” w Gagosian Gallery w Nowym Jorku w 2018 r. Ponadto jej prace były prezentowane w Scottish National Gallery of Modern Art w Edynburgu i The George Economou Collection w Atenach.
Selena Mattei
