Rzeźby w stylu pop-art na sprzedaż

24 Oryginalne współczesne rzeźby na sprzedaż:

Jak zdefiniować Pop Art styl ?

Pop Art to ruch w sztuce, który pojawił się po raz pierwszy w latach pięćdziesiątych XX wieku i osiągnął swój szczyt w latach sześćdziesiątych zarówno w Ameryce, jak i Wielkiej Brytanii, czerpiąc inspirację ze źródeł w kulturze popularnej i komercyjnej. Zaczęło się jako odpowiedź na dominujące teorie sztuki, kultury i tego, czym sztuka powinna być. Młodzi artyści wierzyli, że to, czego nauczyli się w szkole plastycznej i co zaobserwowali w muzeach, ma niewiele wspólnego z ich codziennym życiem i otoczeniem. Zamiast tego wykorzystali obrazy z hollywoodzkich filmów, kultury popularnej, w tym komiksów, reklam, opakowań produktów i innych komercyjnych mediów, w uderzającym zerwaniu z konwencjonalną techniką artystyczną, aby stworzyć obrazy i rzeźby, które obejmowały życie codzienne w najbardziej dosłownym tego słowa znaczeniu. Pop Art przekształcił się w jeden z najbardziej wpływowych ruchów sztuki współczesnej, być może w wyniku włączenia obrazów komercyjnych.

Posługując się ikonografią kultury popularnej i masowej, nurt rzucił wyzwanie wysokim tradycjom artystycznym. Wykorzystując w sztuce obrazy kultury popularnej, najczęściej poprzez sarkazm, podkreśla banalne lub podstawowe elementy każdej cywilizacji. Musi również zajmować się metodami stosowanymi przez artystów do mechanicznego powielania lub przedstawiania. W pop-arcie elementy są czasami wyraźnie izolowane, łączone lub usuwane z ich zwykłego kontekstu.

Z biegiem czasu następowały liczne zmiany w trendach artystycznych i za każdym razem artyści tworzyli nowe i innowacyjne dzieła sztuki. Każde twórcze przedsięwzięcie oddaje hołd przeszłości, jednocześnie wyznaczając drogę dla przyszłości poprzez wymyślanie nowych form. Ruch Pop Art był pionierem w łączeniu kultury wysokiej i niskiej i stworzył jedne z najbardziej pamiętnych dzieł sztuki XX wieku. Malarstwo i rzeźba zostały zrewolucjonizowane przez artystów z całej Europy, w tym z Francji, Anglii, Włoch, Szwecji i Stanów Zjednoczonych, pokazując pospolite, masowo produkowane przedmioty, które nigdy wcześniej nie były traktowane poważnie jako przedmiot lub treść sztuki.

Do najbardziej znanych artystów pop-artu należą Roy Lichtenstein, Keith Haring, Robert Rauschenberg, Richard Hamilton, Andy Warhol, David Hockney, Robert Indiana, James Rosenquist, Alex Katz i Takashi Murakami.

Rzeźba pop-artu

Ruch Pop Art próbował zatrzeć różnicę między sztuką „wysoką” a kulturą „niską”, tworząc obrazy i rzeźby przedstawiające ikony popkultury. Jednym z najbardziej wpływowych aspektów pop-artu jest idea, że nie ma hierarchii kultur i że sztuka może czerpać z dowolnego źródła. Osoby, które chciały kupić Pop Art, wiedziały, że mniej doceniane materiały zajęły miejsce „szlachetnych materiałów”, takich jak drewno czy brąz, i zostały wymieszane z przedmiotami codziennego użytku. Otworzyło to nowe możliwości dla rzeźby pop-artu i doprowadziło do rozwoju tego, co znamy dzisiaj.

Rzeźba LOVE Roberta Indiany jest bez wątpienia najbardziej rozpoznawalnym dziełem sztuki tego ruchu, podobnie jak rzeźbione pudełka soku pomidorowego Brillo i Campbell autorstwa Andy'ego Warhola, które tak mocno wstrząsnęły światem sztuki i przesunęły granice tego, co stanowiło sztukę, ale inne osiągnięcia, takie jak miękkie rzeźby Claesa Oldenburga, przedstawiające przedmioty codziennego użytku o monumentalnych wymiarach, w znacznym stopniu przyczyniły się do rozwoju ruchu. Inni rzeźbiarze, tacy jak George Segal, Jeff Koons czy nawet Richard Orlinski, również zapiszą się w historii rzeźby Pop Art.

