Kolor srebrny w sztuce: od Verrocchio do Jeffa Koonsa

Irina Goldenfish, Srebrny księżyc , 2021. Olej na płótnie, 60 x 118 cm.

Srebro: kolor księżyca

Z czysto chromatycznego punktu widzenia srebro reprezentuje lśniący szaro-metaliczny kolor, który można znaleźć w naturze dzięki obserwacji srebrnych ryb, brzozy srebrzystej i metalu, od którego odziedziczyło swoją nazwę. Taki odcień, który jest niezwykle popularny w aranżacji wnętrz właśnie ze względu na swój blask, a także nowoczesny, elegancki i wyrafinowany wygląd, znany jest jako odcień kojarzony z księżycem, czyli z tą wyłącznie kobiecą energią, nierozerwalnie związaną na emocje i popędy, które poruszają się w nas na najgłębszym poziomie. W rzeczywistości naturalny satelita Ziemi, zdolny przyciągnąć do siebie wodę z najbliższej powierzchni Ziemi, powodując przypływ pływowy, zdaje się w podobny sposób przywoływać w nas najbardziej wewnętrzne emocje, kreatywność i zmysłowość. W rzeczywistości uważa się, że właśnie w wodzie, rządzonej przez księżyc, koncentruje się całe życie wewnętrzne człowieka, mające swe źródło, wraz z siłami nieświadomymi, w rodzącej zasadzie łona, miejsca kobiecego nawiązującego do naszego najbardziej odległych źródeł. W tym sensie właśnie taki odcień symbolizuje świadomość naszego wnętrza, osiągniętą tą drogą, którą musimy obrać, aby rozpoznać siebie, nasz wewnętrzny świat i naszą emocjonalność, aby móc w późniejszym czasie „zidentyfikować” również innych .

Isabelle Pelletane, Love Love 15 , 2022. Farba akrylowa / w sprayu na papierze, 70 x 50 cm.

Ilgvars Zalans, Srebro i czerń nr.6, 2019. Akryl na płótnie, 90 x 60 cm.

