Manuel E. Montilla

EL JARDÍN DE GIVERNY - SALUTACIÓN A MONET

1. ¿Expones poco en los últimos años de forma individual? ¿Es así? ¿Por qué?

Efectivamente, en los últimos años he dedicado mucho tiempo planificando diversos proyectos plásticos que guardo para concretar en su momento (no creo que el arte sea exhibición, sino reflexión y realización). Igual he realizado obra escultórica sobre madera y metal, inclusive tomé un excelente curso de soldadura en el INADEH a tal efecto; y me he integrado con entusiasmo en la investigación digital desde la perspectiva del arte (llegué a lo informático cercano a los 60 y ahora, a los 63, puedo decir que: de seguro no soy, ni seré, un genio de las computadoras, pero me defiendo “como gato boca’rriba”. ¡Y cada día aprendo mucho más!).
Además me he vinculado desde siempre a la promoción y proyección del arte en la República de Chiriquí; en este proyecto he invertido cerca de 45 años y veo que paso a paso se van logrando resultados. Esto lo creo importante pues la cultura es el motor que mueve a los seres humanos hacia los caminos de la libertad, del pensamiento de altas miras y para el logro de una vida más plena y completa. ¿Cómo sería nuestro Panamá si hubiésemos tenido mandatarios estadistas, y ciudadanos proactivos, genuinamente vinculados y comprometidos con la educación, el arte y la cultura? Olvidamos, muy fácilmente, que la parte económica, siendo importante, no es lo que nos hace más humanos, solidarios y felices. Y el propósito final de cada vida humana es ser feliz, cada uno a su manera.
Por otra parte nunca he sido un creyente en las bondades de las galerías de arte panameñas. Siendo como son, en efecto, un negocio nunca han tenido la visión de procurar hacer de esto un negocio hacia lo cultural para educar a un público carente de visual y perspectivas sobre el arte. No les niego el derecho innato a ser un negocio rentable, es una necesidad propia a cualquier negocio; lo que cuestiono es su poco o ningún compromiso real con el desarrollo integral de una cultura nacional, lo que en última instancia les beneficiaria pues un público más culto, por supuesto sería más sensible a los productos que exhiben.
De cierre anoto que soy un fiel convencido del mensaje de Horacio Quiroga en su Decálogo del perfecto cuentista, sobre todo en el artículo IX que parafraseo así: “No concibas tus creaciones bajo el imperio de la emoción. Déjales morir, y evócales luego. Si eres capaz entonces de revivirles tal cual fueron, has llegado en arte a la mitad del camino.”

2. ¿Qué te llama la atención como creador en las obras de pequeño formato?

El pequeño formato es una especie de juguete lúdico para mí, puedo hacer una gran cantidad de variaciones y luego dejarlos dormir por años, retomarlos tan frescos como al inicio y continuar el viaje fenomenal de descubrir mil cosas no vistas en primera instancia. Y así una y otra vez. En realidad son inagotables y lo que es mejor, no los considero concluidos nunca.
Además al ocupar poco espacio no representan la incomodidad de obras de mayor formato en cuanto a requerimiento de almacenaje, por regla común se me pierden y ello no me conturba; sé que los encontraré cuando sea menester. Los considero una especie de Hai kus pictóricos, pueden expresar mundos en un espacio mínimo y ser, a la vez, ligeros y profundos. Generalmente los muestro muy poco, y a muy contados.

3. ¿Por qué te has inclinado por la técnica mixta?

Este es el típico caso de necesidad de supervivencia. Desde el inicio conté con muy pocos materiales de los que suelen denominar “nobles” los que de esto dicen que saben (pareciese que es el material y no el artista el que cuenta), y me acostumbré a trabajar con elementos industriales, de desecho y mil opciones poco recomendables para las altas aspiraciones de los que ven el objeto como un bien de mercado y no como una expresión de lo humano infinito.
Ello marcó profundamente mi devenir como creador, de tal suerte que siempre me sentí más cercano al arte povera que a los dignos estetas del óleo y del lienzo; con el agravante de que soy un fanático del bien hacer. Creo que hasta con basura se puede hacer un gran arte si se une la adecuada sensibilidad y pericia técnica. Recuerdo que en una de las muestras que realice hace años, cuando trabajaba con fotocopias (que de siempre la tecnología me ha frecuentado), fui acusado por un colega de hacer obras demasiado bien hechas, demasiado estéticamente perfectas. Él aducía, no sin razón, que el arte planteado tal cual hacia debía ser burdo y mal hecho para contener la carga emocional debida. Pero ¿quién le quita a uno el gusto por la materia? ¿por solazarse en cada centímetro de la obra? Al final se crea por placer y parte de eso es sentir que se hace el mejor trabajo que nuestras manos pueden robarle al cerebro y a la sensibilidad.
Así que trabajar en técnicas mixtas (mezclando lo que se nos ocurra y encontremos a mano) es consustancial con mi periplo vital como creador.