Rzeźbiarze pop-artu

Eduardo Paolozzi (1924 - 2005)

Znaczącą postacią w powojennej brytyjskiej awangardzie był szkocki rzeźbiarz i artysta Eduardo Paolozzi. Uważany jest za jednego z pierwszych pionierów pop-artu. Jego kolaż „Byłem zabawką bogacza”, który łączył elementy kultury popularnej, w tym okładkę książki pulp fiction, reklamę Coca-Coli i plakat rekrutacyjny do wojska, był kluczowym elementem ruchu Pop Art. Utwór jest doskonałym przykładem ciemnej strony brytyjskiego pop-artu, który skupiał się bardziej na kontraście między blaskiem i bogactwem amerykańskiej kultury popularnej a ekonomiczną i polityczną nędzą brytyjskiej rzeczywistości. Wpływ technologii i kultury masowej na sztukę wysoką podkreślał Paolozzi, członek luźno zrzeszonej Independent Group. Chociaż przez całą swoją karierę pracował w wielu innych mediach i zawsze określał swoją twórczość jako sztukę surrealistyczną, silniej związał się z rzeźbą.

Claes Oldenburg (1929 - 2022)

Amerykański rzeźbiarz Claes Oldenburg jest dobrze znany ze swoich wielkoformatowych replik przedmiotów codziennego użytku, których używał w swoich publicznych instalacjach artystycznych. Miękkie wersje rzeźbiarskie przedmiotów codziennego użytku to kolejny ważny temat w jego twórczości. Oldenburg słynie z tworzenia humorystycznych rzeźb z jedzenia i przedmiotów nieożywionych. Jego dobrze znana kolekcja takich dzieł została po raz pierwszy pokazana w 1961 roku w instalacji artysty „The Store” w Lower East Side w Nowym Jorku. Oldenburg wyprodukował ciastko truskawkowe i kandyzowane jabłka jako gipsowe rzeźby na potrzeby projektu. Instalacja Oldenburga, która została ustawiona jak konwencjonalny sklep z odmianami i sprzedawała jego towary po niskich kosztach, oprócz kopiowania towarów konsumpcyjnych, stanowiła oświadczenie o relacji między przedmiotami sztuki a towarami. Rzeźby w „Sklepie” zostały starannie wykonane ręcznie, mimo że przedstawiano je tak, jakby były produkowane masowo, a bujne, ekspresyjne pociągnięcia pędzla pokrywające obiekty w Pastry Case wydają się parodiować powagę abstrakcyjnego ekspresjonizmu, dominującego tematu w Pop Art. W bardzo ironicznej scenerii Oldenburg łączy towar z emocjonalnym ekspresjonistycznym gestem.

Robert Indiana (1928 - 2018)

Amerykański artysta Robert Indiana był częścią ruchu pop-artu. W formie karty, którą dostarczał różnym przyjaciołom i znajomym ze świata sztuki, początkowo opracował swój kultowy obraz LOVE w 1964 roku. Robert Indiana został poproszony o stworzenie grafiki na doroczną kartkę bożonarodzeniową Muzeum Sztuki Nowoczesnej w 1965 roku. na swoim obrazie LOVE Indiana przesłał trzy 12-calowe kwadratowe olejne na płótnie warianty. Czerwony, niebieski i zielony zostały wybrane przez muzeum jako najmocniejsze kombinacje kolorów. Szybko znalazło się na szczycie najpopularniejszych kart, jakie kiedykolwiek muzeum posiadało sprzedany. W 1966 roku Indiana współpracował z Marianem Goodmanem z Multiples, Inc., aby stworzyć swoją pierwszą rzeźbę LOVE z aluminium, kontynuując budowanie swojej serii LOVE. Indiana ukończył swoją pierwszą ogromną rzeźbę LOVE ze stali Cor-Ten w 1970 roku.

George'a Segala (1924 - 2000)

Amerykański malarz i rzeźbiarz George Segal był częścią ruchu pop-artu. Pomimo rozpoczęcia kariery artystycznej jako malarz, Segal jest najbardziej znany ze swoich odlewanych figurek naturalnej wielkości i scen, w których się pojawiały. Segal wynalazł zastosowanie bandaży gipsowych (pasków z gazy impregnowanej gipsem, przeznaczonych do wykonywania odlewów ortopedycznych) jako nośnika rzeźbiarskiego zamiast konwencjonalnych metod odlewania.

