Patricia Tobaldo

LA NACIÓN DEL ARCO IRIS - RAINBOW NATION

¿Qué es la identidad? Podríamos definir la identidad como un “estar en el mundo”. Todos poseemos un documento de identidad que no informa aquello que somos sino más bien de donde venimos. Esta identificación nos reúne finalmente en un solo concepto: La nación. Es ese quizás el primer ladrillo en la construcción de las naciones africanas modernas que emergen a partir de turbulentas historias en el siglo XX. El África actual no es el fruto de una historia revisada y corregida por otros, a partir de lo cual es imposible para un africano de instalarse en el mundo olvidando que es un producto del colonizador. En el mundo de hoy, año 2010, cuando ya la mayoría de las naciones africanas han celebrado sus primeros 50 años de independencia del colonizador, la identidad africana comienza a elaborarse no desde una visión post-colonial sino desde una posición global. La construcción de una identidad propia pasa en primera instancia por la identificación del medio en el cual evolucionamos y reconocemos al prójimo. Es ese quizás el rol que hoy pretenden asumir los sudafricanos, atrayendo para sí, a su manera, el gran mito de la cultura occidental: “el football”

Entonces ¿Por qué Sudáfrica se autodenomina “la nación del arco iris”? ¿Quizás para demostrar que en su territorio es posible convivir sin importar el color, el origen o la lengua? ¿Qué es un arco iris? Es un fenómeno óptico que vemos cuando la luz del sol se refracta a través de la lluvia. Entonces aparecen múltiples colores en el cielo en forma de un enorme arco ¿Cuántos colores se pueden observar virtualmente en África del Sur? Difícil de decir. Si los colores representan las lenguas, podríamos hablar de siete. Todo dependerá de cómo el idioma se identifica con el color. En todo caso, el arco iris es una bella y harmoniosa imagen para describir “yuxtaposición” “coexistencia pacifica” “paz” “unión entre Dios y el Hombre” “el Cielo y la Tierra”

Pero para Sudáfrica este símbolo va más allá de lo meramente metafórico: fue acuñado para contar al mundo que es una nación política, una nación edificada, conciente de si misma: el símbolo del arco iris tiene su relación con la historia reciente ya que se la comienza a llamar así inmediatamente después del Apartheid, cuando el país dejó de ser la nación de la utopía y pasó a ser la de hoy, la que brega por construir su propia imagen, libre de las influencias de siglos de colonización. Sudáfrica fue inventada por el arzobispo de Ciudad del Cabo, Desmond Tutu y Nelson Mándela continuó la obra como primer presidente negro del país post-apartheid y que se expresaba en las siguientes palabras:

“A mis compatriotas les digo sin dudar que cada uno de nosotros se encuentra íntimamente enraizado en la tierra de esta país magnífico, famoso por los Jacaranda de Pretoria y las mimosas de la selva… Hemos logrado la esperanza en los corazones de millones de personas de nuestro país y nos comprometemos a construir una sociedad en la cual todos los sudafricanos, sean blancos o negros, puedan mantenerse en pie y caminar sin temor, seguros de sus derechos inalienables a la dignidad humana _ una NACIÓN DEL ARCO IRIS, en paz con ella misma y con el mundo” (Nelson Mándela)

En pocos días la Nación del Arco Iris va inaugurar la Copa del Mundo de Football, pero ¿Estará lista? Para  Sepp Blatter, presidente de la FIFA, la respuesta es”SÍ” para sus detractores la respuesta es “NO” ¿Quién tendrá razón?

Lo cierto es que de norte a sur del país, en cada uno de sus dominios culturales, Sudáfrica explota de inventiva y creatividad. Cantantes, artistas, artesanos, cineastas, poetas, diseñadores, se reciclan y se reinventan y el mundo entero comienza a conocer el potencial más preciado, no solo de África del Sur sino de todo el continente africano, su enorme patrimonio cultural y humano.

Hagamos un breve viaje virtual y conozcamos algunas de sus intimidades

En ocho de los diez estadios previstos para la competición ya se han jugado partidos. Su joya, el  “Soccer City", no solo representa una de las sedes más artísticas e inspiradoras del continente africano, sino que fue construido a nuevo y servirá para el partido inaugural y la final. Su diseño está inspirado en un fruto africano conocido como "calabash" (El "calabash" es un instrumento de percusión de África, consistente en una calabaza secada con cuentas tejidas en una red que la recubre). Está ubicado en el sudoeste de Johannesburgo, cercano a una de las áreas más activas del fútbol: Soweto, donde vive casi el 40% de la población de Johannesburgo. Fue construido en la década de los 80 por iniciativa de varios dirigentes del fútbol sudafricano que decidieron construir el primer estadio internacional y fue sufragado por la Fraternidad del Fútbol. Soccer City fue el escenario del primer discurso multitudinario de Nelson Mándela después de su liberación en 1990. En ese mismo estadio también se vivió la final de la Copa Africana de Naciones de 1996, de la que Sudáfrica se proclamó campeona. Su capacidad, luego de las reformas es de 94.700 espectadores. Y el segundo estadio será el "Mbombela" en la ciudad de Nelspruit. Mbombela es un nombre "siswati" que literalmente significa "muchas personas juntas en un mismo lugar". Este estadio tiene una capacidad para 46.000 personas.

"ZAKUMI" nacido el 16 de junio de 1994 es la mascota oficial. Se trata de un leopardo con el pelo verde, y fue presentado el 22 de septiembre de 2008. En Marzo de 2010 fue cancelada su fabricación debido a que los dueños del lugar explotaban niños para hacer la mascota, cerraron la fábrica y detuvieron su producción. Decidiendo más tarde proclamarla mascota oficial de esta copa del mundo. El lema oficial es "Zakumi juega limpio". Su nombre proviene de "ZA" (el código ISO 3166-ALFA-2: es el código para definir el nombre de los países publicado por primera vez en 1974 por la Organización Mundial para la Estandarización /ISO: de la raíz griega que significa "igual") y "KUMI" que significa "DIEZ" en varias lenguas africanas. Por lo tanto quiere decir SUDÁFRICA 2010. Para sus creadores Zakumi será siempre el primero en saltar a la pista de baile y el último en marcharse de la mayor fiesta del mundo de fútbol. Es el anfitrión perfecto para los visitantes de todas las edades, de carácter hospitalario, cariñoso y amable. Zakumi adora el fútbol, le encanta jugarlo, por eso siempre lleva una pelota. A tal punto que una vez se tiñó el pelo de verde porque pensó sería el camuflaje perfecto sobre el césped del campo de juego. Es un gran viajero, este último año ha recorrido el África toda, por sus sabanas, sus planicies pobladas de leopardos, sus bosques y sus selvas.

Se dice que África es un mundo en formación, joven, vivaz, y como todo ser en crecimiento, terriblemente amenazado, desde su inestabilidad política, su eterna confrontación entre negros y blancos hasta su mayor amenaza: el HIV.

El presidente de Sudáfrica, Jacob Zuma confirmó que su último test de sida había dado negativo. Algo difícil de verificar, sin embargo sirvió como punto de partida al lanzamiento de una increíble campaña de prevención contra esta enfermedad que ya ha matado cerca de 5.7 millones de sudafricanos; es el país más contaminado del mundo (17% de la población). Se calcula que de ahora al 2011 van a ser distribuidos tratamientos para el sida a 15 millones de sudafricanos. Cada persona testeada recibirá 100 preservativos y el gobierno ha previsto dedicar un tercio del presupuesto del presente año en la lucha contra la enfermedad.

La contaminación masiva del HIV, según algunos especialistas en epidemiología, se debe precisamente al comportamiento de las adolescentes sudafricanas que a muy temprana edad (alrededor de lo 13 años) ya entablan relaciones sexuales con hombres adultos a cambio de costosos regalos; se cree que una niña de esa edad tiene más posibilidad de contraer sida que una prostituta en China.

Durante la Copa del Mundo cuentan distribuir preservativos  gratuitamente.

Nosotros, los occidentales, tenemos “una cierta idea” del África, tierra extraña y extranjera, algunas veces tan cerca, otras absolutamente diferente, fascinante y colorida. Su paisaje es inmenso, imposible de explorarlo así vivamos mil vidas. Pero el viaje, aunque sea virtual, vale la pena.

JE NE MARCHE PLUS

YA NO CAMINO

… parfois un frère tombe

quand il refuse de se laissez duper

et sa chute fait mal

Oui, tous ses frères noirs ont mal quand il tombe

Une odeur a jungle me parvient alors

Je respire l’odeur de la jungle indomptée

Je m’identifie au mamba

Je deviens un homme Khunga-Khunga

Je ne fais plus qu’un avec le esprit noir que survit dans la jungle de bidonvilles

Un odeur de phutu sort d’une fenêtre du ghetto

Le ghetto, une jungle que j’apprends à connaître

J’entends les tam-tams africains que l’on frappe

Au rythme des chants de libération

Et la voix me parvient qui s’écrie

Khunga, Khunga !

Untshu, Untshu !

Funtu, Funtu !

Shundu, Shundu !

Sinki, Sinki !

Mojo, Mojo !

O...! O…o…m!... hhhhhhhhhhhhhhmmmmmmmmmm!

Mafika Pascal Gwala

Poeta nacido en Natal-Sudáfrica /1946

... algunas veces un hermano cae

cuando se niega a que lo engañen

y su caída hace daño

Si, todos sus hermanos negros sufren cuando caen

Un aroma a jungla me invade entonces

Respiro el aroma de la jungla indomable

Me identifico con mamba

Me convierto en un hombre khunga-khunga

Me mimetizo con el espíritu negro que sobrevive en la jungla de las villas miseria

Un aroma a poo-too surge de una ventana del gueto

El gueto que aprendo a conocer

Escucho el tam-tams africano que alguien golpea

Al ritmo de cantos de liberación

Y la voz que me llega grita

¡Khunga, Khunga!