4. ¿Dónde se publicarán los catálogos en línea?

Uno de mis descubrimientos, por supuesto tardío, en el mundo cibernético es la profusión de excelentes publicaciones en línea. Y encima no tienen mayor costo que el hacerlas y luego lanzarlas a la autopista informática. Gusto, paciencia y buen material es lo indispensable, de allí a competir con otro millón de publicaciones. Pero es igual que en el mundo de las editoriales impresas. El espectador verá lo que le interese o llame la atención, con la ventaja del ningún costo económico (más que el tiempo invertido). En mis exploraciones por el universo virtual he encontrado cientos de sitios gratuitos y fáciles de utilizar y en nuestro idioma (recuerda que soy medio tecno-chambón y encima solo hablo español y muy limitado). Así que me asocie a dos sitios, de preferencia, para desarrollar esta iniciativa; uno es el muy conocido y utilizado (tiene excelente material editorial): ISSUU (http://issuu.com/) y el otro es GLOBAL ART CATALOGUE, en este incluso ya tengo una publicación inicial de prueba en la red: http://globalartcatalog.com/!manuelmontilla_1.
Así que pienso que ahora, en verdad, el universo es el límite y se nos quedará corto muy pronto.

5. ¿De qué años datan las 20 obras que expondrás?

Las obras en la muestra EL JARDÍN DE GIVERNY - SALUTACIÓN A MONET las inicié en el verano del 2010. Una amiga entrañable, que comparte mi afición por los libros, me había obsequiado una biografía profusamente ilustrada sobre este increíble Maestro y me percaté de que se cumplirían por esas fechas 170 años de su nacimiento (ocurrido en 1840). Por coincidencia leía, en esos días, un volumen de poesías de Ezra Pound que contenía tres poemas que en su título llevaban el vocablo “salutación” y, unir el agua y el aceite fue uno.
Ya había visitado, unos años antes, en París el Museo de Orsay y visto de primera mano lo más granado del Impresionismo, y por supuesto Monet siempre estuvo entre mis predilectos.
Posteriormente obtuve un volumen de gran formato con las obras de Monet, sobre todo la serie de los Nenúfares (en láminas inmensas)… y eso fue todo para el campeón.

6. ¿Qué te impulsó a seleccionar esas 20 entre las 60 que tenías terminadas?

Primero debo anotar que las obras en sí no tienen relación ni con el impresionismo ni con Monet más que en el espíritu del uso del color y la luz como basamentos de construcción compositiva y espacio-temporal. Y cual comenté con anterioridad el pequeño formato es una fiesta para mí, así que soy irresponsable y hago muchos cuando me dedico a una serie (que no es muy de continuo). Así nacieron y quedaron dormidos y olvidados por tres años.
Cosas fortuitas, en la hecatombe de mi estudio nunca encuentro nada, pero recién me puse a hurgar en busca de unos documentos que precisaba (y que no encontré) y aparecieron estas obritas con la ventaja de que tenían algunas páginas de anotaciones que me refrescaron la memoria y me sorprendieron gratamente. De tal me di a la tarea de seleccionarlas por conjuntos afines y encontré en este grupo, en especial, una suerte de memoria en duermevela que me acercaba mucho más al interior de la obra de Monet. Tal vez por su cercanía a cierta intensidad acuosa o por su preeminencia de aquas y cianes y algún toque de cinabrio o por su difusa insumisión lumínica; lo cierto es que me insertaron en la reminiscencia de las grandes telas del Maestro de Giverny.
Estas obritas, conformantes de la muestra, pueden pecar de pequeñas que no de falta de insurrecciones germinales.

7. ¿Qué has aprendido como artista de los miembros del impresionismo francés?

Contestatarios, insobornables e indoblegados, trajeron a la pintura el aire, el sol, la atmósfera más feraz. Se propusieron mostrar el mundo cambiante, lumínico e inmediato y, en alguna medida, insertar la vida circundante como creación propicia para decirnos que estamos aquí, ahora y que descubrirnos es fascinante.
Ya lo anotaba Monet, al expresar: “El tema tiene para mí una importancia secundaría; quiero representar lo que vive entre el objeto y yo.”