Marisol (1930 - 2016)

Podczas gdy mężczyźni zdominowali amerykański pop-art, kilka kobiet, w tym Marisol, brało udział w wystawach razem z nimi. Jednak jej twórczość nie zawsze była zgodna ze sztywną ikonografią popu. Jej blokowe, bezwładne rzeźby, które dowcipnie nawiązują do mody, rodziny i gwiazd filmowych, są najbardziej znane z łączenia sztuki ludowej i asamblażu.

Jasper Johns (ur. 1930)

Jednym z najbardziej znanych żyjących artystów na świecie jest Jasper Johns. Prawie wszystkie ruchy artystyczne od lat 50. XX wieku do chwili obecnej były pod wpływem jego prac w malarstwie, rzeźbie i grafice, w tym ekspresjonizmu abstrakcyjnego, neodada i pop-artu. Johns był jednym z artystów, którzy pomogli ruchowi Pop Art objąć społeczeństwo konsumpcyjne. Jego prace Pop Art przedstawiają przede wszystkim znaki, takie jak flagi, cele i mapy. W rzeczywistości obraz Flaga, jeden z najbardziej rozpoznawalnych elementów ruchu Pop Art, jest jego najbardziej znanym dziełem. Uważa się, że zrobił to po tym, jak zobaczył we śnie amerykańską flagę. Jego dzieła stale otrzymują miliony dolarów na aukcjach i wyprzedażach, a często ustanawiają rekordy najwyższej sumy, jaką kiedykolwiek zapłacono za dzieło żyjącego artysty.

Jeff Koons (ur. 1955)

Amerykański artysta Jeff Koons jest znany ze swoich prac związanych z kulturą popularną i rzeźb, które przedstawiają przedmioty codziennego użytku, takie jak balonowe zwierzęta wykonane ze stali nierdzewnej o lustrzanych powierzchniach. Jego rzeźby osiągnęły wysokie ceny, a co najmniej dwie z nich ustanowiły rekordy aukcyjne dzieł żyjących artystów: Balloon Dog (Orange) w 2013 roku sprzedano za 58,4 mln USD, a Królik w 2019 roku za 91,1 mln USD.

Keitha Haringa (1958-1990)

Pop-art amerykańskiego artysty Keitha Haringa wyłonił się z nowojorskiej sceny graffiti lat 80. Jego animowana estetyka rozwinęła się w dobrze znany język wizualny. Duża część jego sztuki zawiera aluzje seksualne, które zostały przekształcone w działania społeczne, wykorzystując obrazy do promowania świadomości AIDS i bezpiecznego seksu. Reputacja Haringa wzrosła dzięki jego spontanicznym rysunkom kredą ludzi, psów i innych stylizowanych motywów na nagich czarnych spotach reklamowych w nowojorskim metrze. Po tym, jak stał się znany, stworzył żywe, wielkoformatowe malowidła ścienne, z których kilka zostało zamówionych. W latach 1982-1989 wykonał ponad 50 publicznych dzieł sztuki, wiele z nich bezpłatnie dla szpitali, przedszkoli i szkół. Rozszerzył swoją praktykę, otwierając Pop Shop w 1986 roku. Poprzez własną ikonografię, jego późniejsze prace często wyrażały tematy polityczne i socjologiczne - anty-crack, anty-apartheid, bezpieczny seks, homoseksualizm i AIDS.

Discover contemporary artworks on Artmajeur

Contemporary art is a vibrant constellation of artistic expressions. This creative universe encompasses a wide array of mediums, from paintings, sculpture, and photography to drawing, printmaking, textile art, and digital art, each medium a star shining with its own distinct radiance. Artists use diverse supports and materials to bring their visions to life, such as canvas, wood, metal, and even innovative digital canvases for the creation of virtual masterpieces. 

A contemporary painting, for instance, may weave its story through the masterful strokes of acrylic or oil, while a contemporary sculpture might sing its song in the language of stone, bronze, or found objects. The photographic arts capture and manipulate light to produce striking images, while printmaking employs techniques like lithography and screen-printing to produce multiples of a single, impactful image. Textile art plays with fabrics and fibers, whereas digital art pushes the boundaries of creation with innovative technology. 

