CIRCLE 3 (2021) Morgan Paslier의 콜라주.
10, 9, 8, 7, 6, 5, 4, 3, 2, 1...
10, 9, 8, 7, 6, 5, 4, 3, 2, 1: 예술사에서 가장 관련성이 높은 콜라주를 차례로 배치하는 것을 목표로 하는 상위 10이라는 이름으로 가는 이 수치 절정을 통해, 나는 독자들이 더 대중적인 회화, 조각, 사진에 직면하여 종종 소외되는 예술적 기법에 대한 지식에 더 가까이 다가가도록 하고 싶습니다. 따라서 순전히 교훈적인 목적의 이러한 의도를 추구하면서, 나는 다양한 유형이 될 수 있지만 일반적으로 단단한 지지대에 접착된 종이, 사진, 개체, 신문 스크랩, 잡지 등을 중첩하여 얻은 작업 실행 방식을 독자가 더 잘 이해할 수 있도록 콜라주의 기원과 특성을 간략하게 설명함으로써 내가 선별한 선택을 적절하게 소개하는 것을 목표로 합니다. 예술사적 관점에서, 앞서 언급한 기술은 20세기 초에 시작되었으며, 이 기간 동안 입체파 거장인 피카소와 브라크, 그리고 나중에는 또한 미래파와 기하학적 추상주의의 주창자뿐만 아니라 더 복잡한 네오 다다, 초현실주의, 팝 및 누보 리얼리즘 집합체에 의해 창조된 여러 아방가르드 걸작의 창조에 활용되었습니다. 그러나 이것은 유럽 중심의 서구 예술 서적이 우리에게 들려주는 이야기인데, 사실 콜라주가 종이 발명 당시, 즉 기원전 200년 중국에서 처음 어떻게 사용되었는지, 그리고 10세기부터 시를 쓸 때 표면에 텍스트를 사용하여 접착 종이를 붙이기 시작한 일본 서예가들이 어떻게 설명하는지 설명하는 데 너무 부족합니다. 그럼에도 불구하고 서구 세계는 포토몽타주, 즉 사진으로 만든 콜라주를 발명한 공로를 확실히 인정받아야 합니다. 이 기술은 리처드 해밀턴이 오늘날까지 가장 위대한 주창자 중 한 명으로 밝혀졌습니다. 어쨌든 빅토리아 인쇄, 인쇄 용지 한 장에 둘 이상의 네거티브 인쇄, 전면 투사 및 컴퓨터 편집 기술과 같이 이미지를 결합하는 다른 방법을 포토 몽타주라고도하는 방법에 주목할 가치가 있습니다. 이제 이 간단한 "교훈"이 끝난 후 운명적인 순간에 도달했습니다. 이제 개념으로 가득 차 있으므로 문제의 기술에 대한 상위 10가지를 숙고하고 이해하도록 남겨 둡니다.
CONTAINMENT (2020) Collages by Emily Coubard (Mil.)
Annegret Soltau (자화상).
10. Annegret Soltau(자화상)
나의 톱 10은 주로 인체와 얼굴을 검은 실로 꿰매거나 연결하는 포토 몽타주 예술에 순전히 초점을 맞춘 독일 시각 예술가 Annegret Soltau로 시작하여 1970년대와 1980년대 예술의 랜드마크로 기록되었습니다. 내가 이 선택을 설명하기 위해 선택한 Soltau 자화상은 예술가의 작업 내에서 반복된 여러 핵심 개념의 요약입니다. 예를 들어 실로 렌더링된 선 아이디어와 이 경우 Annegret 자신이 의인화한 인간 형상의 결합입니다. 또한 이러한 결합은 앞서 언급한 검은 비단실로 묶인 대상이 일종의 "자화상"을 생성하는 작품의 생성으로 이어지며, 이 경우 작가의 젊음과 성숙함을 동시에 드러내는 완전히 다른 두 시대의 작가 삶을 통합할 수 있습니다. 이런 식으로 Annegret는 또한 그녀의 모습의 파편을 통해 사회적 맥락에서 "더 공정한 섹스"의 주변 위치를 활성화시키는 갈등과 성별 압력 및 차별을 암시하는 것을 목표로 여성으로서의 매우 개인적인 이야기를 씁니다. 결국 그녀는 두 가지 버전의 자신을 병치함으로써 개인이 존재하는 동안 자연스럽게 직면하는 신체적, 심리적 변화를 더욱 부각시킬 수 있습니다.
Hannah Höch, 독일의 마지막 바이마르 비어벨리 문화 시대를 부엌칼로 자르다 다다, 1919-1920. 콜라주. 베를린: Nationalgalerie, Staatliche Museen zu Berlin.