Untshu, Untshu!

Funtu, Funtu!

Shundu, Shundu!

Sinki, Sinki!

Mojo, Mojo!

O...! O…o…m!... hhhhhhhhhhhhhhmmmmmmmmmm

Mafika Pascal Gwala

Poeta nacido en Natal-Sudáfrica /1946

Traducción: Patricia Tobaldo

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M� 8��an style='mso-special-character: footnote'>[10] HADES, según la mitología griega, rey del inframundo (infierno), rapta a Perséfone (hija del dios Zeus) mientras esta recogía flores con sus amigas

[11] “LA MORT APPRIVOISSÉE”, Ruth Menahem, Ed. Universitaires, 1973

[12]  EL HOMBRE EN BUSCA DE SENTIDO, Víctor Frankl, Pág. 68

[13] “NOCHE DE MAYO”,  Alfred Musset (1810-1857) , escritor y poeta francés

[14] EL GRECO (1541-1614) pintor español nacido en Creta. Uno de los artistas más importantes de finales del Renacimiento.

[15] EL HOMBRE EN BUSCA DE SENTIDO, Víctor Frankl, Pág. 105

ARTE Y LOGOTERAPIA – El Arte en Tiempos de Cólera

Patricia Tobaldo, Abril 2012

Los supervivientes de los campos de concentración aún recordamos a algunos hombres que visitaban los barracones consolando a los demás y ofreciéndoles su único mendrugo de pan. Quizá no fuesen muchos, pero esos pocos representaban una muestra irrefutable de que al hombre se le puede arrebatar todo salvo una cosa: la última de las libertades humanas _ la elección de actitud personal que debe adoptar frente al destino _ para decidir su propio camino (El Hombre en Busca de Sentido, pág. 90)

La SEGUNDA GUERRA MUNDIAL con sus CAMPOS DE CONCENTRACIÓN, A.M.I.A., SEPTIEMBRE -11, ATOCHA, BAGDAD, PALESTINA, AFGANISTAN, MOSCU, la PRIMAVERA ÁRABE… la violencia pertenece a la naturaleza humana y el siglo XX ha sido realmente violento. Somos integrantes de una sociedad en la que la violencia se ha instalado creando una nueva categoría de convivencia, sintetizada a través de los atentados y conflictos a lo largo y a lo ancho del mundo; y de las pantallas de la televisión y computadoras, juegos en red, audiovisuales; de la postura necia de los gobernantes, del ciudadano común que asiste sin inmutarse la exhibición de sangre y muerte que muestran los informativos del mediodía.

La violencia y el miedo; la causa y el efecto. La autocensura, la censura, el policía agresivo que todos llevamos dentro. La violencia moral, la peor de todas. La violencia física de los torturados de las cárceles de Guantamano y Bagdad, de los Niños y mujeres en Sierra Leona, de las violaciones y desapariciones en la Argentina de los 70… la violencia como parte de nuestro cotidiano.

En tal contexto el arte no es ajeno, aunque el arte del siglo XX ha pasado por épocas que le ha sobrado escepticismo y le ha faltado compromiso social, cultural y ético. La autocomplacencia artística del arte contemporáneo no ha encontrado aún la manera de expresar fielmente la violencia. Su representación, teatral, plástica, cinematográfica, musical o audiovisual, más o menos contundente, más o menos realista apunta a crear reacciones fuertes más que a reflejar el estado de ánimo de la sociedad: pues nada teme tanto el artista que ser calificado de “frívolo”

No obstante, ha habido épocas en las cuales el arte se comprometía más con la realidad cotidiana. Shakespeare es un ejemplo, es considerado el autor más violento de todos los tiempos, el consideraba que la violencia era una parte indivisible de la condición humana; algo tan natural como reír, caminar o hablar.

Artistas pos contemporáneos a Shakespeare elaboraron y cultivaron su obra desde su misma perspectiva: la exaltación de la violencia. Una de las obras maestras de la historia del arte es la serie de grabados de “Los desastres de la Guerra” de Francisco de Goya y Lucientes, quién representé y documentó los horrores de la guerra de manera magistral. O el Guernica de Pablo Picasso que representa los bombardeos a la misma ciudad.

Tal vez las cosas no hayan cambiado demasiado en el arte desde Shakespeare hasta Moore (Fahrenheit 11/9). Aunque sí nuestra percepción de la violencia y como convivir con ella (Patricia Tobaldo,  2012)

LA CURIOSIDAD: DETONANTE CULTURAL

Por Patricia Tobaldo

Un poco de reflexión en medio de esta vida tan demandante que todos llevamos no viene mal, así que me puse en “actitud” reflexiva  y comencé a analizar este fenómeno de la “curiosidad” que últimamente ejercemos tan poco en el buen sentido de su etimología.

Como bien decía Jorge Luis Borges “quién se preocupe por una etimología curiosa, se dispone, quizás, a salvar el mundo”

Los artistas, por principio, « somos curiosos ». Si no ¿de que otra manera podríamos recrear? Y parafraseando al gran escritor portugués, José María Eça de Queiros  que dice “la curiosidad no lleva a lograr todo, inclusive a descubrir América”, he notado, a fuerza de curiosidad, claro, que es más difícil mantenerse austero cuando uno se mueve en el ámbito de la cultura que aquellos que desarrollan trabajos más rutinarios, tal que un plomero o un panadero, por ejemplo. ¿Por qué esa tendencia a considerarse un “Borges” cuando en realidad uno ejerce una suerte de “amateurismo literario”? ¿O por un Goethe cuando ni siquiera sabemos pronuncias este apellido correctamente? ¿O por qué sentirse tan importante ante la perspectiva de ir a escuchar una ópera al Colón, o visitar una exposición de arte contemporáneo al Malba, o comentar el último libro de Paul Auster en una ronda de café con amigos o colegas, cuando en realidad encontramos súper aburrida la ópera, no entendemos el arte contemporáneo o no sabemos ni siquiera de que origen es Paul Auster? Y seguramente nos sentiremos más felices quedándonos en casa escuchando nuestra vieja colección de música de los 80.

Debemos convencernos de una vez por todas que en materia de cultura no existe ninguna certitud, ninguna referencia pre-establecida. No existe nada más triste que estar leyendo un libro que se dice “best seller” y que para uno es realmente insoportable o tener que sumarse al comentario eufórico y masivo sobre una película u obra de teatro que para uno ha representado un somnífero.

Sin embargo, si uno es curioso e indaga y profundiza en la razón de ser de la cultura para provecho propio, seguramente no se sentirá minimizado si rechaza una tendencia cultural por no sentirla a la altura de sus expectativas.

A menudo la curiosidad viene asociada a un principio de calidad; la que nos proyecta a ese deseo de aprender, de conocer, de descubrir. La que no nos deja caer en un estado de desidia o de aburrimiento. La curiosidad nos proporciona intereses más allá de lo simplemente rutinario, tal como el desarrollo de una cultura que facilita la realización personal, sea a través de la socialización o de aquellos pequeños gestos cotidianos que enriquecen el día a día.

La curiosidad es un recurso más de educación. Es necesario despertar la curiosidad en los niños desde su más temprana infancia. Imaginemos por un momento si los grandes maestros, científicos o descubridores de la historia no hubiesen gozado del don de la curiosidad y de la avidez del ir más allá de lo previamente establecido ¿El mundo sería el mismo? ¿Colón hubiese descubierto América? ¿El hombre habría llegado tan lejos en sus aventuras espaciales? ¿Conoceríamos el medio ambiente y sus recursos tal y como lo conocemos y disfrutamos hoy en día? ¿Estamos realmente, responsables por la educación de las nuevas generaciones, fomentando este recurso tan válido para sacar a nuestros niños y jóvenes de la apatía y del sedentarismo en el cual se encuentran cada vez más inmersos? O ¿Solo estamos permitiendo que sean los “héroes virtuales” quienes les despierten la curiosidad y les propongan modelos culturales?

No obstante, la curiosidad también tiene sus propios limites ¿Cuáles? Creo que es la indiscreción; es decir, trascender más allá de lo puramente objetivo, de lo que nos ha servido de medio para alcanzar un conocimiento. Hoy la curiosidad se distorsiona y se justifica; ejemplo de ellos es el marketing que realizan los medios “curioseando” indiscriminadamente en la vida privada de las personas en general y haciendo de ello nuevas formas de expresión cultural. Sí, es verdad ¿quién podría tirar la primera piedra? Pues en el fondo todos somos curiosos. ¿Por qué tenemos esa necesidad intrínseca de saber cuando el vecino llega con el último modelo de auto o cuando la mujer del vecino desaparece del barrio? En la vida de cada día la curiosidad puede asumir la actitud de un “vigilante” convirtiéndose en un paliativo de la rutina, de la inercia en la cual muchas personas terminan imbuidas a causa de la escasez de imaginación para revertir el sentido de la curiosidad en una actitud de aprendizaje y conocimiento

Algún poeta desconocido dijo “Sé curioso y nunca estarás enfermo”