The allure of contemporary art lies in its boundary-pushing nature, its relentless quest for experimentation and its constant reflection of the evolving human experience. This boundless creativity, coupled with its strong social and personal commentary, makes every piece of contemporary art a unique emblem of its time, a mirror held up to the realities and dreams of our complex world. It whispers to us, moves us, provokes thought, and kindles a deep emotional response, stirring the soul of anyone willing to listen. It is, indeed, the language of emotions and ideas, spoken in the dialect of our era.

Origins and history of contemporary art

The story of contemporary art unfolds in the mid-20th century, marked by seismic shifts in artistic expression. Post-World War II, around the 1950s and 1960s, artists began experimenting beyond traditional confines, challenging the norms of what art could be. This revolutionary epoch birthed myriad new movements and artistic forms such as abstract expressionism, pop art, and minimalism. Paintings, once confined by realism, embraced abstraction, as artists used color and form to express emotions and ideas. Notable periods like the advent of pop art in the late 1950s and early 1960s saw artworks mimicking popular culture and mass media, reflecting society’s shifting focus.

The sculptural arts, too, witnessed a metamorphosis. Sculptors started to experiment with new materials and forms, often creating artworks that interacted with the viewer and the surrounding space, fostering a sense of engagement. Drawing, a timeless practice, also evolved, with artists incorporating innovative techniques and concepts to redefine its role in contemporary art.

Photography, a relatively new medium, emerged as a powerful tool in the contemporary art landscape. Born in the 19th century, it truly came into its own in the latter half of the 20th century, blurring the lines between fine art and documentation. Printmaking, a practice dating back to ancient times, saw renewed interest and experimentation with techniques like lithography, etching, and screen printing gaining prominence.

The realm of textile art expanded dramatically, as artists began to appreciate the versatility and tactile quality of fabric and fibers. Artists began using textiles to challenge the boundaries between fine art, craft, and design. 

The dawn of digital technology in the late 20th century heralded a new age for contemporary art. Digital art emerged as artists started leveraging new technologies to create immersive, interactive experiences, often blurring the line between the virtual and the physical world.

Through these transformative periods, the essence of contemporary art has remained the same: a dynamic, evolving reflection of the times we live in, continually pushing boundaries and embracing the new, always questioning, always exploring.

Evolutions of theses contemporary works in the art market

As we navigate through the 21st century, the dynamic landscape of contemporary art continues to evolve and expand, reflecting our ever-changing world. Contemporary paintings, once primarily confined to two-dimensional canvases, now embrace a multitude of forms and techniques, ranging from mixed media installations to digital creations, each piece a rich a weaving of thoughts, emotions, and narratives. Sculpture, too, has ventured far beyond traditional stone and bronze, with artists incorporating light, sound, and even motion, embodying the ephemerality and flux of the modern world.

Photography, in the hands of contemporary artists, has expanded its horizons, seamlessly blending with digital technology to create breathtaking imagery that challenges our perception of reality. Drawing, as well, has transcended the borders of paper, incorporating multimedia elements and exploratory techniques to redefine its role in the artistic discourse. Printmaking continues to flourish, with contemporary artists using traditional methods in innovative ways to deliver potent social and personal commentaries.

Textile art, once considered a craft, now holds a prominent place in the contemporary art world, with artists using it to explore issues of identity, tradition, and cultural heritage. Meanwhile, digital art, the newest member of the contemporary art family, has revolutionized the way we create and interact with art, presenting immersive experiences that blur the boundary between the virtual and the physical.

These diverse forms of contemporary art hold significant value in the current art market, not only due to their aesthetic appeal but also their ability to encapsulate and communicate complex ideas and emotions. Collectors, curators, and art lovers worldwide seek these works, drawn to their inherent dynamism, their innovative use of materials, and their eloquent expressions of our shared human experience. As a testimonial to our times, these contemporary artworks encapsulate the pulse of our society and the resonance of individual voices, forever etching our collective narrative into the annals of art history.

Famous Contemporary Artists

As we delve into the vibrant realm of contemporary art, we encounter an array of artists who shape this dynamic field. Each a master in their medium - painting, sculpture, photography, drawing, printmaking, textile, or digital art - they push artistic boundaries, reflecting our era and challenging perceptions. Let’s explore these remarkable contributors and their groundbreaking works.

1. Gerhard Richter - Known for his multi-faceted approach to painting, Richter challenges the boundaries of the medium, masterfully oscillating between abstract and photorealistic styles. His works, whether featuring squeegee-pulled pigments or blurred photographic images, engage in a fascinating dialogue with perception.

