TOP 10: werken geïnspireerd door films

MIA WALLACE TOONS (2019) Schilderij van Noé Pauporté (Art de Noé).

Veel films blijven ons bij, en ik durf te zeggen dat ze zelfs in onze ziel worden ingebed, zozeer zelfs dat we ons een van hun personages voelen, of onze levensverhalen verbinden met hun meer ingewikkelde gebeurtenissen, vervolgens op zoek naar de bijna dwangmatige re -presentatie van de sensaties die inherent zijn aan de speciale film in kwestie, verwijzend naar een heldere en scherpe herinnering die wordt opgeroepen, maar ook "ontgrendeld", door de wereld van beelden, voornamelijk aan ons geleverd door de figuratieve vermenigvuldiging van populaire fotografie en posters. Wat gebeurt er in plaats daarvan wanneer we, in plaats van de eerder genoemde "mechanische" kunsten, praten over een schilder die verliefd wordt op een bepaalde film, waarvan hij een persoonlijke versie "baart" in olieverf, acryl, enz., met als doel zijn persoonlijke interpretatie van een bepaald verhaal of personage uit de weg te ruimen? En nogmaals, wat als we, in plaats van te verwijzen naar de meer statische en getrouwe weergave van posterafbeeldingen, opnieuw het verhaal van de meest bekende films vertellen en alleen verwijzen naar het meer intieme verhaal dat door het picturale medium wordt onthuld? Het kopen van een werk dat over een film spreekt, is alsof je in het bezit komt van een onderwerp, of compositie, dat twee keer is gepeild: eerst door de regisseur, acteurs, scenografen enz., en ten tweede door de kunstenaar zelf, die een ons de gelegenheid om ons bewust te maken van hoe alleen zijn ogen en zijn geest de beelden achtereenvolgens hebben zien stromen. Het is waarschijnlijk dat je in dit allerlaatste visioen je meest persoonlijke en intieme interpretatie van de film zult vinden, dat wil zeggen degene die je in je hart verborgen hebt gehouden, totdat je hem in de schilderkunst herkende. Mijn top 10 streeft er dan ook naar om, naast de betekenis van de films, de wereld van de kunst te verbinden met de wereld van de cinema, ook de bedoeling om u onthullende beelden te bezorgen die u in gedachten naar adem kunnen doen snakken: ook ik , had dat schot, die scène of dat gebaar gevoeld, zoals afgebeeld door de artiest van Artmajeur.

DE KRAAI (2016) Tekening door Péchane.

10. De kraai

The Crow, een film uit 1994 geregisseerd door Alex Proyas, is een bekende gotische film, in die zin dat hij een donkere visuele stijl presenteert, bedoeld om vorm te krijgen in een decadente, door misdaad geteisterde stad, waarin de hoofdpersoon van de held wordt gepresenteerd als een gekwelde ziel op zoek naar wraak, waarbij een filmische visie wordt hergebruikt die volledig kan worden samengevat in elementen van horror, tragedie en romantiek. Al deze stilistische eigenaardigheden zijn op een uiterst beknopte en indrukwekkende manier terug te vinden in Péchane's Ink, waarin de enkele, geïsoleerde en tijdloze aanwezigheid van de Kraai, door zijn paranoïde en bedachtzame aanwezigheid, al het existentiële drama samenvat dat inherent is aan de hoofdpersoon van de film, met als hoogtepunt , echter, in de meest bittere real-life gebeurtenis, die, net als een gedicht van harde ironie, acteur Brand Lee, dodelijk gewond tijdens de opnames van de film in kwestie, zag eindigen op de filmset. Nu stel ik in plaats daarvan een vraag voor: hoe vind je een verband, zij het enigszins geforceerd, van Crow met de meeste andere picturale tradities? Eenvoudig! Denk maar aan het mythische citaat van de film, "It can't rain forever", dat, hoewel met een diepere betekenis, me aan het denken zet hoe in plaats daarvan, in de belangrijkste kunstwerken, gericht op het vereeuwigen van regen, het voor altijd zal stromen, eeuwig nat de gezichten, handen, haren en lichamen van de protagonisten van het medium, net zoals bijvoorbeeld in Gustave Caillebottes Street of Paris on a Rainy Day (1877).

