De vrouwen waar we het hier over hebben zijn geen " vrouwen van ", ze waren al kunstenaars voordat ze hun echtgenoten ontmoetten, hadden hun eigen stijlen en ambities, en waren net zo bekwaam en getalenteerd als hun metgezellen.
Elin Danielson-Gambogi, Aan het einde van het ontbijt , 1890.
1. Josephine Hopper ( en Edward Hopper )
Iedereen kent Edward Hopper, maar wie herinnert zich zijn vrouw Jo nog?
Haar echte naam Josephine Verstille Nivison was echter voorbestemd voor een veelbelovende toekomst. Geboren in Manhattan in 1883, wendde ze zich op zeer jonge leeftijd tot een artistieke carrière , waarbij ze zich gemakkelijk uitdrukte door middel van tekenen en theater op de banken van de universiteit. In 1905, toen ze nog maar 22 jaar oud was, ontmoette ze Robert Henri , een belangrijke figuur in het Amerikaanse realisme . Nadat hij haar had gevraagd te poseren voor een van zijn portretten ( The Art Student , 1906), werd hij haar tekenleraar en bouwde hij een even vriendelijke als professionele relatie met haar op.
Daarna werkte ze als lerares voor jonge meisjes en wijdde haar vrije tijd aan olieverfschilderijen. Tot haar veertigste genoot ze van een leven van totale onafhankelijkheid , omgang met vele kunstenaars, reisde ze door Europa met haar tekenleraar en haar ontluikende collega-schilders, en nam ze elke zomer deel aan artistieke kolonies in Nova Scotia, Engeland. Ze begon een beruchte zichtbaarheid te genieten dankzij de tentoonstelling van enkele van haar werken in galerieën in New York, naast beroemde kunstenaars zoals Pablo Picasso , Amedeo Modigliani of Man Ray . In deze artistieke microkosmos ontmoet ze haar toekomstige echtgenoot Edward, eerst op de kunstacademie, daarna tijdens verschillende artistieke kolonies in de Verenigde Staten.
Robert Henri, The Art Student (Portret van Josephine Nivison) , 1906.
De geliefden trouwden in 1924 . Josephine V. Nivison wordt Jo Hopper en bouwt mee aan een even tumultueus als inspirerend koppel . Ze reizen door Amerika en schilderen samen, maar de fantasie van creatieve romantiek verandert al snel in een huwelijkslast voor Josephine . Het duo vecht regelmatig en deze terugkerende spanningen verzwakken hun ambitie. Geleidelijk verwaarloosde ze haar passie om de impresario van haar man te worden , en nam ze de meeste huishoudelijke taken op zich om hem zoveel mogelijk tijd te geven voor de schepping.
Haar man werd al snel legendarisch, tijdens zijn leven, dankzij raadselachtige, verfijnde en stille werken , die het dagelijkse leven van een afgelegen en diep eenzaam Amerika beschrijven. Zonder de hulp van zijn vrouw zou Edward Hopper echter nooit het succes hebben kunnen behalen dat hem vandaag wordt erkend . Veel meer dan een eenvoudig model of een gewone muze, heeft Josephine enorm bijgedragen aan de artistieke opkomst van haar man. Omdat hij verlegen en gereserveerd was, hielp ze hem relaties op te bouwen met professionals in de kunstmarkt om zijn werk te promoten.
Als je ooit bedroefd bent door Josephine's verklaring van afstand, houd je dan stevig vast, want er is veel, veel meer verontrustends aan dit verhaal :
Edward Hopper stierf in 1967, op 84-jarige leeftijd, zonder nakomelingen. Zijn weduwe Josephine zal hem een jaar overleven, alvorens ook in 1968 op 84-jarige leeftijd in algemene onverschilligheid te sterven. Ze zal deze paar maanden van rouw benutten om het nageslacht van haar werk en dat van haar man te organiseren. Zo zal ze hun werk documenteren en een aanzienlijk aantal werken van het paar nalaten aan het Whitney Museum in New York. Tegenwoordig worden alle werken gepresenteerd die door Edward's hand zijn ondertekend, maar geen sporen van de honderden werken die zijn geproduceerd en nagelaten door Joséphine .
Jo Hopper, Zonder titel (studie van het landschap rond het Hopper House met Cape Cod Bay in de verte).
