Abstracte kunst wordt in zijn meest bekende verhalen vaak geassocieerd met de grote mannelijke meesters wiens namen nu algemeen bekend zijn: Pollock, Kandinsky, Mondriaan en anderen. Toch zijn er naast deze beroemde figuren ook vrouwelijke kunstenaars die even belangrijke en soms revolutionaire bijdragen hebben geleverd, hoewel ze minder bekend zijn gebleven dan hun mannelijke tegenhangers.
Vrouwelijke figuren nemen uiteindelijk de hoofdrol in deze verkenning, die, hoewel niet uitputtend, een betekenisvol hoogtepunt is van enkele van de meest relevante namen in de abstracte figuratieve taal. Onze top 10 is een eerbetoon aan buitengewone figuren zoals Hilma af Klint, Georgia O'Keeffe, Agnes Martin, Joan Mitchell, Helen Frankenthaler, Lee Krasner, Elaine de Kooning, Carmen Herrera, Lygia Clark en Judy Chicago.
Deze tekst is een viering van hun "wraak": door hun werk hebben deze kunstenaars laten zien dat abstractie nooit een exclusief mannelijk domein is geweest. We zullen ontdekken hoe hun visie een cruciaal deel van het historisch-artistieke verhaal vormgaf.
Hilma af Klint, N. 7, Volwassenheid, 1907. Stichting Hilma af Klint
Hilma van Klint
Hilma af Klint (26 oktober 1862 - 21 oktober 1944) was een Zweedse schilder en mystica, nu erkend als een van de eerste abstracte kunstenaars in de geschiedenis van de westerse kunst. Ze werkte vóór Kandinsky, Malevich en Mondriaan en creëerde schilderijen die diepgaande spirituele concepten onderzochten. Hilma af Klints stijl is een unieke fusie van geometrie, figuratie, symboliek en spiritualiteit. Haar werken, vaak groot van formaat, onderzochten concepten van organische groei en natuurlijke processen, geïnspireerd door haar wetenschappelijke en botanische studies.
Een van de meesterwerken van Hilma af Klint is "N. 7, Adulthood", onderdeel van de serie "The Ten Largest" in de cyclus "Paintings for the Temple" . Dit grote werk, meer dan drie meter hoog, combineert vloeiende organische vormen en levendige kleuren zoals geel, rood en groen op een delicate lila achtergrond. Het schilderij roept botanische en wiskundige vormen op en symboliseert groei en bestaan. In deze vitale context herkende criticus Adrian Searle de invloed van Darwiniaanse theorieën, met name het idee dat de ontwikkeling van planten en natuurlijke vormen een wiskundige progressie volgt. In deze zin voegt de aanwezigheid van "gestileerde" cijfers en letters verdere lagen van symboliek toe.
Bovendien merkte Mark Hudson, een geleerde, op hoe de gebogen vormen en cryptische inscripties, zoals "sox, sax, sex" of "eros wu", ook een subtiele verborgen erotische lading suggereren. Tot slot is het de moeite waard om te benadrukken dat de techniek die wordt gebruikt voor " Adulthood " , geschilderd op papier en vervolgens gemonteerd op canvas, anticipeert op de voorkeur voor grote formaten, die vaker worden geassocieerd met abstract expressionisten en vaak zijn gereserveerd voor mannelijke kunstenaars.
Georgia O'Keeffe, Zonsopgang, 1916. Aquarel op papier.
Georgia O'Keeffe
Georgia Totto O'Keeffe (15 november 1887 - 6 maart 1986) was een pionier van het Amerikaanse modernisme, erkend als een van de meest invloedrijke figuren in de kunstgeschiedenis van de 20e eeuw. De kunstenaar staat bekend om haar vermogen om abstractie en representatie te mengen op een manier die de essentie en kracht van de natuur vastlegt. Een van de kenmerkende aspecten van haar stijl is het gebruik van "vergrote" vormen, met name in haar bloemenschilderijen, waarbij ze de aandacht richtte op de details en deze transformeerde in abstracties door een harmonieuze fusie van kleur en vorm. Haar levendige kleurenpaletten en zachte lijnen dienden ook om, voorbij het zichtbare beeld, een diep gevoel van emotie en verbinding met de schepping op te roepen.