8. ¿Qué encuentras en la obra plástica de Monet que te cautiva?

Esa libertad endeble que producen las ensoñaciones. Monet atrapa el filo de la luz en el instante en que la sombra cromática se avoca al estupor del decurso. Recordemos su serie sobre la Catedral de Ruán donde las armonías de atmósferas, luz y color, se insertan en nuestra retina para avocarnos a un tiempo sin mensura en lo que todo es sin estar.
Y esas trémulas degradaciones de la memoria frente a El Parlamento traspasado de sol en la niebla, solo equiparables a los arrebatos gestuales de las más intensas marinas de Turner. Y, por supuesto, ese incoercible El estanque de nenúfares por la tarde, donde la sabiduría del pintor cede a la más intensa emoción por lo inadvertido del oscilar luminiscente.
Y podríamos continuar encontrando maravillas en una obra sin fisuras y plena de imperecederos mágicos. El que no ha visto un Monet, no ha visto pintura.

9. ¿Qué te atrapa de El jardín de Giverny de Monet?

El jardín de Giverny, en sí, es una eclosión de natura en plenitud, pero más que el propio jardín de Giverny, que ya es mucho decir, es la creación de ese universo interior que puebla a Monet y le hace obsesivo, desesperado e impetuoso ante su propia creación… porque al final Giverny es a Monet lo que Monet es a Giverny, indisolubles, incandescentes y proteicos.

10. ¿Sientes que el impresionismo francés está entre tus influencias en tu obra?

No en directo, vibro intensamente con cada tela de Monet, Pisarro, Caillebotte, Bazille, Bonnard, Corot, Manet, Degas, Renoir, Sisley, Guillaumin, pero más que influencia lo describiría cual un espléndido goce orgiástico-estético.
Mi camino, en contravía, es otro; al inicio muy emparentado con el Arte Pop (nunca me gustó Warhol) de Larry Rivers, Tom Wesselmann, Lichtenstein, Hamilton, Dine, Oldenburg, Paolozzi, Blake, pero sobre todo Johns y el de mayor afinidad, y al que hurté mayores recursos, Rauschenberg. Posteriormente otros caminos se abrieron con figuras como Duchamp (tardíamente encontrado), Cage, de Kooning, Beuys, Rothko, Robert Morris, Richard Long, Jan Dibbets y una silenciosa y permanente presencia de Agnés Martin, Mark Tobey y mucha, pero mucha, lectura de poesía. ¡Todo un sancocho!
Diría que la poesía es la real influencia definitoria de lo que pueda producir (inclusive en alguna época inserte poemas en las obras). Aunque creo que es un mal sin remedio; yo hubiese preferido ser músico, Debussy es mi apoteosis, o poeta, Baudelaire o Basho, por supuesto, pero nací sordo y lerdo con las letras. Ni modo, me conformo con embadurnar sueños y abocarme al estupor de la luz.


David, República de Chiriquí,
22 de agosto de 2013.

Fragmentos minerales, piedrecillas, guijarros, partículas dispersas de la ceniza como granos de arena o polvo de estrellas. Tamiz del color y la forma en el pigmento que se acrisola en el fogón de la cultura, sumergido en los océanos de la historia. Montilla nos acerca la realidad a través del microscopio de su artificio, ampliando el origen de las cosas en un proceso casi arqueológico donde, sin embargo, lo importante son las huellas de la tribu, de la epopeya colectiva. Porque lo microscópico se torna cósmico en el alucinante residuo del quehacer humano y su apuesta más lúcida por la armonía, la convivencia mutua con el diálogo propiciatorio y la transdisciplinariedad ecológica. Y, por si se nos olvida, el artista panameño, oficiante del culto cotidiano e intermediario con lo sagrado, nos lo recuerda: el arte es el sustento más sólido de esa apuesta.

Adriano Corrales Arias*
Septiembre 2004, San José, Costa Rica

*Poeta, narrador y promotor cultural costarricense.

