무엇이 당신에게 예술 창작과 예술가로서의 영감을 주었나요? (사건, 감정, 경험...)
여섯 살쯤 된 어린 시절에는 집 근처에서 찾을 수 있는 점토를 이용해 모양을 빚는 것을 좋아했고, 친할아버지와 함께 작은 나무 장난감을 만들곤 했습니다.
10대 시절에 저는 19세기 후반과 20세기 초반의 마키아이올리, 인상파, 그리고 다른 예술가들의 그림을 재현하기 시작했습니다. 미술 및 드로잉 선생님의 초대로 저는 처음에 마체라타 미술 연구소의 장식 그림 과정에 등록했고, 나중에 1979년에 마체라타 미술 아카데미에 입학하여 그림 공부를 마쳤습니다.
당신의 예술적 배경은 무엇이고, 지금까지 어떤 기법과 소재를 실험했나요?
저는 어린 나이에 전시를 시작했는데, 17세에 친구와 함께 오래된 인쇄소에서 첫 전시회를 열었습니다. 그 이후로 저는 이탈리아와 해외에서 10번의 개인전을 열었고 약 60번의 그룹전에 참여했습니다. 약 30년 동안 저는 크리에이티브 디렉터로 비주얼 커뮤니케이션 에이전시와 스튜디오에서 일했습니다. 2016년부터 저는 인탈리오 조각 도구로 돌아와 소량 에칭 플레이트를 신중하게 생산하기 시작했습니다. 저는 조각, 사진, 판화 기술에 대한 관심을 결코 잃지 않았습니다. 제 작품은 오일에서 템페라 그라사, 그래픽 기술에서 프로타주, 수채화에서 앙코스틱, 모델링에서 목공 및 석조 조각에 이르기까지 다양한 기술을 사용하여 제작됩니다.
다른 예술가와 차별화되는, 당신의 작품을 독특하게 만드는 세 가지 측면은 무엇입니까?
- 자연에 대한 주의 깊고, 말하자면 강박관념에 가까운 관찰이었습니다.
- 가능한 가장 순수한 형태에 도달하기 위해 원소 제거
- 기술을 통한 끊임없는 탐구와 과거에 대한 끊임없는 반성
당신은 어디에서 영감을 얻나요?
자연과 역사, 그리고 과거의 거장들로부터.
당신의 예술적 접근 방식은 무엇입니까? 당신은 시청자에게 어떤 비전, 감각 또는 감정을 불러일으키고 싶습니까?
기대—아마도 이것이 가장 흥미로운 해석일 것이다. 각 작품에서 그림을 인식하는 방식이 바뀐다. 다양한 "각도"에 열려 있고 고유한 형식을 실험하며 그래픽 디자인 세계를 반영한다. 각 구성은 내면의 반성, 명상 과정의 단순한 순간 또는 에피소드이다. 조각난 본질, 선, 멈춤, 약간의 불규칙성 또는 표면에 퍼져 있는 비대칭성은 그림의 경험이 내부적으로 어떻게 느껴지는지 말해준다. 방향 감각의 필요성, 모든 인간 경험과 관련 있는 무언가: 인간은 광대한 "시각적" 분야에서 홀로, 덧없이, 당황스러워한다.
작품을 만드는 과정은 어떤가요? 즉흥적인가요 아니면 긴 준비 과정(기술적, 고전 예술에서 영감을 받거나 그 외)이 필요한가요?
그림은 제 작업에서 제 주요 동맹이지만, 항상 작품을 시작하기 위해 준비 스케치에 의존하지는 않습니다. 종종 저는 반사적이거나 진화적인 요소로 인해 예술 작품의 새로운 구성으로 끌려갑니다. 거의 스케치되지 않은 표면, 불완전한 모양, 벽의 축축한 얼룩 등은 필연적으로 창작 과정에 불을 붙일 수 있습니다. 저는 고등학교에서 미술사 수업 중에 종종 발생하는 "단락"을 무시할 수 없습니다. 종종 작품의 이미지와 조각이 새로운 잠재적 작품에 대한 아이디어로 저에게 영감을 줍니다.
당신은 특정한 작업 기술을 사용합니까? 그렇다면 설명해 주시겠습니까?
