끊임없이 진화하는 여정으로서의 예술, Thia Path

아티스트가 되기로 결심한 계기는 무엇인가요? 당신의 길은 무엇입니까?

2001년에 라트비아 출신의 미국 예술가 Mark Rothko의 개인전 방문이 제 인생의 특징이었습니다. 그의 작품에는 다른 어떤 화가에게서도 찾아볼 수 없는 힘이 있었다. 추상 표현주의 운동의 일원으로서 Rothko는 색상을 입력하고, 색상으로 말하고, 대화하고, 진동하고, 보는 사람의 영혼을 만질 수 있었습니다. 그는 자신이 이렇게 썼습니다. "빛의 도움을 받은 색상은 영혼과의 관계에 들어가 예상치 못한 감정적 결과를 가져온다고 생각합니다." 그리고 그 이후로 나는 항상 그의 연구가 심화될 가치가 있다고 생각했습니다. 이 작품들은 내 마음에 남아 있었고 몇 년 후 마침내 그의 그림 뒤에 무엇이 있는지 찾기로 결정했습니다. 그래서 2015년부터 정기적으로 그림을 그리고, 분석하고, 테스트하고, 배우기 시작했습니다. 그 이후로 내 예술은 무엇보다도 마음에 깊은 영향을 미치려는 분명한 의도와 함께 색상, 색상의 관계, 에너지 및 제스처, 모양 및 비율과의 관계에 대한 검색을 공통 스레드로 가지고 있습니다. 그리고 보는 사람의 마음. 시작한 지 몇 달 만에 건축가라는 직업이 변모하고 예술가가 탄생할 때까지 예술이 점점 더 나를 채우는 것을 느꼈습니다. 그래서 저는 제 인생에서 이 중요한 구절을 지울 수 없게 표시하고 제 새로운 직업적 길을 스스로 확인하기 위해 예명을 지정하기로 결정했습니다. Patricia Ferro는 건축가이고 Thia Path는 예술가였습니다. 나의 5명의 아르헨티나 손자(나의 조국)인 Tia Pat은 나와 함께 놀았고 그들의 나이에도 불구하고 계속해서 놀고 있지만 Rothko에게 경의를 표하기 위해 T 뒤에 h를 추가했습니다. 우연히도 Path는 영어로 Path를 의미하며, 나의 새로운 길을 완벽하게 나타내는 단어입니다. 끊임없이 진화하는 길.

다른 아티스트와 차별화되는 3가지 측면은 무엇인가요?

제가 다른 아티스트와 다르다고 말씀드리기는 어렵습니다. 저희가 너무 많고 분명히 공통점이 있기 때문입니다. 그러나 내 예술에는 자발성과 정직성의 두 가지 근본적인 측면이 있다고 말할 수 있습니다. 나는 정해진 계획대로 그림을 그리는 것이 아니라 색이 나를 인도한다. 캔버스 앞에 섰을 때 나는 처음에 색을 선택해야 할까, 아니면 색이 나를 선택한다고 말해야 할까? 모르겠어요. 색상에 이끌려 색상을 겹쳤을 때 수천 가지 음영이 탄생하는 마법 같은 순간입니다. 내 손을 자유롭게 하면 제스처가 이어지며 수채화, 아크릴, 오일, 파스텔 및 검정 잉크가 캔버스에 남습니다. 내 그림은 직접적이고 즉흥적이며 모델은 없지만 작업하면서 모든 것을 발견합니다. 그것은 내 마음의 상태를 완전히 반영합니다. 이따금 선이 비유적이지만 결코 현실적이지 않습니다. 나는 내 안에 있는 것을 그린다. 나는 감정, 경험, 기억을 그립니다. 색상은 저를 불러 캔버스에 착용을 요청합니다. 사실, 미술 평론가가 저를 "색깔의 음악가"라고 불렀던 것처럼, 색이 교향곡을 연주하는 것과 같습니다. 때때로 나는 종이, 내가 읽은 책의 페이지, 모래, 천과 같이 함께 붙인 재료를 사용합니다. 그러므로 눈은 캔버스를 쓸고, 회전하고, 기분에 맞는 조합을 발견하는 지점에서 멈추고, 계속해서 ... 마치 춤을 추는 것처럼 계속됩니다. 묵상과 반성의 그림들입니다. 그들은 좋은 와인 한 잔과 함께 할 때 훌륭합니다. 마지막으로 매우 중요한 측면은 제가 항상 건축가로 일해 온 빛입니다. 내 작품은 빛이 자연적이든, 인공적이든, 직접적이든 간접적이든 크게 변화합니다. 받는 빛에 따라 다른 그림을 보는 것과 같은 경우가 많습니다. Rothko가 말했듯이 "빛의 도움을 받는 색상은 영혼과 연결되어 예상치 못한 감정적 결과를 초래합니다." 그래서 나는 항상 고객들에게 그들이 받는 빛의 유형에 따라 위치를 정하라고 조언합니다. 나는 종종 그것이 전시 될 환경에 따라 최고의 페인트를 제안합니다. 나는 항상 수집가에게 멀리 있으면 그들이 제공하고 싶은 공간의 사진을 보내달라고 요청하고 다른 솔루션을 제안하는 포토 몽타주를 만듭니다. 가까우면 직접 가서 작품도 가지고 갑니다.

