Kim był Alfons Mucha?
Alfons Maria Mucha, znany na całym świecie jako Alphonse Mucha, był czeskim malarzem, ilustratorem i grafikiem, który mieszkał w Paryżu w epoce secesji. Urodzony 24 lipca 1860 r., zmarł 14 lipca 1939 r., Mucha znany jest ze swoich charakterystycznych i ozdobnych plakatów teatralnych, zwłaszcza tych przedstawiających kultową aktorkę Sarę Bernhardt. Jego artystyczny repertuar obejmował również ilustracje, reklamy, panele dekoracyjne i projekty, z których wiele zostało powszechnie uznanych za reprezentatywne obrazy okresu secesji.
Pod koniec swojej kariery, w wieku 57 lat, Mucha wrócił do ojczyzny i poświęcił się monumentalnemu przedsięwzięciu pod nazwą Epopeja słowiańska. Ta składająca się z dwudziestu wielkoformatowych płócien seria przedstawia historię wszystkich ludów słowiańskich na całym świecie. Mucha pracował nad Eposem słowiańskim od 1912 do 1926 roku, aw 1928 roku, z okazji dziesiątej rocznicy odzyskania przez Czechosłowację niepodległości, przedstawił ten cykl narodowi czeskiemu. Uznał ten projekt za swoje najbardziej znaczące i znaczące dzieło, ukazujące swoją pasję do celebrowania słowiańskiego dziedzictwa i uchwycenia jego historycznej narracji poprzez swoją sztukę.
Alphonse Mucha, Cykle Waverleya (1898).
Styl
Alphonse Mucha zyskał duże uznanie i uznanie przede wszystkim za projekty plakatów, które przyniosły mu wyjątkową sławę w latach 1895-1900. W tym okresie styl Muchy stał się synonimem popularnej secesji, do tego stopnia, że często określano go mianem „le w stylu Muchy”. Jednym z godnych uwagi wkładów, jakie wniósł w świat sztuki w tym czasie, było wprowadzenie paneli dekoracyjnych, znanych jako „panneaux decoratifs”, które zostały specjalnie zaprojektowane do ozdabiania ścian wewnętrznych. Pierwotnie promowane przez drukarnię Champenois jako nowatorskie przedsięwzięcie biznesowe, projekty Muchy były wielokrotnie wykorzystywane w różnych wydaniach. Odegrał kluczową rolę w przekształcaniu paneli dekoracyjnych w nową formę sztuki dostępną dla szerszej publiczności, w przeciwieństwie do ograniczania się do uprzywilejowanych osób, jak to miało miejsce w przypadku tradycyjnych dzieł sztuki.
Pory roku, powstałe w 1896 roku, były pierwszą serią paneli wyprodukowanych przez Muchę i zyskały niezwykłą popularność. Ten sukces skłonił do późniejszego stworzenia równie uwielbianych serii, w tym Kwiaty (1898), Sztuka (1898), The Times of the Day (1899), The Precious Stones (1900) oraz The Moon and the Stars (1902). W tych seriach Mucha konsekwentnie przejawiał fascynację podkreślaniem obecności kobiet, wykorzystywaniem motywów kwiatowych do celów dekoracyjnych i stosowaniem subtelnych, ale urzekających palet kolorów – integralnych elementów definiujących jego charakterystyczny styl artystyczny.
Alfons Mucha, Portret Jarosławy (ok. 1927-1935); olej na płótnie, 73 × 60 cm.
Art Nouveau
Art Nouveau, znany również jako „Nowa sztuka”, był wpływowym stylem międzynarodowym, który obejmował sztukę, architekturę i sztukę użytkową, zwłaszcza sztukę dekoracyjną. Styl miał różne nazwy w różnych językach: Jugendstil po niemiecku, Stile Liberty po włosku, Modernisme po katalońsku i Modern Style po angielsku. Zyskał popularność w latach 1890-1910, w okresie Belle Époque, jako reakcja na sztukę akademicką, style eklektyczne i odniesienia historyczne dominujące w XIX-wiecznej architekturze i dekoracji. Art Nouveau często czerpał inspirację z naturalnych form, włączając faliste krzywe przypominające rośliny i kwiaty. Godne uwagi cechy obejmowały poczucie dynamizmu i ruchu, osiągnięte dzięki asymetrycznym kompozycjom i płynnym liniom „smagania biczem”. Styl obejmował nowoczesne materiały, takie jak żelazo, szkło, ceramika, a później beton, co zaowocowało innowacyjnymi formami i bardziej otwartymi przestrzeniami.