저는 변화를 주는 걸 선호하지만, 제가 가장 자주 사용하는 기법으로는 오일, 템페라 그라사, 프로타주 등이 있습니다.
당신의 작업에는 혁신적인 측면이 있나요? 그것이 무엇인지 말해줄 수 있나요?
제 작품은 강렬한 형식적 충격이 특징이며, 지배적이지 않지만 미묘하고 절제된 존재감을 드러내는 질감이 있는 표면이 특징입니다. 색상은 또한 너무 시끄럽지 않은 주인공이 되고자 합니다.
가장 편안하게 느끼는 형식이나 매체가 있나요? 그렇다면 왜 그럴까요?
저는 70x100cm 이상부터 중간에서 큰 포맷에 편안함을 느낍니다. 하지만 저는 또한 상당한 수의 소규모 작품을 가지고 있는데, 이는 종종 더 큰 포맷을 위한 스터디와 스케치입니다.
어디에서 작업을 만드시나요? 집에서, 공유 스튜디오에서, 아니면 개인 스튜디오에서? 그리고 이 공간에서 창작 작업을 어떻게 정리하시나요?
저는 집 스튜디오에서 작업하는데, 점점 집이라기보다는 스튜디오에 가까워지고 있습니다. 1층에서 저는 4개의 별도 구역에서 작업합니다. 20제곱미터 공간에서 저는 조각, 모델링, 프레임 준비, 조각품의 바닥, 전시용 요소를 다룹니다.
다른 두 개의 방은 첫 번째 방은 제 그림 작업에 전념하고 두 번째 방은 인탈리오 인쇄에 전념하며, 여기에는 아카이브도 보관되어 있습니다. 두 방 사이의 전환 구역은 제 작품을 전시하는 공간으로 사용됩니다.
당신의 직업은 새로운 수집가를 만나거나 박람회나 전시회에 참석하기 위해 여행을 해야 합니까? 그렇다면 무엇이 당신을 그렇게 하도록 동기를 부여합니까?
가능하면 전시회와 박람회에서 갤러리 주인과 수집가를 만나러 여행을 다닙니다. 잠재적인 판매와 아이디어 교환을 위해 필수적입니다.
미래에 예술가로서의 당신의 작업과 경력이 어떻게 발전할 것으로 생각하시나요?
잘 모르겠어요! 저는 항상 제 작업을 개발하는 데 필요한 창의적인 에너지와 시간을 갖고 싶습니다.
최근 예술 작품의 주제, 스타일, 기법은 무엇입니까?
최근에는 대칭의 개념, 시간의 균열, 자연과 인공의 관계에 초점을 두고 있습니다.
가장 중요한 전시 경험에 대해 말씀해 주시겠습니까?
저는 2014년 암스테르담에서 열린 제 개인전을 기억합니다. 특히 제 작품을 구매한 후 수집가로부터 받은 편지가 기억납니다. 그 편지에는 갤러리에서 작품을 처음 본 순간부터 집 벽에 걸어둔 모습과 그가 찍은 사진까지 자세한 설명이 있었습니다. 편지에 첨부된 이미지는 제 기억에 남았고, 여전히 집에 있는 것 같은 느낌을 줍니다.
만약 당신이 미술사에서 유명한 작품을 만들 수 있다면, 어떤 걸 고르시겠어요? 그리고 왜 그럴까요?
제가 재현하고 싶은 작품이 몇 가지 있습니다. 그중 하나가 피에로 델라 프란체스카의 '그리스도의 채찍질'입니다 . 1450년경에 제작되어 우르비노의 마르케 국립 미술관에 소장되어 있는데, 기하학적이고 형이상학적 특성이 돋보입니다.
알베르토 부리의 크레토는 물질의 파편화를 제어하는 독창적인 기술을 선보였습니다.
유명한 예술가(살아있든 죽었든)를 저녁 식사에 초대할 수 있다면 누구를 초대하고 싶으신가요? 저녁을 어떻게 보내면 좋을까요?
저는 1916년과 1920년 사이에 그가 파리에 머물렀던 시기에 오스발도 리치니와 함께 저녁 식사를 하는 것을 상상하고 싶습니다. 아메데오 모딜리아니와 파리 학파의 몇몇 예술가를 만날 가능성도 큽니다.
Olimpia Gaia Martinelli
| ArtMajeur 매거진
