Australische kunst: kangoeroes, landschappen en hedendaagse kunstenaars

KANGAROOS \ KANGOUROUS (2022)Schilderij van Fabien Dreuil.

Australische kunstgeschiedenis: kangoeroes

Ik dacht dat ik het verhaal van de vroege jaren van de Australische kunst, evenals de daaropvolgende Europeanisering, zou toevertrouwen aan de kangoeroe, een symbolisch dier van Oceanië dat zal worden gebruikt als een kanaal tussen Aboriginal en westerse figuratieve expressie. In feite waren de vroegste exponenten van creativiteit op het Nieuwe Continent, tijdens de prehistorie, de voorouders van de Australische Aborigines, al minstens 30.000 jaar geleden makers van rotskunstwerken, die, in termen van overvloed en datering, kunnen worden vergeleken met de meer bekende Europese voorbeelden van Lascaux en Altamira. In vergelijking met laatstgenoemde zou de Aboriginal-kunst zelfs nog ouder blijken te zijn, zozeer zelfs dat ze wordt beschouwd als de meest gedateerde ter wereld, ontwikkeld in drie hoofdstijlen, namelijk geometrisch, figuratief en complex figuratief. Een dergelijke productie was onverbiddelijk verbonden met een religieus-cultureel wereldbeeld dat erop gericht was elk aspect van het leven te doordringen met het bestaan van voorouderlijke figuren, die de schepping bezielden en vaak heroïsche proporties en bovennatuurlijke vermogens aannamen. Het is vermeldenswaard hoe deze figuren heel anders waren dan de goden, in die zin dat ze noch de materiële wereld beheersten, noch werden aanbeden, omdat ze alleen werden vereerd. Het is precies om de stilistische kenmerken van die periode van de Australische geschiedenis te verdiepen, dat de figuur van de kangoeroe, een buideldier dat de hoofdpersoon is van een 17.300 jaar oude rotsgraffito, tot leven wilde komen in een twee -meter gestileerde figuratieve voorstelling gemaakt in rode oker op het plafond van een rotsschuilplaats in de Kimberley-regio, een plaats in West-Australië die buitengewoon bekend staat om zijn Aboriginal-schilderijen, komt tussenbeide. Over de stijl van uitvoering gesproken, het dier is gemaakt in de oudere naturalistische periode, gekenmerkt door contouren van dieren die op ware grootte zijn vereeuwigd. Een eigentijdse interpretatie van het zojuist besproken onderwerp cel'biedt het stancil van Fabien Dreuil, een kunstenaar die Kangorros maakte, een werk dat is ontworpen om de sfeer van een grot na te bootsen die is versierd met de kunst van de eerste mensen op aarde, net zoals de kunstenaar zelf onthult, die de kijker voorstelde zich voor te stellen "duizenden jaren terug te gaan" om de kunst van mensen te ontdekken die, naast het leven in grotten, de weg vrijmaakten voor figuratieve creatie. Heel anders is echter de "realistische" kangoeroe gemaakt door George Stubbs, een Engelse schilder die ons rechtstreeks naar de periode van Europese voorstellingen brengt, dat wil zeggen naar de tijd waarin kunstenaars uit de Oude Wereld de eerste artistieke afbeeldingen van Australië maakten, voornamelijk door het maken van natuurhistorische illustraties, gericht op het weergeven van de meest typische flora en fauna, voor veelal wetenschappelijke doeleinden. Het was in deze context dat het bovengenoemde schildersschilderij werd geboren, namelijk The Kongouro from New Holland (1772), een olieverfschilderij bedoeld om het eerste exemplaar van een buideldier in de geschiedenis van de westerse kunst weer te geven, in opdracht van de natuuronderzoeker Joseph Banks en gemaakt op de basis van de gezwollen huid van een dier, die hij in 1770 aan de oostkust van het Nieuwe Continent had verzameld, dat wil zeggen tijdens de eerste ontdekkingsreis van luitenant James Cook. Bovendien lijkt het meesterwerk te zijn geïnspireerd op een tekening met een soortgelijk onderwerp door Sydney Parkinson, de botanische illustrator van Joseph Banks tijdens de eerste reis van James Cook. De olie beschrijft in het kort The Kongouro from New Holland en toont het dier zittend op een rots, kijkend over zijn schouder, waarschijnlijk om zijn blik te richten op een achtergrond geanimeerd door bomen en bergen. Een soortgelijk beeld, hoewel in dit geval het dier in kwestie wordt gepresenteerd terwijl het zijn kop naar links draait in plaats van naar rechts, wordt ons geboden door het schilderij van Artmajeur-kunstenaar Emilija Šileikaitė, de maker van een imposant, sterk en trots exemplaar van een buideldierzoogdier, dat, uitgerust met een extravagante metalen poot, symbool staat voor de trieste veranderingen en het onverbiddelijke uitsterven in de dierenwereld die zo gevreesd werd door de schilder.

