폴 클레, 애드 파르나섬, 1932년. 캔버스에 유채, 100×128cm. 베르나 쿤스트뮤지엄.
추상 미술의 기본 개념
독자에게 "언제"와 "어디"를 제공하기 위해: 아방가르드 예술 운동인 추상주의는 20세기 초 독일에서 탄생하여 서로 꽤 멀리 떨어진 여러 지역으로 퍼졌습니다. 그것은 다양한 시각적, 개념적 변형을 취했습니다. 본질적으로 추상 미술은 이전의 예술적 전통에서 벗어나 현실을 탐구하는 작품 창작을 핵심으로 하는 모든 예술적 생산물을 의미하며, 여기서 색상과 형태가 내러티브의 새로운 초점이 되어 예술가의 감정, 아이디어 및 경험을 표현할 준비가 됩니다. . 추상화하는 방법에는 부분적 방법과 완전함이라는 두 가지 방법이 있음을 지정하는 것이 중요합니다. 첫 번째 경우는 여전히 식별 가능한 주제를 제시하지만 단순화, 왜곡, 비현실적인 방식으로 렌더링되거나 일반적인 맥락에서 제거된 작품을 의미합니다. 반면, 완전한 추상화란 맥락의 표현을 뛰어넘어 실제 시각적 현실에서 영감을 이끌어내는 것을 목표로 하는 창작물을 말합니다. 두 경우 모두 목표는 예술의 목적과 의미에 도전하여 주변 세계와의 관계에서 예술을 자유롭게 하고 예술적 생산으로 이해될 수 있는 범위를 확장하는 것입니다. 결과적으로 이는 예술을 손으로 잡고 보다 개방적이고 실험적인 모드로 이끌기 위해 보다 전통적인 미적 표준에 도전합니다. 이는 철학적 원리와 이데올로기, 때로는 너무 복잡하고 이해하기 어려운 아이디어를 비유적인 주제에 국한시키고 싶을 때 특히 효과적입니다. 시청자도 이 "게임"에 포함되어 있으며 그들의 역할은 자신이 보는 것을 자신의 방식으로 해석하고 이를 예술가의 관점과 비교하는 역할이라는 새로운 중요성을 갖습니다. 이제 우리가 운영하고 있는 역사적, 예술적 맥락을 간략하게 설명했으므로 상위 10위부터 시작할 수 있습니다. 이는 표시된 그림 날짜의 연대순으로 앞서 언급한 이야기의 연속으로 간주될 수 있습니다. 문제의 운동의 다양한 진화를 제시합니다.
Vasilij Vasil'evič Kandinskij, 제목 없음(첫 번째 추상 수채화), 1910. 49,6 x 64,8cm. 파리 센트로 조르주 퐁피두.
상위 10 개
1. 바실리 칸딘스키, 무제(첫 번째 추상 수채화)(1910)
칸딘스키부터 시작하는 이유는 무엇입니까? 비평가들이 무제를 추상 미술의 시작으로 여기기 때문에 나는 무제를 내 목록의 1위에 두기로 결정했습니다. 이 수채화에서 러시아 화가는 눈에 보이는 세계에 대한 모든 언급을 제거하고 음악과 그림을 통합하여 감정과 분위기를 암시하는 완전히 새로운 이미지를 만들어냈습니다. 이는 신중하게 선택된 색상, 선, 점, 점을 통해 매우 조화로운 방식으로 구성되어 달성됩니다. 칸딘스키 이전에는 브라크, 피카소, 모네의 후기 수련 작품에서 볼 수 있듯이 입체파와 인상주의가 시각적 이해의 경계를 넓혔다는 점은 주목할 가치가 있습니다. 그러나 작품 내에서는 실제 시각적 세계에 대한 일부 언급이 여전히 지속되는 반면, Untitled에서 칸딘스키는 의도적으로 유형의 현실에 대한 모든 언급을 제거하고 자신을 표현하기 위한 선, 점 및 표시만 그리기로 결정했습니다. 수채화에는 갈색, 노란색, 주황색 반점이 지배적이며 일부는 다른 점보다 밀도가 높아 별자리와 유사한 클러스터를 형성합니다. 이러한 요소들의 리듬이 조화로운 색상의 사용과 마크 간의 관계와 결합되어 구성감을 줍니다.