FORMS OF HUMAN

Be and being in the world... Here are the genesis of what an artist searches and expresses in his work. Since prehistoric times, the concern has not been another. In Egypt, India, in China, in Mesopotamia, Greece, Rome, during the Renaissance, in the century XX and today, still desire persists; renews, but does not change: is the search for human reality and man. No matter what denomination receives (classical, Renaissance, modern, figurative, Cubist, abstract), essentially goes beyond adjectives, classifications, currents and theories. Behind or at the bottom of any genuine, gear up in the seemingly more away from everyday life, in the immediate term, are the essence, shapes, color the vital breath of what human.
In this exhibition, Manuel E. Montilla offers, from a particular perspective, which mixes and reconciles disparate elements -these range from the figurative to abstract expressions-, approximations to reality in continuous transformation (or decomposition). What catches your eye and hand casts to the consciousness of the Viewer is the dialectical interaction man-world. Today, of course man and world. Accordingly, in these works there figures, objects or entities that are not part of us and the world that surrounds us and sustains us.
Anxiety, violence, dreams, failures, utopias, ghosts are or underlying works. Contrary to some postulates that advocate a kind of psychological, relativism according to which each individual sees in works of art which he strikes as or prefer, in the viewer perceives that he himself is, what we all: beings in history, at the time, in the cosmos, hooligans to an inevitable, destination instances and bright, dark, flattering or tragic moments.
In synthesis, the Montilla artist proposes that we lying man and reality as they are: multi-purpose, multiple, simultaneously close and distant, ephemeral and infinite. Now, already facing works, each of us is now accept or reject this proposal.


D. L. Pitty
Potrerillos, September 29, 2010

Dimas Lidio Pitty: (Potrerillos, Chiriquí, Panamá, 1941). Poeta, narrador y periodista. Su quehacer literario y periodístico le ha valido distinciones y reconocimientos dentro y fuera de Panamá. Ha obtenido en varias ocasiones el Premio Nacional de Literatura Ricardo Miró en Poesía, Cuento y Novela.

Manuel E. Montilla - P. O. Box 0426 - 01137 - David, Chiriquí, Panamá
Phone (507) 6687 1607 / Mail: fmontillah@yahoo.com

LAS FORMAS DE LO HUMANO

Estar y ser en el mundo… He aquí la génesis de cuanto un artista busca y expresa en su obra. Desde la prehistoria, la preocupación no ha sido otra. En Egipto, en India, en China, en Mesopotamia, en Grecia, en Roma, en el Renacimiento, a lo largo del siglo XX y aún hoy, el afán persiste; se renueva, pero no cambia: es la búsqueda de lo humano en la realidad y en el hombre. No importa qué denominación reciba (clásico, renacentista, moderno, figurativo, cubista, abstracto), lo esencial del hecho artístico rebasa adjetivos, clasificaciones, corrientes y teorías. Detrás o en el fondo de todo arte genuino, hasta en el aparentemente más alejado de lo cotidiano, de lo inmediato, están la esencia, las formas, el color y el aliento primordial de lo humano.
En esta muestra, Manuel E. Montilla ofrece, desde una perspectiva particular, que mezcla y concilia elementos disímiles —éstos van de lo figurativo a las expresiones abstractas—, aproximaciones a una realidad en permanente transformación (o descomposición). Lo que su ojo capta y su mano proyecta a la conciencia del espectador es la interacción dialéctica hombre-mundo. Hombre y mundo actuales, por supuesto. En consecuencia, en estas obras no hay figuras, objetos o entidades que no sean parte de nosotros y del mundo que nos rodea y nos sustenta.
Angustia, violencia, sueños, fracasos, utopías, fantasmas afloran o subyacen en las obras. En contradicción con algunos postulados que preconizan una especie de relativismo sicológico, según el cual cada individuo ve en las obras de arte lo que se le antoja o prefiere, en éstas el espectador percibe lo que él mismo es, lo que somos todos: seres en la historia, en el tiempo, en el cosmos, asidos a un destino ineluctable, con instancias y momentos luminosos o sombríos, halagüeños o trágicos.
En síntesis, Montilla propone que percibamos al hombre y la realidad tal como son: polivalentes, múltiples, simultáneamente próximos y distantes, efímeros e infinitos. Ahora, ya frente a las obras, a cada uno de nosotros le toca aceptar o rechazar esta propuesta.

D. L. Pitty
Potrerillos, 29 de septiembre de 2010

Dimas Lidio Pitty: (Potrerillos, Chiriquí, Panamá, 1941). Poeta, narrador y periodista. Su quehacer literario y periodístico le ha valido distinciones y reconocimientos dentro y fuera de Panamá. Ha obtenido en varias ocasiones el Premio Nacional de Literatura Ricardo Miró en Poesía, Cuento y Novela.

Manuel E. Montilla - P. O. Box 0426 - 01137 - David, Chiriquí, Panamá
Phone (507) 6687 1607 / Mail: fmontillah@yahoo.com

MANUEL E. MONTILLA

Panamá, 20 de marzo de 1950.

Artista autodidacta por convicción. La ENAP le designa Técnico en Artes Plásticas (1978) al presentar Examen Profesional a Título de Suficiencia.

