폴 고갱, <강아지 세 마리가 있는 정물>, 1888. 나무에 유채, 91.8 x 62.6cm. 엄마.
정물 장르: 바로 들어가 보겠습니다!
요점을 바로 말씀드리겠습니다. 웹에서 정물화에 대한 내용을 읽으면 헬레니즘, 로마, 중세, 르네상스 시대의 예를 찾을 수 있습니다. 그들은 자연적이거나 인공적인 무생물을 주로 묘사하는 것이 특징입니다. 이러한 유형의 작곡을 정의하는 특징이 있음에도 불구하고 이 곡은 공식적으로 16세기 말에 이르러서야 독특한 장르로 인식되고 전문화되고 가치를 인정받았습니다. 이 이야기는 다음 세기에도 상당한 인기와 보급으로 계속되지만, 18세기에 정물화는 비유 예술 유형의 계층적 순위에서 맨 아래로 강등되었습니다. 그럼에도 불구하고 이 장르가 획득한 진보적인 명성은 주로 16세기에서 17세기 사이의 플랑드르 사례에 기인합니다. 이 맥락에서 문자 그대로 "정물"을 의미하는 "stilleven"이라는 용어가 만들어졌습니다. 영어에서는 후자의 의미가 그대로 유지되었지만, 부동이라는 단어가 dead(예: "natura morta")로 대체된 신라틴어에서는 그렇지 않습니다. 이러한 변화는 18세기 후반에 발생한 용어의 이탈리아어 재해석으로 인해 발생했는데, 이는 아마도 단순한 번역 오류로 인해 오래된 네덜란드어 문구가 변경되었기 때문일 것입니다. 이 시점에서 내러티브는 계속해서 과소평가되는 장르의 성공을 보여주지만 모든 예술 운동, 트렌드 및 현재의 불멸의 대가들이 실제로 언급하는 장르의 성공을 보여줍니다.
카라바조, 과일 바구니, 1597-1600. 캔버스에 유채, 46×64cm. 피나코테카 암브로시아나, 밀라노.
1. 카라바조: 과일 바구니(1600)
"불행한"정물 장르에 속하는 미술사에서 가장 유명한 작품 중 하나부터 시작하겠습니다. 나는 아드레날린이 분출되고 스탕달 증후군으로 향하는 경향으로 시작하여 1600년으로 거슬러 올라가는 걸작인 카라바조의 과일 바구니를 언급하고 있습니다. 이 그림은 역사-예술적 관점과 주제 측면에서 모두 중요합니다. 이 작품은 정물화 예술 장르의 초기 사례 중 하나일 뿐만 아니라 이탈리아의 사실주의 미학에 맞춰 흠잡을 데 없는 과일뿐만 아니라 건조하고 벌레 구멍이 난 썩은 사과와 잎사귀도 표현합니다. 이 모든 것은 인간 존재의 위태로움을 암시하는 동시에 자연의 진정한 불완전성을 기념하기 위해 주인이 고안한 것입니다. 여기에는 구성의 중앙에 포도, 배, 사과, 무화과, 복숭아 송이가 들어 있는 짠 고리버들 바구니가 포함되어 있으며, 보는 사람의 시선과 평행한 나무 표면 위에 놓여 있습니다. 시청자는 피사체의 사실성에만 집중할 수 있으며 실제로는 일부 세부 사항이 존재하지 않기 때문에 거부됩니다. 사실, 화가가 여러 계절의 과일을 나란히 놓아두는 불가능한 임무를 달성했다는 사실을 눈치채셨나요? 마지막으로, 나는 또한 후기 매너리즘적 맥락에서 이전에는 초상화나 종교적 주제의 단순한 배경 요소로만 사용되었던 자연에 대한 자신의 관심을 표현하는 것이 정당하다고 느꼈던 카라바조의 주제 선택을 정당화하고 싶습니다.
렘브란트, 도살된 황소, 1655. 패널에 유채. 95.5 x 68.8cm. 루브르, 파리.
2. 렘브란트: 도살된 황소(1655)
우리는 스탕달 증후군의 빈맥, 현기증, 혼란, 환각을 계속해서 살펴보며 상징적 의미가 풍부한 걸작에 접근합니다. 이는 16세기와 17세기 사이의 정물화 구성이 어떻게 그 중에서 동물 시체가 포함된 정물화 구성에서 승리했는지를 증언하는 것을 목표로 합니다. 애절하고 직접적인 메멘토 모리(memento mori)로 이해되는 동시에 형태와 색채의 복합성에 접근하는 예술가들을 훈련시킬 수 있는 것으로 나타났다. 그러나 나무 들보에 묶인 두 개의 뒷다리에 매달려 있는 동물의 4등분된 시체를 묘사한 렘브란트의 <도살된 황소> 역시 우리에게 예수의 십자가형이라는 유명한 사례를 생각나게 합니다. 이제 우리는 작품이 실제로 거짓 정물을 나타내고 있기 때문에 설명의 중요한 순간에 도달했습니다. 실제로 반쯤 열린 문 뒤에 등장하는 여성의 존재는 이 그림을 풍속화로 변화시키며, 모두 일상의 한 장면을 묘사하는데 전념한다.
