De kunst van het dansen

Dans is een intense, gepassioneerde, sublieme en charismatische kunstvorm, waarmee het menselijk lichaam, volgens een vooraf vastgesteld plan of door middel van improvisatie, de meest hermetische en verborgen gevoelens van de ziel uitdrukt. Sinds de oudheid is dans, vaak vergezeld van muziek of geluidscomposities, een fundamenteel onderdeel van rituelen, die onvergetelijke momenten van collectieve aggregatie vertegenwoordigen, zoals ceremonies en volksfeesten. In feite is deze discipline zeer waarschijnlijk aanwezig geweest in alle menselijke culturen, zozeer zelfs dat we onder de eerste kunstwerken die het verbeelden, de schilderijen van het oude Egypte, het oude Griekenland, de Etrusken en de Romeinen vinden. Bovendien is dit onderwerp ook door de kunst onderzocht tijdens de middeleeuwen, de renaissance, het zeventiende-eeuwse classicisme, het neoclassicisme, het impressionisme en de schilderkunst van de 900'.

Egyptische muurschildering uit het graf van Nebamon met speler en dansers, 1370 v.Chr. Londen: Brits museum.

Vrouw die bekkens speelt , Fresco uit de eerste eeuw voor Christus, Pompeii: Villa of the Mysteries.

Dans Macabre , vijftiende eeuw. Verlichte codex. Parijs: BnF © Bibliothèque nationale de France Antonio Canova, Danser met bekkens , 1809-14. Marmer 187 cm (hoogte). Berlijn: Bode-Museum.

Antonio Canova: Danser met klavecimbels

Wat het neoclassicisme betreft, is een uitstekend voorbeeld van beeldhouwkunst met dans als onderwerp Danser met cimbalen van Antonio Canova. In dit verband is het belangrijk om te onderstrepen hoe in de artistieke productie van de Italiaanse meester een dergelijk thema bij vele gelegenheden is behandeld. In feite beeldde Canova dans af via godinnen, muzen, mythologische figuren, reliëfs, tekeningen en temperaschilderijen, om het in zoveel mogelijk poses en bewegingen te vereeuwigen. De sculpturen, gemaakt door de Italiaanse meester, vertegenwoordigen echter het meest uitdagende onderzoek met betrekking tot dit onderwerp, omdat ze in staat waren om de plasticiteit van de menselijke figuur in actie te vereeuwigen. De danseres met cimbalen , onderdeel van een drieluik van sculpturen rond hetzelfde thema, stelt een jong meisje voor dat, betrapt tijdens het uitvoeren van een danspas, fijntjes klavecimbels vastpakt met haar handen. Het lichaam van laatstgenoemde, staande op het puntje van een voet, is vastbesloten om zich verticaal uit te rekken, alsof ze het geluid van de muziekinstrumenten wilde volgen. Ten slotte lijkt het hoofd van het meisje, naar beneden gekeerd, de geluidstrillingen te willen opvangen, terwijl haar lichaam, bedekt door een dunne en verfijnde jurk, zichtbaar is in zijn golvende vormen.

Gino Severini, Danseres in blauw , 1912. Olieverf op doek, 61 x 46 cm. Venetië: Peggy Guggenheim-collectie.

Gino Severini: Danser in het blauw

Het thema dans was ook Gino Severini dierbaar, die, aangetrokken door de wereld van de Parijse cafés, het verbeeldde in twee beroemde schilderijen, zoals Dancer in Blue en Dancer in White , beide gemaakt in 1912. Over Dancer in Blue gesproken , deze kunstwerk, dat de pure uitdrukking van de dynamiek van dans vertegenwoordigt, is ontstaan uit de vereniging van de studie van de menselijke figuur in beweging met de reflecties van licht, die in het schilderij te vinden zijn dankzij de aanwezigheid van enkele pailletten. Deze laatste lichtgevende elementen werden in het werk ingevoegd via de collagetechniek, geboren in diezelfde periode dankzij het artistieke onderzoek van Pablo Picasso en Georges Braque. Terugkerend naar dynamiek, dit wordt ook aan het schilderij verleend door de fragmentarische uitvoering van de danseres, die alleen duidelijk te onderscheiden is in bepaalde delen van haar gezicht en handen. In deze context worden de hoekvlakken, die de vorm verbrijzelen door deze in de ruimte te verspreiden, gedomineerd door een breed scala aan gradaties van de kleur blauw, gericht op het geven van reliëf en dynamiek aan de vormen. Ten slotte neemt de danseres, die net als haar auteur het midden houdt tussen kubisme en futurisme, een conische vorm aan, waardoor ze een soort wervelende beweging krijgt.

Martin-Freville, Opéra , 2016. Acryl op doek, 116 x 73 cm.

