Martwa natura

Rozpoczęło się odliczanie do Bożego Narodzenia, abyśmy nie mogli nie pomyśleć o: kolorowych światłach, drzewku, szopce, kolorach czerwonym i złotym, Świętym Mikołaju, prezentach i nakrytych stołach. Tak naprawdę 25 grudnia to nie tylko dzień, w którym oprócz obietnicy lepszego wymieniania się prezentami między przyjaciółmi i bliskimi, ale także okazja do ustawienia bogatych stołów, wokół których gromadzi się cała rodzina. W efekcie, w dniach poprzedzających Święta Bożego Narodzenia, targi spożywcze zapełniają się ludźmi, przygotowującymi się do organizowania niezapomnianych imprez. W świecie sztuki bankiety i jarmarki były szeroko badanymi obiektami malarskimi, a wśród wielu wyróżniają się: Uczta Weselna Kupidyna i Psyche Rafaela oraz Targ Vucciria Renato Guttuso. Jednak mimo tych przykładów najsłynniejsze skojarzenie sztuki z jedzeniem przybrało formę martwych natur, malarskich przedstawień przedmiotów nieożywionych, których popularność rozprzestrzeniła się zwłaszcza między końcem XVI a początkiem XVII wieku, epokami którym narzucono upodobanie do tematów mniej wymagających w porównaniu do tych tradycyjnych, takich jak: malarstwo historyczne, portrety i malarstwo pejzażowe. Największy rozwój obrazowego przedstawiania przedmiotów nieożywionych miał miejsce w Europie Północnej, ponieważ religia protestancka zabroniła przedstawiania podmiotów religijnych. Jednak we Włoszech pierwszym, który rozsławił gatunek martwej natury, był Michelangelo Merisi, znany jako Caravaggio.

Rafał, Uczta weselna Kupidyna i Psyche , 1517 ok. Fresk, Rzym: Villa Farnesina.

Renato Guttuso, Vucciria , 1974. Olej na płótnie, 300 × 300 cm. Palermo: Pałac Steri.

Caravaggio, Kosz owoców , 1597-1600. Olej na płótnie, 46 × 64 cm. Mediolan: Pinacoteca Ambrosiana.

Caravaggio: kosz owoców

Canestra di Frutta Caravaggia (Kosz z owocami) jest uważany za inkunabulum gatunku martwej natury we włoskiej sztuce, ponieważ przed tym arcydziełem przedmioty nieożywione były przedstawiane głównie jako proste ornamenty i dekoracje. W konsekwencji twórczość Merisi, której bohaterem jest owoc, nadaje temu gatunkowi nową godność, podnosząc go do rangi malarstwa figuratywnego. To, co zostało powiedziane, jest z pewnością zasługą także talentu malarskiego artysty, który potrafił przeprowadzić realistycznie realistyczne badanie przedstawionego tematu, na tyle, że zrelacjonował nawet jego niedoskonałości. Jeśli chodzi o opis obrazu, w centrum pracy umieszczony jest kosz z plecionej wikliny, w którym umieszczone są różnego rodzaju owoce. Temat ten, na nagim, neutralnym tle, spoczywa na drewnianej płaszczyźnie widocznej tylko na jej krańcach, biegnącej równolegle do spojrzenia widza. W przeciwieństwie do prostoty oprawy, owoc został pomalowany z mistrzowską precyzją, dzięki czemu widoczne są jego najdrobniejsze szczegóły i defekty, takie jak dziury i kurz. Wreszcie, przedstawiając rzeczy po prostu tak, jak nam się wydają i bez żadnego filtra, Caravaggio zrewolucjonizował sposób przedstawiania martwej natury.

Giorgio Morandi, Martwa natura , 1920. Olej na płótnie, 60,5 × 66,5 cm. Mediolan: Galeria Sztuki Brera.

