Julia Dogan: Kunst is altijd mijn manier van communiceren geweest

Wat inspireerde je om kunst te maken en kunstenaar te worden?

Kunst is altijd mijn manier geweest om met de wereld te communiceren: als woorden tekortschieten, spreken mijn schilderijen. Ik heb zoveel meegemaakt in het leven dat om expressie vroeg: momenten van vreugde, pijn, vrijheid en verlangen. Elke verandering, elke uitdaging, elk moment van groei heeft lagen toegevoegd aan mijn artistieke stem.

Door kunst te maken kan ik een diepe connectie maken met mensen, en hen helpen hun perspectief te veranderen, net zoals ik dat heb gedaan. Ik wil niet alleen maar mooie objecten creëren, ik wil anderen inspireren om vrijheid in hun eigen leven te omarmen, om de uitdagingen van het leven niet als barrières te zien, maar als kansen om te groeien. Deze wens heeft mij ertoe aangezet om Conceptual Pop Realism te ontwikkelen, een stijl die realistische beelden combineert met filosofische diepgang en opbeurende emoties.

Alles wat ik schilder draagt een boodschap uit: vrijheid is een keuze en kan leiden tot geluk. Ik geloof in het gebruik van levendige, positieve energie om kijkers te betrekken en uit te nodigen om na te denken over de complexiteit van het leven zonder zich erdoor overweldigd te voelen. Het gaat om transformatie en dat is wat mijn kunst is: een voortdurende reis van zelfbevrijding en ontdekking.

Voor mij was kunstenaar worden dus niet zomaar een carrière; het was onvermijdelijk. Het is wie ik in de kern ben. Elk canvas dat ik aanraak is een uitnodiging voor mensen om te reflecteren, zich empowered te voelen en uiteindelijk een vrijere versie van zichzelf te worden.

Wat is je artistieke achtergrond, welke technieken en onderwerpen heb je tot nu toe uitgeprobeerd?

Mijn artistieke reis is een dynamische verkenning van zowel techniek als betekenis. Ik begon met klassiek tekenen, wat me een sterke basis gaf in vorm en compositie. Na verloop van tijd verdiepte ik me in olieverfschilderen, gefascineerd door de rijkdom en het vermogen om complexe emoties over te brengen. Ik experimenteerde met verschillende genres - portretten, stillevens en abstracte concepten - totdat ik mijn unieke stem binnen het realisme vond. Maar ik wilde nooit alleen de realiteit nabootsen; ik wilde het gebruiken als een brug naar iets diepers.

In het begin haalde ik mijn onderwerpen vooral uit het dagelijks leven: mensen, objecten en momenten die een emotionele resonantie met zich meebrachten. Naarmate ik evolueerde, verschoof mijn focus naar filosofische ideeën. Ik begon symboliek te integreren, composities te maken waarin elk detail betekenis heeft, en de kijkers aan te zetten om verder te denken dan het oppervlak. Zo ontstond Conceptual Pop Realism : een fusie van heldere, toegankelijke beelden met lagen van betekenis die zich geleidelijk ontvouwen voor degenen die bereid zijn om beter te kijken.

Technisch gezien speel ik graag met contrasten, zowel in kleur als in inhoud. Ik gebruik vaak levendige paletten om zwaardere thema's in evenwicht te brengen, en nodig kijkers op een luchtige manier uit tot serieuze gesprekken. Ik experimenteer ook met texturen, waarbij ik vloeiend realisme meng met expressieve, ruwere penseelstreken om visuele spanning en energie te creëren. Elk stuk is een reis, niet alleen voor de kijker, maar ook voor mij, terwijl ik voortdurend onderzoek hoe ik de grenzen tussen realisme en concept kan verleggen.

Uiteindelijk gaat mijn werk over vrijheid: vrijheid van expressie, van gedachten en van zijn. Door deze experimenten met onderwerpen en technieken heb ik ontdekt dat mijn kunst niet alleen gaat over wat ik schilder, maar ook over hoe mensen zich erdoor voelen: bekrachtigd, geïnspireerd en verbonden met iets dat groter is dan zijzelf.

Wat zijn de 3 aspecten die jou onderscheiden van andere kunstenaars en jouw werk uniek maken?

1. De schepping van   Conceptueel Pop Realisme
   Ik ontwikkelde Conceptual Pop Realism als een manier om realisme te verbinden met filosofie en emotie, en zo een alternatief te bieden voor de zware thema's die vaak in conceptuele kunst voorkomen. Hoewel traditioneel conceptueel realisme donker en zwaar kan aanvoelen, nodigt mijn aanpak kijkers uit om zich bezig te houden met diepgaande ideeën door een positieve, levendige lens. Ik gebruik felle kleuren en toegankelijke beelden om reflectie op te wekken, en moedig kijkers aan om filosofische vragen te onderzoeken op een manier die hen optilt en sterker maakt. Deze fusie van betekenis en stemming - diepe gedachten zonder de zwaarte - maakt mijn stijl onderscheidend.