EDWARD SCISSORHANDS (2018) Schilderij van Julie Mallard.

9. Edward Schaarhands

Voordat ik verder ga met het verhaal, wil ik verduidelijken hoe de rangschikking in kwestie het resultaat was van een zoektocht naar de werken die voor mij het belangrijkst zijn, in staat om de betekenis van enkele van de meest iconische films samen te vatten, zonder rekening te houden met mijn persoonlijke smaak in film, hoewel ik niet verberg hoe de nummer één-positie, in alle opzichten, een van de meesterwerken van de cinema vertegenwoordigt waaraan ik het meest gehecht ben. Na deze eerste bekentenis volgt de tweede: de gekozen werken getuigen ook van een zekere populariteit en herhaling van bepaalde films binnen de hedendaagse kunst, alsof het voor sommige films moeilijk was om iconografische bronnen te vinden, voor andere was het spel uiterst eenvoudig, alsof het een zekere affiniteit wil aantonen, gevonden tussen specifieke filmonderwerpen en picturale ondersteuning. Nu ga ik verder met onze rangschikking en plaats op nummer 9 een andere gotische film, deze keer echter met een zoeter, sprookjesachtiger en minder dramatisch tintje: de film van Edward Scissorhands Tim Burton uit 1990. Het filmwerk in kwestie, met een grotesk ogend personage in de hoofdrol, wordt vaak geïnterpreteerd als een stille strijd tegen conformiteit, aangezien Edward, niet in staat om zich te conformeren aan sociale normen en voortdurend worstelt om zich aan te passen, een metafoor vertegenwoordigt voor de ervaring van degenen die zich vervreemd voelen van hun gemeenschap. Deze thema's culmineren, door de buitenstaanderfiguur van de hoofdrolspeler, in de menselijke zoektocht, evenals behoefte, naar acceptatie, kameraadschap en menselijke verbondenheid, waardoor een intieme reflectie wordt gestimuleerd, gericht op het voorstellen van de meer positieve en tolerante houding van acceptatie van de ander. Juist dit laatste goede doel wordt gerealiseerd in liefde, een grenzeloos gevoel dat opbloeit, zoals gepresenteerd in het romantische werk van de kunstenaar van Artmajeur, tussen Edward en Kim. Tot slot, over kunstgeschiedenis gesproken, hoe kunnen we niet denken aan de monsters afgebeeld door Jheronimus Bosch? Hoewel deze laatste, in plaats van wederzijdse steun tussen mensen te suggereren, vaak zijn geïnterpreteerd als een openlijke aanklacht, of liever een slecht gehumeurde aanklacht tegen het verval en de morele corruptie van de samenleving van die tijd, sterk gevoeld door de Vlaamse meester.

YOU HAVE CONTROLLED YOUR FEAR (2022) Schilderij van Esteban Vera.

8. Sterrenoorlogen

Star Wars, een franchise gecreëerd door George Lucas, ontwikkeld op basis van een filmsaga die begon in 1977, verbergt, in het verhaal van de meer klassieke heldenreis, voornamelijk gecentreerd rond de eeuwige strijd tussen goed en kwaad, meerdere thema's, waaronder bijvoorbeeld de kracht van vriendschap, de gevaren van ambitie en hebzucht, evenals een waarschijnlijke toespeling op de valkuilen van totalitarisme en het daaruit voortvloeiende belang van verzet tegen repressie. Dit alles is consequent doordrenkt met het belang van persoonlijke opoffering, bedoeld om plaats te vinden in een galactische context die bij elkaar wordt gehouden door een mystieke energie, of kracht, die kan worden gebruikt, hetzij ten goede of ten kwade. De meer gelovige zal in deze ietwat ‘esoterische’ aanwezigheid een pseudo-manifestatie zien van de goddelijke natuur, die bijvoorbeeld Salvador Dali ook op zijn eigen manier verduidelijkte in The Hand of God (1982), een schilderij dat een gigantische hand wil uitbeelden. , die, beroofd of onnodig van zijn lichaam, uit een rotsachtig landschap tevoorschijn komt terwijl hij een opzichtige gouden bol vasthoudt, met de bedoeling te schijnen met stralend licht, verwijzend naar het extreme vertrouwen dat de Spaanse meester stelde in goddelijke macht. Wat de hedendaagse kunst betreft, blijkt het portret van Darth Vader, een personage in de eerder genoemde film waarin hoogstwaarschijnlijk alle bovengenoemde snode krachten kunnen worden samengevat en samengevat.