KANGOEROE (2019)Schilderij van Emilija Šileikaitė.

LITTLE COVE NOOSA (2022)Schilderij van Helen Mitra.

Australische kunstgeschiedenis: natuurlijke historie, landschappen en impressionisme

Het verhaal van de Australische kunstgeschiedenis gaat verder in de periode van Britse kolonisatie en de daaropvolgende goudkoorts en expansie, waarbij de nadruk vooral ligt op de natuurlijke historie en het landschapsgenre. Wat het eerste kruispunt betreft, is het de moeite waard om uit te leggen hoe vanaf de Britse kolonisatie van 1788 de fucos van artistiek onderzoek verschoof naar de weergave van licht, aangezien de laatste er in Oceanië beslist anders uitziet dan in Europa. Gekoppeld aan dit doel was ook de transformatie van artistieke ideeën uit de Oude Wereld om ze aan te passen aan een nieuwe context, waarin het zoeken naar nieuwe betekenissen zich aandiende als meer verwant aan de opkomende samenleving van een nieuwe realiteit. Al deze bedoelingen werden gerealiseerd door het werk van meerdere natuurhistorische illustratoren, etnografische portrettisten en landschapskunstenaars, die, zoals John Glover Thomas Watling, Conrad Martens en William Westall, sterk beïnvloed waren door Europese stilistische kenmerken, waaronder zeker die van Claude Lorrain en Salvator Rosa , legde de kenmerkende cartteristiek van de landschappen van Oceanië vast. Een voorbeeld van het bovenstaande is William Westall's View of Sir Edward Pellews Group, Gulf of Carpentaria (1802), een werk dat deel uitmaakte van een serie schilderijen die de kunstenaar maakte als verslag van de Australische reis van ontdekkingsreiziger Matthew Flinders, waarmee hij een uitzicht vereeuwigde van een strand met daarachter een andere continentale kustlijn, waarin een Aboriginal-schuilplaats bestaande uit vegetatie op de voorgrond van het medium opvalt, bedoeld om op een ronde structuur te staan, die in zijn hoge trommelvormige objecten aan de binnenkant gedenkstenen verzamelt van voorouders van de lokale Aboriginals, namelijk die van de Yanyuwa. Zo'n visual is mogelijk door de kunstenaar geëscorteerd op Observation Island, de plaats waar Flinders naar het vasteland landde. Een soortgelijk idyllisch visioen van een aards paradijs wordt geboden door Little Cove Noosa, olieverf op doek van Artmajeur-kunstenaar Helen Mitra, waarin ze haar interpretatie van de prachtige kleuren en stille rust van Australisch Queensland expliciet maakt, een plek die rijk is aan een grote verscheidenheid aan flora vakkundig vastgelegd door de bovengenoemde schilder door het gebruik van een traditionele techniek van verflagen, die helpt om diepte te geven en het zonlicht op het water, rotsen en palmen vast te leggen.

BELLINGEN GOLD (2004)Schilderij van Leonard Aitken.

OCEAN'S EDGE (2023)Schilderij van Inessa Ivascanin.