영감은 어디에서 오나요?

색상 자체. 나도 몸짓으로 시작하는 날이 있다. 음악을 틀고 눈을 감고 한 줄을 그리기 시작합니다. 때로는 오른손으로, 때로는 왼손으로. 색상을 선택하고 시작합니다. 그리고 나서 모든 것이 말할 나위 없이 진행됩니다. 일이 쉬어야 하고, 안정을 취해야 한다고 느낄 때가 옵니다. 그는 하루, 일주일, 심지어 한 달 동안 그곳에 머무를 수 있습니다. 그리고 그것은 복수로 다시 시작됩니다. 색상과 브랜드는 천천히 서로를 보완합니다. 나는 종종 몇 분 동안 보드를 보고 잠시 후에 무엇이 빠졌는지 깨닫습니다. 색상은 일치하거나 반대할 수 있습니다. 보색이 캔버스에서 느껴지기 때문에 좋아합니다. 끊임없는 발견입니다.

작품의 디자인에 대해 알려주세요. 긴 준비 작업이 있습니까 아니면 자발적입니까?

나는 이미 이 질문에 부분적으로 대답했습니다. 내 예술은 주로 자발적이고 본능적입니다. 가끔 여기저기서 색의 조합을 보면 광고, 그림, 오브제, 의류 등이 될 수 있는데, 이 색들이 공감되는 것 같아서 작업하고 싶다는 생각이 든다. 다른 경우에는 음악이 저에게 영감을 줍니다. 그리고 시작하면 모든 것이 변형됩니다. 내 색은 결코 날카롭지 않지만 수천 가지의 다른 색과 베일을 만나 만들어냅니다. 다른 때는 차가운 색으로만 작업하는 것을 선호하지만 항상 따뜻한 색과 함께 작업하고 그 반대의 경우도 마찬가지입니다. 마지막으로, 그리고 대부분의 경우 검은색의 힘과 힘이 있습니다. 작품을 완전히 바꾸는 존재. 최근에 나는 멋진 형광색으로 작업하기 시작했습니다!

작품을 통해 무엇을 보여주고 싶나요?

예술과 함께 사는 것이 삶의 질을 향상시킨다는 것. 내가 내 그림에 대해 좋아하는 것은 그들이 당신을 멈추고 잠시 현실에서 벗어나 색에 빠져들도록 초대한다는 것입니다. 나는 내 그림이 천천히 효과를 발휘하기를 원하고, 색상이 보는 사람의 영혼을 강타하고, 그가 환경과 삶에 빛과 에너지를 가져다 주기를 원합니다.

작업에 특이한 기법이나 재료를 사용합니까?

요즘은 특이한 재료에 대해 이야기하기가 어렵습니다. 무엇이든 예술을 만들 수 있기 때문입니다. 나는 오일, 파스텔, 아크릴, 마커, 잉크, 분필, 수채화로 그렸지만 모래, 금박, 천, 실, 판지를 사용할 수도 있습니다. 예를 들어, 연극 공연을 위해 화장실도 그렸는데 팝아트의 아름다운 작품으로 밝혀졌습니다. 캔버스와 종이 모두에서 작업하는 이유는 둘 중 하나에 남기는 표시가 너무 다르기 때문입니다.

선호하는 형식이 있습니까? 왜요 ?

작은 작업으로 시작했지만 지금은 큰 형식을 훨씬 선호합니다. 100x120cm 형식이 정말 마음에 듭니다. 어떻게 걸느냐에 따라 공간을 다르게 차지하기 때문입니다. 거의 모든 추상 작품의 뒷면에는 반품이 가능하기 때문에 서명이 되어 있습니다. 나는 내 작업의 방향을 바꿀 수 있는 가능성을 좋아한다. 왜냐하면 그것들이 달라지기 때문이다. 나는 또한 흥미로운 시리즈의 50x50 정사각형 작품을 가지고 있는데, 그 중 일부는 딥티크(diptych)를 형성하고 다른 것들은 서로 옆에 배치되어 자체적으로 대화를 생성할 수 있습니다.

일을 하시면서 어떤 어려움을 겪나요?