호안 미로, <사냥꾼>(카탈로니아 풍경), 1923년 7월~1924년 겨울. 캔버스에 유채, 64.8 x 100.3 cm. 뉴욕주 모마. @ssteph888
2. 호안 미로, 사냥꾼(카탈로니아 풍경)(1923-24)
실행 순서에 따라 내 순위에서 두 번째 위치는 그의 그림 The Hunter(Catalan Landscape)를 그린 Joan Miró에게 돌아갑니다. 이 작품은 앞서 언급한 부분 추상 미술의 개념을 예시합니다. 주의 깊게 관찰해 보면 이 걸작은 인간과 동물의 모습으로 독특한 풍경을 묘사하고 있으며, 예술가가 몽트로이(카탈로니아)에 있는 가족 농장에서 살았던 특정 시기를 암시하기 때문에 이것을 자신있게 말할 수 있습니다. 시청자를 스페인의 이곳으로 데려가는 이유는 무엇입니까? 이 그림은 카탈로니아 국기의 존재와 함께 "사드"라는 단어로 명시적으로 표현된 지역 전통 무용에 대한 암시에서 분명하게 드러나는 카탈로니아 민족주의에 대한 특정 성향을 강조하기 위해 실제로 주인의 고향에 대해 말할 수 있습니다. 스페인과 프랑스 국기처럼요. 그러한 해석을 제쳐두고, 이 작품에 대해 확실한 것은 다른 경우와 마찬가지로 사냥꾼의 모습으로 묘사된 예술가 자신을 표현한다는 것입니다. 나는 캔버스 왼쪽에 삼각형 머리를 갖고 갓 죽인 토끼와 아직 연기가 나는 소총을 들고 있는 양식화된 인물을 언급합니다. 그러나 설명된 모든 것은 꿈 같은 영역 내에서 해석될 수도 있습니다. 초현실주의 걸작은 자동기술, 잠재의식의 사용의 산물이며 현실의 새로운 형태와 해석을 렌더링하는 데 도움이 되기 때문입니다.
피에트 몬드리안, 빨강, 노랑, 파랑의 구성, 1930. 캔버스에 유채, 45cm × 45cm. 쿤스트하우스 취리히
3. 피에트 몬드리안, 빨강, 노랑, 파랑의 구성(1930)
피에트 몬드리안(Piet Mondrian)과 그의 유명한 빨강, 노랑, 파랑의 구성(Composition with Red, Yellow, Blue)을 통해 완전한 추상화로 돌아가 보겠습니다. 이 작품은 예술가 경력의 전성기였던 전쟁 기간에 만들어진 작품입니다. 상황을 고려할 때, 그는 더욱 평온함을 느꼈고 종양성 합성이라는 목표를 목표로 하는 예술적 연구에 전념할 수 있었습니다. 나는 신지학 연구의 영향을 받아 점점 형상화를 포기한 화가가 느꼈던 정신적 정화에 대한 구체적인 욕구를 달성하기 위한 형식적 단순화의 과정을 언급합니다. 이는 앞서 언급한 작품에서 구현되는데, 굵은 검은색 선이 교차하여 직사각형과 정사각형 필드를 생성하는 것이 특징이며, 그 중 일부는 빨간색, 노란색, 파란색으로 채색되어 있습니다. 원색의 선택은 보편적인 균형에 따른 예술가의 영적 탐구를 반영하여 형식적, 색채적 균형을 재현하기 위한 것입니다. 이 경우, 구성학적 기하학적 중심이 없을 때 균형이 발견되며, 이는 걸작이 잠재적으로 칠해진 캔버스 너머로 확장될 수 있음을 의미합니다.
폴 클레, 애드 파르나섬, 1932년. 캔버스에 유채, 100×128cm. 베르나 쿤스트뮤지엄.
4. 폴 클레, 애드 파르나숨(1932)
우리는 부분 추상화의 또 다른 예, 즉 클레가 6년 전 이탈리아에 머물면서 영감을 받아 캔버스에 그린 걸작인 Ad Parnassum을 마주하게 됩니다. 그 동안 그는 라벤나의 모자이크를 보고 충격을 받았고, 이를 새로운 신분열주의적 기법으로 재해석했다. 이 기술은 초기 기독교 예술을 연상시키는 독특하고 밝은 빛을 발산하는 조밀한 유채색 질감을 만들어내는 독특한 점묘법 브러시 스트로크가 특징입니다. 색상 팔레트의 경우 청록색과 노란색-주황색이 지배적이며 전체 구성에 역동성을 부여합니다. 균일한 광채는 하늘에 높이 떠 있는 태양과 함께 피라미드 언덕의 실루엣을 형성하는 선의 존재로 인해 깨집니다. 마지막으로, 우리는 작가 자신의 명쾌한 말로 이 설명을 마무리합니다. "주제는 비록 눈에 보이는 이 세계는 아닐지라도 세계였습니다." 이러한 말에도 불구하고, 우리가 관찰하는 것은 우리가 알고 있는 현실과의 접촉을 완전히 잃지 않습니다. 대신 기억과 파편의 형태로 회상하며, 숙련된 바이올리니스트인 대가가 잘 알고 있던 음악 선율을 드러내는 복잡한 색상의 조화를 통해 전달됩니다.
