Waarom ben je kunst gaan benaderen en kunstenaar geworden? (gebeurtenissen, gevoelens, ervaringen...)
Omdat verschillende generaties van mijn familie zich aan kunst hadden gewijd, droeg echt alles in mijn thuisomgeving bij aan mijn creatieve ontwikkeling van jongs af aan.
Wat is je artistieke reis, technieken en onderwerpen waarmee je tot nu toe hebt geëxperimenteerd?
Zoals de meeste kunstenaars zocht ik mijn eigen weg in de kunst. Voor mij ging het in de eerste plaats om het vinden van een onderwerp dat mij persoonlijk interesseerde. Een van mijn favoriete thema's is de psychologie van menselijke onderlinge relaties, afgebeeld door een prisma van de kinderlijke naïeve percepties van de wereld, die, geloof ik, in ieder van ons blijven bestaan tot de dag dat we sterven. Wat techniek betreft, heb ik tijdens mijn kunststudie natuurlijk een verscheidenheid aan verschillende methoden en materialen gebruikt. Sinds een aantal jaren werk ik echter het liefst met acrylverf en gebruik ik ook acryl- en aquarelpotloden in mijn grafische werk.
Wat zijn 3 aspecten die jou onderscheiden van andere kunstenaars, waardoor jouw werk uniek is?
Ik kan op twee aspecten wijzen: de eerste is het beeld van de primaire held van mijn schilderijen, die ik heb gemaakt en waar ik heel veel van hou. De tweede is mijn persoonlijke stijl, die elementen van het surrealisme combineert met de vroege noordelijke renaissance, samen met de inherente mystiek en symboliek.
Elke generatie kunstenaars bouwt voort op de prestaties van de voorgaande, waarbij ze vaak verschillende stilistische trends combineren of bepaalde kenmerken van een bepaalde stijl overnemen om een bepaald resultaat te bereiken. Natuurlijk hebben sommige kunstenaars geprobeerd de artistieke prestaties uit het verleden volledig te ontkennen of te negeren, maar deze pogingen resulteren over het algemeen in schilderijen zoals het "Zwarte Vierkant".
Naar mijn mening is het voor elke kunstenaar belangrijk om haar of zijn eigen taal in de kunst te creëren door elementen van verschillende reeds bestaande stijlen te synthetiseren. Een unieke stilistische synthese maakt een artiest herkenbaar en tegelijkertijd anders dan alle anderen.
Dit is een moeilijke taak, bereikt door vallen en opstaan en eerlijkheid tegenover zichzelf.
Waar komt je inspiratie vandaan?
De behoefte om te tekenen is voor mij een natuurlijke staat.
Het begint met wat me op dat moment opwindt of verontrust, een soort reactie op mijn innerlijke emoties. De staat die wordt aangeduid met het woord "geïnspireerd", ontstaat op het moment dat de wens om te werken je als een magneet naar het canvas trekt.
Wat is de bedoeling van je kunst? Welke visioenen, sensaties of gevoelens wil je oproepen bij de kijker?
De bedoeling van mijn kunst is om te communiceren met mensen, met het publiek.
Kunst is voor mij een middel tot interactie. Het is een taal waarin ik mijn wereldbeeld het best kan overbrengen.
Een manier om iemand uit de banale sleur te halen en door middel van zintuiglijke waarneming over zijn bestaan te laten nadenken. Om hem of haar de kans te geven een gevoel of gevoel te ervaren dat hij misschien nog nooit in zijn leven is tegengekomen. Het is een poging om iemand te helpen schoonheid, licht en hoop te zien in onze niet ongecompliceerde wereld.
Wat is het creatieproces van uw werken? Spontaan of met een lang voorbereidingsproces (techniek, inspiratie uit kunstklassiekers of anders)?
Het eigenlijke idee van het schilderij kan spontaan ontstaan, maar daarna moet het in mijn hoofd 'rijpen' en vorm krijgen. Dan komt het zoeken en selecteren van materialen voor de externe visualisatie van het spontane idee.
Welke technieken verkiest u? Zo ja, kunt u dit toelichten?
Als het woord techniek verwijst naar een reeks professionele middelen en methoden, dan is voor mij alles vrij traditioneel, te beginnen met de voorbereiding van het doek en eindigend met het lakken van het schilderij.
Als 'techniek' echter kan worden opgevat als een manier om iemands doel te bereiken, dan is mijn techniek om zoveel tijd aan elk schilderij te besteden als nodig is. Om de verleiding te weerstaan om het zo snel mogelijk af te maken.
Zijn er vernieuwende aspecten aan je werk? Kun je ons vertellen welke?
Ik reken mezelf niet tot de vernieuwers. Ik ben eerder een soort restaurator, in die zin dat ik probeer de schildertechnieken van de oude meesters aan te houden.
Heb je een formaat of medium waar je het meest vertrouwd mee bent? Zo ja, waarom?
Het formaat en de grootte van het schilderij zijn afhankelijk van het concept van het stuk.
In de regel is het medium meestal canvas.
Waar produceer je je werk? Thuis, in een gedeelde of privé studio? En hoe is binnen deze ruimte je productie georganiseerd?
Ik ben dol op mijn huis met zijn open uitzicht op een prachtig merenlandschap, en mijn werkruimte heeft geen grote ruimte nodig, aangezien er alleen een ezel, een rek met verf en penselen en een computer staan. Ik heb dus nooit behoefte gehad aan een aparte studio.
Brengt je werk je ertoe om te reizen om nieuwe verzamelaars te ontmoeten, voor shows of tentoonstellingen? Zo ja, wat levert het u op?
Ja natuurlijk. Dit is een deel van mijn werk.
