Podczas gdy będziemy jak co roku zapraszamy na nasze zegary o jedną godzinę w sobotę, duże sztuki okazją do ofert Ra zwrot z tych prac, które udało się reprezentacji czasu upłynęło więc niewyczuwalny i nieubłagany.
Memento mori, mozaika z Pompejów, I wiek p.n.e
Memento mori, polichromowana mozaika z Pompejów, I wiek, Narodowe Muzeum Archeologiczne w Neapolu © Archiwów specjalny nadinspektor Beni i archologici Neapol i Pompeje
Wśród najstarszych Memento mori , te przedstawienia, które przypominają nam, że każdy człowiek musi kiedyś umrzeć, z pewnością należy wspomnieć o tej słynnej mozaice znalezionej w Pompejach, która jest obecnie przechowywana w Muzeum Archeologicznym w Neapolu. Tego rodzaju kompozycja zostanie podjęta zarówno w średniowieczu, jak iw bardziej wyrafinowany sposób, w epoce baroku z malarstwem „marności” . Praca jest łatwa do odczytania, ponieważ symbole zachowały się w bardzo dobrym stanie od około dwóch tysiącleci dzięki rekonstrukcji archeologicznej. Koło tutaj symbolizuje szczęście. Obraca się, dopóki ludzie żyją i mogą wchodzić z nim w interakcje, czy to przez przypadek, czy poprzez własne działania. Kieruje bieg egzystencji w stronę bogactwa reprezentowanego przez piękny płaszcz z lewej strony, lub w stronę ubóstwa w stroju wędrowca z prawej. Kiedy nadchodzi śmierć (symbolizowana tutaj przez czaszkę), koło się zatrzymuje i nic nie ma już większej wartości. Pojęcia bogactwa i ubóstwa tracą wtedy wszelki sens. Mozaika pochodzi z rzymskiego triclinium (jadalni) domu pompejańskiego, w którym spożywano posiłki. Sposób na przypomnienie właścicielowi i gościom, aby pozostali pokorni jak zwykli śmiertelnicy i nie pozostawiali losu przypadkowi.
Philippe de Champaigne (1602-1674), Próżność.
Philippe de Champaigne Vanité, olej na drewnie, 28 cm x 37 cm, muzeum Tessé, Le Mans
Na samym początku XVII wieku pojawiły się obrazy nowego gatunku, próżności . Nazwa ta wywodzi się od słowa „próżne”, które odnosi się do tego, co puste, iluzoryczne. Są to obrazy zaliczane do gatunku martwych natur, zawierające zestaw emblematów i przedmiotów, których posiadanie wydaje się daremne, szydercze, jak w pracy pokazanej powyżej przez Philippe'a de Champaigne (1602-1674), Vanité . Do najczęstszych elementów definiujących postać należą czaszka, zgaszona świeca lub cisza instrumentów muzycznych jako symbole śmierci. Klepsydra czy zegar jako symbole upływu czasu, ale także bańki mydlane symbolizujące zarówno przemijanie życia, jak i ziemskie dobra. Wyblakły kwiat , jak tulipan lub róża, odzwierciedlający obraz życia, które prędzej czy później się skończy.
Trzy wieki człowieka - Giorgione
Trzy wieki człowieka, c.1500-01 (panel) - Giorgione da Castelfranco, Palazzo Pitti, Florencja, Włochy
Do tematu czasu często podchodzono również w malarstwie pod kątem różnych epok człowieka, czemu poświęcono wiele obrazów. Weźmy za przykład obraz włoskiego malarza Giorgione : „ Trzy wieki człowieka ”. Ta praca przedstawia trzy postacie męskie. W centrum młody mężczyzna trzymający nuty, po prawej dorosły, który mówi do niego pokazując partyturę, po lewej starzec, który od tyłu odwraca się, by spojrzeć na widza. Postacie powoli wyłaniają się z tła, podkreślone cieniowanymi kolorami. Dziś temat obrazu jest nadal bardzo dyskutowany. Wszystkie płótna Giorgione kryją w sobie drugi poziom znaczenia, często niejasny: ta lekcja śpiewu jest prawdopodobnie alegorią i intymną refleksją nad biegiem egzystencji, w której ważne jest, aby przekazać pałeczkę przyszłym pokoleniom, zanim nie będzie za późno , jak potwierdza melancholijne spojrzenie starca, przyciągające uwagę widza.
