Wat inspireerde je om kunst te maken en kunstenaar te worden? (gebeurtenissen, gevoelens, ervaringen...)
Kunstenaar zijn was geen keuze, noch het gevolg van een trigger. Het legde zichzelf op als een andere manier van ademen, denken, zien en representeren. Samuel Beckett noemt ons "Goed daarin". Ik vind deze term, bedacht om degenen te definiëren voor wie dit wezen aan de huid kleeft, er één is. Een vorm van onfeilbare creativiteit die er altijd is geweest, onmiskenbaar, onvermoeibaar, en in alle omstandigheden van het leven. Als we het over gevoel moeten hebben, is het duidelijk dat mijn gevoelens, sinds mijn kindertijd, altijd zeer intens zijn geweest in relatie tot iedereen om me heen. Een zeer uitgesproken besef van de ander en van de wereld. Zodra dit besef aan ons knaagt, wordt het dringend noodzakelijk om te ontdekken hoe we het kunnen representeren, transformeren, er koste wat kost iets van kunnen maken, het vorm kunnen geven. Voor mij begon het met schrijven, theater, vervolgens beeldende kunst, film, en het is elk jaar in meer vormen afgenomen.
Wat is je artistieke achtergrond, welke technieken en onderwerpen heb je tot nu toe uitgeprobeerd?
Literatuur was de matrix. Ik studeerde literatuurwetenschap en daarna toneelschool; taal was essentieel en vormde de basis van al mijn creaties. Ik begon met het schrijven en publiceren van boeken, terwijl ik een theatergezelschap had waar ik mijn toneelstukken schreef en regisseerde. Daarna deed ik talloze radio-experimenten totdat ik het beeld miste en films ging maken. De reliëfs en het levendige die de kern van mijn theaterpraktijk vormden, dwongen me vervolgens tot het maken van scenografieën en installaties. Al zo'n vijftien jaar maak ik voorstellingen die al deze vormen samenbrengen. Het hoofdonderwerp van al mijn creaties is de mens en de manier waarop hij sinds het begin der tijden door de wereld is doorkruist. Ik zou zeggen dat ik een hedendaagse mythologie probeer te creëren. Om te slagen in het creëren van artistieke ceremonies, rituelen met alle vormen die ik onderzoek. Een ruimte-tijd waarin de toeschouwer-bezoeker wordt meegevoerd naar een artistieke ervaring waarin herinnering en emotie worden opgeroepen.
Wat zijn de 3 aspecten die jou onderscheiden van andere kunstenaars en jouw werk uniek maken?
Het is het feit dat ik me nooit beperk tot een vorm, en ook het feit dat ik mezelf altijd vernieuw. Ik vind het leuk om te bereiken wat ik niet kan. Het is zeldzaam dat ik een vorm reproduceer.
Tegen alle verwachtingen in creëer ik elke kunstvorm die ik me kan voorstellen, zelfs als ik de productie niet kan vinden. Mijn onafhankelijkheid is mijn karma. Maar ik ben altijd vrij, en het komt zelden voor dat het werk dat ik bedenk vrij is van institutionele of commerciële beperkingen.
Ik ben met hart en ziel toegewijd. Een werk moet, naar mijn mening, de orde van de wereld verstoren en deze door zijn alchemie laten transformeren. Wat er ook gebeurt, het moet een plek zijn van verzet tegen alles wat onze menselijkheid tegenwerkt.
Waar haal je je inspiratie vandaan?
Ik geloof minder in inspiratie dan in consistentie. Nooit stoppen, geen enkele dag, onwrikbaar aan het werk zijn, nadenken over hoe je jezelf kunt vernieuwen, jezelf opnieuw kunt uitvinden, om dag na dag een vierde dimensie te kunnen bieden. Het is dit soort permanentie van gebaar.
Kunstzinnigheid die het onmogelijk maakt om te stoppen, zelfs als het soms zijn vlucht onderbreekt, om te denken, te luieren, te dromen. Zicht is essentieel voor mij. Ik moet ver kunnen kijken, mijn werk is afhankelijk van horizonten. Daarom is reizen altijd erg vruchtbaar. Ik vind steeds een nieuwe vorm uit die me wordt geboden door het nieuwe landschap dat ik heb doorkruist, de nieuwe cultuur die me uit mijn comfortzone heeft gehaald. Ook de zee is een deeltjesversneller voor mijn creativiteit.
