Egon Schiele, 1914. Zdjęcie: Anton Josef Trcka (Antios)

Kim był Egon Schiele?

Egon Schiele urodził się 12 czerwca 1890 roku w Tulln w Austrii. W 1906 roku, po ukończeniu edukacji w Krems i Klosterneuburgu, zapisał się do wiedeńskiej Akademie der Bildenden Künste. Studiował tu rysunek i malarstwo, ale zniechęciła go sztywność szkoły. W 1907 roku poznał Gustava Klimta, który zainspirował go i wywarł wpływ na jego twórczość. W 1909 roku Schiele i inni niezadowoleni studenci utworzyli Neukunstgruppe po opuszczeniu Akademii. Schiele uczestniczył w 1909 Vienna Kunstschau na prośbę Klimta i zobaczył tam dzieła Edvarda Muncha , Jana Tooropa , Vincenta van Gogha i innych artystów. Schiele po raz pierwszy spotkał Arthura Roesslera, krytyka sztuki i pisarza, na pierwszej wystawie Neukunstgruppe w 1909 roku w Salonie Piskim w Wiedniu. Roessler został przyjacielem Schiele i chwalił jego sztukę pisarską. W 1910 roku nawiązał bliskie stosunki z kolekcjonerem Heinrichem Beneschem. Schiele otrzymywał teraz kilka zleceń portretowych od wiedeńskich intelektualistów i ustanowił osobisty ekspresjonistyczny styl portretowy i pejzażowy.

Schiele, który chciał izolacji, opuścił Wiedeń w 1911 roku i osiedlił się w małej wiosce. Coraz bardziej koncentrował się na autoportretach, alegoriach życia, śmierci i seksu, tworzył seksualne akwarele. Został zatrzymany za „niemoralność” i „uwodzenie” w 1912 roku; przez całe swoje 24-dniowe więzienie stworzył serię ruchomych akwarel i rysunków. Schiele brał udział w wielu wystawach zbiorowych, takich jak wystawy Neukunstgruppe w Pradze w 1910 r. I Budapeszcie w 1912 r., Wystawa Sonderbund w Kolonii w 1912 r. I liczne wystawy secesyjne w Monachium od 1911 r. Pierwsza indywidualna wystawa Schiele została zaprezentowana w 1913 r. w Galerie Hans Goltz w Monachium. W 1914 roku zorganizował indywidualną wystawę swoich obrazów w Paryżu. Schiele poślubił Edith Harms w następnym roku i został wcielony do armii austriackiej. W czasie służby wojskowej nadal wystawiał swoje prace i często malował. Zdobył uznanie krytyków i sukces komercyjny w 1918 roku swoim solowym występem w Wiedeńskiej Secesji. Zmarł na grypę kilka miesięcy później w Wiedniu, w wieku 28 lat, 31 października 1918 roku, trzy dni po swojej żonie.

Egon Schiele, mistrz jawnej nagości

Przedstawienie nagiej osoby przez Schiele było jak na tamte czasy rewolucyjne i nadal zadziwia ludzi. Nawet najbardziej perspektywiczni rówieśnicy Schielego uważali jego pracę za wyzwanie. Przekształcał swoich poddanych w zseksualizowane, pierwotne istoty w zatwardziały, bezczelny i demaskujący sposób. Twierdzono, że podczas posiedzenia Schiele swobodnie malował i niemal nieustannie obserwował swoją bohaterkę, nawiązując z nią bliską więź.

W 1910 roku Schiele zaczął eksperymentować z aktami iw ciągu roku rozwinął charakterystyczny styl, który obejmował smukłe, chorowite postacie, które często miały jawny podtekst seksualny. Schiele zaczął malować i szkicować także dzieci. Klęczący akt z podniesionymi rękami (1910), autoportret Schielego, uważany jest za jeden z najważniejszych przykładów aktu sztuki XX wieku. Innowacyjne i śmiałe podejście Schiele do nagiej ludzkiej postaci wprawiło w zakłopotanie zarówno naukowców, jak i postępowców. Dzięki pokręconym liniom i jawnemu wykorzystaniu figuratywnej ekspresji, ten wyjątkowy utwór i styl przeciwstawiły się sztywnej akademickiej tradycji i wywołały seksualne zamieszanie.

Egon Schiele - Pomarańcza była jedynym światłem, 1912. Gwasz, akwarela i ołówek na papierze, 31,9 × 48 cm.