Srebro w sztuce: od Verrocchio do Jeffa Koonsa

Z czysto historycznego punktu widzenia sztuki kolor srebrny, zgodnie z przewidywaniami, wywodzi swoją nazwę od metalu o tej samej nazwie, który, niezwykle popularny w świecie twórczym i złotniczym od najwcześniejszych wieków, z pewnością przyczynił się do rozpowszechnienia i uszlachetnianie wspomnianego koloru. W rzeczywistości ważne jest, aby uświadomić sobie, że od czasów starożytnych Egipcjan można było używać srebra, metalu, który w tamtych czasach był rzadszy niż złoto, używany do tworzenia cennych artefaktów religijnych i efektownej biżuterii. znaleziony. Doceniane również przez Greków srebro cieszyło się dużym powodzeniem w XV-wiecznych Włoszech, kiedy dzięki artystycznym poszukiwaniom wielkich mistrzów, takich jak Lorenzo Ghiberti, Andrea del Verrocchio, Antonio del Pollaiolo i Domenico Ghirlandaio, sztuka złotnicza osiągnął szczyt doskonałości. Ponadto w tym samym okresie florencki grawer Maso Finiguerra, zdefiniowany w Trattato dell'Oreficeria Benvenuto Celliniego jako „Człowiek, który nie ma sobie równych w tym zawodzie”, wyróżnił się w sztuce niello, specyficznej techniki zdobienia powierzchni metalowych. w srebrze. Styl renesansowy, naznaczony wyłącznie wzorami klasycznymi, można jednak wyczerpująco opowiedzieć analizując arcydzieło epoki, takie jak Ścięcie Baptysty Andrei del Verrocchio, czyli jeden z dwunastu plansz wchodzących w skład Srebrnego Ołtarz św. Jana Chrzciciela , dzieło toreutyczne wykonane przez różnych artystów w latach 1367-1483 dla baptysterium San Giovanni (Florencja), obecnie zachowane w Museo dell'Opera del Duomo (Florencja). Ołtarz stanowi niezwykłą syntezę głównych nurtów sztuki złotniczej i rzeźbiarskiej tamtych czasów, wyrażoną przez strukturę w matrycy późnogotyckiej, z ośmioma frontami i czterema bocznymi, rozmieszczonymi w dwóch rejestrach i podzielonymi wielobocznymi filarami wzbogaconymi obecnością. małych posągów i nisz. W centrum tej wyartykułowanej kompozycji znajduje się edykuł z figurą świętego, który wraz z resztą artefaktu odnotowuje obecność srebra, emalii, złoceń i elementów drewnianych. Mówiąc o dwunastu planszach, ostatni to ten, na którym przedstawiono wspomniane Ścięcie Chrzciciela, które, mimo że powszechnie uznawane za dzieło Verrocchio, można również przypisać twórczości Leonarda da Vinci. W rzeczywistości ten ostatni był uczniem Verrocchio w tym samym okresie, w którym jego cechy stylistyczne naznaczone były szczególną konstrukcją perspektywiczną, klasyczną architekturą i dramatycznymi reakcjami emocjonalnymi, co widać w ostatnim panelu ołtarza. Dokonując skoku w czasie o około siedem wieków, można wskazać, że powracanie srebra we współczesnej sztuce okazuje się nieco „niezmienione”, choć w przeważającej mierze związane z popularnością migotliwego koloru, a nie z wykorzystaniem sam metal, który często jest „symulowany” poprzez zastosowanie pokrewnych, ale tańszych i łatwiej dostępnych materiałów, takich jak np. stal nierdzewna i aluminium. Demonstracją tego, co właśnie zostało powiedziane, jest słynna Ludwik XIV Jeffa Koonsa, lśniąca rzeźba, wykonana w 1986 roku ze stali nierdzewnej, przedstawiająca amerykańskiego mistrza w roli byłego władcy Francji, dążącego do uczczenia zarówno skrajna zmysłowość barokowych form i kult własnej osobowości artysty. To właśnie ten metal został wykorzystany przy tworzeniu serii rzeźb, której częścią jest Ludwik XIV , która zatytułowana Posąg ma na celu uczczenie osobliwości koloru srebra w barokowych, nostalgicznych i współczesnych kiczowatych dziełach. z zamiarem rozciągnięcia od tematów wiecznych do tematów zdecydowanie bardziej ulotnych. Idąc za punktem widzenia Jeffa Koonsa, warto podkreślić, jak narrację koloru srebrnego można wzbogacić o niespotykane dotąd punkty widzenia, wyrażone przez oryginalne prace artystów Artmajeur, takich jak Ricky Reese, Richard Orlinski i Alan Lawrence.

Laurent Fauchoix, Ogon delfina , 2018. Metal, 37 x 12 / 2,00 kg.

Pablo Alfredo De La Peña, Rozpoczęcie odliczania , 2022. Drewno na drewnie, 38,1 x 40,6 x 45,7 / 4,00 kg.

Ricky Reese, Srebrny kwiat, 2022. Rzeźba ze stali nierdzewnej, 65 x 44 x 30 cm / 23,00 kg.