Wat is je artistieke aanpak? Welke visioenen, sensaties of gevoelens wil je bij de kijker oproepen?
Visioenen, sensaties, intense gevoelens die zijn vooropgezette ideeën of zijn eigen visie op de wereld kunnen veranderen. Dat een vorm als een deurklopper op hem afkomt en hem vraagt om open te gaan en een indringer te verwelkomen die hem goedgezind is, die ervan droomt hem bij de hand te nemen en hem naar gebieden te leiden die hij nooit zou zijn overgestoken, dat we samen ver kunnen komen in de oversteek van de spiegel. Samen muren oversteken, een nieuwe dimensie betreden door het werk zelf zou een ideaal zijn. Ik creëerde een werk dat nog in de work-in-progress-fase is, ORAKL, een woordvoerder, een monumentale deur van ijs die interactief is met het publiek. Hij wordt uitgenodigd om te komen en vragen te stellen aan de deur die hem antwoord geeft. Het idee van deze ORAKL verwoordt goed wat ik bij de toeschouwer probeer op te roepen: zowel de indruk van een soort mysterie dat elk kunstwerk nodig heeft als het idee dat het hem antwoorden kan geven of in ieder geval dat hij het komt bevragen, ertegenaan schuurt.
Hoe verloopt het creatieve proces van jouw werk? Spontaan of met een lange voorbereiding (techniek, inspiratie uit kunstklassiekers of andere)?
Het is een heel lang creatief proces, omdat ik bijna nooit met dezelfde productieteams werk, afgezien van een paar partners die aan bijna al mijn werk meewerken. Wat spontaan en snel is, is het schrijven, of het nu gaat om films, performances, installaties, en de foto's zijn erg spontaan. Maar voor de rest, voor de creatie, kost het jaren om de middelen te vinden om ze te produceren, om de teams te vinden, de plekken om ze te programmeren. Dan is er nog het technische aspect. Voor A MAIN LEVEE, een performance die ik in 2016 in het Picasso Museum deed, moest ik leren klei te draaien. Ik ging naar het Musée de Sèvres, waar een meesterdraaier me in een paar weken leerde hoe ik een vorm uit een pottenbakkersschijf kon laten komen.
Gebruik je een bepaalde werktechniek? Zo ja, kun je die uitleggen?
Het is altijd een uitdaging. Naast de filmindustrie, waar ik alle technieken een beetje begin te beheersen en waar ik goed ondersteund word door mijn team, heb ik voor de fotografie lange weken ideeën uitgewisseld met laboranten om de juiste ondersteuning te vinden, zoals onlangs zwart plexiglas voor een hangend fotografisch tweeluik getiteld LAMENTATIONS, dat twee gelamineerde foto's moest bevatten die van beide kanten bekeken konden worden. Voor installaties en performances zal ik wederom telkens een nieuwe techniek moeten leren, variërend van ijssculptuur tot tekenen met gouache of het bedenken van een scenografie met vellen. Dat is de hele uitdaging: het is het onderwerp dat me authentiek naar de vorm leidt en me in staat stelt te bedenken wat ik nog nooit eerder heb gedaan.
Zijn er innovatieve aspecten aan je werk? Kun je ons vertellen welke dat zijn?
Ik zoek minder naar innovatie dan naar uitvindingen. Ik denk dat het meer mijn manier van werken is die innovatief is dan het werk zelf. Misschien voelde ik wel dat ik echt iets compleet nieuws had gedaan toen ik mijn geluidskussens uitvond. Het zijn kussens om rechtop in te slapen, geplaatst tegen een muur op mannelijke of vrouwelijke hoogte. De kijker wordt uitgenodigd om zijn of haar oor tegen het kussen te leggen, waarna een soundtrack wordt afgespeeld.
En dan is het misschien zo dat de manier waarop ik mijn werk maak, afwijkt van de gebaande paden.
Heb je een format of medium waar je je het prettigst bij voelt? Zo ja, waarom?
De laatste jaren zijn het ijssculpturen en bioscoopfilms. IJssculpturen omdat ik ze ontwerp en laat maken door Crystal Group, echte tovenaars die me bij elke nieuwe creatie een echte doorschijnende diamant bezorgen. Voor mij zijn het magische blokken die mij net zo verbazen als de toeschouwers.