Een van haar vroegste en belangrijkste abstracte werken is de aquarel "Sunrise" (1916). Gemaakt in de periode dat ze lesgaf in South Carolina, legt dit werk op papier de delicatesse en kracht van een zonsopgang vast door meesterlijk gebruik van kleur en "synthetische" vorm. Het palet van het meesterwerk bevat tinten rood, paars en geel om een lucht tot leven te brengen die geleidelijk oplicht, met een concentrische compositie die de stralende energie van de zon oproept die uit de horizon opkomt. De visie brengt een gevoel van vrede over, maar ook van opkomende vitaliteit, benadrukt door het contrast tussen het intense licht in het midden en de donkere tinten aan de randen.
Tot slot is dit werk onmisbaar omdat het een cruciaal moment in O'Keeffe's carrière markeert: de definitieve overgang van de schilder naar een persoonlijke visuele taal, waarin hij gevoel voor abstractie combineert met de weergave van de natuurlijke wereld.
Agnes Martin, Prettige feestdagen, 1999.
Agnes Martin
Agnes Bernice Martin (22 maart 1912 - 16 december 2004) was een Canadees-Amerikaanse abstracte schilder, bekend om haar minimalistische stijl en haar bijdrage aan het abstract expressionisme. Haar werken, gekenmerkt door eenvoudige rasters en lijnen, brengen een gevoel van sereniteit en spiritualiteit over, gelegen op het kruispunt van verschillende artistieke bewegingen uit de 20e eeuw, waarbij elementen van minimalisme en Color Field-schilderkunst worden gecombineerd. Hoewel deze kenmerken niet figuratief zijn, weerspiegelen ze een sterke verbinding met de natuur, wat blijkt uit de titels van haar werken en haar geschriften. In feite vond Martin inspiratie in de eenvoud van het alledaagse leven en de organische wereld, die ze later organiseerde in rasters waarin zachte, serene en lichtgevende kleuren werden gerangschikt. Deze benadering stelde de schilder ook in staat om oneindige variaties van kleur en vorm te verkennen, die in staat waren om een spirituele en contemplatieve kalmte over te brengen, in schril contrast met het sobere en eenzame leven van de kunstenaar.
Een van Agnes Martins meest representatieve meesterwerken is "Happy Holiday" (2000), een abstract schilderij verdeeld in veertien horizontale banen van gelijke breedte, afwisselend wit en perzik. De lijnen die de banen scheiden zijn met de hand getekend met een potlood en een korte liniaal, wat een gevoel van lichtheid en eenvoud creëert dat typerend is voor haar benadering van schilderen. Ondanks het gebruik van een liniaal, hebben de lijnen eigenlijk een trillende en onregelmatige kwaliteit, wat het belang van tekenen in haar werk en haar aandacht voor handmatige details benadrukt. Tot slot geeft de basis van het canvas, voorbereid met een laag witte gesso, het hele schilderij een levendige helderheid, terwijl de acrylverf, aangebracht in dunne lagen, op het oppervlak lijkt te zweven.
Joan Mitchell, Hemlock, 1956. Schilderij. Whitney Museum of American Art, New York.
Joan Mitchell
Joan Mitchell (12 februari 1925 - 30 oktober 1992) was een Amerikaanse schilder, bekend om haar bijdrage aan de abstract-expressionistische beweging, hoewel haar werk afweek van de meer spontane benadering die kenmerkend is voor action painting. Haar productie werd niettemin gekenmerkt door een emotioneel intense stijl, beïnvloed door landschappen die ze zich herinnerde en door grote postimpressionistische meesters zoals Henri Matisse. Joan Mitchells penseelvoering valt op door zijn gebaarlijke intensiteit, waarbij felle kleuren worden gecombineerd met beslissende penseelstreken. Het is ook bekend dat Mitchell haar composities plande door herinneringen op te roepen, vaak gerelateerd aan de natuur en poëzie, een methode die haar werk een reflectieve kwaliteit gaf die improvisatie in evenwicht bracht met een meer gedefinieerde structuur.
Haar doeken waren over het algemeen groot en rijk gekleurd, vaak verdeeld in meerdere panelen, omdat de kunstenaar het idee van "uniform verdeelde" kunst verwierp. Zoals curator John Yau opmerkte, bevorderden Mitchells werken "het idee dat een schilderij kan worden gemaakt van afzonderlijke maar toch verweven delen", een kenmerk dat haar in staat stelde om op te vallen in een door mannen gedomineerde kunstwereld, wat haar een van de belangrijkste figuren in het abstract expressionisme maakte.