JANET LEIGH IN DE FILM PSYCHO VAN ALFRED HITCHCOCK (2019) Schilderij van Alejandro Cilento.

7. Psycho

Alejandro Cilento's hyperrealisme neemt ons bij de hand om ons, vergezeld van een "rinkelend hoorngeluid", te leiden in een bekende vierwielige scène uit de film Psyco van Alfred Hitchcock, die ons een close-up laat zien van Marion Crane , gespeeld door Janet Leigh, legt het personage vast dat erop uit is om met haar auto over een desolate weg te rijden, in staat om, als de verbeelding het toelaat, ons naar het iconische einde van de film te leiden: de extreme close-up van Norman Bates, gespeeld door Anthony Perkins, wiens gezicht vervaagt om de kenmerken van een schedel te onthullen, en wordt vervolgens losgemaakt op de auto van Marion Crane, die uit het moeras wordt getrokken waarin hij was verborgen. Een dergelijk beeld, vanuit psychoanalytisch oogpunt, leidt ons naar de freudiaanse onbewuste afwijkende mening die Norman ertoe moet brengen zich te identificeren met zijn overleden moeder, een figuur tegenover wie hij een echte psychologische onderdanigheid koestert, de oorzaak van de ontwikkeling van zijn dubbele persoonlijkheid. die, in voortdurende strijd, de bron is van een gewelddadige dissociatieve identiteitsstoornis. Laten we, zonder iets anders te bederven over de film, die al grotendeels is onthuld, proberen deze laatste naast de wereld van de kunstgeschiedenis te plaatsen, waarin met name één stroming zeer geïnteresseerd bleek te zijn in de herpropositie, voornamelijk in picturale termen, van de principes van de eerder genoemde Oostenrijkse psychoanalyticus: surrealisme. De laatstgenoemde avant-gardebeweging werd sterk beïnvloed door de ideeën van de psychoanalyse van Sigmund Freud, zozeer zelfs dat het werd erkend als een effectief middel om de menselijke geest te verkennen, in staat om verborgen waarheden aan het licht te brengen, zelfs door het creëren van kunstwerken die belast zijn met betekenis.

TAXI CHAUFFEUR ! (2018) Schilderij van Secam.

6. Taxichauffeur

Robert de Niro's close-up, citaten van de filmzinnen en de filmtitel verschijnen samen op het canvas van Secam, waardoor het een duidelijke viering wordt van een van de bekendste films. Mijn aannames worden ondersteund door de eigen uitspraken van de kunstenaar in Artmajeur, die over zijn werk zegt: "eerbetoon aan Robert de Niro in Taxi Driver." Waarom moet Secam zich zo aangetrokken voelen tot deze film? Welke verborgen betekenissen verbergt het, maar stuurt het eigenlijk naar de kijker? De film van Martin Scorsese, uit 1976, vertelt het verhaal van een gestoorde en eenzame New Yorkse taxichauffeur die steeds meer los komt te staan van de realiteit terwijl hij afdaalt in een wereld van geweld, zozeer zelfs dat het de kijker dichter bij de thema's vervreemding, eenzaamheid brengt. en geestesziekte, door sommigen geïnterpreteerd als een stil commentaar op de sociale en politieke kwesties van die tijd, waaronder stedelijk verval, corruptie en de oorlog in Vietnam. Over kunstgeschiedenis gesproken, vervreemding en geestesziekte maken zeker deel uit van het artistieke onderzoek van Théodore Géricault, wiens zogenaamde Cyclus van de Vervreemden, daterend uit 1822-23, een afwijkende innerlijke realiteit op het doek brengt, gericht op om aan te tonen hoe waanzin in feite een ziekte was waarvan de patiënten de sporen op hun gezicht droegen.