EDUCAR "EN Y CON" EL ARTE

Por Patricia Tobaldo

Mis razones para empeñarme en la construcción de puentes entre las artes y la educación tienen un origen general en mi pasado, que luego fueron madurando conforme pasan los años y la experiencia en ambos campos se va consolidando. Nací en un pequeño pueblo de la provincia de Córdoba, Canals, donde tuve la gran suerte de asistir a un colegio religioso, Nuestra Señora de la Misericordia, regido por una congregación italiana en el cual, aparte de  los asuntos académicos propios de la formación escolar, la actividad estaba dominada entre muros por una intensa y productiva práctica de las artes. Luego viajé por el mundo y me dediqué a estudiar Lenguas Romances; adopté como mi punto de encuentro con la cultura de cada país que visitaba los lugares donde las diversas formas artísticas expresaban su idiosincrasia y representaban sus gentes: formas artísticas comerciales, populares, primitivas, orientales, occidentales, es decir, una plétora de estilos y formas capaces de representar lo que de auténtico hay en cualquier rincón del mundo, con poca, mucha o ninguna barrera de tiempo y espacio. Viví en ciudades europeas, americanas y africanas, donde están siempre omnipresentes las artes de los tipos más variados. Y pronto descubrí que mientras más pobre y austero era el país, la producción artística era más vivaz y rica y la cultura menos subestimada. Todos estos elementos juntos me han proporcionado un marco fértil para mi interés por el arte y como darle mejor aplicación en el campo de la educación. Respetar las artes como tales me ha parecido siempre tan natural y tan enriquecedor que no podría dejar de servirme de ellas para mis propósitos profesionales, sea en el campo de la docencia como en el de la pintura (al que me dedico desde hace más de 30 años)

Paradójicamente la creatividad hoy en día parece ser un recurso agotado, sin embargo nunca se ha tenido tanta certeza sobre la importancia de la misma  en la formación de la personalidad del niño ya que genera un aprendizaje que favorece su equilibrio intelectual y emocional  y  le propone otras formas de conocimiento. En tal caso, la escuela del siglo XXI debería considerar y dar privilegio a la enseñanza de valores artísticos y ponerlos al mismo nivel de importancia que otras disciplinas como las científicas, técnicas y deportivas y las ciencias humanas.

Si bien es cierto que  la simbiosis entre el arte y la educación no muestra resultados inmediatos y cuantificables,  ya que el autentico rol del arte es "provocar el imaginario" "despertar la sensibilidad" y "estimular el espíritu critico", ambos, Arte y Educación son complementarios a condición de comprender y aceptar que el arte permite al niño  desarrollar otros modos de aprendizaje. Es sabido que el niño desde su más temprana infancia desarrolla una gran imaginación, y que la misma va disminuyendo lentamente en beneficio del razonamiento. Por lo tanto, educar en el arte sería un recurso más para mantener viva la llama de la imaginación con miras a fomentar la importancia de otras maneras de estar en el mundo.

El niño del siglo XXI se encuentra cada vez más inmerso en  la cultura de medias (la cultura televisiva, cinematográfica, la cultura de Internet, la cultura de consumo) que desarrolla un lenguaje cada vez más pobre y mediocre, un lenguaje "zapping", un lenguaje "SMS”, un lenguaje “Messenger” que se va instalando como un "sistema de referencia". Entonces ¿Como inducirlos a un comportamiento de socialización, de reglas de vida en grupo, de respecto al prójimo? ¿Como hacerlos pasar del estatus de consumidores al de espectadores y productores de arte? No habría otra manera que la de inculcar el arte desde contenidos escolares mediante metodologías pedagógicas adecuadas en el contexto de una educación sostenible en el tiempo.

¿Cuáles serían las posibles prácticas para que el estudio del arte ofrezca un sentido atractivo y útil a los propósitos futuros del niño en escolarización?

Según mi experiencia de algunos años trabajando con niños y adolescentes en mi estudio de pintura, puedo asegurar sin temor a equivocarme que la práctica de las artes visuales despierta objetivos transversales tales como; conductas, actitudes y comportamientos, así como aprendizajes diversos: mirar, observar, leer, establecer pautas sensoriales, comunicar, desarrollar capacidades gestuales, descubrir materiales, útiles, inventar e experimentar técnicas, aprender a imaginar, expresar deseos, gustos  y tendencias, investigar.

Si bien el sistema educativo argentino ya propone, entre otras muchas modalidades de secundario, la modalidad en arte como elección, sería muy apropiado que la enseñanza de las artes, que comprende las disciplinas de literatura, artes plásticas, música, teatro, danza y cine, tuviera un carácter más universal y obligatorio a lo largo del ciclo escolar, desde el jardín hasta el último año del secundario, con el objetivo añadido de formar músicos, poetas, escritores, dramaturgos, directores de cine, artistas plásticos, bailarines, comediantes.

“Fomentar la capacidad creativa y la conciencia cultural de cara al siglo XXI es una tarea difícil y complicada, pero al mismo tiempo ineludible. Todas las fuerzas de la sociedad deben colaborar para que las nuevas generaciones nacidas en este siglo cuenten con los conocimientos, las competencias y (quizás aún más importante) los valores y actitudes, los principios éticos y las orientaciones morales necesarios para convertirse en ciudadanos del mundo, responsables y garantes de un futuro sostenible.

Para alcanzar este objetivo es imprescindible contar con una educación universal de calidad, pero esto sólo se puede conseguir si, a través de la educación artística, la educación general fomenta las visiones y perspectivas, la creatividad y la iniciativa, y las capacidades de reflexión crítica y trabajo que resultan imprescindibles para la vida en este nuevo siglo” (UNESCO)

La Declaración Universal de Derechos Humanos

Artículo 26

“La educación tendrá por objeto el pleno desarrollo de la personalidad humana y el fortalecimiento del respeto a los derechos humanos y a las libertades fundamentales; favorecerá la comprensión, la tolerancia y la amistad entre todas las naciones y todos los grupos étnicos o religiosos, y promoverá el desarrollo de las actividades de las Naciones Unidas para el mantenimiento de la paz".

Artículo 27

“Toda persona tiene derecho a tomar parte libremente en la vida cultural de la comunidad, a gozar de las artes y a participar en el progreso científico y en los beneficios que de él resulten”.

Convención sobre los Derechos del Niño

Artículo 29

“La educación del niño deberá estar encaminada a… (a) Desarrollar la personalidad, las aptitudes y la capacidad mental y física del niño hasta el máximo de sus posibilidades (…)”.

Artículo 31

“Los Estados Partes respetarán y promoverán el derecho del niño a participar plenamente en la vida cultural y artística y propiciarán oportunidades apropiadas, en condiciones de igualdad, de participar en la vida cultural, artística, recreativa y de esparcimiento”.

ET LUX IN TENEBRIS LUCET - Y La Luz Brilla en Medio de la Oscuridad

Por Patricia Tobaldo

Ensayo sobre el AMOR y la MUERTE desde la visión de una artista plástica sobre los textos de la obra de Víctor Frankl “EL HOMBRE EN BUSCA DE SENTIDO – Un Psicólogo en un Campo de Concentración”

Algunas personas logran una serena aceptación de la muerte, a otras la crueldad de la naturaleza y la dureza de la existencia se les transfigura en una intensa y misteriosa belleza, que el Dr. Víctor Frankl bien ilustra inmerso en la terrible experiencia de Auschwitz, así:

“…a medida que la vida interior de los prisioneros se hacía más intensa, sentíamos también la belleza del arte y la naturaleza como nunca entonces […] si alguien hubiera visto nuestros rostros cuando, en viaje desde Auschwitz a un campo de Baviera, contemplando las montañas de Salzburgo […] nunca hubieran creído que se trataba de los rostros de hombres sin esperanza de vivir ni de ser libres. A pesar de este hecho _ o tal vez en razón del mismo_ nos sentíamos transportados por la belleza de la naturaleza[1]

No obstante el profundo humanismo de Frankl, fundamentado en la mejor tradición de una filosofía critica y de orden ontológico, “La bondad humana se encuentra en todos los grupos, incluso en aquellos que merecen ser condenados”[2], la inminencia del peligro y la dureza de sus condiciones de vida en los campos de concentración le exigían un perpetuo estado de alerta que le dejaba poco espacio a la ensoñación: el sufrimiento sin remedio, el destino sin posibilidad de modificarlo. Sin embargo de su texto emana sutilmente una suerte de afirmación axiológica que da origen a actos y actitudes creativas que trascienden esas situaciones de extremo dolor y vacío existencial, transformando así la resignación en una renovada fuerza de vida y dejando entrever una profunda sensación de libertad “…y es precisamente esa libertad interior la que nadie puede arrebatar, la que confiere a la existencia una intención y un sentido”[3]

Frankl elige aceptando lo que percibe como una exigencia que él no ha buscado. No está convencido de que pueda sobrevivir. Su conducta responde al problema que se plantea y opta por cumplir esa tareas “…la última de las libertades humanas _la elección de la actitud personal que debe adoptar frente al destino _ para decidir su propio camino”[4]

Víctor Frankl no parece elaborar el concepto de la muerte como lo hicieran los griegos, para quienes la misma “representaba una idea”, ni tampoco como el hombre moderno que la entiende como “una realidad ineluctable”, sin embargo se aproxima a la interpretación que de ella hace la pintura “una presencia estética” “En una última y violenta protesta contra lo inexorable de una muerte inminente, sentí como si mi espíritu rasgara mi tristeza interior y se elevara por encima de aquel mundo desesperado, insensato, y por algún lugar escuché un victorioso “sí” en respuesta a mi pregunta sobre si la vida escondía en último término algún sentido”[5]

¿Temor o desprecio? ¿Repulsión o atracción? ¿Pesar por lo que desaparece o curiosidad por lo que vendrá? La pintura, mediante recursos gráficos y cromáticos propios del arte, aporta una existencia gráfica al misterio de la muerte que hace visible lo invisible. El artista plástico se enfrenta también a una serie de cuestionamientos que ponen en relieve la complejidad del arte: ¿Cómo corporizar la figura de la muerte? ¿Cómo dar forma a las creencias y prejuicios que la muerte plantea? ¿Cómo materializar la meditación sobre la muerte a través de la composición, los materiales, la luz y el color?