하임 수틴, 쇠고기 시체, 1925년. 캔버스에 유채, 147.32 x 113.03 cm. 미니애폴리스 미술관 컬렉션.
3. 차임 수틴(Chaim Soutine): 쇠고기 시체(1925)
위의 내용을 진정한 정물로 바꾸기 위해 Chaim Soutine이 도움을 주었습니다! 나는 위에서 설명한 걸작에서 실제로 영감을 받은 그의 1925년 쇠고기 시체를 언급하고 있는데, 이 작품은 러시아 거장에 의해 동일한 주제를 가진 일련의 작품으로 재해석되었습니다. 그러나 Daumier와 Slevogt를 포함한 다른 거장들도 같은 주제에 접근했다는 점은 주목할 가치가 있습니다. 비록 Soutine의 경우 화가의 기이한 성격을 반영하는 강렬하고 채도가 높은 색상이 특징인 특히 감정적인 해석이 분명하지만 말입니다. 문제의 동물 정물화 제작에 대한 암울한 세부 사항을 밝히기 위해 작가의 이러한 특징적인 측면에 대해 간략하게 설명하겠습니다. 파리의 도살장 직원들과 친구인 수틴은 그들에게서 고기를 사서 몇 주 동안 그의 작업실로 가져가 그림을 그렸고, 그 동안 고기도 악취를 풍기곤 했습니다... 우리는 이것이 동물 세계에 대한 집착인지 아닌지 알 수 없습니다. 작가가 가난했을 때 고기가 너무 비싸다는 이유로 구입을 기피한 것으로 알려져 있기 때문이다. 역설적이게도 그는 부자가 된 후 오직 공부하고 그림을 그리기 위해서만 구입하기로 결정했는데…
빈센트 반 고흐, 해바라기, 1888. 캔버스에 유채, 92.2cm × 73cm. 내셔널 갤러리, 런던.
4.빈센트 반 고흐: 해바라기(1888)
관객의 시선은 문제의 정물화에 묘사된 유일한 주제, 즉 꽃병에 배열된 해바라기 꽃다발에 고정되어 있으며, 그 형태는 노란색 표면에 놓여 있으며 밝은 색의 벽에 기대어 있습니다. 다양한 숙성 단계에서 수확된 해바라기는 반 고흐가 그의 친구이자 동료인 고갱을 위해 의도했던 아를의 방을 장식하기 위해 고안된 작가의 7개 작품 시리즈에서 비슷하게 나타납니다. '친구'라는 단어에 대해 잠시 언급하자면, 실제로 프랑스 예술가는 테오 반 고흐로부터 재정적 보상을 받은 후에야 빈센트에게 연락했다는 사실을 밝힙니다. 그런데 왜 돈이 필요했습니까? 글쎄요, 고갱은 이미 빈센트와 함께 사는 것이 약간 문제가 될 것이라고 상상했고, 앞서 언급한 지중해 지역도 싫어했다고 가정해 보겠습니다. 어쨌든 Paul은 미술사에서 가장 유명한 분쟁 중 하나에 이어 곧 친구를 제거하고 Arles를 떠나 반 고흐의 자해 위기를 촉발했으며 이제는 비극적이고 상징적인 귀 절단 사건으로 끝났습니다. 꽃 이야기로 돌아가면, 다양한 구성의 해바라기도 14개에서 15개 표본에 이르기까지 그 수가 다양한 것으로 알려져 있습니다. 왜 이런 특별한 선택을 하게 되었나요? 빈센트는 14라는 숫자가 사도의 수를 의미하기 때문에 소중하게 여겼고, 15라는 숫자에는 자신도 같은 참조(사도 14명 + 빈센트)에 포함시켰습니다. 아이러니: 이 상위 10개 항목은 집에서 시도하지 않는 것이 더 나은 이벤트에 대해 이야기합니다!
폴 고갱, <강아지 세 마리가 있는 정물>, 1888. 나무에 유채, 91.8 x 62.6cm. 엄마.