Giorgio Morandi: Martwa natura , 1920

Innym włoskim malarzem, który po Caravaggiu i wielu innych przyczynił się do popularności tematu martwej natury, dzięki swojemu bardzo osobistemu stylowi, był Giorgio Morandi. Wielka wrażliwość Morandiego, wzbogacona badaniami wielkich mistrzów, w tym zwłaszcza Paula Gauguina, była w stanie przekształcić obrazowe przedstawienie martwej natury w elegię istnienia. W rzeczywistości prace Giorgio Morandiego, introspektywne i uduchowione, pozwoliły artyście przekopać powierzchnię widzialnego, w poszukiwaniu czegoś wyższego i najwyższego. Głównymi tematami martwych natur Morandiego są butelki, wazony, pudełka, miski, dzbanki i lampki oliwne, obok których czasami umieszczane są również owoce lub żywność. Wszystkie te składniki kryją w sobie głębsze znaczenia, gdyż artysta walczący z ulotnością i zbędnością przypisywał swoim dziełom niemal święte studium i rytualność wykonania. Martwe natury Morandiego nie są więc aseptycznymi przedstawieniami rzeczywistości, ale świadectwem głębszej prawdy, która trafiła do istoty rzeczy. W rzeczywistości przedmioty, naładowane sugestywną mocą, zaludniają jego płótna, zawsze zajmując bardzo precyzyjną przestrzeń, co jest wynikiem długiego i artykułowanego procesu twórczego. W Natura morta (1920) typowe dla twórczości Morandiego obiekty, takie jak butelki i wazony, pozostawiają marginalne miejsce dla owoców, które znów wydają się traktowane jako ornament, sprowadzony tylko do określonych miejsc obrazu.

Nataliya Bagatskaya, Tylko delikatne brzoskwinie , 2021. Akryl/plakietka na płótnie, 80 x 100 cm.

Nataliya Bagatskaya: Tylko delikatne brzoskwinie...

Martwa natura jest nadal kluczowym tematem w badaniach obrazowych artystów na całym świecie, do tego stopnia, że kolekcja Artmajeur jest pełna prac poświęconych temu gatunkowi. Na przykład obraz olejny Natalii Bagatskiej z imponującym realizmem przedstawia brzoskwinie, które poza jedną znajdują się w plastikowej torbie. To właśnie ten ostatni szczegół sprawia, że dzieło artysty z Artmajeur jawi się jako współczesny „remake” Martwej natury z brzoskwiniami i liśćmi winorośli Lombarda Ambrogio Figino (1591-94). W związku z tym warto zauważyć, że to właśnie w Lombardii, regionie północnych Włoch, pojawiły się pierwsze włoskie przykłady autonomicznej martwej natury, czyli całkowicie oderwanej od innego rodzaju figuratywnych kontekstów, które najprawdopodobniej służyły jako wzór dla Canestry Caravaggia.

Josep Maria Fontanet Sureda, Mig canal de vedella , 2018. Olej na papierze, 75 x 55 cm.

Josep Maria Fontanet Sureda: Mig canal de vedella

Martwa natura z tuszą autorstwa Fontaneta Suredy, artysty z Artmajeur, przedstawia temat tak bliski historii sztuki, że artyści tacy jak Rembrandt, Soutine, Chagal i Bacon uwiecznili go, czyniąc go ikoną. Zwłoki artysty Artmajeura, ze względu na swój hiperrealizm, są najbardziej zbliżone do tego wykonanego w 1655 roku przez Rembrandta i zatytułowanego Zabity wół . W tym ostatnim obrazie przestrzenne usytuowanie obiektu malarskiego wraz z obecnością kobiety zwróconej do drzwi wydają się nieistotne w porównaniu z wielkością martwego ciała, oświetlonego z lewej strony, w klimacie półcienia rodem z Caravaggia. . W przeciwieństwie do pracy Rembrandta, praca Fontaneta Suredy, w której brakuje przestrzennego zestawienia malarskiego podmiotu i postaci, koncentruje się wyłącznie na podkreśleniu cech tuszy. Wreszcie bardzo osobista interpretacja artysty Artmajeur różni się od arcydzieła holenderskiego mistrza układem światła, które w tym przypadku jest równomiernie rozłożone na badanym malarskim temacie.

Art'Mony, Croquez la vie , 2021. Żywica akrylowa i kolaż, 35 x 30 x 30 cm.

Art'Mony: Croquez la vie

W rzeźbie Artmajeur Art'Mony jabłko, ukazane w stylu bliskim pop-artowi, traktowane jest jako ikona, jakby był popularnym w konsumpcyjnym społeczeństwie przedmiotem lub osobowością. Dodatkowo ugryzienie, obecne na powierzchni pracy, mogłoby nawiązywać do logo Apple, katapultując nas bezpośrednio we współczesny świat. Z kolei w historii sztuki słynna rzeźba przedstawiająca jabłko, zatytułowana Jabłko reintegrowane , została wykonana w 2015 roku przez znanego propagatora arte povera, Michelangelo Pistoletto. Praca ta, która znalazła swoje miejsce na słynnym placu mediolańskiego dworca, nosi na swojej powierzchni dużą bliznę, jakby po ugryzieniu została naprawiona przez artystę. Wreszcie rzeźba włoskiego artysty kryje w sobie także znaczenie symboliczne, gdyż ugryzienie, teraz ukryte, oznaczałoby oderwanie od człowieka do natury, które sprzyjało narodzinom sztucznego świata.