Tentoonstellingen, nieuwe mensen ontmoeten, indrukken van reizen naar verschillende landen, dit alles zorgt voor een enorme energieboost en is een belangrijk onderdeel van het kunstenaarsberoep.
Hoe stel je je de evolutie van je werk en je figuur als kunstenaar in de toekomst voor?
Het echte werk van elke creatieve persoon bestaat naar mijn mening uit het voortdurend perfectioneren van hun techniek. Niet ter wille van de techniek, maar eerder om de mogelijkheid van een duidelijkere en nauwkeurigere weergave van artistieke bedoelingen te verbeteren.
Het unieke van een specifiek kunstwerk ligt in zijn originaliteit en onvervangbaarheid.
Als het niet door Newton was ontdekt, zou de wet van de universele zwaartekracht vroeg of laat door een andere wetenschapper zijn ontdekt.
Terwijl een bepaald schilderij, beeldhouwwerk, muziekstuk of literair werk, als het niet door de auteur was gemaakt, nooit door iemand anders zou zijn gemaakt!
Aangezien het onderliggende thema in mijn werk niet van voorbijgaande aard is, hoop ik dat het in de toekomst nog steeds zal resoneren in de harten van mensen.
Wat is het onderwerp, de stijl of de techniek van je nieuwste artistieke productie?
Mijn laatste schilderij, "Vesper", is de voortzetting van een serie van mijn eerdere werk.
Ik verwoord het onderwerp liever niet om de kijker niet mijn bedoelde betekenis van het stuk op te leggen.
Voor mij is de kijker vergelijkbaar met een muzikant die het werk van een componist vertolkt. Laat iedereen zijn of haar eigen interpretatie kiezen.
Kun je iets vertellen over je belangrijkste tentoonstellingservaring?
Zoals ik al zei, tentoonstellingen zijn een belangrijk onderdeel van het leven van een kunstenaar.
Het is mijn ervaring dat een essentieel kenmerk van elke tentoonstelling de mogelijkheid voor feedback is. De kans om rechtstreeks met de kijkers te communiceren. Naar mijn mening is het jammer dat veel kunstenaars deze zeer zinvolle kans niet benutten.
Als je een beroemd werk uit de kunstgeschiedenis had kunnen maken, welk zou je dan kiezen? En waarom zou je ervoor kiezen?
Ik zou Memlings Diptiek met de allegorie van de ware liefde gekozen hebben.
Vooral omdat Memling mijn favoriete artiest is. Hij slaagde erin om te bereiken waar ik altijd naar streef. En de reden dat ik dit specifieke stuk zou kiezen, is omdat ik er een soort magie in zie, een mysterie dat me fascineert.
Als je een beroemde artiest (dood of levend) zou kunnen uitnodigen voor een etentje, wie zou dat dan zijn? Hoe zou je hem/haar voorstellen om de avond door te brengen?
Memmel natuurlijk. Ik zou proberen zijn wijnglas altijd vol te houden, zodat hij dronken zijn professionele geheimen aan mij zou vertellen.
En als ik hem zou kunnen overhalen mij stil achter hem te laten zitten terwijl hij schildert, zou ik dolgelukkig zijn.
Kun je proberen uit te leggen wat er achter je figuurlijke onderzoek schuilgaat?
Voor mij, als kunstenaar die in een realistische stijl werkt, is de afbeelding van een persoon gerelateerd aan de specifieke kenmerken van zijn of haar geslacht, leeftijd en de tijd en locatie van het personage op het schilderij. Deze omstandigheden stonden echter mijn wens in de weg om iemands psyche, of psychologische toestand, weer te geven door middel van symbolische beelden die bedoeld waren om de kijker op een onbewust niveau te beïnvloeden.
De tegenstelling tussen het verlangen naar realisme enerzijds en het overbrengen van universele psychologische eigenschappen die inherent zijn aan een persoon gedurende zijn hele ontwikkeling anderzijds, deed me zoeken naar een personage waarmee ik de beperkingen van realisme, zonder los te komen van de stijl zelf. Oude Egyptische beelden van half mens - half dier inspireerden me om in die richting naar het beeld te zoeken dat ik nodig had. Tijdens mijn onderzoek naar de rol van dieren in de menselijke cultuur ontdekte ik dat de haas vaak voorkomt als een personage in de sprookjes en mythen van veel verschillende culturen en mensen, van Amerika tot het Verre Oosten, maar ook van Afrika tot Europa. In de mythologie is de haas verbonden met de maan, de lucht en de zon. Het beeld is te vinden op oude keramiek, munten, hiërogliefen en in volksepen. Wat mij het meest aansprak, was dat in deze sprookjes en mythen de haas vaak zowel het mannelijke als het vrouwelijke belichaamt, terwijl hij tegelijkertijd alle kwaliteiten en gebreken van de menselijke natuur verpersoonlijkt.
Ik noem mijn schilderijen graag "Filosofische sprookjes voor volwassenen".
Ik gebruik dierenbeelden om mensen te beschrijven en natuurlijk de relatie tussen mannen en vrouwen.
We hebben tenslotte allemaal een beetje van het dier in ons...
Mijn "Pyramid"-serie is een uitdrukking van een filosofisch en spiritueel concept dat de balans weergeeft van tegengestelde krachten in iemands leven. Elk element in elk schilderij is zowel een symbool als een hint. Zo staat een vogel symbool voor spiritualiteit, terwijl een sleutel een antwoord op een vraag is.
Mijn schilderijen benadrukken het menselijke verlangen naar harmonieuze ontwikkeling. Alle elementen van het schilderij zijn met elkaar verbonden door het algemene concept van de auteur. Elke kijker kan echter zijn of haar eigen versie vinden van hoe deze elementen zich tot elkaar verhouden.
Olimpia Gaia Martinelli
| ArtMajeur Magazine