ALEX (2016) Digitale kunst door Clément Delerot.

5. Een Clockwork-sinaasappel

De excentrieke en asociale Alex DeLarge van Clément Delerot richt zijn meest iconische, gestoorde blik op ons, waarbij hij zijn eigen gelijkenis aanneemt door de herhaling van kleine "labyrinten" van lijnen, die, van de "mechanische" kleuren van digitale kunst, zich onevenredig vermenigvuldigen op zijn persoon, bouwend zijn gelaatstrekken met complexiteit en ingenieuze herhaling. Het onderwerp in kwestie is de hoofdpersoon van A Clockwork Orange, de film van Stanley Kubrick uit 1971, die, gebaseerd op de gelijknamige roman van Anthony Burgess, thema's als vrije wil, geweld en de gevolgen van maatschappelijke controle onderzoekt. Een van de scènes waarin deze thema's hun hoogtepunt bereiken, is de verkrachtingsscène, waarin Alex en zijn bende een vrouw mishandelen en verkrachten terwijl ze zingen en dansen op klassieke muziek. In deze context raakt de toespeling op het morele verval en geweld van de samenleving de meest absolute hoogten, wat op een gelijkaardige maar beslist zachtere manier wordt herhaald in sommige kunstwerken die hetzelfde thema behandelen, waaronder bijvoorbeeld Giambologna's De verkrachting van de Sabijnse vrouwen (1580-83), een sculptuur uit de Loggia dei Lanzi (Florence), bedoeld om een episode uit de oude Romeinse geschiedenis te vereeuwigen, bekend als de verkrachting van de Sabijnse vrouwen, volgens welke Romulus, koning en stichter van de stad, hadden de Sabijnse vrouwen ontvoerd zodat de Romeinen iemand zouden hebben om zich mee voort te planten.

DOLCE VITA (2020) Fotografie door Anna Sowinska.

4. La dolce vita

"Marcello kom hier". deze iconische woorden, uitgesproken door een nogal opwindende moderne versie van Anita Ekberg, resoneren in ons hoofd als we kijken naar Anna Sowinska's cinematografie, die zelfs in de titel een duidelijke toespeling bevat op Fellini's La dolce vita, een film uit 1960 die vooral beroemd is vanwege de charme van de twee hoofdrolspelers, in plaats van de diepere betekenissen ervan, die volgens critici een satirisch en cynisch portret zouden geven van de decadentie en het morele verval van de naoorlogse Italiaanse samenleving, met name in Rome. Dit verlies aan waarden speelt zich af binnen surrealistische en dromerige sequenties die ook in staat zijn om thema's van vervreemding en existentiële crisis te onderzoeken, een waarschuwing worden tegen oppervlakkigheid, om te worden vervangen door iets zinvollers. Als dit discours je wat actueel in de oren klinkt, verder weg is misschien de luchthartigheid, misschien slechts oppervlakkig, van de toenmalige Italiaanse popart, goed geïllustreerd door het werk van Mimmo Rotella, die in zijn bekende dècollages van bekende persoonlijkheden, herinterpreteerde ook de eeuwige charme van Mastroianni en Anita Ekberg.

FIGHT CLUB (2023) Schilderij van Salomé Perignon.

3. Vechtclub

"Alle voorbijgangers keken hem op zo'n vreemde en eigenaardige manier aan en hij voelde dat ze zo naar hem keken, naar hem staarden, al die gezichten, bleek in het avondlicht; hij wilde staren naar een gedachte maar hij kon het niet, hij had het gevoel dat er in zijn hoofd niets dan leegte was... zijn lichaam beefde van het trillen, het zweet maakte hem nat." Dit zijn de woorden die Edvuard Munch gebruikte om zijn ervaringen van vervreemding te beschrijven, beeldend samengevat in werken als Evening on Karl Johan Avenue, wiens in het zwart geklede personages met enorm witte gezichten de straat op lijken te lopen als geesten in om in de richting van de kijker te gaan, die liever weg zou rennen. Maar wat als deze massa niet bestaat en slechts projecties zijn van onze angsten en behoeften? Dat ervaren we wanneer onze waarneming wordt uitgedaagd, zoals in het geval van het dubbelportret van Salomé Perignon, gericht op het verbeelden van de twee hoofdpersonen in de film Fight club (1999), waarbinnen de grens tussen realiteit en verbeelding vaak steeds groter wordt. zo wazig dat het publiek zich afvraagt of Tyler Durden, dwz de Brad Pitt van de situatie, echt bestaat of slechts een projectie is van het onderbewustzijn van het zelf van de verteller, nagebootst door Edward Norton.

