Dürer, papugi maryjne i akt
Zamiast wyliczać arcydzieła mające na celu uwiecznienie papug, chcę kontekstualizować temat moich rozważań poprzez postać niemieckiego mistrza renesansu Albrechta Dürera, malarza i rytownika znanego z produkcji studiów roślin i zwierząt, które oprócz zadziwiającej realizm, delikatnie mówiąc, nie powinien nas bardziej dziwić, ponieważ natura była przedmiotem zainteresowania artystów już w XIV wieku. W rzeczywistości takie badania rozprzestrzeniły się na północno-środkowe Włochy Giovannino de 'Grassi, a później Pisanello, a także na Flandrię i same Niemcy, gdzie pracowali Hans Pleydenwurff i Martin Schongauer. Dürer, ukształtowany w odbiciu tej ostatniej tradycji, dodał do prac swoich poprzedników nowy zmysł naukowości, cechę, która przeniknęła szesnastowieczną historiografię okresu odkryć, aby zakwestionować autorytet wielkiego pisanego tradycji, do poznawania wszechświata własnymi zmysłami, a także w oparciu o matematyczne reguły i pewniki. Splagiatowaną w ten sposób osobowością mistrza Norymbergi kierowała silna ciekawość natury, do tego stopnia, że jego twórczość można porównać do twórczości Leonarda da Vinci, artysty, który sztukę pojmował jako środek dociekania Natura. Warto podkreślić, że ci dwaj geniusze, w porównaniu z tradycją średniowieczną, nie zamierzali swoimi studiami jedynie dać początek wielkim repertuarom, które miały służyć do generowania motywów obrazkowych, ani też nie mieli zamiaru specjalnie gromadzić symbolicznych i alegoryczne cechy zwierząt lub dać początek traktatom zoologicznym opartym na klasycznych źródłach protonaukowych, ponieważ starali się również badać szczególne cechy stworzenia. Te ostatnie intencje są widoczne w niektórych akwarelach Dürera, podobnie jak ta przedstawiająca Zająca (1502) czy ta uwieczniająca Pójdźkę (1506). Niemniej jednak należy zwrócić uwagę na to, że norymberski mistrz nie zapomniał całkowicie o poprzedzającej go tradycji, co widać w postaci papugi, która wraz z pokrewnymi symbolicznymi znaczeniami pojawia się na rycinie Adama i Ewa z 1504 roku, arcydzieło mające na celu uwiecznienie bohaterów grzechu pierworodnego za pomocą różnych zwierząt metaforycznych, mające na celu zmianę sposobu, w jaki znane wizerunki były powszechnie przedstawiane w sztuce.
Albrecht Dürer, Adam i Ewa (1504). Rytownictwo. Nowy Jork: MET.
Gustave Courbet, Kobieta z papugą (1866). Olej na płótnie, 129,5×195,6 cm. Nowy Jork: MET.
Opisując dzieło, rycina przedstawia Adama i Ewę przed upadkiem człowieka, podkreślając fizyczne piękno postaci, a nie przedstawienie grzechu, co dobrze podsumowuje gest kobiety chwytający zakazany owoc lewą demoniczną ręką. Jeśli chodzi natomiast o nasz przedmiot zainteresowania, papuga umieszczona na gałęzi, która znajduje się tuż nad kartuszem, na której znajduje się tytuł egzekucyjny dzieła, podpis i data, mogła symbolizować kilka idei, w tym: mądrość, Słowo Boże, Chrystusa, wieczną życia i raju, a także odnosiły się do Nowego Świata, ponieważ w tym czasie kolonizacja Ameryki była w pełnym rozkwicie, a niektórzy poddani z obu Ameryk zaczęli symbolizować raj, ponieważ Europejczycy wierzyli, że ten ostatni znajdzie się w Nowy Świat. Do wymienionych właśnie metaforycznych znaczeń dotyczących postaci papugi dochodzą także znaczenia maryjne, gdyż ptak ten od średniowiecza przedstawiał zarówno dziewicze narodziny, jak i pozdrowienie archanioła Gabriela w chwili Zwiastowania, symboliczne i pierzasty „Ave” staje się częścią wielu przedstawień Madonny z Dzieciątkiem. Taki emblemat komunikacji, niewinnej i czystej, można znaleźć w Madonnie ze zwierzętami Dürera (ok. 1503), ale także w twórczości mistrza, który w dużym stopniu wpłynął na tego