„Trwałość pamięci” Salvadora Dali
„The Persistence of Memory” Salvadora Dali The Museum of Modern Art, Nowy Jork
Trwałość pamięci to jeden z najbardziej zapadających w pamięć obrazów Salvadora Dalì. Charakterystycznym elementem pracy są słynne zegary odlewane. Dalì wyjaśnił, skąd wziął tę inspirację. Artysta przyłapał się na tym, że patrzy, jak kawałek sera topi się w słońcu. Ta wizja zainspirowała go pomysłem zegarów, które od razu namalował na płótnie. Obraz, który namalował, przedstawiał krajobraz w Port Lligat w Hiszpanii, gdzie mieszkał z żoną Galą w czasie pracy. Niektóre nierealne przedmioty układają się w fantastyczny krajobraz. W scenie dominuje kilka zegarów o zniekształconej fakturze. Krety pokazują, które wciąż znaczą czas, ale wydają się tracić swoją solidność. Można sobie wyobrazić, że stopione zegary reprezentują względność percepcji czasowej. W rzeczywistości każdy z nas ma własne odczucie czasowe w odniesieniu do tych samych sytuacji. Ponadto każdy zegar wyświetla inny czas. Zwróć też uwagę na obecność czarnych mrówek na zegarku na pierwszym planie, wspólny obraz oznaczający rozkład związany z czasem i wywołujący lęk przed śmiercią.
Roman OPALKA: OPALKA 1965/1 - ∞
OPALKA Roman (1931-2011), OPALKA 1965/1-∞, Detal 1-35327 , Detal, 1965, - akryl na płótnie, 196x135 cm.
W 1965 roku, czekając na żonę, Roman Opałka wpadł na pomysł, który miał kierować jego twórczością przez czterdzieści sześć lat. Na płótnach o wymiarach 196x135 cm męczył się bezlitośnie wpisując cyfrową progresję. Liczby mają około 5 mm wysokości, malowane pędzlem o rozmiarze 0. Zaczął malować na biało na czarnym tle, a od 1972 do każdego tła nowych płócien dodawał 1% bieli. W 2008 roku nadszedł moment, w którym logicznie zakończył malowanie bieli na bieli. Nazwał ją „ zasłużoną bielą ”… Praca ta jest wynikiem artystycznej energii poświęconej poszukiwaniu najprawdziwszego przedstawienia pojęcia czasu w sztuce. Polski malarz był głęboko zaniepokojony materialnym uchwyceniem tego, co niematerialne. Jego praca odzwierciedla trwającą całe życie refleksję nad najlepszym sposobem wydestylowania „czasu” w postaci fizycznej. OPALKA 1965/1 - ∞ stanowi zatem nowatorską propozycję przedstawienia kwestii czasowych i estetycznych.
Topiący się ludzie: Néle Azevedo
„Minimum Monument” lepiej znany również pod nazwą „ Meting Men ”, to pomysł zrodzony w 2002 roku w głowie brazylijskiej artystki Néle Azevedo . Podróżująca i efemeryczna instalacja artystyczna złożona z tysięcy małych rzeźb lodowych. Przedstawienie topiących się w słońcu mężczyzn z lodu, siedzących na stopniach pomników w najpiękniejszych miastach świata. Instalacja była rzeczywiście prezentowana w Brasilii , w Tokio , potem w Belfaście, a także we Florencji w 2008 roku z 1200 rzeźbami lodowymi ustawionymi na stopniach Spedale degli Innocenti . Melting Men to dzieło, którego pierwotnym zamiarem było przedstawienie kontrastu między wiecznością sztuki oficjalnej reprezentowaną przez pomniki, na których ustawiono rzeźby, a efemerycznym aspektem sztuki współczesnej. Praca grająca na różnych poziomach kontrastów, jak na maleńkich rozmiarach rzeźb, czy też ich materiale kompozycyjnym: lodzie. Jednak pracę natychmiast podjęły stowarzyszenia ekologiczne, które uczyniły z niej swój symbol, kojarząc ją z krytyczną refleksją na temat zmian klimatycznych i topnienia lodu w Arktyce.
Upływ czasu, temat, który do Ciebie przemawia? Znajdź nasz wybór prac, które przywołują tę koncepcję na Artmajeur.
Thomas Laugier