We zijn aanbeland in de periode van de Goudkoorts en expansie, een tijd waarin vanaf 1851 een enorme toestroom van kolonisten en rijkdom werd vastgesteld, met als doel de markt voor landschapsschilderijen buitengewoon welvarend te maken, voornamelijk in opdracht van rijke landeigenaren of kooplieden, die wilden vorm geven aan hun materiële succes. Onder de kunstenaars die zich in deze context onderscheidden, bevinden zich zeker Eugene von Guerard, William Strutt, John Skinner Prout, Knud Bull en Nicholas Chevalier, meesters die soms werden beïnvloed door de modellen van de school van Barbizon. Wat betreft Nicholas Chevalier, de Russische kunstenaar die zowel in Australië als Nieuw-Zeeland werkte, hij is de maker van Mount Arapiles en de Mitre-rots (1863), een olieverf op canvas bedoeld om de bestemming weer te geven die de schilder voor het eerst bereikte in 1862, de jaar vergezelde hij Georg Neumayer, een Duitse ontdekkingsreiziger en wetenschapper, op een wetenschappelijke expeditie, aangezien kunst destijds werd beschouwd als een trouwe dienstmaagd van de wetenschap. Het meesterwerk uit 1863 streeft naar de onsterfelijkheid van de kracht van de natuur, vergeleken met onverbiddelijke menselijke kleinheid, gericht op de geboorte van een eerbiedig ontzag voor de schepping, dat ons gedeeltelijk herinnert aan de onverschilligheid en uitgestrektheid van het natuurlijke element dat aanwezig is in het werk van William Turner. Het is precies de Australische Artmajeur-kunstenaar Leonard Aitken die op de laatste opvatting lijkt te reageren met de idylle van Bellingen Gold, een werk waarin de natuur in al haar stilte wordt voorgesteld als een omgeving die in al haar genoegens moet worden gecultiveerd, en dus ook haar kleuren. , geuren, uitgestrektheid, dier- en plantenlevensvormen, zonder ook maar een soort stil gevaar te doordringen. Het beëindigen van de Gold Rush-periode volgt op het Australische tijdperk van het impressionisme, een traditie die, geassocieerd met de Heidelberg School, de belangrijkste bedoeling nastreefde om scènes van pastoraal en outback Australië te vereeuwigen, waarbij voornamelijk handenarbeid, landverovering en de idealisering van de plattelandspionier werden afgebeeld. . Zeker, de kunstenaars uit Heidelberg, waaronder Frederick McCubbin, Tom Roberts, Arthur Streeton en Charles Conder, bouwden een schuld op bij Millet, Bastien-Lepage en Courbet. In plaats daarvan wordt het haakje geopend van een vergelijking tussen het laat 19e-eeuwse Australische impressionisme van Charles Conder, maker van A Holiday at Mentone (1888), en dat van Inessa Ivascanin, een Artmajeur-kunstenaar die Ocean's edge maakte, wordt duidelijk dat de eerste werk heeft affiniteiten met de met figuren gedrapeerde zeegezichten van Claude Monet, terwijl de laatste, halverwege het impressionisme en latere bewegingen, meer neigt naar het realiseren van de latere postimpressionistische visie van de vroege Paul Cézanne.

ZONDER TITEL - ALLE ONDERZOEKEN AAN GALERIJ 444, BEDANKT. Schilderij door William Johns.

Australische kunstgeschiedenis: van het Federatietijdperk tot heden

We zijn aangekomen bij het afsluitende deel van dit verslag, gericht op het samenvatten van de vormen die de Australische picturale kunst heeft aangenomen vanaf het tijdperk van de Federatie tot heden. Wat betreft de eerste periode van interesse, met de geboorte van de verenigde natie in 1901, keerde de landschapstraditie weer buitengewoon in de mode, met als model de meer klassieke kunstenaars van het genre, scheppers van grandioze en nationalistische pastorale visies. Bovendien werd het tijdperk gekenmerkt door de Australische tonalistbeweging, terwijl het midden van de twintigste eeuw werd gekenmerkt door een hernieuwde belangstelling voor de Outback als onderwerp van Australische kunst. Vervolgens, terwijl in de jaren zestig de netto populariteit van stedelijk bushland werd gevonden, verordende de komst van de jaren zeventig de vestiging van kunst met ecologische thema's, dat wil zeggen toegewijd aan het bevorderen van natuurbehoudsboodschappen om bedreigingen van vernietiging van het milieu tegen te gaan. Ten slotte, wat de productie van hedendaagse schilders betreft, is het tegenwoordig beslist onmogelijk, of het nu gaat om Oceanië of een ander continent, om te spreken van een bijzonder terugkerende artistieke stroming of onderwerp, aangezien alles behoorlijk populair blijkt te zijn. zoals blijkt uit het surrealistische schilderij van de Australische Artmajeur-schilder William Johns, dat, getiteld Untitled, een gezichtsloze menselijke figuur in een interieur afbeeldt, een plek waar het lijkt opgesloten in een kleine omheining, waarschijnlijk bedoeld om de beperkingen van het onderwerp te symboliseren, wat zich goed leent om representatief te worden voor de kleinheid van de mens.