Een van Mitchells beroemdste meesterwerken is "Hemlock" (1956), een olieverfschilderij op doek dat wordt gekenmerkt door gedurfde, gebaarlijke penseelstreken, waarbij koele tinten domineren, met witten die kruisen met groene en zwarte horizontale lijnen, wat een winters, altijdgroen landschap oproept. "Hemlock" ontleent zijn naam aan de boom die wordt genoemd in Wallace Stevens' gedicht "Domination of Black", wat zeker een bron van inspiratie was voor de kunstenaar.
Helen Frankenthaler, Mountains and Sea, 1952. Olieverf en houtskool op doek. National Gallery of Art, Washington, DC
Helen Frankenthaler
Helen Frankenthaler (12 december 1928 – 27 december 2011) was een van de meest invloedrijke kunstenaars van de 20e eeuw en speelde een cruciale rol in de geschiedenis van de Amerikaanse schilderkunst na de oorlog. Ze werd geboren in Manhattan en werd al vroeg geïntroduceerd in de kunstscene van New York, waar ze figuren ontmoette als Jackson Pollock, Franz Kline en Robert Motherwell, met wie ze later trouwde. Hoewel ze werd beïnvloed door het abstract expressionisme, ontwikkelde Frankenthaler haar eigen kenmerkende techniek, de "soak-stain", die het gebruik van kleur in de schilderkunst revolutioneerde. Dit proces, waarbij verdunde verf op ongeprepareerd canvas werd gegoten, creëerde lichtgevende verflagen die samensmolten met de stof van de drager zelf, waardoor elke illusie van driedimensionaliteit werd geëlimineerd. Hoewel haar werk aanvankelijk werd geassocieerd met het abstract expressionisme, is de kunstenaar beter bekend om haar bijdrage aan Color Field Painting, een beweging die het gebruik van grote vlakken pure kleur op canvas vierde. Ondanks de abstractie werden haar schilderijen vaak geïnspireerd door indrukken van natuurlijke landschappen, waarvan de sensaties en sferen werden vastgelegd door het gebruik van kleur.
"Mountains and Sea" wordt beschouwd als het meesterwerk dat een beslissend keerpunt in de carrière van Helen Frankenthaler markeerde, want in dit schilderij uit 1952 introduceerde de kunstenaar voor het eerst haar revolutionaire techniek. De compositie werd geïnspireerd door de landschappen van Cape Breton in Nova Scotia, die Frankenthaler kort voor het maken van het werk had bezocht. In deze naturalistische context nam kleur een centrale rol in, met roze, blauwe en groene tinten die heuvels, rotsen en water omlijnden. Tot slot is het belangrijk om het delicate contrast op te merken tussen de licht geschetste houtskoollijnen en de levendige tinten die zich vrij over het ongeprepareerde canvas verspreiden.
Lee Krasner, Gaea, 1966. Olieverf op doek. Museum of Modern Art, New York.
Lee Krasner
Lee Krasner (27 oktober 1908 - 19 juni 1984) was een Amerikaanse schilder en een van de belangrijkste figuren van het abstract expressionisme, voornamelijk actief in New York. Na een academische opleiding aan de Women's Art School of Cooper Union en de National Academy of Design, werd ze geïntroduceerd in de wereld van de moderne kunst door haar blootstelling aan het postimpressionisme in het Museum of Modern Art in New York City. In de jaren 1930 studeerde ze bij Hans Hofmann, waarbij ze kubistische elementen in haar werk verwerkte, en tijdens de Grote Depressie werkte ze voor het Federal Art Project. Een decennium later werd Krasner een prominente figuur binnen de New York School naast schilders als Willem de Kooning en Mark Rothko. Haar huwelijk in 1945 met Jackson Pollock, een centrale figuur van het abstract expressionisme, overschaduwde echter vaak haar carrière. Na Pollocks tragische dood bij een auto-ongeluk in 1956 maakte Krasner een periode van diep verdriet door, maar hij bleef met hernieuwde artistieke intensiteit werken en kreeg in de jaren daarna steeds meer erkenning.