Martin-Fréville: Opera

Dans is ook de hoofdrolspeler in veel werken van de kunstenaars van Artmajeur, zoals bijvoorbeeld het doek van Martin-Freville, waar op een achtergrond die wordt gemarkeerd door eenvoudige penseelstreken, de figuur van een danseres opvalt, die in toneelkleding, is van plan een complexe klassieke stap uit te voeren. De klassieke dansers waren het favoriete onderwerp van een zeer beroemde kunstenaar, zoals Edgar Degas, die veel werken heeft gemaakt die dit onderwerp uitbeelden, waaronder een van de meest bekende ongetwijfeld The School of Dance . Op dit laatste schilderij, dat de repetities achter de schermen van een theater documenteert, worden de dansers, in tutu's en pantoffels, gevangen in het moment waarop ze, onder het toeziend oog van de oude leraar, verschillende posities vertolken. De omgeving, waarbinnen de scène zich afspeelt, wordt gedomineerd door een neutrale, naar oker neigende achtergrondkleur, die het toneel identificeert, terwijl de muren lichtgroen gekleurd zijn. Juist op deze chromatische nuances valt de witte tutu's van de dansers krachtig op in het centrale deel van het werk en trekt meteen de aandacht van de kijker. Ten slotte is de kadrering van het schilderij, onmiddellijk, ogenblikkelijk en bijna reportage-achtig, zeker geïnspireerd door fotografie, die ten tijde van Degas terrein won. Daarom vertegenwoordigt het schilderij van Martin-Freville, dat het lichaam van de danser als enige middelpunt van de belangstelling heeft, een vereenvoudigde versie van het Franse meesterwerk, waarin dans meer waarde krijgt, in zijn kwaliteit van gepassioneerde kunst, gericht op de uitdrukking van de meest hermetische en verborgen sensaties van de ziel.

Shulman, Straatdanseres , 2021. Olieverf op doek, 120 x 50 cm.

Shulman: Straatdanser

Het schilderij van Shulman, een kunstenaar uit Artmajeur, toont een man in elegante kleding, die tegen een witte achtergrond, waarin alleen zijn schaduw en de weerspiegeling van zijn bewegingen aanwezig zijn, vastbesloten is om op een wilde manier te dansen. De gepassioneerde bewegingen van de hoofdpersoon van dit werk doen denken aan die van Louise Weber, bekend als "La Golosa", en van Edme Etienne Renaudin, bekend onder de artiestennaam "Valentin le Désossé", protagonisten van het meesterwerk van Toulouse-Lautrec , getiteld Dans in Moulin Rouge . Het werk van de Franse meester beperkt zich echter, in tegenstelling tot dat van Shulman, niet alleen tot het vereeuwigen van de dans van de twee hoofdrolspelers, het beeldt ook de achtergrond uit van de beroemde Parijse club, de Moulin Rouge, en vele andere personages, die zin om te bewegen en te kletsen. Opgemerkt moet worden dat onder deze figuren zelfs die van de beroemde danseres Jane Avril is geschilderd, die, met de bedoeling om krachtig te dansen, de hoofdrolspeler was in andere werken van Toulouse-Lautrec. Bovendien wordt dit schilderij ook gekenmerkt door de aanwezigheid van de vader van de kunstenaar, die op de achtergrond werd afgebeeld met een dikke witte baard. Zo slaagt het hoogst originele werk van de kunstenaar uit Artmajeur, dat verstoken is van de weergave van de achtergrond en andere personages, erin om te breken met de figuratieve traditie van de grootste meesters in de kunstgeschiedenis en op een innovatieve manier te versterken , alleen de wilde dans van zijn enige hoofdrolspeler.

Alexandra Van Lierde, Dansende selfie , 2021. Olieverf op doek, 100 x 80 cm.

Alexandra Van Lierde: Dansende selfie

De kunstwerken, met dansende figuren als onderwerp, hebben vaak de gebruiken en tradities vereeuwigd van de tijd waarin ze werden verwekt, zoals bijvoorbeeld het schilderij Dancing at the Moulin de la Galette van Auguste Renoir, dat een moment van het dagelijks leven in Parijs aan het eind van de negentiende eeuw. Dit doek, waarop we personages zien dansen of praten aan een tafel, wordt gekenmerkt door kleine strepen van verzadigde kleuren, gericht op het reproduceren van het effect van de zon, die door de takken van de bomen filtert. Bovendien bereikte Renoir nog meer lichtgevende effecten door contrasterende kleuren naast elkaar te plaatsen, zoals bijvoorbeeld het donker van de herenkleding, dat naast het licht van die van de vrouwen werd geschilderd. Bovendien wordt het werk gekenmerkt door een sterke diepte, gegeven door de superpositie van de hoofden van de personages en een fotografische omlijsting, waarin de gebeurtenis wordt vereeuwigd op dezelfde manier als het leek in de ogen van de Franse meester. Het schilderij van Artmajeur's kunstenaar, Alexandra Van Lierde, is er, net als dat van Renoir, in geslaagd om, door het gebruik van dansende karakters, een tijdperk te vereeuwigen, namelijk het hedendaagse. In feite wordt op dit doek, waarop slechts twee meisjes zijn geschilderd, in een ongedefinieerde ruimte, door de afbeelding van een selfie, de essentie uitgedrukt van een samenleving die wordt gekenmerkt door het gebruik van nieuwe technologieën en sociale media. De intieme sfeer van Van Lierdes werk zou dan ook gelezen kunnen worden als kritiek op een wereld waarin mensen de neiging hebben zich te isoleren achter een scherm.