Investigador Visual. Ha explorado las técnicas de: dibujo, pintura, escultura, fotografía, cerámica, diseño, serigrafía, caricatura, ilustración, arte público, poesía, arte correo, acciones de arte, collages, instalaciones, arte conductual, ensamblajes. Entre otras.

Desde 1968 a presentado veinticinco (25) muestras personales en Panamá (17), Colombia (1), Alemania (2), Costa Rica (3), Guatemala (1) y Honduras (1). Participando en más de 300 colectivas y bienales de arte en sesenta países.

En 1992 presenta la exposición individual “La Anunciación” en el Museo de Arte Contemporáneo de Panamá. Diseña mural público en Osaka, Japón, (1987). En 1991, realiza, por invitación, mural en el BÜZ de Minden, Alemania.

Premios en Artes Plásticas (selección):

1979 - Condecoración Paleta de Oro ENAP – INAC Panamá
1979 - Primer Premio, Medalla de Oro - Concurso Pictórico
Colgate–DOIP Panamá
1983 - Primer Premio - Concurso Nacional de Pintura
INAC Panamá
1984 - Primer Premio - Concurso Arte Joven de
Vanguardia - Grumbacher/DEXA Panamá
1990 - Primer Premio – Concurso Nacional de Pintura
INAC Panamá
1993 - Primer Premio – Concurso Nacional de Pintura
INAC Panamá – Arte sobre Papel
1998 - Primer Premio – Concurso Nacional de Pintura
INAC Panamá – Arte sobre Papel
2009 - Honorable Mention – 2ª. NBC Tokyo Biennale (Japón)
2010 - Tercer Premio – Concurso Nacional de Pintura
Roberto Lewis – INAC Panamá
2011 - Honorable Mention – 3ª NBC Tokyo Biennale (Japón)
2013 - Reconocimiento al Mérito en las Artes y la Cultura.
39 Aniversario del INAC, Panamá.
2013 - Seleccionado en Convocatoria Internacional para el Proyecto
PORTAS ABERTAS en Évora, Portugal. Fundación EUGÉNIO DE
ALMEIDA.
2013 - Seleccionado en Convocatoria Internacional para la muestra
LABERINTOS DEL ARTE en MUSEO KARURA ART CENTRE,
España.
2013 - Premio Mural en Concurso Nacional de Arte Tocumen 2013 próximo
a ser instalado en Aeropuerto Internacional de Tocumen - Panamá.
2013 - Honorable Mention – 4ª NBC Tokyo Biennale (Japón)

Selección Bienal de Arte de Panamá – 1992, 1994, 1996, 1998, 2002.
Miembro de la Academia Europea de Ciencias, Artes y Letras (Francia); de Asociación Difusora Obra Gráfica Internacional – ADOGI (España); del Salón de Tokyo (Japón).

De 1999 a 2004 funge como Sub Director Nacional de las Artes del Instituto Nacional de Cultura (INAC), en funciones de Coordinador Regional de Chiriquí y Director del Museo de Historia y de Arte José de Obaldía. Realizando exitosamente más de 300 actividades expositivitas, recitales, talleres y convivios; en ese periodo efectuó cinco Ferias Culturales Internacionales (INAC – FIDA).

Del 2000 al 2033 establece en David la Galería de Arte INAC Chiriquí.

1995-2003 concreta el proyecto Fundación para las Artes MONTILLA e HIJOS, con el cual aspira a consolidar el patrimonio cultural y artístico que ha reunido y preservarlo como un legado para Mesoamérica.

2007, coorganiza en David, Chiriquí, CATZE (Espacio para las Artes y la Tecnología).

2008, establece ARTE DEL HIERRO, estudio de investigación para la escultura constructiva y en espacios públicos.

2011-2013 Curador y Gestor de Exposiciones Nacionales e Invitados Internacionales de Casa Cultural La Guaricha, en David

Es Director Ejecutivo de la Pinacoteca de Arte Contemporáneo de Chiriquí y de la Fundación para las Artes Montilla e Hijos.

Ha efectuado extensos periplos de investigación y confraternidad artística por América Latina y Europa.

Montilla vive en David, Chiriquí, Panamá, donde se dedica a la gestión cultural, a las investigaciones esculto-pictóricas y literarias, a la edición alternativa, al diseño gráfico y al arte público.


MANUEL E. MONTILLA
Celular (507) 6687 1607

Apartado Postal 0426 01137
David, Chiriquí, Panamá

fmontillah@yahoo.com
fmontillah@hotmail.com
fmontillah@gmail.com