Historia sztuki polskiej: tradycje w połowie drogi między Europą a Rosją

Daniel Porada, Mater messis , 2020. Olej / akryl na drewnie, 100 x 75 cm.

Sztuka polska, zachowując własne gatunkowe i stylistyczne osobliwości, często odzwierciedlała tendencje figuratywne wyrażane przez ruchy sąsiednich krajów i kontynentów, takich jak Rosja i Europa. Wynika to z faktu, że na przełomie XIX i XX wieku Polska nie istniała jeszcze jako państwo, ponieważ była podzielona między Austrię, Rosję i Prusy, kraje, z których czerpała oczywiste wpływy artystyczne. Niemniej jednak polskie sztuki plastyczne, obok literatury, zawsze były kluczowymi środkami wyrażania i afirmowania ducha narodowego. To głównie dzięki awangardowym ruchom XX wieku polska sztuka mogła ukształtować własną tożsamość i tradycję, zwłaszcza od 1917 roku, kiedy w Krakowie zainaugurowano pierwszą wystawę polskich ekspresjonistów. To właśnie w tym kwitnącym środowisku artystycznym, które utrwaliło się w okresie międzywojennym, pojawiło się wiele ruchów, takich jak: grupa Ekspresjonistów Polskich, grupa Bunt; Formiści Sztuki; futuryści; kubiści; suprematyści; konstruktywiści (praesanie) i grupa AR. ("Artyści Rewolucyjni). Oprócz tych nurtów nie zabrakło również wybitnych osobistości, które odcisnęły piętno na historii sztuki polskiej, jak Witkacy, twórca postawy artystycznej Czystej Formy, charakteryzującej się tworzeniem obrazów mających na celu przekazanie tajemnica istnienia.Ponadto ten ostatni był także jednym z nielicznych malarzy awangardowych, którzy malowali na zamówienie portrety o zdeformowanych obrazach, wykonane pod wpływem narkotyków.

Witkacy, Portret Neny Stachurskiej , 1929.

Andrzej Wróblewski, Dwie mężatki , 1949.

Później, wraz z nadejściem II wojny światowej, ta bogata fala awangardy została przerwana, dając początek sztuce podzielonej między próbą radzenia sobie z wojennymi traumami a tworzeniem nowych wartości. Po 1947 r., wraz z narodzinami nowej Polski Ludowej, w kraju rozprzestrzeniła się silna cenzura, mająca na celu jedynie sprzyjanie rozwojowi prokomunistycznej sztuki propagandowej. W rzeczywistości w latach pięćdziesiątych dominował realizm socjalistyczny, mający na celu szerzenie światopoglądu zgodnego z ideałami marksizmu i leninizmu. W tym kontekście jednak nie zabrakło mistrzów „zbuntowanych”, jak Andrzej Wróblewski, który skupił się na osobistych poszukiwaniach artystycznych, w połowie drogi między abstrakcją a figuracją. Co więcej, inną tendencją tych „dysydentów” było powrót na drogę wytyczoną przez historyczną awangardę, podobnie jak uczynił to Tadeusz Kantor. Później, wraz z fazą demokratyzacji polityki wewnętrznej wywołaną odwilżą chruszczowską, w połowie lat pięćdziesiątych przeważały dwa nurty artystyczne: ekspresyjny realizm lub ekspresjonizm społeczny oraz modernizm po odwilży.

Maria Pinińska-Bereś, Sztandar-Gorset, 1967. Katowice: Muzeum Śląskie w Katowicach podczas wystawy „Beyond Eden”

Zofia Kulik, Splendor samego siebie   III , 1997.

Z kolei w latach 60. i 70. polska sztuka, w przeciwieństwie do europejskich ruchów artystycznych, wykazywała wyraźny brak jednoznacznej krytyki władzy. Rzeczywiście, feministyczne interwencje takich artystek jak Maria Pinińska-Bereś, Natalia LL czy Ewa Partum funkcjonowały poza właściwą sferą problematyki kobiecej, nie wywierając silnego wpływu znacznie później. Następnie rok 1989 stał się ważnym punktem zwrotnym w sztuce polskiej, która w tym okresie ostro reagowała na przemiany polityczne i kulturowe wywołane upadkiem władzy komunistycznej. Jednak pod koniec lat 90. polska sztuka figuratywna zaczęła eksplorować przenikanie się struktur cielesności i władzy. Jednymi z kluczowych artystów tego trybu badań byli: Grzegor Klaman, Katarzyna Kozyra i Zofia Kulik. Na koniec, w odniesieniu do sztuki współczesnej, warto podkreślić fakt, że wielu polskich artystów skupiło się na analizie ludzkiego ciała w celu wyrażenia niedoścignionych ideałów, podobnie jak Zofia Kulik, której artystyczne poszukiwania są często związane z ideami feministycznymi.