Las primeras representaciones de la muerte en la historia del arte tenían como objetivo una “función conmemorativa”, llamado “arte fúnebre”. Por ejemplo las pinturas religiosas de los siglos XV y XVI, que mostraban al Cristo muerto para describir el cuerpo que ha padecido los sufrimientos, miserias y enfermedades a los que el hombre fue condenado: “El Triunfo de la Muerte” de Breughel[6], el carro de esqueletos no es una febril invención del artista flamenco, sino una observación realista “Cuando los carruajes fúnebres aparecían en una ciudad precedidos del tañer de las campanas, era la señal de que la epidemia había cruzado la ciudad”[7]

“…Cuando no eran reclamados mis servicios, aprovechaba para sentarme en cuclillas sobre el pozo y contemplar el florecer de las verdes laderas y las lejanas colinas azuladas del paisaje bávaro, enmarcado por las mallas de alambrada de espino […] Los cadáveres tendidos a mi alrededor, hormigueantes de piojos, no me perturbaban lo más mínimo…”[8]

Paradójicamente, y recordando las obras del pintor Durero[9] en las cuales el tratamiento macabro que imprimía a sus pinturas expresaban un punto de vista humano, detengámonos un momento en la descripción que hace Frankl “…lejanas colinas azuladas del paisaje bávaro…” donde exalta el color de las colinas enmarcado por los cercos de alambre púa, confiriendo a la visión una suerte de himno a la belleza de la vida y rebelando al mismo tiempo otro nexo de unión entre la vida y la muerte. Sin duda esta aproximación de “Eros” y “Thanatos” representa el sentimiento permanente del escritor durante toda su experiencia en los campos de concentración. Nexo este que a lo largo de la historia del arte fue fecundo en interpretaciones de todo tipo, encontrando sus orígenes en el antiguo mito de la “Boda de Hades y Perséfone”[10] “el amante ideal que provoca la unión del amor y la muerte, el gozo y la muerte y al mismo tiempo el triunfo sobre la muerte”[11]

“Estuve muchas horas despedazando la tierra helada. El guardia pasaba junto a mí y me insultaba, pero continuaba charlando con mi amada. La presentía a mi lado, cada vez con más intensidad. Sentía que casi podía tocarla, que si extendía mi mano cogería la suya. Fue una sensación terriblemente viva: ella estaba “allí” realmente”[12]

En el siglo XVIII, la conexión entre “Eros” y “Thanatos” comienza a dulcificarse sin perder su misterio; el amor se mezcla con la muerte para expresar el lamento infinito de la pérdida de un ser querido. La “pintura conmemorativa”  se convierte entonces en elegíaca: la muerte representada como un cálido abandono “Los cantos más desesperados son los más bellos”[13].

El Greco[14] expresa perfectamente ese sentimiento: imágenes fantasmagóricas y sombrías sobre un paisaje colorido y exótico. El claroscuro de sus telas acentúa la sensación de desconexión entre la vida y la muerte.

Víctor Frankl ahonda en los misterios más profundos del sentimiento humano en una situación límite: “Eros” y “Thanatos” o el  “Amor” y la “muerte”, las emociones básicas y fundamentales que rondan constantemente la inspiración de un artista plástico.

El relato del autor del “Hombre en Busca de Sentido” trasunta lo que para el pintor representa el conocimiento de las formas netas, de la composición ordenada y de las luces y las sombras. El artista plantea otra realidad en la narrativa de todos los días. Frankl revela en  lugares comunes el misterio del destino humano, resaltando al unísono el tiempo y la eternidad.

El nexo de unión del relato de Frankl en simbiosis con la pintura oscila entre lo diurno y lo nocturno, la quimera y la realidad, la tensión y el abandono, el éxtasis y la muerte.

“Los aún sobrevivientes teníamos razones para sostener la esperanza: la salud, la familia, la felicidad, las capacidades profesionales, la fortuna material…Todas esas cosas todavía se podían recuperar o adquirir. Incluso nuestras vivencias en el campo quizá supusiesen una ganancia para el futuro…Y cité a Nietzsche [Todo lo que no acaba conmigo me hace más fuerte]”[15]

[1] EL HOMBRE EN BUSCA DE SENTIDO, Víctor Frankl, Pág. 67

[2] EL HOMBRE EN BUSCA DE SENTIDO, Víctor Frankl, Pág. 109

[3] EL HOMBRE EN BUSCA DE SENTIDO, Víctor Frankl, Pág. 91

[4]EL HOMBRE EN BUSCA DE SENTIDO, Víctor Frankl, Pág. 90

[5] EL HOMBRE EN BUSCA DE SENTIDO, Víctor Frankl, Pág. 68

[6] “EL TRIUNFO DE LA MUERTE” del pintor flamenco Breughel Pieter el Viejo, Siglo XVI

[7] “EL MIEDO EN OCCIDENTE, Siglos XIV-XVII, Jean Delumeau, Fayard 1978. La peste influenciaría decisivamente en el arte pictórico de la época, como las obras de Poussin y Goya

[8] EL HOMBRE EN BUSCA DE SENTIDO, Víctor Frankl, Pág. 77-78

[9] DURERO(1471-1528) Originario de Nuremberg, pintor famoso del Alto Renacimiento, S. XV

[10] HADES, según la mitología griega, rey del inframundo (infierno), rapta a Perséfone (hija del dios Zeus) mientras esta recogía flores con sus amigas

[11] “LA MORT APPRIVOISSÉE”, Ruth Menahem, Ed. Universitaires, 1973

[12]  EL HOMBRE EN BUSCA DE SENTIDO, Víctor Frankl, Pág. 68

[13] “NOCHE DE MAYO”,  Alfred Musset (1810-1857) , escritor y poeta francés

[14] EL GRECO (1541-1614) pintor español nacido en Creta. Uno de los artistas más importantes de finales del Renacimiento.

[15] EL HOMBRE EN BUSCA DE SENTIDO, Víctor Frankl, Pág. 105

PATRICIA TOBALDO

Exposiciones Individuales

2012     Jornadas de “ARTE Y PRODUCCIÓN  CULTURAL”

            CONSORZIO INTER-UNIVERSITARIO ITALIANO PER L’ARGENTINA – CUIA

              Auditórium de la Asociación Mutual de  los Profesionales del Hospital Italiano,  AMPHI

              Buenos Aires - Argentina

2011     4º CONGRESO LATINOAMERICANO DE LOGOTERAPIA Y ANÁLISIS EXISTENCIAL

            “El Sentido comoHerramienta”

            Auditorio Juan Pablo II – Edificio San  José – Pontificia Universidad Católica Argentina

             Buenos Aires - Argentina

2011     Jornada: “El Hombre de Hoy Entre  La Búsqueda y La Desesperación

            Exposición de Pintura en  “Homenaje a    Viktor Frankl”

            Colegio Jesús Sacramentado – Centro de Logoterapia Bolívar

            Bolívar - Argentina     

2010     CONSOLATO GENERALE D’ITALIA  IN BAHÍA BLANCA 

            Mostra “La Donna Nell’Arte”

            CASA DE LA CULTURA -   UNIVERSIDAD NACIONAL DEL SUR

            Bahía Blanca - Argentina

2007     SOMORMUJO – Espacio de Arte,   Buenos Aires, - Argentina

2007     Galería Bohnenkamp & Revale,   Buenos Aires -  Argentina

2006     Galería Martinez-Glera

             La Rioja - España

2005     Galería  Alicia Brandy 

             Buenos Aires

2004     Office de Tourisme de Tarbes, Tarbes - Francia

2003     Galería Martinez-Glera

 La Rioja - España

1994     Galería Barbizon, Barbizon, Francia

1993     Galería Balmaya Art

Freetown - Sierra Leone - África

1992     Galería Barbizon

            Barbizon, Francia

1990     Galería Kailondo

 Freetown, Sierra Leone, África

1989     Galería Barbizon

                Barbizon, Francia

1988     Chateux & Relais

            Barcelona - España

1987    Galería Banco Zaragozano, Zaragoza - España

1986     Galería Caja Rioja

 La Rioja, España

1984     Galería Caja Rioja

             La Rioja, España

1983     Galería Arthea

            Buenos Aires – Argentina

Exposiciones Colectivas

2012    1º Simposio Nacional de Escultura en adhesión al “Día Internacional de la Mujer”

            Municipalidad de Daireaux

            Daireaux – Buenos Aires - Argentina

2006     Galería Martinez-Glera “Salón de Dibujo y Pintura” 

             La Rioja - España

2004     Galería Martinez-Glera “Salón de Dibujo y Pintura  

            La Rioja -  España

1998    Feria Internacional del Libro  

        Buenos Aires - Argentina

1993/94 Galería “El Dorado”

                Freetown - Sierra Leone  - África

1989     Fundación Valentí  

            Barcelona - España

1986     Galería “Berruet” 

                La Rioja  -  España

1986     Salón Valentí  

            Barcelona - España

1987     Petit Palais, UNICEF – NACIONES UNIDAS

                Ginebra - Suiza

1984     Vallejo-Nájera Foundation   

            Madrid - España

1983     Ateneo Popular de la Boca  

            Buenos Aires

1983     Galería Hoy en El Arte “Primer Salón de Arte Naif”

             Buenos Aires - Argentina

1982     Ilustración Postres y Folletos “Campaña Electoral Raúl Alfonsín”

            Buenos Aires - Argentina

Un Largo Camino Hacia La Libertad por Patricia Tobaldo

Un bebé es el punto de partida  de una amistad nacida entre un joven guardia cárcel y Nelson Mándela, quién luego de haber estado detenido durante 27 años se convirtió en el primer presidente negro de Sudáfrica.