Werken opgeslagen in de reservaten van het museum? Als alleen…
In feite is de overgrote meerderheid van Joséphine's werken nu volledig verdwenen . Sinds zijn dood heeft het Whitney Museum nooit een enkel werk van de kunstenaar tentoongesteld , en erger nog, het heeft ervoor gezorgd dat deze spookvoorraad is verdwenen, wat een gebrek aan ruimte in de museumreservaten rechtvaardigt. Het museum verbrandde een deel van de werken en schonk het andere deel aan ziekenhuizen, die ze bij gebrek aan ruimte ook grotendeels vernietigden . Van de honderd geproduceerde werken zijn er vandaag de dag nog maar een paar gravures, aquarellen en zwart-witfoto's over.
Sinistere beloning voor een vrouw die haar lot heeft opgeofferd om de triomf van haar man te vestigen.
2. Margaret Keane (en Walter Keane)
Margaret Keane, In de tuin , 1963.
Herken je die grote ogen?
Sommigen van jullie kennen dit verhaal vast wel, want het was het onderwerp van een sublieme speelfilm geregisseerd door Tim Burton in 2014: Big Eyes (reeds genoemd in ons artikel When the cinema pays tribute to masters. work of Art History ).
Het is de meest verbijsterende identiteitsdiefstal sinds de opkomst van de moderne kunst : een emancipatorisch epos dat machismo , boosaardigheid en onfatsoenlijkheid vermengt . Hou vol, we nemen je mee naar de sombere en lichtgevende wereld van Margaret Keane .
Deze merkwaardige kunstenaar werd geboren onder de mooie naam Peggy Doris Hawkins , in 1927, in Nashville ( Tennessee ). Toen ze nog maar 2 jaar oud was, kreeg ze een ongeluk tijdens een ogenschijnlijk goedaardige medische operatie, waarbij haar rechter trommelvlies onherstelbaar werd beschadigd . Van jongs af aan toonde ze een diepe interesse in tekenen , een activiteit die ze enorm beoefende. Op haar tiende schreef ze zich in op een tekenschool om haar kennis en techniek te verdiepen. Ze maakte in die tijd al haar eerste olieverfschilderijen. Zijn gewonde trommelvlies verhindert dat hij goed kan horen. Deze handicap zal hem in een bepaalde eenzaamheid opsluiten en hem dwingen zich te concentreren op de blikken van zijn gesprekspartners om ze beter te begrijpen (je ziet de link aankomen met de beroemde grote ogen ). Verlegen en gereserveerd, isoleert ze zich geleidelijk aan in een bubbel van eenzaamheid , die wordt gevoeld in de keuze van haar onderwerpen ( kinderen, vrouwen, katten, honden, paarden ), evenals in de keuze van kleuren en de gebruikte techniek ( schilderen in olie gemengd met acryl ).
Zijn ongebruikelijke stijl bevindt zich op de grens tussen kitsch-surrealisme en naïeve kunst .
Discreet, onbekend en ver van de kunstwereld, het was toen ze boven de 25 was, in het midden van de jaren 1950, dat haar lot radicaal veranderde . Ze ontmoet een kunstenaar met een middelmatige techniek maar groeiend succes: Walter Keane . Hoewel ze allebei getrouwd zijn, worden ze verliefd op elkaar en verenigen zich in 1955 in Honolulu.
Bob Campbell, Margaret Keane en Walter Keane , The Chronicle.
Walter Keane is een atypisch personage : hij is charismatisch , verleidelijk , spraakzaam en onmiskenbaar egocentrisch . Een mooi voorbeeld van giftige mannelijkheid zoals we er meer van doen ( en zonder spijt ). Hij krijgt al snel ontzag voor de doeken met grote ogen van zijn geliefde, en stiekem jaloers op zijn beheersing van het penseel . Hij weet dat zijn schilderijen uniek zijn en voor een goede prijs kunnen worden verkocht. Met zijn charisma en zijn commerciële ervaring besluit hij vervolgens te bereiken wat Margaret, te verlegen, niet kon: haar werk promoten en verkopen .
Een man die zijn vrouw, een gereserveerde kunstenaar, helpt zijn werken te verkopen: waar zit het kwaad?