Istotnym celem secesji było zacieranie granic między sztukami pięknymi, takimi jak malarstwo i rzeźba, a sztukami użytkowymi. Znalazł szerokie zastosowanie w projektowaniu wnętrz, grafice, meblach, sztuce szkła, tekstyliach, ceramice, biżuterii i metaloplastyce. Na ruch ten wpłynęli wybitni XIX-wieczni myśliciele, tacy jak francuski architekt Eugène-Emmanuel Viollet-le-Duc i brytyjski krytyk sztuki John Ruskin. W Wielkiej Brytanii zainspirowany został Williamem Morrisem i ruchem Arts and Crafts. Niemieccy architekci i projektanci dążyli do stworzenia podnoszących na duchu Gesamtkunstwerks, czyli „całkowitych dzieł sztuki”, w których architektura, wyposażenie i sztuka łączyły się w harmonijnym stylu, aby podnosić na duchu i inspirować mieszkańców.
Pierwsze przejawy secesji pojawiły się w Brukseli w latach 90. XIX wieku, widoczne w architekturze i wystroju wnętrz domów Paula Hankara, Henry'ego van de Velde, a zwłaszcza Victora Horty, którego Hôtel Tassel został ukończony w 1893 roku. Styl szybko rozprzestrzenił się na Paryż , gdzie Hector Guimard zaadaptował go do wejść do nowego paryskiego metra, będąc pod wpływem pracy Horty w Brukseli. Art Nouveau osiągnął swój szczyt na Międzynarodowej Wystawie w Paryżu w 1900 roku, gdzie artyści tacy jak Louis Tiffany prezentowali swoje secesyjne kreacje. Plakaty Alphonse'a Muchy oraz wyroby szklane René Lalique i Émile Gallé również przyczyniły się do widoczności ruchu.
Art Nouveau rozszerzył się z Belgii i Francji na inne części Europy, a każdy kraj dodał do tego stylu własne, odrębne cechy i nazwy. Pojawiał się nie tylko w stolicach, ale także w prężnie rozwijających się ośrodkach miejskich, dążących do ustanowienia swojej tożsamości artystycznej, a także w regionach ruchów niepodległościowych. Do 1914 roku, wraz z wybuchem I wojny światowej, secesja w dużej mierze zanikła. Został następnie zastąpiony przez Art Deco, a później modernizm jako dominujący styl architektoniczny i dekoracyjny. Pod koniec lat 60. secesja zaczęła ponownie zwracać na siebie uwagę krytyków, aw 1970 r. Znacząca wystawa prac Hectora Guimarda w Muzeum Sztuki Nowoczesnej jeszcze bardziej podniosła jej uznanie.
Alfons Mucha, Wiosna (1896).
Fabuła
Termin „Art Nouveau” został po raz pierwszy użyty przez Edmonda Picarda w 1894 roku w belgijskim czasopiśmie L'Art moderni na określenie twórczości artystycznej Henry'ego van de Velde. Jednak to sam Henry van de Velde wraz z Victorem Hortą, Paulem Hankarem i Gustave Serrurier-Bovy ukuli tę nazwę. Prace tych czterech artystów zostały wspólnie zbadane i docenione za ich wspólną cechę: nowość. Tak powstała nazwa „Art Nouveau”.
Art Nouveau wyłonił się jako wszechstronny styl, który obejmował różne dziedziny, w tym architekturę, wystrój wnętrz i urbanistykę, biżuterię, meble i tkaniny, narzędzia i przedmioty, oświetlenie i sztukę pogrzebową.
Ruch wywodzi się z zasad anglosaskiego ruchu Arts and Crafts, który kładł nacisk na swobodną ekspresję twórczą rzemieślników jako alternatywę dla mechanizacji i masowej produkcji przedmiotów nieatrakcyjnych estetycznie. Art Nouveau na nowo zinterpretował te zasady i utorował drogę nowoczesnemu wzornictwu i architekturze.
Ważnym katalizatorem rozprzestrzeniania się secesji była wystawa paryska z 1900 r., na której nowy styl zatriumfował we wszystkich dziedzinach. Ruch nabrał rozpędu także dzięki powstawaniu nowych pism, takich jak L'art pour tous, powstawaniu szkół i warsztatów rzemieślniczych.
W Brukseli, gdzie pojawiły się pierwsze dojrzałe przejawy ruchu, istotną rolę odegrało środowisko socjalistyczne i chęć ustanowienia odrębnej tożsamości poza odległym Paryżem.