PULP FICTION GEÏNSPIREERD DOOR BANKSY, LOVE AND POPART (2022) Schilderij van Antoni Dragan.

2. Pulpfictie

"Ezechiël 25:17: Het pad van de rechtvaardige wordt van alle kanten bedreigd door de slechtheid van de egoïsten en de tirannie van slechte mensen." Dit zijn de woorden die in Pulp-fictie worden uitgesproken door Jules Winnfield, een Samuel L. Jackson die, met een banaan in zijn vuist, zoals afgebeeld in het werk van Antoni Dragan, eerder een vreugdevolle lach dan een traan van angst zou losmaken. Even serieus worden, of misschien juist niet, we kunnen ons voorstellen dat Raphael Sanzio hetzelfde citaat uitsprak, even voordat hij zijn penseel ter hand nam en het visioen van Ezechiël (ca. 1517-1518. ), een paneel dat hij gemaakt naar aanleiding van een episode uit het boek Ezechiël, waarin de Eeuwige Vader zijn armen zegenend opheft, ondersteund door twee engelen, de adelaar, de os en de leeuw, symbolen van de evangelisten Johannes, Lucas en Marcus, terwijl Mattheüs voorkomt in de gedaante van de elegant geklede engel. Naast de hemel, bevolkt door engelenkoppen, en het landschap van land en zee dat in de verte te zien is, is het de moeite waard erop te wijzen hoe dit meesterwerk, vermoedelijk uit de Romeinse tijd van de meester, werd uitgevoerd in een tijd dat hij gebruikte om enkele belangrijke opdrachten toe te vertrouwen aan zijn meest getalenteerde medewerkers, zozeer zelfs dat sommige geleerden soms de Raphaeleske toeschrijving zelf in twijfel hebben getrokken.

THE GODFATHER - BONASERA (2022) Schilderij van Jamie Lee.

1.De peetvader

En de winnaar is: The Godfather! Afgezien van mijn Italiaanse afkomst, reproduceert Jamie Lee's Pop-werk, in het formaat en de stilistische eigenaardigheden van de strip, de iconische openingsscène van The Godfather, waarin Marlon Brando, in de film Don Corleone, Amerigo Bonasera ontvangt in zijn "kantoor, " wat enkele basisconcepten van de maffia-mentaliteit duidelijk maakt: respect, eer, loyaliteit en de stille uitwisseling van gunsten. Daarnaast onderzoekt de film ook thema's als macht, familie, loyaliteit, geweld en corruptie, en geeft het een genuanceerd portret van de Italiaans-Amerikaanse ervaring in de Verenigde Staten in het midden van de 20e eeuw. Op dit punt komt het kunsthistorische verhaal tussenbeide, bedoeld om het wankele evenwicht te vertellen dat bestaat tussen macht en compromis, net zoals in het geval van Gaspare Mutolo, eerst een maffioso en later een medewerker van de wet, die ook schilder werd. De zogenaamde "Picasso van de maffia" begon kunst te benaderen in de gevangenis, een plek van waaruit zijn figuurlijke passie tot uiting kwam om, zelfs door middel van flagrante verwijzingen, het verhaal van de Italiaanse mala vita te vertellen, benaderd met een aanpak van aanklacht vermengd met een waarschijnlijk verlangen naar boetedoening. In deze context wordt het maffia-fenomeen verteld door middel van symbolen, zozeer zelfs dat criminele verenigingen vaak de gedaante aannemen van verraderlijke octopussen, wiens tentakels verwijzen naar de banden en filialen van 's werelds meest beruchte criminele organisatie.