La historia de esta bella y duradera amistad comienza en 1980, en ocasión de una de las visitas a la prisión de  Robben Island de Winnie Mándela (su segunda esposa). En aquel entonces los prisioneros solo podían ver a sus visitantes a través de un ventanuco de 30cm x 15, y se comunicaban por medio de una suerte de teléfono.

Winnie Mándela había llegado a Robben Island en barco. Era invierno y hacía mucho frío, y como ella no era ni mestiza ni blanca sino negra, debía viajar en la parte exterior del barco, sobre el puente, envuelta en mantas. Sin embargo y pese a sus ponchos, los guardia cárceles se dieron cuenta que ella acarreaba un bebé sobre sus espaldas, al mejor estilo africano.

Winnie no podía llevar consigo su bebé al ventanuco de las visitas, así que hubo de dejarlo en sala de espera principal; el reglamento de la prisión no permitía hacer visitas a los prisioneros con niños. En cuanto Mándela supo de la presencia del niño quiso verlo, a lo que el guardia cárcel Brand se negó porque iba en contra del reglamento. A continuación Mándela rogó al joven Brand que sometiera la petición a su superior quién se negó tácitamente.

Una vez terminada la visita, Mándela, que aún seguía sentado en la sala de las visitas, le dijo a Brand que quería hablar con su mujer una última vez porque había olvidado de decirle algo. Fue en ese momento que el joven guardia cárcel Brand le trajo el bebé a Mándela.

“Me dirigí por el otro lado a la sala de espera, al encuentro de Winnie que venía de recuperar a su bebé, entonces le pedí que me lo dejase, jamás había tocado ni tenido un bebé negro entre mis brazos” contó Brand.

El guardia cárcel acompañó a Winnie a la sala de visitas, cerró la puerta y llamó a Mándela. “Él miró a su mujer y le dijo _ Querida. debo irme _ Nelson Mándela jamás se había quebrado durante las visitas, pero aquel día sucedió porque vio que yo tenía un bebé entre mis brazos. El se aproximó a mi con los llenos de lágrimas” recuerda Brand.

Brand jamás le dijo a Winnie que había violado el reglamento. Mándela tampoco hizo comentario alguno a los demás prisioneros, pero a partir de ese día la amistad entre el líder negro y su guardia cárcel se hizo inquebrantable.

Una vez presidente de Sudáfrica, elegido democráticamente en 1994,  evocó en sus memorias, con gran emoción, su amistad con el guardia cárceles Brand.

La liberación de Nelson Mándela, el 11 de Febrero de 1990, precipitó la caída del apartheid y aseguró la democracia en Sudáfrica. Hoy, 20 años más tarde, el país continúa confrontándose a inequidades y reclamos acuciantes en sus zonas más pobres.

Sin embargo desde el punto de vista político, el cambio fue radical. Las leyes segregacionistas fueron inmediatamente disueltas, la democracia multirracial se impuso  y se dotó al país de Constituciones liberales.

A partir de 1994, el partido de Nelson Mándela, Congreso Nacional Africano (ANC) ha ganado cada escrutinio. Esta antigua formación política, de lucha  contra el régimen de los blancos, abre un largo proceso de reconciliación y, a pesar de su inclinación de izquierda, se ha encargado de promover y asegurar el desarrollo financiero del país, lo que permitió a Sudáfrica un crecimiento económico fuerte hasta el año pasado. Tal crecimiento sirvió para convertir al país en un gigante económico en el contexto del continente africano y financiar ayudas sociales que benefician a más del 30% de los 48 millones de sudafricanos. Sin embargo, a pesar de la emergencia de la clase media negra, llamada “Diamantes Negros”, la mayoría de la población continúa con una alta tasa de desempleo y pobreza.

Las diferencias entre Negros y Blancos vuelven a ser notables. Según un informe gubernamental reciente, el salario mensual de los Negros ha aumentado el 37,3% mientras que el de los Blancos el 83,5%. Aunque el gobierno mejore el acceso al agua corriente y a la electricidad, aún quedaría mucho por hacer en las enormes villas miserias de las ciudades donde se calcula viven 1,1 millón de familias.

“El Congreso Nacional Africano (el partido de Mándela) ha tenido éxito allí donde se pensaba que fracasarían, justamente en la gestión de una economía moderna, sin embargo han fracasado en sectores que el partido consideraba sus puntos fuertes: una mejor condición de vida, la educación y la lucha contra la criminalidad. Como consecuencia, el enojo en las comunidades negras aumenta y la gestión del partido en el poder desilusiona cada vez más” (Frans Cronje, del Instituto Sudafricano para las Relaciones entre las Razas)

El héroe de la lucha anti-apartheid, a sus 91 años participó el jueves 11 de febrero de 2010 a la sesión del Parlamento Sudafricano en la ciudad de Cap (sur oeste) para conmemorar el 20 aniversario de su liberación, acompañado por su tercera esposa, Graça Machel, y al son de un coro de voces loando su nombre con el vocativo de “Tata, el Gran Padre de la Nación”

Es posible que sentado en la tribuna de la sala plenaria, haya pensado una vez más en su “Huerto de la Libertad”

“Mi huerto fue mi manera de escapar de todo aquello que nos rodeaba. Miraba cada día aquel enorme espacio vacío en los tejados de la prisión y como el sol caí generosamente sobre ellos durante todo el día. Entonces decidí hacer un huerto allí arriba, y años tras año solicitaba permiso para llevarlo a cabo. Un día lo obtuve, entonces solicité 16 tambores de combustible vacíos de 200 litros y pedí a los empleados de la prisión que los cortaran por el medio. Luego los llenamos de tierra fértil y así obtuvimos 32 enormes macetas. Mi huerto fue una de las pocas cosas en prisión que pude controlar. Me ofreció la simple posibilidad de sembrar una semilla, verla crecer, regarla y luego cosecharla. Era algo parecido a un pequeño sabor de libertad. De alguna manera mi huerto era la metáfora de mi vida: un líder debe saber cuidar su huerto, plantar las semillas, para luego cultivarlas, ese debe ser el resultado. (Texto adaptado de “Long Walk To Freedom” (Un Largo Camino Hacia La Libertad”) de Nelson Mándela)

Patricia Tobaldo es casi una pasajera en tránsito perpetuo, como dice la letra de Pasajera en trance, la perla de Charly García. Así fue desde que, como adolescente rotaria, descubrió el placer de conocer nuevos cielos, y especialmente luego, en sus años como azafata de Aerolíneas Argentinas. Así fue que dio la vuelta al mundo -o poco menos que eso- varias veces, para afincarse ¿definitivamente? en su nuevo recorrido, mucho más acotado pero, a su modo, igual de jugoso: Bolívar-Daireaux, Daireaux-Bolívar.
Hoy trabaja como docente de idiomas, y en sus clases vuelca mucha de la sabiduría que acumuló en toda una vida como viajera itinerante. Y disfruta de vivir aquí como acaso no podría hacerlo ninguno de nosotros, que nacimos en esta verde y lacia planicie. Es que sus ojos miran la vida en la ciudad -y la vida de la ciudad- desde otra perspectiva, calibrada en tiempo presente y modelada en atardeceres en la selva profunda sudafricana y amaneceres en la elegante París o la pintoresca Roma.

No voy en tren, voy en avión
Cuando tenía 16, como intercambista rotaria estuvo un año en el norte de Estados Unidos, en Minessota, el límite con Canadá. «Siempre me gustó moverme, desde chica. Pero el primer viaje importante fue éste», puntualiza.
Luego, «lo que era una inquietud pasó a ser una forma de vida, cuando me incorporé a Aerolíneas», recuerda esta ciudadana del mundo, nacida en Canals (Córdoba), «un pequeño pueblo cercano al límite con Santa Fe, y a unos 300 kilómetros de la capital cordobesa».
Viajó desde mediados de los ´70 hasta mediados de los ´80, en un período que considera «dorado», ya que «aún Aerolíneas era una empresa relativamente pequeña, con pocos aviones y una tripulación que no tenía la magnitud de la de hoy». Las rutas que se cubrían eran básicamente europeas, «con sus capitales, Madrid, Londres, Zurich, Frankfurt y Roma. Y luego hacíamos Estados Unidos, con Los Angeles, New York, Miami; Centroamérica y Latinoamérica», enumera. Patricia tuvo «la fortuna» de ser partícipe del primer vuelo transpolar a Nueva Zelanda, y más tarde también conoció Sudáfrica, puntualmente Ciudad del Cabo, una región que la deslumbró para siempre.
En su época -por eso insiste en calificarla como «dorada»-, la tripulación permanecía al menos una semana en cada destino. «Desde Los Angeles, donde parábamos quince días de posta, podías ir a Hong Kong, Hawai, el Caribe, Centroamérica. Al ser tripulantes teníamos muchas facilidades con las líneas aéreas y los hoteles». La libertad entre vuelo y vuelo era total, lo que le permitió vincularse a fondo con la esencia de cada pueblo; con sus olores, sus colores y sus sabores, con sus orgullos y sus dolores.
¿Qué hacías en cada país, de qué manera te conectabas con su cultura?
-Lo primero para alguien que comienza a volar es el descubrir el mundo y saber que tiene la posibilidad de decir ´hoy estoy en Roma, la semana que viene en París y luego, en New York´. Y está también delante de uno la ocasión maravillosa de acceder a toda la actividad cultural del sitio que estés visitando, con lo cual te vas haciendo muy exquisito. Si te gusta la cultura, tienes tus programas y dices ´bueno, voy a hacer la temporada de teatro de Broadway´, o ´voy a recorrer las exposiciones de pintura o a ver las grandes óperas en París, en el otoño´. O simplemente, puedes salir a caminar una ciudad maravillosa, y charlar con la gente. A mí siempre me ha encantado mezclarme con la gente común, de la calle.