Ricky Reese : Srebrny kwiat

Artystyczne poszukiwania Ricky’ego Reese’a, hiszpańskiego rzeźbiarza urodzonego w 1956 roku, często eksperymentują z wykorzystaniem posrebrzanych metali, które są zaangażowane w tworzenie minimalistycznych narracji, mających na celu syntetyczne, a częściowo nawet geometryczne opisanie cech rzeczywistości . Przykładem tego, co właśnie zostało powiedziane, jest przypadek Srebrnego kwiatu , rzeźby ze stali nierdzewnej, której elegancja, trzeźwość i idea ruchu przypominają prace Rosette Bir, francuskiej artystki znanej z abstrakcyjnych prac wykonanych z polerowanej stali nierdzewnej. Mówiąc o metalu, który połączył „materiałowe” wybory dwóch rzeźbiarzy, stal nierdzewna okazuje się być niezwykle popularna we współczesnej sztuce, zwłaszcza w odniesieniu do tej produkcji artystycznej wykorzystywanej do użytku publicznego na świeżym powietrzu, gdzie taki stop żelaza wydaje się być doskonały, ponieważ nie rdzewieje i jest odporny na działanie płynów, gazów i chemikaliów. Świadczy o tym twórczość jednego z najbardziej znanych współczesnych artystów, takich jak rzeźbiarz Anish Kapoor, który w 2006 roku stworzył z refleksyjnej stali nierdzewnej jedną z najpopularniejszych monumentalnych atrakcji Chicago (USA), a mianowicie Cloud Gate . , rzeźba, której „fizjonomia” została zainspirowana właściwościami płynnej rtęci.

Richard Orliński, Srebrny byk, 2015. Aluminium, 69 x 122 x 43 cm.

Richard Orlińsk: Srebrny byk

Srebrny byk to mieniąca się rzeźba wykonana z aluminium przez popularnego francuskiego artystę Richarda Orlińskiego, na którego prace w dużej mierze wpłynęły stylizacje pop-artu, a także cechy popularnych przedmiotów codziennego użytku. Mimo tej pozornej „powierzchowności” i „lekkości” prace artysty Artmajeur kryją pod czysto konsumpcyjną okleiną głęboką treść, nawiązującą do ważnych wartości, takich jak np. wolność, władza i pasja. Ideały te wyrażane są głównie poprzez użycie materiałów odblaskowych i „olśniewających”, prawdopodobnie mających symbolizować pseudo „krzyk”, co pozwala na łatwiejsze rozpowszechnianie pojęć o takiej głębi. W konsekwencji Srebrna Bulla mogłaby nawiązywać do wspomnianych koncepcji, ale także do innych, występujących w znanych arcydziełach historii sztuki o tej samej tematyce, jak np. słynna Bulla z Wall Street , pomnik, który powstał Arturo Di Modica w 1987 roku i umieszczony w Dzielnicy Finansowej Manhattanu (Nowy Jork), ma na celu uczczenie męskiej odwagi tych, którzy są w stanie walczyć z każdą niesprzyjającą sytuacją.

Alan Lawrence, Nieważkość , 2021. Rzeźba z żywicy, szkła i metalu, 33 x 15,2 x 6,4 cm / 2,00 Ib.

Alan Lawrence: Nieważkość

Surrealizm, z jakim w pracach Alana Lawrence’a prosta „wisząca” łyżka została zapewne przekształcona w elegancki symbol równowagi, przypomina mi o minionej epoce, kiedy do posiłków używano cennych i okazałych srebrnych sztućców. W rzeczywistości ten ostatni metal był używany do produkcji przedmiotów przeznaczonych do zastawy stołowej, przynajmniej od czasów starożytnych Fenicjan, przetrwał do okresów rzymskich, jak i późniejszych. Po średniowiecznej „pauzie” srebrne sztućce powróciły z rozmachem w okresie renesansu, choć szczyt ich użycia odnotowano po odkryciu Ameryki, kiedy to dzięki rozpowszechnieniu się metali z Nowego Świata srebro stało się dostępne nawet dla burżuazji. Taka „pasja” do wspomnianych sztućców, oprócz tego, że stanowią swego rodzaju symbol statusu, wynika również z rzeczywistych praktycznych zalet tkwiących w srebrze, które okazuje się niezwykle higieniczne, antybakteryjne i dezynfekujące. Wracając do artysty Artmajeura, amerykański rzeźbiarz urodzony w 1965 r. przekonuje, że granica między dziełem sztuki a jego odbiorcą powinna być jak najkrótsza. W konsekwencji użycie sztućców w jego artystycznych poszukiwaniach może służyć towarzyszeniu widzowi w dobrze mu już znanej rzeczywistości, w której można rozpoznać prostotę codziennych gestów.