Om kopers aan te trekken, exposeerde Walter de werken van zijn vrouw in een club in San Francisco. Geconfronteerd met het grote succes van deze operatie en de vele bewonderaars die meer willen weten over de handtekening die deze vreemde portretten vergezelt, besluit haar man, buiten medeweten van zijn partner, te beweren de auteur van deze werken te zijn . Het was het begin van een enorme misleiding die meerdere jaren zou duren en Margaret enorm veel leed zou laten lijden. Ze is te kwetsbaar om zichzelf te verdedigen tegen bedrog en bedreigingen van haar man, ze zal zwijgen en zelfs zo ver gaan om in het openbaar te bevestigen dat hij inderdaad de auteur is van deze prachtige gezichten met doe-ogen.
Beetje bij beetje sluit Walter Keane zichzelf op in zijn illusie van succes . Omdat hij een zeer goede commercial is, stromen de werken steeds sneller en het geld stroomt vrijelijk. Hij begint daarom een mythologie rond " zijn " werk te verzinnen en sluit Margaret op in haar eigen leugens, kanaliseert haar emancipatoire hartstocht met grote versterkingen van bedreigingen en intimidatie , en dwingt haar de hele dag te schilderen (soms zelfs tot 16 uur per dag ) . Aan de andere kant pikken grote Amerikaanse galerieën zijn schilderijen op en zelfs Andy Warhol raakt in de ban .
Bill Ray, Margaret en Walter Keane , Life Magazine, 1965.
Gelukkig wordt op een mooie dag de druk ondraaglijk voor Margaret. Ze besluit Walter te verlaten en in 1970 kondigt ze live op de radio aan dat ze de echte maker is van deze schilderijen met grote ogen . Na een lange periode van controverse en gerechtelijke kruistocht, wordt Margaret eindelijk erkend voor haar talent, en de droevige en melancholische blik van de kinderen die ze schilderde toen ze het slachtoffer was van de wreedheid van haar man, maakt plaats voor tedere, bloeiende portretten en kleurrijke , symbolen van een hernieuwde levensvreugde . Een welverdiend happy end , in tegenstelling tot het treurige nageslacht van Josephine Hopper.
En als je Big Eyes nog nooit hebt gezien, de film van Tim Burton die het tumultueuze leven van Margaret Keane verbeeldt, raden we je deze ten zeerste aan!
3. Sophie Taeuber-Arp (en Jean Arp)
Hoewel onbekend bij het grote publiek, heeft de Zwitserse kunstenaar Sophie Taeuber-Arp een even oogverblindende als uitzonderlijke carrière achter de rug. Op haar gemak in (zeer) vele disciplines: schilderkunst, beeldhouwkunst, mode, architectuur, toegepaste kunst en dans, bezocht ze de grootste kunstenaars van het begin van de 20e eeuw en was een leidende figuur van de stroming Dada, Constructivisme en betonkunst.
Sophie Taeuber-Arp, Tête Dada , 1920. Museum of Modern Art, New York.
Er waren echter maar weinig dingen die de jonge Sophie Taeuber voorbestemd hadden tot een grote artistieke carrière . Ze werd geboren in 1889 in Davos, Zwitserland. Haar vader, apotheker van beroep, stierf toen ze nog maar 2 jaar oud was. Daarna groeide ze op met haar moeder, ontwerper en fotograaf, en haar broers en zussen op het diepe en landelijke Zwitserse platteland , naast wevers die haar de kunst van het naaien leerden.
Zijn moeder moedigde hem aan om zijn vroege artistieke gaven te ontwikkelen en diende zelfs als model. Toen Sophie stierf, toen Sophie nog maar 20 jaar oud was, besloot ze haar lot in eigen hand te nemen en ging ze toegepaste kunsten studeren in München en daarna Hamburg , Duitsland. Ze ontdekte onder meer de kunst van keramiek, het draaien van houten voorwerpen, ontwerpen en kostuummaken.