2. Vrijheid als kernthema
   Het nastreven van vrijheid is niet alleen een thema, het is de ziel van mijn werk. Elk stuk dat ik maak, is een bewijs van het geloof dat vrijheid geluk en groei brengt. In tegenstelling tot veel kunstenaars die zich uitsluitend richten op esthetiek of narratief, gebruik ik mijn schilderijen als medium om persoonlijke bevrijding bij anderen te inspireren. Mijn kunst gaat niet alleen over het vertellen van een verhaal; het gaat over het uitnodigen van mensen om na te denken over hun eigen leven, beperkingen in twijfel te trekken en nieuwe mogelijkheden te verkennen. Elk schilderij is een oproep tot actie: leef authentiek, omarm verandering en zoek innerlijke vrijheid.

3. Emotionele verbinding door realisme en symboliek
   Wat mijn werk onderscheidt, is hoe ik technische beheersing combineer met diepe emotionele resonantie. Mijn schilderijen zijn niet alleen realistische afbeeldingen, het zijn symbolische reizen. Elk object, elke kleur en elk element in de compositie dient een doel en draagt meerdere lagen van betekenis met zich mee. Ik geloof dat kunst niet alleen visueel aantrekkelijk moet zijn, maar ook sterke emoties moet oproepen en tot nadenken moet aanzetten. Deze mix van realisme en subtiele symboliek zorgt ervoor dat mijn werk zowel op intellectueel als emotioneel niveau resoneert, wat een blijvende impact heeft op degenen die ermee bezig zijn.

Samen maken deze elementen mijn kunst tot meer dan alleen visuele stukken: het zijn transformatieve ervaringen die erop gericht zijn om bij elke kijker zelfbewustzijn en innerlijke vrijheid te creëren.

Waar haal je je inspiratie vandaan?

Mijn inspiratie komt voort uit een diepe verbinding met het leven zelf: de complexiteit, tegenstrijdigheden en schoonheid ervan. Ik vind het in zowel de grootse als de gewone momenten: het gevoel van zonlicht op mijn huid, het ritme van golven tijdens het surfen of de manier waarop emoties zich ontvouwen in ogenschijnlijk alledaagse situaties. Elke ervaring, of die nu vreugdevol of uitdagend is, draagt een boodschap met zich mee en die kanaliseer ik in mijn kunst.

De natuur speelt een belangrijke rol in mijn creatieve proces. Vooral de oceaan is een constante bron van inspiratie geweest: surfen leert me over vrijheid, flow en veerkracht, lessen die ik meeneem in mijn werk. De dynamische wisselwerking tussen chaos en harmonie in de natuurlijke wereld weerspiegelt de thema's die ik in mijn schilderijen verken.

Ik word ook enorm geïnspireerd door menselijke emoties en de verhalen die we in ons dragen. Het observeren van mensen - hun interacties, kwetsbaarheden en triomfen - brengt ideeën voor composities op gang. Ik streef ernaar om niet alleen een moment in de tijd vast te leggen, maar ook de emoties en gedachten onder het oppervlak, waarbij ik mijn kunst gebruik om te weerspiegelen wat woorden vaak niet kunnen uitdrukken.

Ten slotte is vrijheid de hoeksteen van mijn inspiratie. Ik zie het als het ultieme doel en ik onderzoek voortdurend wat het betekent om vrij te leven, mentaal, emotioneel en creatief. Deze verkenning voedt elke penseelstreek. Mijn inspiratie is niet beperkt tot specifieke gebeurtenissen of objecten; het is een voortdurende zoektocht naar betekenis en verbinding, waarbij elk schilderij een stukje van die reis wordt.

Wat is jouw artistieke aanpak? Welke visioenen, sensaties of gevoelens wil je oproepen bij de kijker?

Mijn artistieke benadering is geworteld in het geloof dat kunst mensen kan transformeren door hen te laten ontwaken tot hun eigen potentieel. Elk schilderij dat ik maak is een bewuste fusie van techniek, betekenis en emotie. Ik streef ernaar om verder te gaan dan alleen esthetiek: mijn doel is om op een dieper niveau contact te maken met kijkers en hen te inspireren om na te denken over de complexiteit van het leven door een lens van vrijheid en positiviteit. Ik wil dat ze mijn schilderijen niet alleen als toeschouwers verlaten, maar ook als deelnemers aan hun eigen emotionele reis.