9. 한나 회흐(Hannah Höch), 독일의 마지막 바이마르 비어벨리 문화 시대(1919-1920)를 부엌칼로 자르다 다다
9번 위치에서 우리는 또 다른 여성, 즉 1978년에 태어난 독일 다다이스트 예술가인 Hannah Höch를 찾습니다. 정치적 콜라주와 포토몽타주로 유명합니다. 그녀는 매스 미디어의 이미지와 텍스트를 사용하고 조합하여 구축했으며, 바이마르 공화국의 실패와 사회적으로 구성된 여성의 역할에 대한 문화적 비판을 설명할 목적을 가지고 있습니다. 그녀의 작품이 어떻게 예술가의 개인적 견해를 발산하는지 뿐만 아니라 당시 독일 국민의 대다수가 공유하는 이데올로기에 목소리를 냈으며, 종종 반항적이고 비판적인 정신으로 활기를 띠었습니다. 두 전쟁 사이의 기간은 많은 사람들이 새로운 시대의 시작으로 인식했으며 아방가르드가 불만을 설명하는 역할을 했습니다. 내 순위를 설명하기 위해 선택한 걸작인 Cut with the Kitchen Knife Dada Through the Last Weimar Beer-Belly Cultural Epoch of Germany에 관해서는 위에서 설명한 작가의 문체적 특징과 이상을 충분히 나타냅니다. 회흐의 가장 유명한 작품은 신문 스크랩을 통합하기 위해 고안된 합성 기술을 통해 바이마르 독일을 지배한 인종 차별적 및 성 차별적 코드에 도전하려는 의도를 추구하고 창의성 자체가 어떻게 포함될 수 있는지를 보여줄 수 있는 예술 형식에 대한 실험을 명시적으로 나타냅니다. 현대 생활의 일상의 역학에 의해.
존 스테자커(화이트채플 갤러리 모노그래프 표지의 초상)
8. 존 스테자커(화이트채플 갤러리 모노그래프 표지의 초상)
8위에 도달한 나는 이 기회를 빌어 이 상위 10위를 작성하는 동안 내가 종종 문제의 작품 제목을 필사적으로 찾고 있는 것을 발견했고, 그래서 종종 제목을 찾지 못하고 묘사된 주제의 유형만 괄호 안에 보고했고, 의도치 않게 서론에서 내가 예상했던 것, 즉 콜라주 기법의 덜 인기 있고 그에 따른 관련 정보에 대한 제한된 액세스를 보여주었습니다. 이를 명확히 한 후, 1949년에 태어난 영국의 개념 예술가인 John Stezaker의 모습을 간략하게 소개합니다. 그는 종종 콜라주 기법을 통해 초현실적인 톤 창조로 유명하며 엽서, 영화 스틸 및 광고 사진에서 가져온 주제 이미지를 가지고 있습니다. 주로 이러한 작업 방식은 1950년대의 매력적인 초상화를 묘사할 수 있는 구성에 생명을 불어넣는 것을 목표로 했습니다. 때로는 헐리우드 스타의 존재를 포함하여 풍경 이미지와 혼합되었으며, 예를 들어 화이트채플 갤러리 모노그래프(2011)의 표지로 선택된 콜라주에서 관찰할 수 있는 혼란스러운 효과를 볼 수 있습니다.
7. 에일린 아가르, 프레셔스 스톤즈(1936년)
영국의 사진작가이자 화가인 Eileen Agar의 작품인 Precious Stones는 옆모습에서 남성 얼굴의 실루엣을 포착합니다. 이 실루엣은 흰색 종이에 붙여진 것처럼 보입니다. 이 실루엣은 이미지 윤곽을 이루는 빨간색 테두리를 생성하는 세 번째 매체의 존재로 구성됩니다. 주요 주제로 돌아가서, 문제의 인물은 몇 가지 보석을 설명하는 책에서 잘라낸 것입니다. 정확한 격자 배열은 종종 콜라주 기법을 통해 자신을 표현한 기능공의 초현실주의적 경향을 반영하는 인형의 부분적으로 임의적인 윤곽과 대조됩니다. 또한 위의 설명은 잠시 제쳐두고, 나중에 작가에게 다소 반복되는 주제인 머리와 흉상의 이미지를 프로필에 포함시키는 것을 목표로 한 Agar의 초기 작업 중 하나를 구성하고 있기 때문에 작업도 관련이 있습니다. 어쨌든, 이 작업의 특정 사례에서 남성의 얼굴은 부분적으로 Eileen의 남편, 즉 우연이 아니라 참으로 열렬한 보석 수집가였던 Joseph Bard의 모습을 모델로 했다는 점에 주목하는 것이 중요합니다. 마지막으로 보석의 실현을 위한 또 다른 영감의 원천은 확실히 고대 주화였습니다. 이 주화의 프로필 초상화는 이제 훨씬 더 장난스럽고 순진하며 상상력이 풍부한 방식으로 렌더링됩니다.