En voor bioscoopfilms is het zo'n moeilijk proces om een film te maken dat het moment van filmen, en vooral het moment waarop je de montage ingaat, een zeer diepe emotie is. De eerste vertoning van een film is voor mij waarschijnlijk net zo intens als een live-uitvoering. Het is een heel uniek gevoel van voldoening.
Waar maak je je werk? Thuis, in een gedeelde studio of in je eigen studio? En hoe organiseer je je creatieve werk binnen die ruimte?
Ik heb mijn werk altijd in mijn atelier thuis gemaakt. Maar de afgelopen tien jaar woon ik vooral op een woonboot op de Seine en heb ik een zeer ruime woon- en werkruimte. Dit maakt een continuüm van dag en nacht mogelijk. De verschillende werken in uitvoering worden nooit onderbroken. Als multidisciplinair kunstenaar schrijf ik soms scripts voor mijn films, een literair boek, beeldhouw ik voor een installatie of maak ik foto's in dezelfde week. Daarom is mijn atelier zowel een bibliotheek met een uitzicht dat geschikt is om te schrijven, als een lege ruimte voor plastisch werk of teamwork. En dan is er nog mijn filmmontagekamer helemaal aan het einde, aan de voorkant van mijn woonboot, waar ik me kan afzonderen en het donker kan maken. Ik werk ook veel buiten, op het dek. Ik heb altijd de horizon en het water in de buurt nodig gehad.
Vereist uw werk dat u reist om nieuwe verzamelaars te ontmoeten, voor beurzen of tentoonstellingen? Zo ja, wat levert het u op?
Het zijn vooral mijn films die me in staat stellen om naar festivals over de hele wereld te reizen en essentiële ontmoetingen te hebben met producenten en festivaldirecteuren op verschillende continenten. Dankzij mijn films heb ik kunnen reizen naar Polen, de Sovjet-Unie, India, Georgië, Griekenland, Turkije, Portugal en Italië. Ik heb nog nooit gereisd voor mijn beeldende kunst, met uitzondering van mijn residentie als Resident van de Villa Medici in 1994 in Rome, waar ik de kans kreeg om enkele uitzonderlijke jaren te creëren en andere makers te ontmoeten.
Hoe denk je dat jouw werk en jouw carrière als kunstenaar zich in de toekomst zullen ontwikkelen?
Ik stel me minder voor dan ik hoop dat het financieel beter zal zijn. Ik hoop de plekken of mensen te vinden om samen te werken aan de creatie van monumentale werken die moeilijk te realiseren zijn. En ik hoop op een internationale carrière, want ik kan me niet voorstellen dat ik alleen binnen de grenzen van mijn woonplaats, mijn land van herkomst, zou kunnen schitteren. Meer dan ooit in deze oorlogstijd is het voor mij essentieel om wereldburger te zijn en overal te werken, in contact met de bevolking en culturen van de wereld.
Wat is het thema, de stijl of de techniek van uw laatste artistieke productie?
Dit is waarschijnlijk wat me het meest van streek heeft gemaakt sinds de aanslagen die Frankrijk in 2015 troffen: namelijk het bloedbad van 7 oktober 2023, gepleegd door Hamas, en de daaropvolgende vernietiging van Gaza en zijn bevolking, die sindsdien dagelijks voor onze ogen plaatsvindt. Als we het een thema kunnen noemen, zou ik het definiëren als ONZE MENSHEID. Twee maanden na 7 oktober werkte ik aan een werk dat ik ONZE KINDEREN, de kleur van vrede , noemde en dat bovenal een gebaar van vrede is. Het was een werk dat volledig gericht was op de kinderen van Israël en Palestina. Ik maakte een installatie in loden platen: afgietsels van kinderlichamen van verschillende leeftijden, gescheiden door granaatappels. Tien kleine afgietsels die ik in een stervorm op de grond plaatste met deze vrucht van vruchtbaarheid voor het Midden-Oosten, wat natuurlijk ook deed denken aan het granaatwapen.