In 1915, toen de Eerste Wereldoorlog woedde, werd ze gedwongen terug te keren naar Zwitserland. Ze vestigt zich in Zürich en maakt veel bevriende kunstenaars , zelf gedwongen vluchtelingen, op de vlucht voor de verwoestingen van een conflict dat ze niet goedkeuren. Daar zegt ze haar artistieke talenten en ontmoet ze Jean Arp, met wie ze in 1922 trouwde. Ook al is het niet zo rooskleurig bij het echtpaar Taueber-Arp, we zijn ver verwijderd van de spanning tussen Edward en Jo Hopper, of de manipulaties van Walter Keane op zijn metgezel. Het duo leeft van Sophie's inkomen, maar creëert samen en inspireert elkaar.
Sophie Taeuber-Arp en Jean Arp, Ascona (Spanje), 1925.
In 1929 verkregen Sophie en Jean de Franse nationaliteit. Ze profiteren van deze nieuwe start om zich te vestigen in Meudon, vlakbij Parijs. Jean is al zeer bekend in de Parijse scene en laat Sophie veel invloedrijke artiesten van die tijd ontmoeten, die zijn vrienden zullen worden: in het bijzonder Max Ernst , evenals Sonia en Robert Delaunay . De gasten verdringen zich voor de deur van hun huis-werkplaats in Meudon, en Sophie's ambities beginnen te worden geamputeerd door het succes van haar man . In die tijd werd ze meer gezien als de gastvrouw en echtgenote van Jean Arp, die nog steeds in het middelpunt van de belangstelling staat . Ze produceerde in die periode veel werken, maar durfde ze steeds minder te presenteren, waarbij ze de voorkeur gaf aan het comfort van terugtrekking boven de arrogantie van de schijnwerpers die ze in de blik van haar man zag .
De verbintenis tussen Sophie en Jean stond ver af van de giftige spanningen die de koppels Hopper en Keane bonden. Toen Sophie in 1943 stierf aan koolmonoxidevergiftiging, veroorzaakt door een defecte houtkachel, bleef haar man ontroostbaar . Het zal jaren duren voordat ze weer een normaal leven kan leiden, en haar hele artistieke productie zal worden beïnvloed door haar verlies van liefde . Hij zal ook eisen dat zijn eigen werken alleen naast die van Sophie kunnen worden tentoongesteld. Een deugdzaam verzoek met paradoxale gevolgen , want voor altijd zal de naam van Sophie Taeuber, echtgenote maar onafhankelijk kunstenaar , in verband worden gebracht met die van Jean Arp.
Sophie Taeuber-Arp, Samenstelling van cirkels en overlappende hoeken , 1930.
Ondanks al deze inspanningen zal Sophie snel vergeten worden door het grote publiek , dat enkel geïnteresseerd zal zijn in de werken van Jean Arp. De fout van een systeem : instellingen, musea, galerieën en verzamelaars die het belang van zo'n krachtig werk niet willen inzien, omdat het door een vrouw is gemaakt. Herontdekking onlangs, in de late 20e eeuw, zijn gezicht is vandaag een dada-ticket van 50 Zwitserse frank, en internationale instellingen braken zijn radicale werken, uniek en origineel.
4. Lee Krasner (en Jackson Pollock)
Lee Krasner, Combat , 1965. National Gallery of Victoria, Melbourne .
Lee Krasner wordt tegenwoordig beschouwd als een pionier van het abstract expressionisme in de Verenigde Staten, hoewel ze lange tijd overschaduwd werd door de nog steeds krachtige uitstraling van haar man, Jackson Pollock , die elk jaar de veilingzalen in paniek brengt. druipen legendarisch .
Geboren in de Verenigde Staten in 1908 in een familie van Oekraïens-joodse immigranten die op de vlucht waren voor antisemitisme en oorlog, toonde ze al heel vroeg een sterke interesse in de artistieke praktijk . Net als haar zussen Jo Hopper, Sophie Taeuber en Margaret Keane, wilde ze al op jonge leeftijd een artistieke carrière nastreven en schreef ze zich daarom in op een school voor meisjes in Washington met een artistieke opleiding. Ze behaalde snel een lerarendiploma in de kunst en smeedde gaandeweg een netwerk van kunstenaars en professionele vrienden uit de kunstwereld , die haar creativiteit en ambitie stimuleerden.