Visueel meng ik realistische afbeeldingen met symbolische elementen om lagen van betekenis te bieden die zich geleidelijk ontvouwen. Ik wil dat kijkers eerst worden aangetrokken door de schoonheid en levendige energie van het stuk, om vervolgens diepere filosofische vragen onder de oppervlakte te ontdekken. Deze wisselwerking tussen eenvoud en diepte weerspiegelt mijn verlangen dat kijkers stilstaan, reflecteren en zich bezighouden - niet alleen met de kunst, maar met hun eigen gedachten en emoties.

Het primaire gevoel dat ik wil oproepen is vrijheid — mentaal, emotioneel en creatief. Ik geloof dat mensen door middel van kunst hun beperkingen kunnen confronteren, hun overtuigingen kunnen uitdagen en nieuwe manieren van denken kunnen ontdekken. Mijn schilderijen zijn bedoeld om op te beuren, te inspireren en een gevoel van mogelijkheden te ontsteken. Ik wil dat mensen met een lichtheid in hun hart vertrekken, een gevoel dat ze meer kunnen dan ze zich hadden voorgesteld en een drang om hun eigen versie van geluk na te streven.

Tegelijkertijd omarm ik contrasten in mijn werk: ik balanceer licht en schaduw, vreugde en melancholie, zachtheid en kracht. Deze spanning weerspiegelt de realiteit van het leven, waar vrijheid vaak voortkomt uit het confronteren van moeilijke waarheden. Door deze contrasten wil ik dat kijkers een gevoel van emotionele bevrijding ervaren, alsof ze een moment van helderheid of vrede hebben ervaren in de chaos.

Uiteindelijk draait mijn aanpak om verbinding: tussen de kijker en de kunst, tussen gedachte en gevoel, en tussen ieder mens en zijn/haar innerlijke zelf. Elk schilderij is een uitnodiging om het leven dieper, vrijer en met meer vreugde te ervaren.

Hoe verloopt het proces van het creëren van jouw werken? Spontaan of met een lang voorbereidingsproces?

Het proces van het creëren van mijn werken is een mix van spontaniteit en nauwkeurige voorbereiding. Het begint meestal met een idee of een gevoel - een vonk van inspiratie die kan voortkomen uit een persoonlijke ervaring, een emotie of zelfs een scène uit het dagelijks leven. Ik ga echter nooit direct naar het doek. Ik neem de tijd om het idee te laten rijpen, om na te denken over hoe ik het wil vertalen naar een visuele ervaring.

De voorbereiding omvat zowel conceptuele als technische elementen. Ik schets de eerste ideeën en experimenteer soms met composities om ervoor te zorgen dat de visuele stroom aansluit bij de onderliggende boodschap. Deze fase omvat ook onderzoek, of het nu gaat om het opnieuw bezoeken van kunstklassiekers ter inspiratie of het verkennen van filosofische concepten die ik wil overbrengen. Ik vind het heerlijk om mezelf te verdiepen in werken van meesters als Vermeer of Hopper, niet om ze te imiteren, maar om te begrijpen hoe ze licht, emotie en verhaal vastlegden.

Zodra ik een heldere visie heb, begint het echte werk. Ik bereid vaak meerdere lagen op het canvas voor, waarbij ik texturen opbouw om diepte te creëren. Het schilderproces zelf is waar spontaniteit het overneemt. Ook al kom ik met een plan naar het canvas, ik laat ruimte voor het onverwachte. Soms ontstaan de meest betekenisvolle details organisch tijdens het schilderen: een plotselinge penseelstreek, een kleurverandering of een nieuw element dat de richting van het stuk verandert.

Ik zie mijn werken ook als dialogen tussen intuïtie en intentie. Ik weet waar ik heen wil, maar ik laat het schilderij me leiden. Deze balans tussen controle en vrijheid weerspiegelt de thema's die ik in mijn kunst verken: het leven is zowel onvoorspelbaar als vol intentie, en het is in die wisselwerking dat schoonheid vaak naar voren komt.

Elk schilderij kan weken of zelfs maanden duren om te voltooien, vooral als ik complexe lagen van symboliek wil opbouwen. Het gaat niet alleen om het bereiken van technische perfectie; het gaat om het gevoel dat het werk emotioneel compleet is - dat het de energie draagt die ik wilde vastleggen. Wanneer ik een stap terug doe en voel dat het schilderij een eigen leven heeft, dan weet ik dat het klaar is.

Gebruikt u een bepaalde werktechniek? Zo ja, kunt u dat uitleggen?