가끔 머릿속에 어떤 모양이 있어서 그림을 그리고 싶지만 스튜디오에 도착하면 몸과 마음이 같은 것에 대해 이야기하는 것이 더 낫다는 것을 깨닫게 됩니다. 또 한 가지 궁금한 점은 어려운 점이라고는 할 수 없지만 사람들이 그림의 의미를 물을 때다. 그들은 나에게 말해, 나는 그것을 많이 좋아하지만 나는 이해하지 못한다! 예술을 감상하기 위해 예술을 이해할 필요는 없다고 확신합니다. 그림이 눈에 들어오고 기분나쁘면 사랑에 빠졌을 때처럼 끝난 것입니다. 이 색상은 당신에게 말을 걸어 당신이 찾고 있던 에너지를 주었습니다. 그리고 그 이유를 분석해야 하는 사람은 항상 관찰자입니다. 지그문트 프로이트가 환자의 꿈을 분석했을 때와 비슷합니다.

너는 어떻게 일하니? 집에서, 공유 또는 개인 스튜디오에서?

나는 도시에서 가장 오래된 레스토랑 맞은편 피아첸차(Piacenza)의 역사적인 중심지에 있는 거리에 개인 스튜디오를 가지고 있습니다. 이웃과 함께 우리는 종종 Mariuccia 바에 커피를 마시러 갑니다. 그런 다음 사람들은 지나가다가 멈춰서 보고 묻습니다. 색상은 매우 눈길을 사로잡습니다. 그것은 매우 아름답습니다. 이제 작품의 규모가 점점 커지다 보니 공간이 부족해지기 시작해서 더 큰 걸 찾아볼까 생각 중이에요. 또한 저는 RilassArte라고 하는 제 스튜디오에서 수업을 진행합니다. 그곳에서 저는 고등학교에서 제 학생들과 함께 하는 것처럼 재미있고 편안한 다양한 기술을 사용하여 사람들에게 예술가를 끌어내는 방법을 가르칩니다. , 내가 예술과 이미지를 가르치는 곳.

예술가로서 당신의 작업은 당신에게 많은 여행을 요구합니까?

지금까지 건축가나 관광객으로 여행을 많이 다녔는데 이것이 내 그림에 반영되어 있다. 지금은 특히 유럽 갤러리들로부터 여러 차례 초청을 받고 있습니다. 따라서 팬데믹 이후에 재개할 수 있기를 바랍니다.

귀하의 경력 중 가장 좋은 시기는 언제입니까?

모든 아티스트와 마찬가지로 자신의 예술이 인정받고 작품을 판매할 때 좋은 일이라고 생각합니다. 또한 귀하의 작업이 ITS에서 제자리를 찾았다는 사실을 알게 되어 매우 기쁩니다. 현재로서는 내 예술을 만들고 홍보하는 데 보내는 모든 시간이 멋진 시간이라고 말할 수 있습니다. 하지만 가장 좋은 시기는 아직 오지 않았다고 생각하고 싶습니다.

10년 후에 일하는 자신을 어떻게 보십니까?

저는 많은 국가(현재는 8개)의 여러 개인 소장품과 전 세계의 갤러리에 전시하고 싶습니다. 출신국인 아르헨티나에서 전시를 하고 싶습니다. 그리고 박물관에서. 갤러리에서 내 작품은 남미와 동부 환경에도 잘 맞을 수 있지만 온라인에서 나를 가장 팔로우하는 관객은 주로 유럽인과 북미인이라는 것을 알게 되었습니다. 색상으로 작업할 때 보편적인 작업을 하는 것입니다.

현재 어떤 일을 하고 있나요? 곧 작품을 전시할 계획인가요?

나는 두 개의 서로 다른 컬렉션에서 동시에 작업합니다. 주로 차가운 색상과 형광 색상을 사용하여 캔버스와 큰 치수의 추상화. Altamira 컬렉션이라는 제목의 50x70cm 크기의 종이에 또 하나. 마치 해독해야 할 비밀 메시지인 양, 우리 행성의 생명체의 첫 징후를 회상하고 그들 사이에서 대화를 나누는 컬렉션입니다. 11월에는 단테 알리기에리 서거 700주년을 맞아 밀라노에서 열리는 신곡에 관한 단체전에도 참가할 예정입니다. 하지만 지금은 피아첸차의 그란데 알베르고 로마에서 개인전을 하고 있습니다. 도시에서 가장 중요합니다.

미술사에 이름을 남길 수 있었다면 어떤 작품을 만들었을까?

확실히 Rothko의 그림입니다.

유명한 예술가(죽든 살아 있든)를 저녁 식사에 초대할 수 있다면 누구를 초대하시겠습니까?

마크 로스코! 의심없이.