왼쪽: 벤 니콜슨 OM, 1934년(부조), 1934년. 마호가니에 유성 페인트, 718 × 965 × 32mm. 테이트. @ 제이.파마르
5. 벤 니콜슨 OM, 1934(부조), 1934
니콜슨의 걸작을 이해하려면 예술가가 예술에 대한 자신의 관점을 발전시킨 역사적 맥락을 고려해야 합니다. 격동의 전쟁 기간 동안 예술가들이 인류의 잃어버린 순수함과 순수함을 찾아 추상화로 전환했을 때 니콜슨은 공간을 묘사하는 다양한 방법을 실험하기 시작했습니다. 그는 다양한 깊이의 영역이 공간을 정의하고 때로는 흰색이나 회색으로만 순수의 색조로 채색되는 부조 작업을 통해 이러한 목표를 추구했습니다. 이 단색 및 다층 그림의 전형적인 예는 Miró 및 Calder와 마찬가지로 Mondrian의 영향에서 영감을 얻은 걸작인 1934 (relief)입니다. 이 작품을 만들기 위해 니콜슨은 나무 패널에 원과 사각형을 새겨 갈등의 시기에 부재와 묵직한 존재감을 암시했습니다. 기하학적 형태, 입체적 레이어링, 단색 팔레트의 사용은 모두 감정 제거에 기여합니다.
오른쪽: 마크 로스코, 화이트 센터(장미 위에 노란색, 분홍색, 라벤더), 1950. 205.8 cm × 141 cm. 카타르의 왕실 가족.
6. 마크 로스코, 화이트 센터(장미 위에 노란색, 분홍색, 라벤더)(1950)
1950년부터 로스코는 캔버스를 수평의 색띠로 나누기 시작했고, 이 해에 화이트 센터(옐로우, 핑크, 라벤더 바탕의 로즈)가 탄생했다. 이 걸작은 큰 색상의 띠가 떠다니는 것처럼 보이고 그것이 배치된 색상 필드와 합쳐지는 정면 구성을 보여줍니다. 본질적으로 화이트 센터(White Center)는 로스코 특유의 다형성 스타일의 일부로, 서로 다른 보색 블록이 큰 캔버스에 겹쳐져 있습니다. 색상을 추가하여 설명하면 작업은 노란색 가로 직사각형으로 시작하여 가로 검정색 줄무늬, 흰색 직사각형 띠로 이어지며 아래쪽 절반은 라벤더 톤으로 마무리됩니다. 전체 작품의 광채는 얇은 페인트 베일의 반복적인 레이어링을 통해 달성되며, 그로부터 일부 밑칠이 위쪽 레이어에 나타납니다. 분석된 내용은 이 기간 동안 예술가의 작업 대부분에 변형을 통해 적용될 수 있습니다. 그는 보는 사람을 감싸는 것을 목표로 비율과 색상의 미묘한 변화를 추구하고 다양한 감정과 분위기를 제안했습니다.
잭슨 폴록, 컨버전스, 1952. 캔버스에 유채, 237cm × 390cm. 버팔로 AKG 미술관, 버팔로. @Jackson_pollock
7. 잭슨 폴록, 컨버전스(1952)
캔버스는 얽힌 자국으로 덮여 있으며, 지지대 전체에 검은색 원형 선의 존재가 균일하게 나타나는 반면, 다른 부분에는 빨간색, 노란색, 파란색, 흰색의 흔적이 보입니다. 일곱 번째 작품인 '컨버전스(Convergence)'는 평론가들에게 처음에는 별로 인상적이지 않다고 평가되었으나 나중에는 매우 유명해진 작품이다. 미술사가들의 초기 회의론은 처음에는 흑백으로 된 작품이 나중에 추가 색상을 추가한 예술가의 재검토를 표현했다는 사실 때문일 것입니다. 컨버전스의 구원은 이후의 재평가뿐만 아니라 컨버전스를 추상 표현주의와 액션 페인팅의 최고 사례로 확인한 미술 평론가 해롤드 로젠버그(Harold Rosenberg)의 인정을 통해서도 이루어졌습니다. 이 용어는 단순히 화가가 자신의 작품을 만드는 동안 자신의 가장 본능적인 몸짓을 자유롭게 흐르게 하여 이를 틀림없는 에너지로 캔버스로 옮기는 예술적 실천을 의미합니다.