Ja, ik gebruik voornamelijk de techniek van glad schilderen ( gladkoe pis'mo ), die geworteld is in de tradities van de oude meesters. Deze methode omvat het aanbrengen van meerdere dunne lagen doorschijnend glazuur, bekend als lazur , om diepte, helderheid en subtiele gradaties van toon op te bouwen zonder enige zichtbare of verhoogde textuur op het canvas. Elke laag wordt zorgvuldig aangebracht en gedroogd voordat de volgende wordt toegevoegd, wat resulteert in een oppervlak dat perfect glad aanvoelt, zonder dat er penseelstreken uit het canvas steken.

Naast deze traditionele aanpak heb ik mijn eigen techniek van gekleurde priming ontwikkeld. In plaats van te beginnen met een neutrale of witte gesso-basis, breng ik levendige gekleurde ondergronden aan, die als basis voor het schilderij dienen. Deze techniek zorgt ervoor dat de pigmenten op een unieke manier met de onderliggende kleuren interacteren, waardoor een gloeiend effect ontstaat. De kleuren blijven levendig en intens, waardoor de energie van het schilderij wordt versterkt, en - het allerbelangrijkste - ze blijven voor altijd helder en fris, waardoor ze bestand zijn tegen het doffe effect dat vaak met de tijd ontstaat. Deze innovatie zorgt ervoor dat mijn werken hun oorspronkelijke emotionele impact door de jaren heen behouden.

De combinatie van glad schilderen en gekleurde grondlaag geeft mijn werk een unieke visuele diepte en helderheid. De doorschijnende lagen bouwen op de levendige basis, waardoor het licht door de verf heen kan reizen en terug kan reflecteren, waardoor de kleuren er rijk en levendig uitzien. Het is een tijdrovend proces dat precisie en geduld vereist, maar het stelt me in staat om een naadloze harmonie te bereiken tussen technische beheersing en emotionele resonantie.

Deze nauwkeurige aanpak weerspiegelt mijn filosofie dat kunst moeiteloos en harmonieus moet aanvoelen, zelfs als het diepe, complexe thema's met zich meebrengt. Het gladde, vlekkeloze oppervlak nodigt kijkers uit om zich diepgaand te verdiepen in de betekenis onder het beeld, zonder afleidingen. Door middel van deze technieken creëer ik werken die niet alleen emoties vastleggen, maar ook hun levendige geest bewaren voor toekomstige generaties.

Zijn er innovatieve aspecten in je werk? Kun je ons vertellen welke?

De belangrijkste innovatie in mijn werk is de creatie van Conceptual Pop Realism . Deze stijl, die ik in 2019 heb opgericht, vertegenwoordigt een nieuwe richting in hedendaagse kunst door realistische beelden te combineren met diepe filosofische betekenis en positieve emotionele energie. In tegenstelling tot traditionele conceptuele kunst, die vaak de nadruk legt op zware, melancholische of abstracte thema's, nodigt mijn aanpak de kijker uit tot zinvolle reflectie door middel van levendige, opbeurende beelden. Deze balans tussen diepgaande gedachten en toegankelijke esthetiek maakt Conceptual Pop Realism uniek - en noodzakelijk - in de wereld van vandaag.

In een tijd waarin kunst losgekoppeld kan lijken van positieve emotionele ervaringen, geloof ik dat Conceptual Pop Realism een belangrijke leemte opvult. Mijn doel is om kijkers niet alleen te inspireren om na te denken, maar ook om zich machtig en vrij te voelen. Elk schilderij behandelt een filosofisch probleem, zoals persoonlijke vrijheid, groei of emotionele ontlading, maar doet dat op een manier die optimisme en actie aanmoedigt. De emotionele toon van het werk is net zo belangrijk als de conceptuele diepgang; ik wil dat mijn kunst vreugde opwekt, reflectie inspireert en kracht biedt. Deze benadering verschuift de aandacht van strijd naar mogelijkheid, en laat kijkers zien dat diep nadenken niet zwaar hoeft te zijn, het kan transformerend en opbeurend zijn.

Naast de emotionele impact is het visuele aspect van Conceptual Pop Realism zorgvuldig ontworpen om de kijker te betrekken. Ik gebruik felle kleuren, strakke vormen en zorgvuldig gekozen symbolen om complexe ideeën toegankelijker te maken. De combinatie van realisme met een "pop"-esthetiek trekt mensen aan en creëert een moment van verbinding voordat ze de diepere betekenis onder het oppervlak ontdekken. Deze dualiteit, waar visuele lichtheid intellectuele diepgang ontmoet, is wat mijn werk zijn kracht geeft.