Nagie ludzkie ciało jest intymne i prywatne, zwykle widziane tylko przez niewielką liczbę osób. Schiele nieustannie przedstawia swoją nagą sylwetkę na płótnie w celu publicznego wystawienia, mimo że często jest to zarezerwowane dla prywatnych chwil. Czyniąc to, jednocześnie obala przyjęte normy i pojęcia przyzwoitości oraz wciąga widza w swój intymny, osobisty świat. Pokazuje swoje prawdziwe ja, dosłownie obnażając wszystko. Wydaje się, że Schiele angażuje się w najwyższą formę wyrażania siebie po walce o wolność tworzenia swojej sztuki i przeciwstawianiu się normom społecznym.

Ponieważ kulturowo oczekuje się, że ludzkie ciało będzie zakryte, chronione i poza widokiem publicznym, obrazy nagości zaczęły reprezentować odsłonięcie, słabość i bezbronność. Schiele odrzuca to założenie, przyjmując w swoich autoportretach postawę buntowniczą, otwartą; zamiast tego sprawia wrażenie zadowolonego z ujawnienia i pragnącego być postrzeganym przez przyszłe pokolenia jako jego prawdziwe ja. Nagość Schiele pozbawia go konwencjonalnych barier dla ego i autoekspresji, ale jego wizerunek wciąż wydaje się niezwykle wyrazisty, mocny i wyzywający. Dla Schielego bycie nagim jest społecznie niestosowne, buntownicze i kontrowersyjne, a jednak reprezentuje prawdę, najbardziej autentyczną wersję siebie, wolną od jakichkolwiek pozorów i sztuczności. W społeczeństwie, w którym Schiele często był wyrzutkiem, woli przedstawiać siebie jako nagiego, zdeformowanego i nieskruszonego.

Egon Schiele - Portret Edith Schiele w sukience w paski, siedząc, 1915. Ołówek i gwasz na papierze, 40,2 x 50,8 cm. Muzeum Leopolda w Wiedniu

Styl i osiągnięcia Schielego

Schiele był niezwykle produktywnym artystą, który w ciągu swojej krótkiej kariery stworzył prawie trzy tysiące rysunków. Jego głównym medium artystycznym był rysunek, który cenił za spontaniczność wyrazu i wykorzystał do stworzenia jednych z najlepszych rysunków XX wieku. Nawet w jego malarstwie, w którym kładł duży nacisk na kontur, znak graficzny i linearność, widoczne były ślady charakterystycznej estetyki rysunkowej.

Dzięki niespotykanej dotąd bezpośredniości emocjonalnej i seksualnej oraz wykorzystywaniu zniekształceń figuralnych w miejsce konwencjonalnych ideałów piękna, portrety i autoportrety Schiele przyczyniły się do odrodzenia obu gatunków. Portrety Schiele'a, na których najczęściej przedstawia on sam lub osoby mu bliskie, często przedstawiają swoich bohaterów nago, umieszczonych pod niepokojącymi kątami, często widzianych z góry i pozbawionych drugorzędnych cech typowych dla gatunku portretowego. Schiele od czasu do czasu włączał konwencjonalne motywy, nadając bardzo intymnym obrazom bardziej ogólny, metaforyczny przekaz o statusie ludzkości.

Egon Schiele - Portret Arthura Rösslera, 1910. Olej na płótnie, 99,6 × 99,8 cm. Muzeum Leopolda w Wiedniu.

Największy wpływ na rozwój Schiele miał malarz Gustav Klimt, który był zarówno jego przyjacielem, jak i mentorem. Chociaż Schiele przyjął nacisk Klimta na erotyczne przedstawienia kobiecej postaci (i podzielał nienasycony apetyt seksualny Klimta), emocjonalnie intensywny, często niepokojący styl ekspresjonistyczny, który Schiele ostatecznie rozwinął, badając życie wewnętrzne i stany emocjonalne swoich opiekunów, w pewnym sensie bezpośrednio sprzeciwiał się inspirowanemu secesją stylowi swojego mentora.

Sztuka Schiele spotkała się z krytyką ze strony krytyków takich jak Jane Kallir za to, że jest groteskowa, erotyczna, pornograficzna lub przerażająca, ze szczególnym uwzględnieniem seksu, śmierci i odkryć. Według Kallira i badacza Geralda Izenberga Schiele jest postrzegany jako posiadający elastyczną seksualność i płeć. Według Kallira Schiele zmagał się z własnymi skłonnościami seksualnymi i konwencjami płciowymi w czasie, gdy zmieniały się normy płciowe, wczesny ruch kobiecy zyskiwał na popularności, a homoseksualizm był kryminalizowany. W XXI wieku kilku recenzentów zinterpretowało jego twórczość jako queer.