Art Nouveau szybko zyskało rozgłos w dużych miastach dzięki wystawom na dużą skalę. W Paryżu architekt Hector Guimard zaprojektował kultowe stacje metra, podczas gdy w Berlinie w 1898 roku narodził się ruch secesyjny z takimi postaciami jak Munch. Wiedeń stał się znany ze swoich secesjonistycznych architektów, którzy zmienili wygląd miasta. Dodatkowo mniejsze, bardziej dynamiczne miasta prowincjonalne przyjęły secesję o charakterze antyakademickim, często zawierającą elementy buntu i prowokacji. Monachium, Darmstadt i Weimar w Niemczech często wyrażały nastroje antypruskie w swoich ruchach secesyjnych, kontrastując z dramatycznym i imponującym stylem „wilhelmińskim”.
Miasta takie jak Nancy, Glasgow i Chicago miały nieco inne trajektorie. Te szybko rozwijające się miasta, przechodzące ekspansję przemysłową i demograficzną, witały nowe trendy artystyczne. W szczególności Barcelona zjednoczyła kataloński modernizm z ekspresją Jugendstil w Finlandii, napędzaną nastrojami nacjonalistycznymi. Co więcej, podczas gdy secesja odrywała się od tradycji akademickich, często zawierała motywy lokalnej sztuki tradycyjnej, która znalazła uznanie w różnych miastach, zwłaszcza w Barcelonie, Monachium i Finlandii.
Wśród znanych włoskich miast związanych z Art Nouveau, Turyn, Mediolan i Palermo zajmują ważne miejsce w jego historii.
Alphonse Mucha, Lefèvre-Utile Champagne Herbatniki (1896).
Plakat reklamowy
Art Nouveau, znany również jako styl Liberty, pojawił się jako znaczący ruch artystyczny i filozoficzny na przełomie XIX i XX wieku. Stanowiło odejście od tradycyjnych norm artystycznych, faworyzując naturę i sferę marzeń. To artystyczne podejście charakteryzowało się miękkimi i falistymi liniami, organicznymi formami inspirowanymi światem przyrody, fantastyczną atmosferą i abstrakcyjnymi postaciami.
Ruch ten zapoczątkował prawdziwą rewolucję estetyczną, wpływając nie tylko na dziedzinę sztuki, ale także przenikając architekturę, a przede wszystkim komunikację. Art Nouveau odegrał kluczową rolę w narodzinach nowoczesnego plakatu jako środka komunikacji i propagandy. Artyści związani z secesją przekształcili swój styl artystyczny w model kulturowy i komunikacyjny. Oznaczało to fundamentalne przejście od prostych plakatów informacyjnych do początków kampanii reklamowych.
Na początku XIX wieku manifesty służyły przede wszystkim celom informacyjnym dla obywateli, zawierały minimalne lub żadne obrazy i długie teksty. Art Nouveau zrewolucjonizowało to podejście. Jej zwolennicy dostrzegli potencjał plakatów do celów komercyjnych, umożliwiających eksponowanie produktów, wartości i misji firm. Aby to osiągnąć, przekazywana wiadomość musiała być zwięzła, efektowna i łatwa do zrozumienia, nawet w dynamicznych i przejściowych środowiskach.
W efekcie ulice największych miast zaczęto przyozdabiać zupełnie nowymi plakatami reklamowymi. Plakaty te miały większe formaty, obrazy miały pierwszeństwo przed tekstem, zawierały zwięzłe hasła, wykorzystywały żywe i odważne kolory, aby przyciągnąć uwagę, i często przedstawiały postać kobiecą. Niektóre z tych plakatów stały się ikonami w historii reklamy, pozostawiając trwały ślad w zbiorowej wyobraźni. Godne uwagi przykłady obejmują prace Toulouse Lautreca dla Moulin Rouge i Opery Paryskiej.
Sarah Bernhardt sfotografowana przez Nadara w 1864 roku.
Sarah Bernhardt
Sarah Bernhardt, ur. Henriette-Rosine Bernard 22 października 1844 r., zmarła 26 marca 1923 r., była znaną francuską aktorką teatralną. Osiągnęła wielką sławę i zagrała w wielu popularnych sztukach francuskich na przełomie XIX i XX wieku. Godne uwagi produkcje, w których wystąpiła, to La Dame Aux Camelias Alexandre'a Dumasa filsa, Ruy Blas Victora Hugo, Fédora i La Tosca Victoriena Sardou oraz L'Aiglon Edmonda Rostanda. Wszechstronność Bernhardta rozszerzyła się na portretowanie ról męskich, w tym Hamleta Szekspira. Rostand nazwał ją „królową pozy i księżniczką gestu”, a Hugo pochwalił jej „złoty głos”. W trakcie swojej kariery odbyła kilka teatralnych tras koncertowych na całym świecie i stała się jedną z pierwszych wybitnych aktorek, które dokonały nagrań dźwiękowych i zagrały w filmach.