En boven deze loden afgietsels creëerde ik een soort fotografisch altaarstuk: KLAAGLIEDEREN. Een tweezijdig tweeluik in zwart plexiglas, met foto's van Israëlische en Palestijnse moeders aan weerszijden, als één lichaam zwevend in het midden van de ruimte, om nogmaals te zeggen dat alle tranen zout zijn, aan beide kanten.
Kunt u ons vertellen over uw belangrijkste tentoonstellingservaring?
Het was ongetwijfeld deze creatie, OUR KIDS - the color of peace & LAMENTATIONS , die mijn belangrijkste tentoonstelling was. Ik heb hem zelf geproduceerd omdat geen enkele instelling hem in Parijs wilde huisvesten. Mij werd verteld dat hij te "vers van de pers" was. Maar het lijkt me dat kunstenaars er juist in de hitte van het moment zijn om getuigenis af te leggen, om degenen die de woorden of vormen niet kunnen vinden om hun gevoelens uit te drukken, de mogelijkheid te bieden zich in een vorm te herkennen en zich eraan te houden. We creëerden een muziekstuk met mijn partner Michaël Grébil Liberg, en het was daardoor een ruimte bewoond door geluid en lichamen waar bezoekers konden mediteren. We toonden het eerst één avond in de ruimte van Isabelle Suret, het 7.5, in het hart van het vijfde arrondissement van Parijs, en vervolgens een jaar later, omdat het conflict groeide en ons steeds meer mobiliseerde. Het was in het Atelier Lardeur, aan de Rue du Cherche Midi in het 6e arrondissement van Parijs, een fantastische voormalige glas-in-loodwerkplaats. Het was de belangrijkste tentoonstelling, niet zozeer vanwege de erkenning door de hedendaagse kunstwereld, maar omdat honderden bezoekers kwamen en op hun beurt diep ontroerd waren, dankbaar dat we een ruimte en een manier hadden gevonden om vorm te geven aan dit onvoorstelbare. En een plek van contemplatie te creëren.
Voor de kunstenaar die in onze chaotische tijd met conflicten te maken krijgt, is er een soort ethiek die plotseling belangrijker wordt dan zijn carrière.
Als je één beroemd werk uit de kunstgeschiedenis zou mogen maken, welk werk zou je dan kiezen? En waarom?
In alle nederigheid, aangezien u mij toegang geeft tot het onbereikbare absolute, aarzel ik tussen de negatieve handen van de grot van Lascaux en de sterrenhemel die Giotto schilderde op het plafond van de basiliek van Sint Franciscus in Assisi in Umbrië. In beide gevallen zijn het universele, primitieve werken die voor zichzelf en voor ieder spreken. Deze pariëtale handen die tot ons komen uit de diepten van de oorsprong van onze menselijkheid, die zich insmeerden met roet, dierenbloed, krijt, vuil en vuur, en die op stenen muren werden bevestigd om de voorouder van de kunst te creëren, het is magisch en het verbaast me. Deze nachthemel met duizenden sterren, alsof ze door een hemelse hand zijn gemaakt, in het geval van Giotto in de 13e eeuw, is zo mooi dat we vergeten dat het schilderkunst is. Het voelt als een ware ervaring van een sterrenhemel, een Melkweg, midden in de natuur. Beide artistieke ervaringen/visioenen waren voor mij mystiek.
Als je een beroemde artiest (dood of levend) voor het diner zou kunnen uitnodigen, wie zou dat dan zijn? Hoe zou je hen aanraden de avond door te brengen?
Ik zou Miquel Barceló, een Mallorcaanse schilder, tekenaar, graveur, beeldhouwer en keramist voor wie ik de grootste bewondering heb en die me altijd heeft geïnspireerd, willen voorstellen om hem uit te nodigen aan boord van een boot op de Middellandse Zee, de oppervlakte die ons verbindt. De mooiste avond met hem zou bestaan uit een workshop aan dek en het samen boetseren van klei in alle kleuren, die we dan vorm zouden laten krijgen dankzij en alleen dankzij de schokken van de golven, die elkaar uit balans brachten. De aarde onder onze handen vorm laten krijgen, voortgestuwd door het schuim en de deining, zou een unieke en magische prestatie zijn. En dan, alleen als we nog honger hadden, misschien wel gegrilde inktvis onder de sterrenhemel.
Olimpia Gaia Martinelli
| ArtMajeur Magazine