2. Jeff Koons - A significant figure in contemporary sculpture, Koons crafts monumental pieces that explore themes of consumerism, taste, and popular culture. His iconic balloon animals, constructed in mirror-polished stainless steel, captivate with their playful yet profound commentary.

3. Cindy Sherman - An acclaimed photographer, Sherman uses her lens to explore identity and societal roles, particularly of women. Renowned for her conceptual self-portraits, she assumes myriad characters, pushing the boundaries of photography as a medium of artistic expression.

4. David Hockney - Hockney, with his prolific output spanning six decades, is a pivotal figure in contemporary drawing. His bold use of color and playful exploration of perspective convey an intoxicating sense of joy and an unabashed celebration of life.

5. Kiki Smith - An innovative printmaker, Smith’s work explores the human condition, particularly the female body and its social and cultural connotations. Her etchings and lithographs speak to universal experiences of life, death, and transformation.

6. El Anatsui - A master of textile art, Anatsui creates stunning tapestry-like installations from discarded bottle caps and aluminum scraps. These shimmering, flexible sculptures blend traditional African aesthetic with contemporary art sensibilities, speaking to themes of consumption, waste, and the interconnectedness of our world.

7. Rafael Lozano-Hemmer - A leading figure in digital art, Lozano-Hemmer utilizes technology to create interactive installations that blend architecture and performance art. His work, often participatory in nature, explores themes of surveillance, privacy, and the relationship between people and their environments.

Notable contemporary artworks

The contemporary art landscape is a dynamic patchwork of diverse expressions and groundbreaking ideas, each artwork a unique dialog with its audience. Here are a selection of some renowned contemporary artworks, spanning various media such as painting, sculpture, photography, drawing, printmaking, textile art, and digital art, that have profoundly influenced this vibrant movement.

1. "Cloud Gate" by Anish Kapoor, 2006 - This monumental stainless steel sculpture, also known as "The Bean," mirrors and distorts the Chicago skyline and onlookers in its seamless, liquid-like surface, creating an interactive experience that blurs the line between the artwork and the viewer.

2. "Marilyn Diptych" by Andy Warhol, 1962 - An iconic piece of pop art, this silkscreen painting features fifty images of Marilyn Monroe. Half brightly colored, half in black and white, it reflects the dichotomy of celebrity life and its influence on popular culture.

3. "Rhein II" by Andreas Gursky, 1999 - This photographic artwork, a digitally-altered image of the Rhine River, is celebrated for its minimalist aesthetic. It strips the landscape to its bare essentials, invoking a sense of tranquility and vastness.

4. "Black Square" by Kazimir Malevich, 1915 - A revolutionary painting in the realm of abstract art, this piece, featuring nothing more than a black square on a white field, challenges traditional notions of representation, symbolizing a new era in artistic expression.

5. "Puppy" by Jeff Koons, 1992 - This giant sculpture, a West Highland Terrier blanketed in flowering plants, explores themes of innocence, consumer culture, and the interplay between high art and kitsch. It’s a delightful blend of traditional sculpture and garden craft.

6. "Re-projection: Hoerengracht" by Ed and Nancy Kienholz, 1983-1988 - A room-sized tableau representing Amsterdam’s red-light district, this work combines elements of sculpture, painting, lighting, and found objects. It engages viewers in a stark commentary on commodification and objectification.

7. "Untitled" (Your body is a battleground) by Barbara Kruger, 1989 - This photomontage, combining black-and-white photography with impactful text, explores issues of feminism, identity, and power. Its potent, confrontational message is a prime example of the power of text in contemporary visual art.

8. "For the Love of God" by Damien Hirst, 2007 - This sculpture, a platinum cast of a human skull encrusted with 8,601 diamonds, probes themes of mortality, value, and the human fascination with luxury and decadence. It’s a compelling blend of macabre and magnificence.

9. "Physical impossibility of Death in the Mind of Someone Living" by Damien Hirst, 1991 - This artwork, featuring a tiger shark preserved in formaldehyde, blurs the line between traditional sculpture and biological specimen. It prompts viewers to contemplate mortality and nature’s ferocity.

10. "One and Three Chairs" by Joseph Kosuth, 1965 - A piece of conceptual art, it presents a physical chair, a photograph of a chair, and a dictionary definition of a chair, thus exploring the relationship between language, picture, and referent in art.

These pieces, in their diversity, exemplify the rich tapestry of contemporary art, each piece a unique commentary on our world and a testament to the limitless potential of creative expression.