Sarah Bernhardt odegrała znaczącą rolę w promocji twórczości artysty Alphonse'a Muchy. Jej wsparcie i poparcie przyczyniły się do powstania Muchy, który stał się bardzo poszukiwany w tamtej epoce ze względu na swój charakterystyczny styl Art Nouveau.
Gismonda Muchy .
Sarah Bernhardt i Gismonda
Pod koniec 1894 roku kariera artystyczna Alphonse'a Muchy przybrała nieoczekiwany i przełomowy obrót, kiedy zaczął pracować dla znanej francuskiej aktorki teatralnej Sarah Bernhardt. Przełomowy moment nastąpił 26 grudnia, kiedy Bernhardt skontaktowała się z Maurice'em de Brunhoffem, kierownikiem wydawnictwa Lemercier, odpowiedzialnego za druk jej plakatów teatralnych. Poprosiła o nowy plakat promujący kontynuację sztuki Gismonda, napisanej przez Victoriena Sardou, która odniosła ogromny sukces od czasu swojego debiutu 31 października 1894 roku w Théâtre de la Renaissance na Boulevard Saint-Martin. Bernhardt nalegał, aby plakat był gotowy do 1 stycznia 1895 roku, po przerwie świątecznej. Jednak ze względu na okres świąteczny żaden ze stałych artystów Lemercier nie był dostępny. Tak się złożyło, że Mucha był w wydawnictwie, gdzie pracował nad poprawkami dowodowymi. Wcześniej miał doświadczenie w malowaniu Bernhardta, stworzył serię ilustracji przedstawiających ją w roli Kleopatry do Costume au Théâtre w 1890 roku. Ponadto Mucha wykonał ostatnio serię ilustracji Bernhardta w roli Gismonda do specjalnego świątecznego dodatku wydawanego przez Le Gaulois. Dlatego Brunhoff poprosił Muchę o szybkie zaprojektowanie nowego plakatu dla Bernhardta.
Powstały plakat, większy niż naturalnej wielkości i wysoki na ponad dwa metry, przedstawiał Bernhardta w stroju bizantyjskiej szlachcianki. Miała na sobie nakrycie głowy z orchidei i kwiecistą stułę, trzymając gałązkę palmową w scenie z procesji wielkanocnej pod zakończeniem sztuki. Warto zauważyć, że plakat zawierał innowacyjną cechę - ozdobny łuk w kształcie tęczy umieszczony za głową Bernhardta, przypominający aureolę, który zwracał uwagę na jej twarz. Ten charakterystyczny element stał się motywem powracającym w kolejnych plakatach teatralnych Muchy. Ze względu na ograniczenia czasowe niektóre obszary tła pozostały puste, odbiegając od jego zwykłego stylu dekoracyjnego. Jedynymi elementami dekoracyjnymi były bizantyjskie mozaiki za głową Bernhardta. Plakat wykazywał wyjątkowy kunszt rysunkowy i delikatne pastelowe kolory, odbiegające od żywych barw typowych dla plakatów z tamtej epoki. Górna część plakatu, zawierająca tytuł, była bogato zakomponowana i zdobna, co zapewniało równowagę wizualną do dolnej części, która zawierała zwięzłe informacje i zawierała tylko nazwę teatru.
Plakat zadebiutował na ulicach Paryża 1 stycznia 1895 roku, wywołując natychmiastową sensację. Bernhardt była zachwycona odzewem i zamówiła cztery tysiące egzemplarzy plakatu w latach 1895 i 1896. Przyznała też Muchie sześcioletni kontrakt na dalszą współpracę. Ze swoimi plakatami rozwieszonymi po całym mieście, Mucha szybko znalazł się w królestwie sławy.
Po Gismondzie Bernhardt przeszedł do innego drukarza, F. Champenois, który podobnie jak Mucha zawarł sześcioletni kontrakt na wyłączną pracę dla Bernhardta. Champenois prowadził dużą drukarnię przy Boulevard Saint Michel, zatrudniającą trzystu pracowników i obsługującą dwadzieścia pras parowych. W zamian za prawa do publikowania wszystkich dzieł Muchy Champenois zapewniał mu hojną miesięczną pensję. Ta nowo odkryta stabilność finansowa pozwoliła Muchie przenieść się do przestronnego mieszkania z trzema sypialniami i dużą kawalerką w historycznym budynku przy rue du Val-de-Grâce 6, pierwotnie zbudowanym przez François Mansarta.
Kontynuując udaną współpracę, Mucha projektowała plakaty do każdej kolejnej produkcji Bernhardta, poczynając od wznowienia jej wczesnego triumfu, La Dame aux Camelias, we wrześniu 1896 roku. Następnie pojawiły się plakaty do Lorenzaccio (1896), Medea (1898), La Tosca (1898) i Hamleta (1899).
Selena Mattei