헬렌 프랑켄탈러, 산과 바다, 1952년. 캔버스에 유채와 목탄, 220cm × 297.8cm. 국립 미술관, 워싱턴 DC @ helenfrankenthalerfoundation
8. 헬렌 프랑켄탈러, 산과 바다(1952)
기법에 대해 이야기해 보겠습니다. 산과 바다는 프라이밍되지 않은 원시 캔버스를 바닥에 놓고 그 위에 기름과 테레빈유 기반 페인트를 부어 만들어졌습니다. 나는 염색으로 알려진 Frankenthaler의 개인 회화 작업을 언급하고 있는데, 그녀는 이 특별한 경우에 처음으로 이를 사용했습니다. 그 결과, 떠 있는 것처럼 보이지만 실제로는 캔버스의 질감에 고정되어 평탄함과 안정성을 제공하는 투명한 색상 필드가 생성됩니다. 이러한 맥락에서 색상은 무작위로 배치되는 것이 아니라 매번 독특하고 다른 자연 환경을 연상시키는 목적을 제공합니다. Convergence, Mountains and Sea와 유사하게 Frankenthaler가 전문적으로 전시한 첫 번째 작품은 처음에는 비판을 받았지만 나중에 이해되어 New York Times는 이 섬세하고 기념적인 설명을 이 작품에 바쳤습니다. "산과 바다"는 "빛과 바다"입니다. 언덕, 바위, 물을 투명하게 연상시킵니다."
로버트 마더웰: 스페인 공화국을 위한 비가 No. 57, 1957-1961. 캔버스에 목탄과 유채, 213.36cm × 277.18cm. SFMOMA 컬렉션.
9. 로버트 마더웰: 스페인 공화국에 대한 비가 No. 110(1971)
제목에서 부분적으로 알 수 있듯이 문제의 걸작은 겨우 21세였던 화가의 마음 속에 각인된 스페인 남북 전쟁의 기억에서 비롯되었습니다. 이 비참한 사건의 영향은 마더웰이 스페인 공화국의 비가(Elegy to the Spanish Republic No. 110)뿐만 아니라 이 주제에 전념한 200개 이상의 그림 시리즈에서 이 주제를 재검토할 정도였습니다. 마찬가지로, 우리는 스페인 내전의 에피소드를 다시 한 번 언급하는 1937년 피카소의 유명한 게르니카를 떠올릴 수 있습니다. 그러나 스페인 공화국에 대한 비가 No. 110의 저자의 경우, 문제의 갈등은 모든 형태의 불의를 암시하는 방식이 되었고, 그가 앞서 언급한 시리즈를 인간의 고통을 기념하는 것으로 생각했다는 점에서, 죽음과 삶을 대비시키는 추상적이고 시적인 상징의 형태로 표현된 감정. 추상 표현주의의 이러한 접근 방식은 프랑스 상징주의 언어, 특히 사건이나 아이디어 자체보다는 사건이나 아이디어가 생성하는 감정적 효과를 표현하는 것을 옹호한 시인 스테판 말라르메(Stéphane Mallarmé)의 언어에서 일부 요소를 물려받았습니다. 마지막으로 앞서 언급한 삶과 죽음의 대립은 흑백의 병치, 타원형과 직사각형의 대비를 통해 캔버스에 구체적으로 구현된다.
Gerhard Richter, Abstraktes Bild, 서명, 1987년, 번호 636. @theartbystander
10. 게르하르트 리히터, Abstraktes Bild(809-1)(1994)
그의 상위 10개 그림 중 가장 비싼 그림 중 하나로 알려진 리히터의 걸작은 4개 작품 시리즈의 일부이며 복잡하고 반복적이며 아마도 지루할 법한 창작 과정의 결과이며 캔버스 자체가 다음과 같이 증언합니다. 작업이 일시적으로 중단되는 징후를 나타냅니다. 그럼에도 불구하고, 일단 완성된 Abstraktes Bild는 스퀴지를 사용하여 캔버스 가장자리로 끌어온 줄무늬와 페인트 얼룩의 형태를 취하고 비슷한 방식으로 적용된 다른 색상을 추가하여 풍부해졌습니다. 사실 물감을 바르는 과정은 빠르고 무작위적이며 반복적이며 작가가 그림이 완성되었다고 생각할 때까지 색의 겹겹이 연속적으로 이루어집니다. 이는 서로 다른 레이어의 중첩을 통해 작품을 만드는 방법이 실제로 기본 수준에 숨겨져 있기 때문에 어떻게 피상적으로만 인식할 수 있는지에 대한 성찰을 촉발합니다. 그러나 우리는 Abstraktes Bild를 다음과 같이 설명할 수 있습니다. 예술가가 보는 사람에게 차분함과 조화를 전달하기 위해 의도한 풍부한 색상의 수직선과 수평선의 표면입니다.
Olimpia Gaia Martinelli
| ArtMajeur 매거진