ostatniego, a mianowicie wspomnianego Martina Schongauera, autora Madonny oraz Dziecko i papuga (1470-75), rycina, której kompozycja wydaje się być inspirowana figuratywnymi badaniami prymitywów flamandzkich, takich jak na przykład Dieric Bouts. Podobnie jak w pracach tego ostatniego, Schongauer chciał umieścić Vergie przed zasłoną dawcy, w tym oknem w ścianie, mającym otwierać się na krajobraz. W tym kontekście Dziecko odnajduje miejsce na ozdobnej poduszce, która zdaje się przekraczać granice podparcia, by zbliżyć się do widza. Ponadto sam Jezus trzyma w prawej ręce gruszkę, symboliczne antidotum na śmiertelną truciznę, a siedząca na lewej ręce papuga nawiązywałaby do wieczności życia lub duszy. Jeśli do tej pory przekonałem Państwa, że papuga przedstawia w sztuce symbol wyłącznie sakralny, ta ostatnia część opowieści stara się rozwiać tę ostatnią pewność, przedstawiając przykład niektórych dzieł, które jak Kobieta Eugène'a Delacroix Głaszcząc papugę (1827), Młoda kobieta z arą (1696-1770) Giovanniego Battisty Tiepolo i Kobieta z papugą (1866) Gustave'a Courbeta dostarczyły nam bluźnierczego, jeśli nie erotycznego obrazu tego samego zwierzęcia . Mówiąc o ostatnim z wymienionych arcydzieł, Kobieta z papugą (1866), pierwszy akt Courbeta przyjęty na Salonie Paryskim w 1866 roku, przedstawia intymne wnętrze, w którym do leżącej na plecach kobiety dołącza obecność ptaka, który , w sposób analogiczny do zmysłowego uwodziciela, rzuca się na nią, opierając się na jej wyciągniętej lewej ręce. Wreszcie, dalsze podejścia do tematu papugi w historii sztuki są opowiadane na przykładzie figuratywnych badań artystów Artmajeur, takich jak Ley Mboramwe, Rinalds Vanadzins i Liuba Zdor.
W NATURĘ (2021) Malarstwo Sabriny Seck.
TROPIKALNY ABSTRAKCYJNY OBRAZ PAPUGI, „AMAZON UTOPIA” (2022) Obraz Lucíi Verdejo.
PARROT GIRL (2022) Malarstwo autorstwa Leya Mboramwe.
Ley Mboramwe: Dziewczyna-papuga
Kobieta uwieczniona z papugami i to natychmiastowa mania Fridy Kahlo! Prawdę mówiąc, niezwykła popularność komercyjna, jaką osiągnął w czasach współczesnych ten ostatni malarz, zdecydowanie popsuła mi oglądanie Parrot girl, obrazu artysty Artmajeur Mboramwe, który od razu skojarzył mi się z arcydziełem zatytułowanym Ja i moje papugi, dziełem wspomnianego już Meksykanina artysta, który z 1941 roku przedstawia Fridę w tradycyjnym meksykańskim stroju, mającą na celu przyciągnięcie uwagi widza, wraz z nieruchomym, skierowanym na zewnątrz spojrzeniem kukły. W rzeczywistości biografowie mówią o pragnieniu Kahlo bycia zauważonym, aby uzewnętrznić ból, który naznaczył jej fizyczność, ale także psychikę, biorąc pod uwagę niedawną śmierć jej ojca. Właśnie w tym smutnym kontekście zbawiennie interweniują papugi, zwierzęta przynoszące szczęście, ukazane jako rodzaj kolorowych i nastroszonych elementów ochronnych, mających wnieść dobroczynną oazę spokoju do opustoszałej opowieści meksykańskiego malarza. Jednocześnie wspomniane zwierzęta, okazy z Amazonii, nawiązują do mitologicznych postaci Amazonek, ukazując Fridę jako kobietę dumną, która w trudnym czasie powstania arcydzieła prowadziła także intensywne życie miłosne, po raz drugi wychodzi za mąż za ukochanego Diego. To właśnie ten ostatni wyczyn czyni ją wolną i odważną, a tym samym zdolną do napisania na nowo kobiecego mitu i ideału tamtych czasów, przedstawiając zemstę kobiecości na męskości poprzez sentymentalną emancypację. W przeciwieństwie do tego, skrajna pewność siebie wizerunku Parrot girl jest zamiast tego bagatelizowana obecnością pokrewnych ptaków, które niezbyt poważnie traktując modelową pozę dobrze ubranej młodej kobiety, poruszają się niepewnie wokół jej kapelusza, współczująco przyciągając uwagę.