Cable a tierra
A medida que caminaba el mundo, advirtió que necesitaba una rutina que le impusiera límites y le diera algún sentido a su vida, como no fuera el de continuar conociendo lugares indefinidamente. «La vida de un tripulante es muy vanguardista, por decirlo de algún modo. No tienes una rutina, no es como la vida de quien trabaja en la oficina de 7 a 5 de la tarde». Así comenzó a pintar, un oficio que ya le gustaba pero que abrazó en sus años de azafata. «La pintura era algo que podía transportar conmigo, e instalar mi pequeño estudio en una habitación de hotel o una plaza. De esa forma, me creé un objetivo y una obligación».
Recorriendo el Globo, «tienes todo a tus pies», lo que suele resultar contraproducente para el viajero. «Es una vida de habitación de hotel, por más que sean los mejores, y de un desarraigo total de tu familia y tu entorno natural. Cuando tu gente va, tú vienes, y para algunos es difícil: muchos terminan con problemas psicológicos, caen en el alcohol o buscan refugio donde pueden». Por eso, ni más ni menos, comenzó a pintar de un modo más profesional. Necesitaba «bajar», y la paleta, el pincel y los colores, conjugados con una imaginación que se enriquecía viaje a viaje, constituyeron un virtual cable a tierra.
Más allá de la pintura, ¿hay alguna «receta» para que alguien que vive un mundo de frivolidad, de hotel y lujos, siga conectado a la otra cara de la moneda, a la pobreza y todo eso que a veces no queremos ver? ¿O te subís al avión y te evadís de todo lo feo?
-Lo primero es mantener la cabeza fría, no perder de vista que lo que haces es tu trabajo. Tienes que tratar de canalizarlo de un modo positivo. Yo lo hice mediante la pintura. Puedes hacerlo mediante el conocimiento. Porque está bien hacer turismo todo el tiempo, pero todo en exceso llega a aburrir.
¿Qué lugares te impactaron?
-Mi pasión siempre fue Europa, sobre todo Francia, que sigue siendo mi lugar en el mundo. Siempre despertó en mí una pasión especial, pero no sólo desde el punto de vista del arte, sino también desde el cultural, por la forma de ser del francés, la forma de trabajar y de plantear la vida, la estructura social.
Francia en primer lugar y después, Sudáfrica. Me encantó desde el principio, y lo conocí en una época política y social convulsionada: el apartheid estaba en su apogeo, era una especie de cáncer social. Mandela estaba en la cárcel, y los contrastes sociales eran espantosos: había una entrada para blancos en el supermercado y una para negros, estaba todo muy delimitado. Ahí entendí muchas cosas, entre otras que el racismo más exacerbado no es el producido de blancos a negros, sino el que se produce entre los mismos negros. Africa del sur fue para mí una revelación. Han pasado 30 años, y sigo pensando que es la California de Africa, que se quiere desvincular del continente, y no puede por una cuestión geográfica. Pero en lo ideológico y lo social, es completamente distinta.
Tiene un ligero aire escandinavo. El pelo cobrizo y largo, ondulado, y la piel muy clara. Los ojos grandes y la boca más bien sugerente. No es muy alta, pero igualmente luce una madura elegancia. Cuando llego a su coqueto hogar, en el edificio de avenida San Martín arriba del Shopping Centro, me recibe con cordialidad y respeto. No nos conocemos, y si bien marca una cierta distancia (quizás sólo por su presencia física, aunque no se trata de una mujer grandota), se muestra generosa y abierta para el diálogo. Como si estuviera acostumbrada a los flashes fotográficos, los micrófonos y los grabadores.

El color de los días
A mediados de los ´80, se casó con un español y se radicó en España. Así se bajó del avión, ya que «mi trabajo y mi vida matrimonial eran irreconciliables».
¿Cómo asimilaste ese rotundo cambio de vida?
-Me costó muchísimo; empezaba una vida rutinaria: me levantaba a la misma hora, en la misma cama, y me iba a dormir a la misma hora, en la misma cama. Tenía las cuatro estaciones organizadas... Pese a que estaba casada y tenía que organizar una casa, debía decidir qué hacer con mi tiempo. Lo que más sufrí es la pérdida de libertad: volar y no estar en ningún lugar fijo te proporcionan una libertad que si tú la sabes manejar bien, es muy positiva
A esta altura, ya había comenzado a «pintar y hacer exposiciones», en Europa y distintos sitios. «Le pude dedicar mucho tiempo a trabajar y aprender con maestros de pintura, a estar en el meollo de la cosa».
De nuevo la pintura fue tu conexión a tierra y lo que mantuvo tu vida dentro de un cierto cauce.
-La pintura siempre fue mi hilo conductor, mi cable a tierra, lo que permitió una unificación de mi vida.
Habla en un español liviano. A menudo, te dice ´tú´, o ´tienes´. Pero no pronuncia la z ni la c como los ibéricos. (Pese a su castellano argentinizado, no la imagino empleando términos del lunfardo o, menos específicamente, del barrio. Palabras que quedan tan bien en boca de sus auténticos «dueños», y tan sosas en los labios de esos chicos y chicas de la tele que se meten a animadores populares). Ni un solo vestigio hay en su acento de la típica tonada de su Córdoba natal, y mucho, todo, de una cadencia neutra, modelada en toda una vida recorriendo el Globo al derecho y al revés.
No desperdicia palabras. Su decir es certero; va directamente al grano, cual un contragolpe tano (ya que estamos en el mes del Mundial, permítame una referencia al fútbol, que si no, parece que algo faltara). Se advierte enseguida que sus modales son refinados, si bien en Patricia éste es un rasgo bien sutil y para nada pretencioso. Conoce el mundo, entonces no necesita hacer como que.

Bolívar, la ciudad luz
Un día de 1994 conoció Bolívar. «Vivía en Sierra Leona (Africa), un país que siempre estuvo en guerra. Llegó un momento en que la guerra estalló por todas partes, y nos repatriaron. Yo decidí que era el momento para regresar a mi país, al menos por un tiempo». No quería vivir en Buenos Aires, y entonces optó por Daireaux, donde estaban afincados sus padres. «Me gustó la zona; me pareció ideal para recomenzar una vida tranquila», argumenta. Así fue que descubrió Bolívar, una ciudad que «me encanta en todos los aspectos: estéticamente, me parece un lugar precioso, en el que hay un lenguaje artístico en cuanto a los edificios muy interesante; me atraen estas anchas avenidas que tenéis aquí, llenas de palmeras, que le dan un carácter como muy exótico al lugar; me gustan los enormes espacios y que haya muchísima luz, si bien quizás alguien que nació y vive aquí no aprecia todo esto».
Bolívar le recuerda al norte de Africa, la zona de Marruecos, por sus anchas avenidas, sus edificios señoriales y las palmeras, «que no son fáciles de hallar en la región». Socialmente también le resulta interesante: «no es ni una ciudad bien del interior, ni tampoco una gran ciudad. Se da un término medio».
Aunque seguramente ni vos lo sabés, ¿pensás que te quedarás aquí definitivamente?
-No lo sé... Lo que he aprendido en mi camino por el mundo y con las personas super interesantes que he conocido, es que uno no debe plantearse proyectos a largo plazo. Mientras más cortos, mejor.
Dejarse sorprender por la vida y no buscar deliberada y constantemente...
-Exacto. Además, cuando estás afuera puedes ver el país desde otra perspectiva. Yo escucho que se despotrica en forma permanente, pero cuando trazas una distancia, te das cuenta que éste es un país maravilloso para vivir, lleno de posibilidades. No es un cliché, como tantos otros: que tenemos la avenida más ancha del mundo, el río más ancho, las mujeres más lindas. Y no lo digo sola, sino acompañada por opiniones de amigos y de gente de afuera que ha venido a conocer la Argentina.
¿En qué te modificó viajar tanto?
-Viajar, yo siempre les digo a mis alumnos, es la mejor escuela que uno puede tener. Te abre la mente a otras culturas. Viajar me enriqueció en todos los aspectos, porque yo he vivido en los lugares, y en cada uno he logrado una cierta identidad con ese sitio, manteniendo una relación muy estrecha con las personas. Si aplicas toda tu vida a leer libros y libros y libros, creo que no logras filtrar todo lo que podrías aprender viajando.
En sus años en la hostil y bella Africa aprendió a vivir. Literalmente. Entendió cuestiones básicas de la vida en este lado de occidente. «Te das cuenta que en la frenética carrera que estamos librando por llegar a objetivos, vamos olvidando cosas vitales para el ser humano. Ese es el espejo más increíble que pude tener en Africa: el vivir día a día, las cosas sencillas; que todo te cueste mucho, que sea difícil tener luz y que no tengas televisión».
En la selva comprendió el valor de nociones que, de tan elementales, nos suelen pasar por el costado sin que nos demos cuenta ya. O que sin más vamos descartando, como si constituyeran una pesada y anacrónica mochila, en pos de avanzar peldaños en la luminosa escalera mecánica de la modernidad y de una vida, si se quiere, más plástica. Ella sabe hoy, tras sus años en la fascinante y al mismo tiempo inestable y peligrosa Sierra Leona, que es necesario «volver a una alimentación sana, cuidarte físicamente» y atender lo espiritual. Empero, nunca tuvo la sensación de estar sobreviviendo. «Cada mañana, tenía la certeza de estar viviendo a tope mi día. Era absolutamente visceral: lo sientes en la piel. Es el color, es el sabor, es el aroma, es la música, es la gente. Es aquello que tú no puedes detenerte a conocer en un mundo de tecnología y tan occidentalizado como el nuestro».
O sea que vivir en distintas partes te ayuda a ver que las pequeñas cosas son las que le dan sentido a la vida.
-Exactamente. Y te das cuenta que no debes fijarte grandes metas, sino pequeñas. Los pequeños logros te llevarán a los grandes. Eso me decía el paramount chief (una figura equivalente a un gobernador argentino) en Africa. Charlando un atardecer, en el sur de Sierra Leona, viendo caer el sol sobre la selva y mientras compartíamos un té verde, yo le decía que un país como ese, que fue quinto exportador mundial de diamante y tuvo la primera universidad del Africa occidental, si lograba superar la guerra tribal sería una nación riquísima en el panorama del siglo XXI. El me puso su mano en la rodilla, y me dijo: ´hija, no vayas tan rápido, que nosotros hemos llegado muy bien a finales del siglo XX. No olvides que con pequeños logros se llega a los grandes. Mira este atardecer. Es irrepetible. El de mañana no será igual. Disfruta éste, y mañana hablaremos sobre el siguiente´.