Qua stijl wordt Krasners werk gekenmerkt door constante evolutie en uitzonderlijke artistieke veelzijdigheid. Hoewel ze aanvankelijk werd geassocieerd met het abstract expressionisme, verwierp ze de herhaling die ze waarnam in het werk van sommige van haar tijdgenoten, zoals Mark Rothko en Barnett Newman. Haar verlangen naar vernieuwing, die ze "breaks" noemde, leidde haar tot het ontwikkelen van nieuwe vormen van artistieke expressie, waaronder de beroemde "Little Image"-serie eind jaren 40, evenals haar gedurfde collages uit de jaren 50 en haar grote, felgekleurde doeken uit de jaren 60. Krasner was ook een van de eerste kunstenaars die experimenteerde met de "all-over"-techniek, geïnspireerd door het werk van Piet Mondriaan, dat later van invloed was op Jackson Pollocks beroemde drip paintings. Haar kunst evolueerde zonder beperkt te blijven tot één enkele techniek of stijl: haar neiging om haar eigen creaties opnieuw te bezoeken en te bewerken, was duidelijk zichtbaar in haar praktijk van het opknippen en hergebruiken van oude doeken om collages te maken, een proces dat de invloed van Henri Matisse weerspiegelt. Bovendien wilde Krasner niet alleen abstractie verkennen, maar ook een diepe verbinding met de natuur en de organische wereld tot uitdrukking brengen.
Een van de meest representatieve werken van Lee Krasner is "Gaea" (1966), een monumentaal olieverfschilderij op doek dat haar levendige verkenning van kleur en haar diepe verbondenheid met de natuur belichaamt.
Elaine de Kooning, Bacchus #81, 1983. Georgia Museum of Art, Athene, VS.
Elaine de Kooning
Elaine de Kooning (12 maart 1918 - 1 februari 1989) was een abstract expressionistische en figuratieve schilder die actief was in de naoorlogse periode. Ook bekend als kunstcriticus en docent, was ze een van de meest energieke en invloedrijke stemmen in de kunstscene van New York. Haar carrière werd beïnvloed door sleutelfiguren van de beweging, waaronder haar man Willem de Kooning en Arshile Gorky. Hoewel ze aanvankelijk overschaduwd werd door de roem van haar man, ontwikkelde Elaine de Kooning een persoonlijke artistieke taal die abstracte en figuratieve elementen samenvoegde, waarbij ze vaak vrienden, atleten en zelfs een Amerikaanse president portretteerde.
Qua stijl, nadat ze Action Painting en de gebarentaal-dynamische benadering had omarmd, richtte ze zich op het vastleggen van de energie en persoonlijkheid van haar onderwerpen in plaats van hun exacte gelijkenis. In haar portretten probeerde de Kooning de essentie van een persoon vast te leggen door middel van levendige, vloeiende penseelstreken, waarbij ze puur realistische representaties vermeed. Deze benadering is ook duidelijk zichtbaar in haar werken met mythologische onderwerpen en primitieve thema's, die ze vaak gebruikte om de spanningen tussen vorm en beweging te verkennen.
"Bacchus #3" (1978) is bijvoorbeeld een van de meesterwerken van Elaine de Kooning: het grote schilderij wordt gekenmerkt door levendige groen-, grijs- en blauwtinten die over het doek vloeien, terwijl er zwarte lijnen op het oppervlak verschijnen, die doen denken aan de figuur van een sculpturale groep, waarschijnlijk geïnspireerd op het Bacchus-beeld in de Jardin du Luxembourg in Parijs.
Carmen Herrera, Zonder titel, 1952. Museum of Modern Art, New York.
Carmen Herrera
Carmen Herrera (31 mei 1915 - 12 februari 2022) was een Cubaans-Amerikaanse schilderes die bekend stond om haar bijdrage aan abstracte en minimalistische kunst. Ze werd geboren in Havana en bracht een groot deel van haar leven door in New York, waar ze halverwege de jaren 50 naartoe verhuisde. De kunstenaar was actief in een periode waarin abstractie de kunstscene van New York domineerde, maar haar stijl sloot niet volledig aan bij die van haar collega's in de abstract-expressionistische beweging. Sterker nog, vaak geïsoleerd werkend, werd haar artistieke taal gekenmerkt door een formele zuiverheid die geometrie combineerde met een doordacht en levendig gebruik van kleur. Haar stijl is geworteld in eenvoud en precisie, gekenmerkt door scherpe lijnen en vlakke kleurvlakken, gericht op het genereren van essentiële en vitale composities. Haar werken verkennen inderdaad de relatie tussen vorm en kleur, met bijzondere nadruk op de interacties tussen oppervlakken en ruimtes.