Hiperblackart, 0005 , 2021. Węgiel / grafit / ołówek na papierze, 70 x 50 cm.

Janusz Orzechowski, Trzysta dwadzieścia lat później , 2020. Olej na płótnie, 70 x 115 cm.

Polscy artyści Artmajeur

Figuratywne badania sztuki współczesnej nie ograniczają się do tego, gdyż trwają, podejmując różne tematy, techniki i wątki, w bogatej twórczości polskich artystów Artmajeur, w ramach której twórczość abstrakcyjnego rzeźbiarza figuratywnego Konrada Ziółkowskiego, Silnie wyróżniają się obrazy wychwalające symbiozę człowieka i zwierząt autorstwa Małgorzaty Łodygowskiej oraz obrazy surrealistyczne Ewe Klimik.
Konrad Ziółkowski, Asyn V , 2022. Brąz / kamień, 39 x 16 x 16 cm / 10,00 kg.

Konrad Ziółkowski: Asyn V  

Konrad Ziółkowski to wszechstronny polski artysta, który oprócz oddania się rzeźbie współczesnej i klasycznej, lubi także sztukę multimedialną, tworząc dzieła z zakresu grafiki komputerowej i animacji. Niekwestionowanym ośrodkiem tej wszechstronnej twórczości artystycznej jest człowiek, główny przedmiot badań. W rzeczywistości artysta inspiruje się przede wszystkim ludzkim ciałem, któremu często towarzyszą koncepcje metamorfozy i syntezy, wyrażane w kompozycjach poprzez kontrastujące kolory. Intencją tych artystycznych poszukiwań jest z pewnością uchwycenie konkretnych przejawów ludzkich emocji i gestów, czego dowodem jest rzeźba Asyn V , której celem jest uwiecznienie na litym kamiennym prostokącie brązowej twarzy, asymetrycznej i niemal abstrakcyjnej, mężczyzna schwytany w jego niemym odbiciu.

Małgorzata Łodygowska, Mata Charti, 2022. Akryl na płótnie, 90 x 90 cm.

Małgorzata Łodygowska : Mata Charti

Spektakl artystyczny Małgorzaty Łodygowskiej, współczesnej malarki polskiej, uchwycił z różnych punktów widzenia, zawsze barwny i surrealistyczny, związek symbiozy, powinowactwa i bezwarunkowej miłości, jaka może zawiązać się między człowiekiem a jego pupilem. W rzeczywistości wiele jego akryli przedstawia ładne zbliżenia psów lub kotów, które delikatnie i ironicznie nakładają się na postać ich właściciela, jak w rodzaju romantycznej fuzji pokrewnych i wymiennych dusz. Z tego surrealistycznego snu, którego przykładem jest akrylowa Mata Charti , wyłania się także silna humanizacja zwierząt, które przybierając postawy i ruchy komplementarne do ich mistrzów, stają się niemal tak samo magicznie ekspresyjne jak ludzie. Dlatego obrazy Małgorzaty Łodygowskiej tworzą barwną, współczującą i surrealistyczną rzeczywistość równoległą, w której dominuje doskonała relacja, czyli ta między zwierzęciem a właścicielem.

Ewe Klimik, Fuso, 2021. Obraz cyfrowy na papierze, 70x50 cm.

Ewe Klimik : Fuso

Sztuka cyfrowa Ewe Klimik, łącząca klasycyzm i rzeczywistość, surrealizm i współczesność oraz abstrakcjonizm i grafikę komputerową, realizuje jeden poetycki cel: zachęcić widza do nawiązania kontaktu z przedstawianymi tematami lub atmosferami. Cel ten osiąga się poprzez zaangażowanie widza w rzeczywistość równoległą, w której jest on w stanie odczuć silne poczucie spokoju, wyciszenia i bezpieczeństwa, które otaczają jego duszę w ekstazie wiecznej kontemplacji. Przykładem tego, co zostało powiedziane, jest obraz cyfrowy na papierze Fuso , gdzie realistyczna ręka trzyma surrealistyczny fragment twarzy, być może w fazie postępującego „topnienia”. W tym kontekście widz może cieszyć się spokojem egzystencji, która powoli i pogodnie zanika na ponadczasowym tle, mającym na celu ukrycie destrukcyjnego upływu czasu.