José Castro

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PATRICIA TOBALDO


Exposiciones Individuales
2010 CASA DE LA CULTURA - UNIVERSIDAD NACIONAL DEL SUR
Bahía Blanca - Argentina
2007 SOMORMUJO – Espacio de Arte, Buenos Aires, - Argentina
2007 Galería Bohnenkamp & Revale, Buenos Aires - Argentina
2006 Galería Martinez-Glera
La Rioja - España
2005 Galería Alicia Brandy
Buenos Aires
2004 Office de Tourisme de Tarbes, Tarbes - Francia
2003 Galería Martinez-Glera
La Rioja - España
1994 Galería Barbizon, Barbizon, Francia
1993 Galería Balmaya Art
Freetown - Sierra Leone - África
1992 Galería Barbizon
Barbizon, Francia
1990 Galería Kailondo
Freetown, Sierra Leone, África
1989 Galería Barbizon
Barbizon, Francia
1988 Chateux & Relais
Barcelona - España
1987 Galería Banco Zaragozano, Zaragoza - España
1986 Galería Caja Rioja
La Rioja, España
1984 Galería Caja Rioja
La Rioja, España
1983 Galería Arthea
Buenos Aires - Argentina




Exposiciones Colectivas
2006 Galería Martinez-Glera “Salón de Dibujo y Pintura”
La Rioja - España
2004 Galería Martinez-Glera “Salón de Dibujo y Pintura
La Rioja - España
1998 Feria Internacional del Libro
Buenos Aires - Argentina
1993/94 Galería “El Dorado”
Freetown - Sierra Leone - África
1989 Fundación Valentí
Barcelona - España
1986 Galería “Berruet”
La Rioja - España
1986 Salón Valentí
Barcelona - España
1987 Petit Palais, UNICEF – NACIONES UNIDAS
Ginebra - Suiza
1984 Vallejo-Nájera Foundation
Madrid - España
1983 Ateneo Popular de la Boca
Buenos Aires
1983 Galería Hoy en El Arte “Primer Salón de Arte Naif”
Buenos Aires - Argentina
1982 Ilustración Postres y Folletos “Campaña Electoral Raúl Alfonsín”
Buenos Aires - Argentina

MI ESTUDIO ES EL MUNDO
MON ATELIER C'EST LE MONDE
LA MIA BOTTEGA È IL MONDO
MON WORKSHOP IS THE WORLD

Entrevista diario la rioja - españa
por PATRICIA TOBALDO
viernes, 09 de octubre del 2009 a las 17:59guardado en Book De Prensa De Patricia Tobaldo
CULTURA

| PATRICIA TOBALDO | PINTORA«Es triste, pero las crisis económicas siempre repercuten en el cultura»La argentina Patricia Tobaldo vuelve a exponer en Logroño al cabo de dos años y muestra una sensual mirada femeninaLa pintora argentina Patricia Tobaldo vuelve a exponer en Logroño al cabo de más de dos años. Esta vez ha llenado Martínez Glera de enigmáticas miradas, colores cálidos y clamorosos silencios con voz de mujer. Una melancólica sensualidad parece invitar a afrontar con serenidad el mágico misterio de la vida.J.S./LOGROÑO


La pintora Patricia Tobaldo, ayer en Logroño. / JUAN MARÍN
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LA EXPOSICIÓN
Título: Universo femenino: afirmación muda de la vida

Autora: Patricia Tobaldo (Córdoba, Argentina, 1956)

Galería: Martínez Glera (Logroño)

Fechas: hasta el 11 de marzo

Anterior exposición en Logroño: Imaginarios urbanos (diciembre 2003, Galería Martínez Glera)
«Valvanera es mi lugar en el mundo»


- La exposición tiene dos partes diferenciadas. Háblenos de ellas.

- Son dos partes que están muy relacionadas entre sí. Hay unos cuadros con personajes en los que los gestos expresan una elocuencia muda, una suerte de silencio hablado. Esto es a lo que me refiero con Universo femenino: afirmación muda de la vida. Y luego están los cuadros de ranas, que están muy vinculados a los anteriores por los ojos, que para mí son los espejos del alma y por la simbología del animal.

- Parece encerrar una simbología sobre la incomunicación actual.

- Es una forma de retórica sobre la comunicación no verbal, un eco de la actualidad, en la que, a pesar de haber más medios que nunca, cada vez permanecemos más mudos. Pero todo está representado en una actitud vitalista muy vinculada al universo femenino.

- Se advierte un cambio desde su última exposición, un acercamiento de la figura.

- Mi pintura se va decantando. Cada vez estoy más comprometida con la figura humana, aunque sigue estando en un mundo intermedio, más allá del realismo o del simbolismo, a caballo entre lo inconsciente y lo instintivo.

- También ha cambiado el color.

- Ahora son colores más trabajados, producto de una mayor investigación. Predominan los colores cálidos, con una textura más lisa y pinceladas más suaves

- ¿Eso quiere decir que ha cambiado la artista?

- Esto significa un crecimiento como artista. Estoy en permanente investigación y ahora empleo menos color para decir más cosas.

- Pero sigue teniendo las mismas reminiscencias.

- En mi pintura se aprecia influencia del manierismo, pero no desde lo intelectual o lo enigmático, sino desde lo visual.

- Ha vivido en Argentina, en Sierra Leona, en Francia y en España. ¿Cómo influye esto en su obra, que se ve tan exótica?

- Es cierto que mis figuras son muy africanas, con sus rasgos angulosos, sus miradas Creo que artistas como Modigliani o Picasso se han sentido atraídos por culturas que no entendemos bien.

- Pero su pintura también está inevitablemente vinculada a Latinoamérica

- Hay un gen vivo inevitable, un punto de convergencia que muestra un arte muy visceral y fuerte. Es la forma de hacer de alguien que está creciendo y los artistas latinoamericanos expresamos nuestras batallas. Somos un continente joven que está creciendo con muchos problemas bien conocidos y eso se percibe en cualquier expresión artística.

- ¿Cómo es el momento en Argentina?

- Hay gran creatividad, pero no en la pintura. Hay una eclosión de las artes escénicas, pero en pintura ha habido una involución, estamos como en España en los años 80. Hemos tenido un comienzo de siglo difícil y eso se nota más en lo que no se considera vital. Hoy en día es difícil ser artista en Argentina. Debemos buscar algo que nos identifique. Es triste, pero las crisis económicas siempre repercuten en la cultura.

UNA MIRADA POR LOS QUE CUENTAN por Alejandra Córdoba
por PATRICIA TOBALDO
sábado, 26 de septiembre del 2009 a las 15:48guardado en Book De Prensa De Patricia Tobaldo
Por Alejandra Córdoba. Noticia Más titulares de Opinión miércoles, 23 de septiembre de 2009