Mimmo Rotella, Euromsa, 1963. 장식.
6. 미모 로텔라, 펩시(1979)
1970년대 후반 펩시 광고의 일부를 지지대에 붙였거나 아마도 "찢어낸" 것은 당시 미국 팝 아트의 현대적 움직임인 누보 리얼리즘의 심장부로 우리를 안내합니다. 후자의 작업은 위에서 언급한 예술적 접근 방식과 함께 병뚜껑, 밧줄 등과 같은 고물 상인에게서 구입한 물건으로 만든 조립 및 기성품을 동반한 데꼴라주 기법의 탐구에 정확히 집중되어 있습니다. 이 모든 것은 공동 팝 아트의 일상적이고 일상적인 물건으로 되돌아가지만, 1970년대 초부터 예술가는 Pepsi의 경우와 마찬가지로 추가적인 관점을 개발하기 시작하여 잡지에 개입하기 시작했습니다. 프로타지 단계로 줄이거나 지우기 위해 솔벤트를 사용하는 광고.
리차드 해밀턴, 오늘날의 가정을 그토록 특별하고 매력적으로 만드는 것은 무엇입니까? , 1956. 콜라주, 26cm × 24.8cm. Kunsthalle Tübingen, 튀빙겐.
5. 리차드 해밀턴(Richard Hamilton), 오늘날의 가정을 그토록 색다르고 매력적으로 만드는 것은 무엇입니까? (1956)
5번에 저는 콜라주 기법의 아이콘을 배치했습니다. 오늘날의 집을 그토록 색다르고 매력적으로 만드는 것은 무엇입니까? 많은 비평가들과 미술사가들에 의해 역사상 최초의 팝 작품으로 여겨집니다! 이 걸작은 미국 언론에서 가져온 사진과 이미지의 조합을 통해 만들어졌으며 기괴한 가정 인테리어에 생명을 불어넣었습니다. 여기에는 많은 물체와 일부 캐릭터가 배치되어 있습니다. 그 중 반쯤 벗은 보디빌더의 특징이 확실히 눈에 띕니다. 전등 갓에 배치된 포드 로고, 소파에 누워 있는 핀업 그림, 멀리 있는 주부 이미지, 벽에 배치된 Young Romanca 연재 만화 등이 있습니다. 작품은 런던 전시회 This is Tomorrow의 카탈로그를 위해 시작되었습니다. 이 행사는 실제로 흑백으로 알려졌기 때문에 나중에 Hamilton은 동일한 주제의 여러 버전을 만들어 구성을 재작업했습니다.
Beeple, Everydays: the First 5000 Days , 2021. 디지털 아트.
4. Beeple, Everydays: 첫 5000일 (2021)
위치 번호 4는 Everydays: the First 5000 Days에 생명을 불어넣는 도구인 컴퓨터 기술의 사용을 통해 구현된 포토몽타주에 대해 알려줍니다. 되풀이되는 주제와 색 구성표를 묘사하는 5,000개의 이미지를 병치하는 것을 목표로 하는 디지털 콜라주는 연대순으로 구성되어 추상적이고 환상적이며 그로테스크하고 터무니없는 이미지의 존재를 드러내며 현재 사건과 개인 생활의 순간 옆에 영리하게 배치됩니다. 방금 설명한 것은 기술에 대한 가장 진심 어린 두려움, 부에 대한 욕망과 분노, 그리고 작가가 사회의 주요 재앙으로 인식 한 미국의 정치적 혼란을 해석합니다. 마지막으로, NFT가 2021년 Christie's에서 6,930만 달러에 판매되어 지금까지 가장 비싼 대체 불가능한 토큰이 되면서 상징적인 성공을 거두었기 때문에 이 콜라주가 연단 근처에 배치되었다는 것을 알아야 합니다. 제작자 소개 Beeple로 알려진 Michael Joseph Winkelmann(b. 1981)은 미국의 디지털 아티스트, 그래픽 디자이너 및 애니메이터로 다양한 매체를 사용하여 정치적, 사회적 논평을 설명하기 위해 고안된 코믹하고 환상적인 작품을 제작하며 종종 대중 문화 캐릭터를 참조로 사용합니다.
만 레이, 도라 마르 , 1936.