Deze benadering verbindt haar met bewegingen zoals hard-edge abstractie en Op Art, hoewel haar werk uniek blijft vanwege de rigoureuze formele reductie en aandacht voor harmonische arrangementen. Over meesterwerken gesproken, "Untitled" (1952) is een van de belangrijkste schilderijen van de kunstenaar. Het werk, gemaakt met synthetische verf op canvas, wordt gekenmerkt door zwart-witte lijnen die het oppervlak kruisen en het canvas in twee driehoekige secties verdelen. De eenvoudige maar opvallende compositie verkent de spanning tussen orde en beweging, met scherpe randen die een bijna gewelddadige trilling suggereren. Tot slot creëren de geometrische vormen en kleurcontrasten een visueel effect dat doet denken aan Op Art, maar de energie die uit het werk straalt, is het resultaat van een beslist meer intuïtieve en experimentele benadering.
Lygia Clark, Planes in Modulated Surface No. 4, 1957. Formica en industriële verf op hout. The Museum of Modern Art, New York.
Lygia Clark
Lygia Clark (23 oktober 1920 - 25 april 1988) was een van de meest invloedrijke Braziliaanse kunstenaars van de 20e eeuw, bekend om haar abstracte schilderijen en interactieve installaties. Ze is nauw verbonden met de Braziliaanse constructivistische beweging en richtte later samen met kunstenaars als Amilcar de Castro, Franz Weissmann en Lygia Pape de Neo-Concrete-beweging op. Haar werk onderscheidde zich door de innovatie in de interactie tussen kunstwerk en publiek, waardoor het concept van deelname aan kunst naar een nieuw niveau werd getild. Clark onderzocht in feite principes met betrekking tot zintuiglijke waarneming en psychologische verbinding met het meesterwerk, en definieerde haar werk als "levende ervaringen".
Vanaf de jaren 70 richtte ze zich steeds meer op het therapeutische gebruik van kunst, waarbij ze objecten en betrokkenheid gebruikte als middel om psychologisch trauma en persoonlijke ervaringen aan te pakken. Om deze reden stapte de kunstenaar geleidelijk af van traditionele schilderkunst om nieuwe vormen van expressie te verkennen die de kijker actief betrokken, die ze beschouwde als een integraal onderdeel van het kunstwerk.
Als we het echter over haar schilderwerk hebben, is het meesterwerk "Discovery of the Organic Line" (1954) het vermelden waard. Hoewel het een sterk geometrisch fundament behoudt, markeert dit stuk het begin van haar verkenning van driedimensionale ruimte en haar verschuiving naar meer interactie met het publiek.
Judy Chicago, Het etentje, 1979.
Judy Chicago
Judy Chicago (Chicago, 20 juli 1939) is een van de meest invloedrijke Amerikaanse feministische kunstenaars van de 20e eeuw. In de jaren 70 richtte ze het eerste feministische kunstprogramma in de Verenigde Staten op aan de California State University in Fresno. Haar werk heeft, passend genoeg, thema's verkend die verband houden met geboorte, schepping en de rol van vrouwen in de geschiedenis en cultuur. Deze onderwerpen worden overgebracht door middel van een stijl die zich onderscheidt door het gebruik van een breed scala aan artistieke technieken, zoals borduren, keramiek en glas - vaardigheden die traditioneel als ambacht worden beschouwd en vaak worden geassocieerd met het werk van vrouwen. Chicago heeft deze media, die historisch gezien naar de marges van de 'hoge' kunst werden verwezen, bewust verheven en ze in haar werken opgenomen als symbolen van vrouwelijke kracht en creativiteit.
Een van de centrale aspecten van haar werk is de confrontatie met patriarchale machtsstructuren en de herovering van een vrouwelijke kunstgeschiedenis, benadrukt door het gebruik van precieze symboliek. Haar creaties zijn er namelijk op gericht om het verhaal van artistieke ontwikkeling te herschrijven door licht te werpen op vergeten of gemarginaliseerde vrouwelijke figuren. Haar beroemdste werk, "The Dinner Party", wordt beschouwd als het eerste grote meesterwerk van feministische kunst en is permanent geïnstalleerd in het Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art in het Brooklyn Museum. De installatie viert de bijdragen van vrouwen aan de geschiedenis en presenteert een driehoekige tafel met 39 couverts die zijn gereserveerd voor buitengewone vrouwen uit verschillende periodes van de westerse beschaving. Elke couvert heeft een bord versierd met bloemen- of vlindermotieven die de vulva symboliseren, en een loper geborduurd met de naam en afbeelding van de vrouw die wordt geëerd.
Olimpia Gaia Martinelli
| ArtMajeur Magazine