Parece ser que las historias se pueden contar de tantas maneras como personas hay. No sólo la palabra, escrita o hablada, es un recurso, también lo son las imágenes. Imágenes captadas por la lente de una máquina fotográfica, de una filmadora, trabajadas en una computadora o las creadas por una mano que dibuja y pinta. Crear es un proceso, interviene el sujeto con todo su talento pero además con su psiquis, la realidad del entorno cultural, social, económico y afectivo, por dar algunos ejemplos. Podría decirse que la persona es y desde ese ser es capaz de crear por medio del intelecto y su habilidad, pero también desde su sensibilidad. Dicho de otro modo, pintar no es tomar un pincel, pasarlo por un óleo y manchar un lienzo, como escribir no es sólo agarrar una lapicera y anotar. No todos los que crean, por medio de las distintas expresiones del arte, lo hacen de la misma forma, y responden de este modo a su propia individualidad. Muchos prefieren las obras en serie. "Es más práctico" dice Patricia Tobaldo que además opina que "la serie te da la posibilidad de relatar una historia", un relato pintado, un relato con sello propio que se trasunta en los trazos, en los colores, en la sensualidad, el sentimiento de las imágenes. Tobaldo es de las que sostienen que la pintura es un recurso para relatar una historia. Pero expresar sentimientos a través de la imagen es complicado porque no existe el recurso de las palabras, de las letras y las voces. Ante esa circunstancia Patricia da comienzo a lo que se constituye en casi una ceremonia, despliega materiales, crea un ambiente propicio, pone música y el ritual creativo empieza, pero no se da espontáneamente, sino que "hay que escarbar en las profundidades para corporizar ese sentimiento". Esta mujer, que ha vuelto hace muy poco tiempo de exponer en España y Francia, cuenta que la posibilidad que da una serie es la de ir haciendo dos o tres telas a la vez, lo que es factible porque existe una dinámica. Una vez superada esa etapa se puede analizar el hecho creativo en sí, que permite "pintar algo no previsto", corregir, agregar. Algunas veces pasa que "la tela lo lleva a uno, te planteas algo y la ejecución demanda un esfuerzo diferente" entonces, Patricia se detiene y hace un ejercicio habitual, permanente: crítica y autocrítica. Durante el receso invernal viajó a Europa para mostrar su obra, participó de muestras colectivas y difundió su obra ante galeristas, críticos y agentes de arte. Entrar en el mercado europeo no es sencillo, cuenta Patricia, y en estos momentos, como sucede en cada época de crisis, la corriente creativa es muy fuerte. Ha habido una verdadera eclosión, la creatividad aparece como un recurso para afrontar la vicisitudes. Ahora Tobaldo está en "dique seco", una época de replanteos, cuando el artista se propone recomenzar pero partiendo desde el punto cero. Durante lo que queda del año hará dibujos, preparará una nueva colección. Continúa con las ranas en el pincel, ya que encuentra en ellas un recurso que tiene gran significado en lo referente a la mujer, la vida, la maternidad, "es un recurso maravilloso desde el punto de vista plástico", cuenta. También continúa trabajando sobre los desnudos "hubo una metamorfosis", dice y se nota en la abstracción alcanzada. Pintará y es posible que en 2010 exponga en Buenos Aires, también en España y Francia. En tanto, continúa con la "exploración lúdica" de sus lienzos y pinceles para parir coloridos seres que cuentan historias. Alejandra Córdoba Informar a un amigo sobre esta Noticia Más titulares de Opinión miércoles, 23 de septiembre de 2009

ARTICULOS :

ET LUX IN TENEBRIS LUCET
Y La Luz Brilla en Medio de la Oscuridad
Por Patricia Tobaldo





Ensayo sobre el AMOR y la MUERTE desde la visión de una artista plástica sobre los textos de la obra de Víctor Frankl “EL HOMBRE EN BUSCA DE SENTIDO – Un Psicólogo en un Campo de Concentración”


Algunas personas logran una serena aceptación de la muerte, a otras la crueldad de la naturaleza y la dureza de la existencia se les transfigura en una intensa y misteriosa belleza, que el Dr. Víctor Frankl bien ilustra inmerso en la terrible experiencia de Auschwitz, así:

“…a medida que la vida interior de los prisioneros se hacía más intensa, sentíamos también la belleza del arte y la naturaleza como nunca entonces […] si alguien hubiera visto nuestros rostros cuando, en viaje desde Auschwitz a un campo de Baviera, contemplando las montañas de Salzburgo […] nunca hubieran creído que se trataba de los rostros de hombres sin esperanza de vivir ni de ser libres. A pesar de este hecho _ o tal vez en razón del mismo_ nos sentíamos transportados por la vélelas de la naturaleza

No obstante el profundo humanismo de Frankl, fundamentado en la mejor tradición de una filosofía critica y de orden ontológico, “La bondad humana se encuentra en todos los grupos, incluso en aquellos que merecen ser condenados” , la inminencia del peligro y la dureza de sus condiciones de vida en los campos de concentración le exigían un perpetuo estado de alerta que le dejaba poco espacio a la ensoñación: el sufrimiento sin remedio, el destino sin posibilidad de modificarlo. Sin embargo de su texto emana sutilmente una suerte de afirmación axiológica que da origen a actos y actitudes creativas que trascienden esas situaciones de extremo dolor y vacío existencial, transformando así la resignación en una renovada fuerza de vida y dejando entrever una profunda sensación de libertad “…y es precisamente esa libertad interior la que nadie puede arrebatar, la que confiere a la existencia una intención y un sentido”
Frankl elige aceptando lo que percibe como una exigencia que él no ha buscado. No está convencido de que pueda sobrevivir. Su conducta responde al problema que se plantea y opta por cumplir esa tareas “…la última de las libertades humanas _la elección de la actitud personal que debe adoptar frente al destino _ para decidir su propio camino”

Víctor Frankl no parece elaborar el concepto de la muerte como en lo hicieran los griegos, para quienes la misma “representaba una idea”, ni tampoco como el hombre moderno que la entiende como “una realidad ineluctable”, sin embargo se aproxima a la interpretación que de ella hace la pintura “una presencia estética” “En una última y violenta protesta contra lo inexorable de una muerte inminente, sentí como si mi espíritu rasgara mi tristeza interior y se elevara por encima de aquel mundo desesperado, insensato, y por algún lugar escuché un victorioso “sí” en respuesta a mi pregunta sobre si la vida escondía en último término algún sentido”

¿Temor o desprecio? ¿Repulsión o atracción? ¿Pesar por lo desaparece o curiosidad por lo que vendrá? La pintura, mediante recursos gráficos y cromáticos propios del arte, aporta una existencia gráfica al misterio de la muerte que hace visible lo invisible. El artista plástico se enfrenta también a una serie de cuestionamientos que ponen en relieve la complejidad del arte: ¿Cómo corporizar la figura de la muerte? ¿Cómo dar forma a las creencias y prejuicios que la muerte plantea? ¿Cómo materializar la meditación sobre la muerte a través de la composición, los materiales, la luz y el color?
Las primeras representaciones de la muerte en la historia del arte tenían como objetivo una “función conmemorativa”, llamado “arte fúnebre”. Por ejemplo las pinturas religiosas de los siglos XV y XVI, que mostraban al Cristo muerto para describir el cuerpo que ha padecido los sufrimientos, miserias y enfermedades a los que el hombre fue condenado: “El Triunfo de la Muerte” de Breughel , el carro de esqueletos no es una febril invención del artista flamenco, sino una observación realista “Cuando los carruajes fúnebres aparecían en una ciudad precedidos del tañer de las campanas, era la señal de que la epidemia había cruzado la ciudad”

“…Cuando no eran reclamados mis servicios, aprovechaba para sentarme en cuclillas sobre el pozo y contemplar el florecer de las verdes laderas y las lejanas colinas azuladas del paisaje bávaro, enmarcado por las mallas de alambrada de espino […] Los cadáveres tendidos a mi alrededor, hormigueantes de piojos, no me perturbaban lo más mínimo…”

Paradójicamente, y recordando las obras del pintor Durero en las cuales el tratamiento macabro que imprimía a sus pinturas expresaban un punto de vista humano, detengámonos un momento en la descripción que hace Frankl “…lejanas colinas azuladas del paisaje bávaro…” donde exalta el color de las colinas enmarcado por los cercos de alambre púa, confiriendo a la visión una suerte de himno a la belleza de la vida y rebelando al mismo tiempo otro nexo de unión entre la vida y la muerte. Sin duda esta aproximación de “Eros” y “Thanatos” representa el sentimiento permanente del escritor durante toda su experiencia en los campos de concentración. Nexo este que a lo largo de la historia del arte fue fecundo en interpretaciones de todo tipo, encontrando sus orígenes en el antiguo mito de la “Boda de Hades y Perséfone” “el amante ideal que provoca la unión del amor y la muerte, el gozo y la muerte y al mismo tiempo el triunfo sobre la muerte”

“Estuve muchas horas despedazando la tierra helada. El guardia pasaba junto a mí y me insultaba, pero continuaba charlando con mi amada. La presentía a mi lado, cada vez con más intensidad. Sentía que casi podía tocarla, que si extendía mi mano cogería la suya. Fue una sensación terriblemente viva: ella estaba “allí” realmente”

En el siglo XVIII, la conexión entre “Eros” y “Thanatos” comienza a dulcificarse sin perder su misterio; el amor se mezcla con la muerte para expresar el lamento infinito de la pérdida de un ser querido. La “pintura conmemorativa” se convierte entonces en elegíaca: la muerte representada como un cálido abandono “Los cantos más desesperados son los más bellos” .
El Greco expresa perfectamente ese sentimiento: imágenes fantasmagóricas y sombrías sobre un paisaje colorido y exótico. El claroscuro de sus telas acentúa la sensación de desconexión entre la vida y la muerte.

Víctor Frankl ahonda en los misterios más profundos del sentimiento humano en una situación límite: “Eros” y “Thanatos” o el “Amor” y la “muerte”, las emociones básicas y fundamentales que rondan constantemente la inspiración de un artista plástico.
El relato del autor del “Hombre en Busca de Sentido” trasunta lo que para el pintor representa el conocimiento de las formas netas, de la composición ordenada y de las luces y las sombras. El artista plantea otra realidad en la narrativa de todos los días. Frankl revela en lugares comunes el misterio del destino humano, resaltando al unísono el tiempo y la eternidad.

El nexo de unión del relato de Frankl en simbiosis con la pintura oscila entre lo diurno y lo nocturno, la quimera y la realidad, la tensión y el abandono, el éxtasis y la muerte.

“Los aún sobrevivientes teníamos razones para sostener la esperanza: la salud, la familia, la felicidad, las capacidades profesionales, la fortuna material…Todas esas cosas todavía se podían recuperar o adquirir. Incluso nuestras vivencias en el campo quizá supusiesen una ganancia para el futuro…Y cité a Nietzsche [Todo lo que no acaba conmigo me hace más fuerte]”

Exposición en Logroño- La Rioja-España
24 de Febrero 2006

Exposición Galeria BOHNEKAMP & REVALE
Buenos Aires- Argentina, Junio 2007