3. 만 레이, 도라 마르(1936)
특히 1936년 그의 콜라주의 주제가 파블로 피카소(Pablo Picasso)와의 오랜 관계로 알려진 크로아티아 태생의 프랑스 사진가이자 시인이자 화가인 도라 마르(Dora Maar)인 경우 특히 그렇습니다. 그는 여성성, 형태 및 다중 노출을 가지고 놀곤 했던 미국 사진가에 의해 자주 불멸의 존재가 되었습니다. 앞에서 언급한 성공한 사진가의 이미지가 포착된 것은 바로 후자의 접근 방식을 통해 주제에 접근하는 것이었습니다. 그는 처음에 André Lothe의 스튜디오에서 화가로 훈련을 받은 후 1930년대 초에 렌즈 애호가인 Man Ray의 영향을 받아 독특하고 매혹적인 기술로 유명해 영화, 도시 및 패션 사진과 같은 대안적인 예술적 길을 탐색할 수 있었습니다. 반면에 Pablo Picasso는 모델로서 Maar에게 깊은 인상을 받았기 때문에 그녀를 직접 만나기 전에도 Ray가 찍은 그녀의 초상화를 보관해야 한다고 주장했고 나중에는 그녀 자신이 불멸의 존재가 되기를 원했습니다. 그러나 불행하게도 후자의 작품은 슬픔의 의인화로 자신을 변형시킬 수 있는 고통받는 인물로 묘사된 여성의 모든 연약함을 우리에게 드러낸다. 그럼에도 불구하고 스페인 예술가는 그에게 가치있는 영감을 제공하고 때로는 눈물로 묘사되는 감정적으로 강력한 여성 인물에 생명을 불어 넣을 수있는 것이 Dora의 우울함임을 인정했습니다.
Georges Braque, Violin and Pipe , 1913. 분필, 목탄, 콜라주, 종이, 74 x 106. 파리: 퐁피두 센터.
2. 조르주 브라크, 바이올린과 파이프(1939)
1900 년대 초, 브래크와 피카소와 같은 예술가들은 콜라주라는 방법을 사용하여 혁신적인 예술 작품을 만들기 시작했으며, 주로 문제의 예술 기술의 서양의 서부 아버지 중 하나, 즉 브레이크가 1913 년의 두 번째 위반자와 파이프의 두 번째로 배치 된 이유이며, 프렌치 콜레인의 일부이며, 프렌치의 예술가의 일부이며 프렌치의 작품은 프렌치의 작품으로, 프렌치의 작품을 보유하고 있습니다. 그림 자체. 이러한 구상적 접근은 합성 입체파가 정물화 주제 내에서 수행한 예술적 조사의 결과이며, 이 특별한 경우에는 신문, 잘라 붙여넣은 인쇄 벽지, 목탄, 흑연, 파스텔로 구성되어 판지에 장착된 종이에 바이올린과 파이프가 때로는 거의 추상적인 키로 해석되어 생명을 얻습니다. 걸작을 제외하고 Braque가 콜라주 기법을 활용하여 회화적 수준에서 형태와 색상의 상호 작용에 대한 인식을 개발하여 Jim Dine 및 Wayne Thiebaud와 같은 다른 거장에게 모범을 보인 방법은 주목할 가치가 있습니다.
파블로 피카소, 기타와 와인 잔 , 1912년 콜라주, 47.9 × 37.5cm. 뉴욕: MET.
1. 파블로 피카소, 채워진 의자가 있는 정물화(1912)
1위는 서양 미술사에서 가장 오래된 콜라주로, 1912년 걸작인 채워진 의자가 있는 정물화로 캔버스 컷아웃으로 덮인 타원형 테이블의 표면을 불멸화하는 것을 목표로 했습니다. 여기에는 회화적인 개입과 캔버스에 왁스 칠한 캔버스, 종이 및 로프를 사용하여 만든 다양한 물건이 있습니다. 기법은 제쳐두고, 합성 큐비즘의 긍정 과정의 진보를 표시한 것은 그녀였기 때문에 그러한 작업도 중요합니다. 분석에 이어 예술가는 평면의 합성에 생명을 불어넣고 캔버스의 단일 수준에 묘사하여 움직임을 표현된 단일 순간으로 축소하기 위해 자동차 관리에 많은 노력을 기울였습니다. 마지막으로 작업에 대한 설명으로 돌아가서, 앞서 언급한 콜라주에서 밧줄은 관람자에게 자신을 처마 장식으로 드러내고, 갈대 조각은 채워진 의자의 이미지를 재현합니다. 이 주제 옆에는 작가가 간신히 암시하는 다른 대상, 때로는 조각난 대상을 배치하는 주제입니다.
Olimpia Gaia Martinelli