In 1933 sloot ze zich aan bij de American Abstract Artists-beweging en ontmoette ze het creatieve talent van die tijd: Willem de Kooning , Arshile Gorky , Adolph Gottlieb , Mark Rothko , Barnett Newman of zelfs Clyfford Still , om er maar een paar te noemen. Ze creëert abstracte, gebarende en expressieve werken op grote formaten en experimenteert met een veelheid aan technieken: schilderen, houtskool, collage, mozaïek ... Ze stelt veel eisen aan haar eigen werk en vernietigt regelmatig haar doeken , en herstelt soms stukken voor hen. toevoegen aan nieuwe prestaties. Als gevolg hiervan is het aantal overgebleven werken zeer bescheiden : haar oeuvrecatalogus bevat ongeveer 600 bekende werken , wat vrij beperkt is voor een kunstenaar die al bijna 50 jaar produceert.
Jackson Pollock en Lee Krasner in hun studio, 1950. Foto door Lawrence Larkin
Ze ontmoette Jackson Pollock in 1941. Ze werden verliefd op elkaar en trouwden 4 jaar later, in 1945. Op creatief vlak inspireren de twee wezens elkaar , waarbij ze zich op vergelijkbare gebieden wagen zonder vulgair te kopiëren en plakken . Lee brengt haar expertise en haar kennis mee, ze zal er alles aan doen om het werk van haar man te promoten . Hun benaderingen zijn verschillend, maar hun ambities zijn hetzelfde. Dankzij zijn vrouw ontmoet Jackson Pollock critici en invloedrijke galeriehouders, zoals Peggy Guggenheim of Clement Greenberg . Hun relatie komt voort uit een echte uitwisseling : Lee adviseert Jackson om geen titels meer te geven aan zijn werken, zodat het publiek zijn schilderijen kan aanschouwen zonder externe referenties te zoeken, terwijl Jackson zijn vrouw helpt meer risico's te nemen bij de realisatie van zijn werken.
Maar ook als het binnen de werkplaats goed gaat, buiten zijn de gevoelens heel anders. Lee Krasner zal regelmatig last hebben van de publieke ontvangst van zijn identiteit. De beschouwers zullen systematisch de link leggen tussen haar werk en dat van haar man. Critici van hun kant zullen haar beschouwen als een inspirerende muze , of erger nog, als een banale imitator , zonder ooit te proberen haar werk onafhankelijk van dat van haar echtgenoot te analyseren, of op een eerlijke voet van gelijkheid. Zelfs na de macabere dood van Jackson Pollock (die we al vermeldden in ons artikel over 3 gemartelde kunstenaars met een tragisch lot ), zal ze het moeilijk hebben om zichzelf als onafhankelijk kunstenaar te laten gelden , ondanks een evolutie in autonomie gedurende haar hele leven, en haar weigering om de achternaam van haar man aan te nemen. Een criticus zal haar zelfs " Action Widow " noemen, een samentrekking van Action Painting (een artistieke praktijk waarvan Jackson Pollock de belangrijkste figuur was), en van weduwe , om aan te dringen op Lee Krasners bijzondere afhankelijkheid van haar overleden echtgenoot. Een diep vrouwenhatende houding, symptomatisch voor een volledig ongeremde patriarchale samenleving.
Lee Krasner, Sirene , 1966. Barbican Centre, Londen.
Laten we tot slot niet vergeten dat deze 4 getalenteerde artiesten niet de enige nevenslachtoffers zijn van de triomf van hun echtgenoot . De lijst kan nooit volledig zijn, maar laten we bijvoorbeeld Dorothea Tanning citeren, echtgenote van Max Ernst, Jean Cooke , echtgenote van John Bratby, of Elaine de Kooning , echtgenote van Willem de Kooning...
In feite zijn ze zo talrijk dat hun ongenoegen niet louter aan toeval te wijten kan zijn . Het is het bittere symbool van een algemeen aanvaard gedrag, van een tijd waarin mannen, uit angst of minachting, vrouwelijke kunstenaars niet de plaats wilden erkennen die ze toch verdienden. Tegenwoordig veranderen de dingen en elke dag kunnen we het verhaal ontdekken van een nieuwe vrouwelijke artiest , herontdekt in haar tijd en hersteld in haar invloed.
Laten we dus hopen dat het verleden alleen maar tot het verleden behoort, en dat de fouten van weleer niet meer zo vaak voorkomen.
Bastien Alleaume