Conceptueel poprealisme is niet zomaar een stijl; het is een filosofie. Het weerspiegelt hoe ik de wereld zie: elke uitdaging brengt een kans met zich mee, elke beperking kan opnieuw worden gedefinieerd en elk individu heeft het potentieel om vrij en authentiek te leven. Met deze innovatieve aanpak wil ik niet alleen prachtige kunstwerken creëren, maar ook mensen helpen hun manier van denken en voelen te transformeren. Het gaat om het maken van kunst die resoneert, inspireert tot actie en uiteindelijk het leven rijker en betekenisvoller maakt.

Heb je een format of medium waar je je het prettigst bij voelt? Zo ja, waarom?

Ja, ik voel me het meest thuis met olieverf op canvas . Er is iets tijdloos en diep bevredigends aan het werken met olieverf: het geeft me de controle die ik nodig heb om gladde, verfijnde oppervlakken te creëren en biedt tegelijkertijd eindeloze mogelijkheden voor experimenten. Met olieverf kan ik subtiele lagen opbouwen door middel van glazuren, wat diepte en helderheid aan mijn werk geeft, wat perfect aansluit bij de principes van Conceptueel Pop Realisme .

Canvas is mijn favoriete medium vanwege de flexibiliteit en duurzaamheid. Het ondersteunt de meerdere dunne lagen glazuren die ik aanbreng zonder dat het na verloop van tijd zijn integriteit verliest. Dit is essentieel om het gladde, naadloze oppervlak te bereiken waar ik naar streef, waar geen penseelstreek uitsteekt en de kijker zich blijft concentreren op de emotie en betekenis in het stuk. De combinatie van gladde schildertechnieken met gekleurde primer werkt ook prachtig op canvas, waardoor de levendige energie van mijn werken jarenlang stralend en levend blijft.

De tastbare ervaring van het werken met olie is voor mij net zo belangrijk. De rijkdom en responsiviteit van de verf zorgen voor zowel precisie als spontaniteit. Het geeft me de vrijheid om mijn intuïtie te volgen, onderweg veranderingen en aanpassingen door te voeren, terwijl ik toch de controle over het eindresultaat behoud. Dit weerspiegelt mijn artistieke filosofie: een balans tussen structuur en vrijheid, waarbij elk element bijdraagt aan een harmonieus geheel.

Uiteindelijk biedt olieverf op canvas alles wat ik nodig heb om de diepte, betekenis en levendigheid over te brengen die mijn kunst definiëren. Het is het perfecte medium om de emotionele en filosofische dimensies van Conceptueel Pop Realisme uit te drukken —waar heldere beelden diepe ideeën ontmoeten en elk schilderij een uitnodiging wordt om te reflecteren, voelen en groeien.

Waar produceer je je werk? Thuis, in een gedeelde werkplaats of in je eigen werkplaats? En hoe organiseer je in die ruimte je creatieve werk?

Ik maak mijn werk in mijn eigen privéstudio , een speciale kamer in het huis waar ik woon. Deze ruimte is mijn toevluchtsoord, speciaal ontworpen om creativiteit en focus te bevorderen. Het heeft grote ramen die de kamer overspoelen met natuurlijk licht , wat de perfecte omstandigheden creëert om te schilderen. Het daglicht dat binnenstroomt, stelt me in staat om de ware kleuren van mijn werk te zien zoals ze in verschillende omgevingen zullen verschijnen, wat cruciaal is voor de levendigheid en helderheid die ik wil bereiken door middel van Conceptueel Pop Realisme .

De studio is zo georganiseerd dat het zowel de technische als emotionele aspecten van mijn proces ondersteunt. Ik houd mijn gereedschappen en materialen nauwkeurig gerangschikt: mijn penselen, olieverf en glazuren zijn altijd binnen handbereik, zodat ik naadloos tussen ideeën kan schakelen zonder de flow te onderbreken. De soepele schildertechniek die ik gebruik, vereist precisie en focus, dus een schone, goed georganiseerde werkruimte is essentieel.

Ik heb ook ruimtes in de studio die zijn toegewijd aan verschillende stadia van creatie. Er is een ruimte voor schetsen en plannen, waar ik composities en symboliek verken, en een andere ruimte voor het daadwerkelijke schilderproces. Ik heb vaak meerdere werken tegelijk in uitvoering, waardoor ik afstand kan nemen van één stuk en er met een frisse blik naar terug kan keren.

Naast de praktische opstelling is de studio de plek waar ik mentale helderheid vind. Het is gevuld met natuurlijk licht, vredige energie en de vrijheid om te creëren zonder afleiding. Deze omgeving helpt me om diep in contact te komen met de thema's die ik onderzoek - vrijheid, groei en emotionele ontlading - en zorgt ervoor dat elk schilderij de levendige energie draagt die ik bedoel. Mijn studio is niet alleen een werkruimte; het is waar mijn ideeën tot leven komen, waar ik me het meest thuis voel en waar ik inspiratie uitnodig om te stromen.