Egon Schiele - Mój salon (Pokój artysty w ), 1911. Olej na desce, 40 x 31,5 cm. Kunsthistorisches Museum, Wiedeń, Austria

Dziedzictwo

Pomimo krótkiego życia, Egon Schiele stworzył niesamowitą liczbę prac na płótnie i papierze. Odegrał kluczową rolę w kształtowaniu cech ekspresjonizmu z początku XX wieku, którymi były faliste linie, często ponura kolorystyka i często ciemna symbolika. Schiele wykonał wiele autoportretów, demonstrując obsesję na punkcie siebie na poziomie Picassa. Kontrastuje to z jego mentorem Klimtem, z którym nazwisko Schiele jest najczęściej łączone. Zarówno współcześni ekspresjoniści, jak Oskar Kokoschka, jak i następcy neoekspresjonizmu, tak różnorodni, jak Francis Bacon, Julian Schnabel i Jean-Michel Basquiat, byli pod znaczącym wpływem stylu Schiele.

Egon Schiele - Der Maler Max Oppenheimer, 1910. Czarna kreda, tusz indyjski i akwarela na papierze, 45,1 x 29,8 cm. Muzeum Albertina, Wiedeń, Austria

Życie i twórczość Schiele były tematem biograficznego filmu Herberta Vesely'ego Excess and Punishment z 1980 roku , powieści Joanny Scott Arogancja z 1990 roku , a także esejów, w tym jednego o portretowaniu, w którym fotograf mody Richard Avedon omawiał prace Schiele. W swojej powieści The Notebooks of Don Rigoberto z 1997 roku Mario Vargas Llosa uwodzi i etycznie wykorzystuje głównego bohatera, wykorzystując grafikę Schielego jako kanał. Autoportrety Schiele posłużyły jako inspiracja dla obrazu Richa Pellegrino w The Grand Budapest Hotel Wesa Andersona , okładce albumu Lodger Davida Bowiego z 1979 roku oraz An Honest Deceit Guya Mańkowskiego , opublikowanej w 2017 roku.

Egon Schiele - Portret malarza Antona Peschki, 1909. Farba olejna i metaliczna na płótnie, 110,2 x 100 cm.


Najsłynniejsze obrazy Egona Schielego:

• Portret Gerti Schiele, 1909; Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku; Zakup i dar częściowy rodziny Lauderów, 1982 r., kolekcja prywatna
• Portret Wally'ego, 1912; Muzeum Leopolda w Wiedniu
• Autoportret z chińską latarnią , 1912; Muzeum Leopolda w Wiedniu
• Pustelnicy, 1912; Muzeum Leopolda w Wiedniu
• Domy z pralnią (Seeburg), 1914
• Śmierć i dziewczyna, 1914-15; Österreichische Galerie Belvedere w Wiedniu
• Portret żony artysty Edith Schiele, 1915; Kunstmuseum Den Haag, Holandia
• Uścisk, 1917; Belweder i Muzeum w Wiedniu
• Cztery drzewa, 1917; Belweder w Wiedniu, Austria
• Miasteczko wśród zieleni (Stare Miasto III), 1917; Nowa Galeria Nowy Jork. Ku pamięci Otto i Marguerite Manley, przekazany jako zapis z majątku Marguerite Manley
• Leżąca kobieta, 1917; Muzeum Leopolda w Wiedniu
• Klęcząca dziewczyna spoczywająca na obu łokciach, 1917; Muzeum Leopolda w Wiedniu

Kolekcje sztuki

Muzeum Leopolda, w którym znajduje się ponad 200 z nich, jest domem dla prawdopodobnie najbardziej znaczącego i wszechstronnego dzieła Schielego. Jeden z nich, Domy z kolorowym praniem (Przedmieście II), został sprzedany przez muzeum w 2011 roku za 40,1 miliona dolarów w Sotheby's. Austriacka Galerie Belvedere, Albertina Graphic Collection i Egon Schiele-Museum, z których wszystkie znajdują się w Wiedniu, to inne godne uwagi kolekcje dzieł sztuki Schiele. Prace Schiele, zwłaszcza Dämmernde Stadt, zostały zebrane przez Viktora Fogarassiego. Inne muzea, w których znajdują się prace Schiele, to Metropolitan Museum of Art, Museum of Modern Art i National Gallery of Art.

Egon Schiele - Leopold Museum, 2008, fot. Alan Islas