PARROT'S BLISS (2022) Obraz Rinaldsa Vanadzinsa.
Rinalds Vanadzins: błogość papugi
W popowej kompozycji Vanadzinsa, złożonej z elementów abstrakcyjnych i przyjaznej papugi, znalazło się również miejsce na rodzaj zdekomponowanej martwej natury, mającej przypominać, jak często temu drugiemu gatunkowi towarzyszyła przyjemna i barwna obecność wspomnianego zwierzęcia, podobnie jak kultowe i tradycyjne martwe natury Georga Flegela, ale także bardziej nowoczesne i innowacyjne Fridy Kahlo i Roberta Delaunaya. Mówiąc o tym ostatnim, arcydziełem, o którym mowa, jest Martwa natura z papugą (1907), obraz będący wynikiem początkowego wpływu impresjonizmu na twórczość francuskiego malarza, z którego zaczerpnął najbardziej typową nastrojową obróbkę światła, do należy dodać do przenikliwej uwagi poświęconej tomom zaczerpniętym z grupy Pont Aven. Tendencje te zostały pogodzone u malarza poprzez odkrycie neoimpresjonizmu i twórczości Seurata, punktów widzenia, które dały początek czysto pointylistycznemu pociągnięciu pędzla, mającemu na celu potwierdzenie autonomii koloru, a także jego zdolności do generowania formy w ruchu. . Do tego dochodzi zachwyt barwnymi płótnami Fauwów i uporządkowaniem w małe sześciany lub kafelki obrazów zaczerpniętych od Matzingera. W tym stylistycznym kontekście arcydzieło z 1907 roku zostało zrealizowane dzięki wykorzystaniu mocnej palety kolorów, mającej na celu optymalizację organicznego połysku kolorów zestawionych z ich przeciwieństwami, a wszystko to wykonane w małych prostokątnych sekcjach żółtego, pomarańczowego, niebieskiego i zielonego na dominującej przestrzeni żółty pomarańczowy.
DZIEWCZYNA Z SZARĄ PAPUGĄ (2023)Obraz Liuby Zdor.
Liuba Zdor: Dziewczyna z szarą papugą
W powyższych przykładach widzieliśmy papugę jako bohatera martwych natur, scen religijnych itp., kontekstów, w których zwierzę było zawsze lub prawie zawsze nośnikiem wielu symbolicznych znaczeń. Z kolei ptak, przedstawiony jako proste i niemetaforyczne zwierzątko, jest bohaterem obrazu artysty Artmajeur Dziewczyna z szarą papugą, pracy, która ze względu na uwiecznioną parę tematów od razu kojarzy mi się z Młodym Lady in 1866 (1866), olej Édouarda Maneta, który uwiecznia Victorine Meurent, czyli ulubioną modelkę malarza, whike, ubrana w różową sukienkę, trzyma mały bukiet fiołków i towarzyszy jej obecność afrykańskiej szarej papugi , który leży na grzędzie. Obraz, przechowywany przez pesso w MET w Nowym Jorku, przypomina, zarówno swoim realizmem, jak i włączeniem ptaka, bardziej zmysłową Kobieta z papugą Gustave'a Courbeta, wspomniane już arcydzieło, również datowane na 1866 r. Wreszcie, fakt, że papuga pojawia się na tych obrazach jako zwierzę udomowione, skłoniło mnie do udokumentowania, że takie ptaki w rzeczywistości nie przeszły procesu udomowienia, tj. żywy inwentarz. W rezultacie okazy papug domowych wykazują kilka pokoleń różnic w stosunku do tych na wolności.
Olimpia Gaia Martinelli