Leidt uw werk ertoe dat u reist om nieuwe verzamelaars te ontmoeten, voor beurzen of tentoonstellingen? Zo ja, wat brengt het u?

Ja, ik reis regelmatig voor tentoonstellingen, beurzen en kunstevenementen, en deze reizen zijn een essentieel onderdeel van mijn carrière. Ze brengen me commercieel succes, meer erkenning en zichtbaarheid binnen de kunstwereld. Elke tentoonstelling opent nieuwe deuren en brengt me in contact met verzamelaars, kunstenaars en galeriehouders van over de hele wereld. Deze interacties zijn van onschatbare waarde, niet alleen vanwege de directe kansen die ze bieden, maar ook vanwege de langetermijnrelaties en samenwerkingen die vaak ontstaan.

Reizen voor tentoonstellingen stelt me ook in staat om nieuwe omgevingen, culturen en perspectieven te ervaren, die allemaal mijn creatieve proces inspireren en beïnvloeden. Elk evenement is een unieke kans om mijn werk aan een nieuw publiek te presenteren, mijn filosofie achter Conceptual Pop Realism te communiceren en gesprekken aan te gaan die mijn ideeën uitdagen en uitbreiden.

Bovendien bieden deze evenementen momenten om contact te leggen met andere kunstenaars en galeriehouders, wat ik zowel verrijkend als motiverend vind. Ideeën uitwisselen en van anderen leren helpt me groeien, terwijl het zien hoe verschillende gemeenschappen reageren op mijn werk mijn artistieke visie versterkt.

In veel opzichten gaan deze reizen over meer dan alleen zakelijk of carrièresucces: ze zijn een bron van inspiratie en persoonlijke ontwikkeling. Ze bevestigen het belang van vrijheid, verbinding en authenticiteit, die de kern vormen van mijn kunst. Het ontmoeten van mensen die resoneren met mijn werk versterkt mijn overtuiging dat kunst de kracht heeft om verandering te inspireren, niet alleen binnen individuen, maar ook tussen culturen en gemeenschappen.

Hoe ziet u de evolutie van uw werk en uw carrière als kunstenaar in de toekomst?

Ik zie mijn werk evolueren naar diepere conceptuele verkenning, terwijl ik positieve emoties en persoonlijke groei blijf inspireren. Conceptueel poprealisme blijft de kern van mijn artistieke reis, maar ik ben van plan om de grenzen ervan te verleggen: experimenteren met grootschaligere projecten, gelaagde verhalen en zelfs het opnemen van nieuwe media zoals installaties of digitale elementen. Mijn doel is om meeslepende ervaringen te creëren die kijkers visueel, emotioneel en intellectueel betrekken, en hen aanmoedigen om te reflecteren, dromen en actie te ondernemen.

Een belangrijk onderdeel van mijn toekomstvisie is om meer kunstenaars aan te trekken om te schilderen in de stijl van Conceptueel Pop Realisme . Ik wil andere creatievelingen inspireren en begeleiden naar deze benadering, hen helpen filosofische betekenis in hun werk te verwerken en het tegelijkertijd verheffend en toegankelijk te houden. Mijn ambitie is dat Conceptueel Pop Realisme uitgroeit tot een beweging, die kunstenaars verenigt die geloven dat kunst zowel kan uitdagen als inspireren, diepe betekenis kan bieden en tegelijkertijd de ziel kan verheffen.

Ik droom er ook van om een museum te creëren dat gewijd is aan Conceptueel Pop Realisme , een ruimte waar deze kunststijl kan floreren en zich in de loop van de tijd kan ontwikkelen. Dit museum zal niet alleen dienen als een thuis voor mijn werk, maar ook als een platform voor andere kunstenaars die binnen deze filosofie werken. Het zal een plek zijn voor tentoonstellingen, dialoog en uitwisseling, en het publiek uitnodigen om zich bezig te houden met kunst die vrijheid en emotionele resonantie biedt.

In de toekomst zie ik mijn carrière wereldwijd uitbreiden. Ik wil een divers publiek bereiken via internationale tentoonstellingen en duurzame relaties opbouwen met verzamelaars, galerieën en instituten. Naast commercieel succes wil ik een erfenis achterlaten die Conceptual Pop Realism als een invloedrijke stijl in de hedendaagse kunst bevestigt.

Daarnaast ben ik van plan om boeken te blijven publiceren, waaronder het boek waar ik momenteel aan werk, om kunstenaars te helpen hun unieke stem te vinden en betekenisvolle, impactvolle kunst te creëren. Door mijn ervaringen en inzichten te delen, kan ik contact leggen met andere creatievelingen en hen begeleiden naar vervullende, verkoopbare artistieke carrières.

Uiteindelijk zal mijn evolutie als kunstenaar mijn persoonlijke groei weerspiegelen. Ik zal blijven onderzoeken wat het betekent om vrij en authentiek te leven, en altijd op zoek gaan naar nieuwe manieren om deze ideeën via kunst te communiceren. Mijn droom is niet alleen om prachtige werken achter te laten, maar om een blijvende beweging te creëren, een beweging die zowel kunstenaars als kijkers in staat stelt om vrijheid, vreugde en betekenis in hun leven te omarmen.

Wat is het thema, de stijl of de techniek van je meest recente artistieke productie?

Mijn meest recente artistieke productie blijft diep geworteld in de filosofie en esthetiek van het Conceptueel Poprealisme, waarbij ik de thema’s vrijheid, emotionele bevrijding en persoonlijke transformatie blijf verkennen. De kunstwerken in deze nieuwe serie nodigen toeschouwers uit om na te denken over hun innerlijke wereld, terwijl ze tegelijkertijd gebruik maken van levendige kleuren en positieve energie om een gevoel van vreugde en mogelijkheden te inspireren. Met deze werken onderzoek ik het idee dat het omarmen van vrijheid—of het nu emotioneel, mentaal of creatief is—leidt tot geluk en groei.

Technisch gezien blijf ik mijn kenmerkende vloeiende schildertechniek gebruiken, waarbij ik diepte opbouw door meerdere dunne lagen transparante glacisverf aan te brengen. Elke laag reageert met de gekleurde ondergrond, waardoor de kleuren stralend lijken en de helderheid van het schilderij langdurig behouden blijft. Deze methode laat het licht door de lagen heen dringen en weerkaatsen, wat een gloeiend en lumineus effect creëert dat de emotionele energie van het werk versterkt.

De onderwerpen van deze recente werken draaien vaak om symbolische objecten en figuren, gekozen om de tegenstellingen tussen strijd en bevrijding, beperking en vrijheid weer te geven. Hoewel deze thema’s universeel zijn, streef ik er altijd naar ze op een positieve manier te presenteren—elke compositie dient als een herinnering dat er, zelfs in moeilijke momenten, ruimte is voor groei en bevrijding.

Het doel van mijn nieuwste werken is niet alleen om esthetisch aantrekkelijke beelden te creëren, maar om de kijkers te inspireren om naar binnen te kijken, hun eigen barrières te herkennen en zich gesterkt te voelen om deze te overwinnen. Elk schilderij wordt een reis, zowel voor mij als voor degenen die ermee in interactie gaan—een dialoog tussen gedachte en gevoel, licht en diepte, vrijheid en betekenis.

Deze nieuwe werken vertegenwoordigen een evolutie in mijn creatieve praktijk, waarbij ik nog meer precisie en levendigheid breng in de kernprincipes van het Conceptueel Poprealisme, terwijl ik trouw blijf aan mijn filosofie: kunst moet verheffen, inspireren en transformeren.

Kun je ons vertellen over je belangrijkste tentoonstellingservaring?

Het tentoonstellen van mijn werk is een essentieel onderdeel van mijn artistieke reis. Elke tentoonstelling brengt nieuwe kansen—mijn kunst aan een nieuw publiek presenteren, mijn zichtbaarheid vergroten en mijn carrière vooruit helpen. Een van de meest betekenisvolle ervaringen die ik heb gehad, was een tentoonstelling in New York. Ongeveer zes maanden na die expositie nam een belangrijke galeriehouder contact met me op met een voorstel voor samenwerking. Dit was een keerpunt in mijn carrière, en sindsdien werken we samen. Deze samenwerking heeft veel deuren geopend, mijn bereik vergroot en mijn werk op nieuwe manieren laten groeien.

Elke tentoonstelling is voor mij waardevol, ongeacht waar deze plaatsvindt. Elke show brengt nieuwe perspectieven en stelt me in staat om in contact te komen met nieuwe publieken, verzamelaars en kunstprofessionals. Het gaat niet alleen om het tonen van mijn werk, maar ook om het aangaan van interactie met mensen, het delen van mijn filosofie van het Conceptueel Poprealisme en het opbouwen van langdurige relaties. Tentoonstellingen zijn een essentieel onderdeel van mijn artistieke proces—ze bevorderen erkenning, inspireren nieuwe richtingen in mijn werk en stuwen mijn carrière voortdurend naar nieuwe hoogten.

Als je een beroemd kunstwerk uit de kunstgeschiedenis had kunnen maken, welke zou je dan kiezen? En waarom?

Als ik een beroemd kunstwerk uit de kunstgeschiedenis had kunnen maken, zou ik kiezen voor De Verloochening van het Beeld (La Trahison des Images) van René Magritte. Dit schilderij, met de afbeelding van een pijp en de inscriptie "Ceci n'est pas une pipe" (Dit is geen pijp), daagt de kijker uit om opnieuw na te denken over wat hij ziet. Het suggereert dat het beeld van een object niet hetzelfde is als het object zelf, en zet ons aan tot nadenken over het idee dat de werkelijkheid illusoir kan zijn. Dit concept moedigt mensen aan om verder te kijken dan de oppervlakte en meerdere perspectieven in overweging te nemen—een thema dat diep resoneert met mijn eigen artistieke filosofie.

Het werk van Magritte sluit perfect aan bij de doelen van het Conceptueel Poprealisme. Net zoals zijn schilderij ons aanzet tot nadenken over veronderstellingen, wil mijn kunst toeschouwers inspireren om na te denken over het leven, emoties en vrijheid via levendige beelden en diepere filosofische boodschappen. Magritte’s vermogen om iets vertrouwds om te vormen tot een diepgaande filosofische verklaring inspireert me in mijn eigen artistieke reis.

Ik streef ernaar om werken te creëren die niet alleen visueel aantrekkelijk zijn, maar ook intellectueel stimulerend—kunst die kijkers uitnodigt om anders te denken, voorbij de schijn te kijken en nieuwe manieren te verkennen om zichzelf en de wereld te begrijpen.

Net als Magritte geloof ik dat kunst niet alleen gaat over wat we zien, maar over hoe we het waarnemen. Dit idee staat centraal in mijn werk: schijnbaar eenvoudige objecten of situaties nemen en ze doordrenken met betekenis die zich geleidelijk ontvouwt. Zowel zijn aanpak als de mijne dagen de kijker uit om zich diepgaand met kunst bezig te houden, en laten zien dat kunst gedachten kan oproepen, actie kan inspireren en de manier waarop we de werkelijkheid ervaren kan transformeren.

Als je een beroemde kunstenaar (dood of levend) zou kunnen uitnodigen voor een diner, wie zou het zijn? Hoe zou je de avond doorbrengen?

Als ik drie kunstenaars zou kunnen uitnodigen voor een diner, zouden het René Magritte, Banksy en Andy Warhol zijn. Elk van hen heeft de manier waarop kunst wordt waargenomen diepgaand beïnvloed en heeft verschillende aspecten van mijn eigen creatieve filosofie gevormd. Naast hun artistieke genialiteit zijn ze allemaal buitengewoon boeiende en krachtige persoonlijkheden, wat hun kunst zo impactvol maakt. Hun vermogen om conventies te doorbreken en diepgaande ideeën uit te drukken door middel van hun werk maakt hen de perfecte drie gasten voor een avond vol betekenisvolle gesprekken en creatieve uitwisseling.

Met René Magritte zou ik graag zijn ideeën over realiteit, perceptie en illusie verkennen. Zijn kunst leert ons dat wat we zien niet altijd is wat het lijkt, en moedigt kijkers aan om de wereld om hen heen in twijfel te trekken—een idee dat sterk resoneert met mijn werk binnen het Conceptueel Poprealisme.

Van Banksy zou ik verhalen willen horen over de kruising tussen kunst en activisme, en hoe hij anoniem is gebleven terwijl hij enkele van de meest sociaal geëngageerde kunstwerken van onze tijd heeft gemaakt. Zijn vermogen om op een speelse maar serieuze manier tot nadenken te stemmen, weerspiegelt mijn eigen overtuiging dat kunst vrijheid en persoonlijke transformatie kan inspireren.

Met Andy Warhol zou het gesprek gaan over roem, consumentisme en de kunstmarkt. Zijn visionaire benadering van massaproductie en popcultuur heeft de manier waarop we kunst in de samenleving zien opnieuw gedefinieerd. Ik zou hem vragen hoe hij de hedendaagse kunstwereld en de digitale cultuur zou benaderen.

De avond zou spontaan en inspirerend zijn—een vrije stroom van diepgaande gesprekken en creatieve invallen. Na het diner zouden we misschien schetsen maken of brainstormen over toekomstige kunstprojecten, gewoon voor het plezier van het delen van creatieve ideeën.

Het zou een onvergetelijke avond zijn—een botsing tussen surrealisme, straatkunst en popcultuur, die een vruchtbare omgeving creëert voor nieuwe ideeën en artistieke ontdekkingen.