5. 폴 고갱: 강아지 세 마리가 있는 정물(1888)
나는 동물 운동가로서 이 상위 10위 안에 죽은 생명체의 존재를 보충해야 했고, 고갱의 <강아지 세 마리와 함께 있는 정물>에 대해 이야기하면서 그 목적을 달성해야 했습니다. 시간이 지나면 의심이 듭니다. 사실, 정물에 관해 이야기한다면 실제로 어떻게 동물들이 살아있을 수 있겠습니까? 우리가 장르의 가정에 충실하려면, 그려진 동물군은 실제로 죽어야 하며, 살아있는 동물군은 죽은 모델로 만든 경우에만 허용될 것입니다. 그러나 우리는 고갱이 작업을 하게 된 비유적인 맥락에서 이제 그는 이런 종류의 오래된 한계에서 완전히 자유로워졌음을 알고 있습니다. 실험적인 예술가 그룹과 함께 브르타뉴에서. 그가 좀 더 현실적인 표현에서 멀어진 것은 바로 후자의 경우였으며, 그 결과 어떤 경우에는 부분적으로 추상적인 풍미가 있는 문체적 특징이 나타나기도 했는데, 이는 그가 꿈과 자연 사이의 결합을 옹호한 결과였습니다. 어쨌든 걸작의 결정적인 구성 요소는 일본 미술의 문체적 특징에 대한 독특한 해석입니다. 예를 들어 강아지 몸의 파란색 묘사와 털의 모티브에서 발견됩니다. 식탁보 인쇄를 회상합니다.
폴 세잔, 사과와 오렌지가 있는 정물, 1899. 캔버스에 유채, 74×93cm. 파리 오르세 미술관.
6. 폴 세잔: 사과와 오렌지가 있는 정물(1899)
여기 이 장르에서 가장 인기 있는 작품 중 하나인 '내가 말한 것을 왜 말했는가?'에 대해 설명하겠습니다. 글쎄요, 사과와 오렌지가 있는 정물화에서 많은 예술 역사가들이 입체파의 선구자를 인식했다는 것을 아는 것이 중요합니다. 입체파는 과일을 표현하기 위해 기하학적 모양을 사용하고 천의 접힌 부분에 파선이 존재하기 때문입니다. 이제 예상했던 내용을 설명하겠습니다. 캔버스에 여러 개의 사과와 오렌지가 배열되어 있고 일부는 흩어져 있고 일부는 접시에 모여 있으며 지지대의 오른쪽에도 투수의 존재가 동반됩니다. 앞서 언급한 캔버스는 꽃무늬 패브릭 위에 놓여 있으며 보색적인 파란색과 오렌지색의 존재를 강조하기 위한 것입니다. 이제 걸작의 색채적 측면을 탐구해 보겠습니다. 과일의 경우 노란색에서 빨간색까지의 색조 변화를 사용하여 물체를 설명하는 데 전적으로 초점을 맞췄습니다. 이러한 색의 시선은 기하학적인 규칙을 고수하는 관점에서 제시되는 것이 아니다. 공간은 높은 곳에서 바라볼 때 매우 단순한 볼륨들이 겹쳐진 결과이기 때문이다.
프리다 칼로, 만세, 수박, 1954. 프리다 칼로 박물관. @다니엘하로로
7. 프리다 칼로: 만세, 수박(1954)
해당 작품의 중요성과 상징성은 서사 과정에서 드러나겠지만 일단은 정물 장르의 가능성을 보여주기 위해 이 그림을 선택했다는 점을 미리 말씀드리고 싶습니다. 매우 긍정적이고 희망적인 메시지를 똑같이 전달할 수 있습니다. 그러나 내가 방금 언급한 것은 프리다의 작품에서 반복되는 요소인 강한 대조에서 비롯됩니다. 이 경우 이중성은 작가가 건강이 좋지 않은 상태에서 그림을 그렸음에도 불구하고 삶의 활력을 상징하는 전형적인 수박을 그렸다는 사실에 기인한다. 그러나 우리가 이 주제들을 면밀히 관찰하면 그것들이 서로 다른 성숙 단계를 겪고 있음을 알 수 있는데, 이는 아마도 인간 삶의 서로 다른 단계를 암시할 가능성이 높습니다. 어쨌든 낙관주의는 빨간색을 과일 껍질의 녹색 보색과 결합하여 즐겁고 생생한 대비를 만들어 내는 색채 측면에서 퍼집니다. 마지막으로, 그때까지만 추측만 하던 화가의 의도는 "Viva la Vida - Coyoacán 1954 Mexico"라는 문구가 적힌 아래쪽 수박에서 분명해졌습니다. 그림에 대한 내레이션이 끝나고 프리다에 대한 내레이션도 끝나며, Viva la Vida는 모든 면에서 작가가 만든 마지막 작품이기 때문입니다.
살바도르 달리, 정물 생활, 1956. 캔버스에 유채, 125cm × 160cm. 살바도르 달리 박물관, 플로리다 주 세인트피터즈버그.@
8. 살바도르 달리: 정물화(1956)
대조적으로, 이상한 역동성과 죽은 자연의 연관성은 살바도르 달리(Salvador Dali)의 살아있는 정물(Living Still Life)에서 발생합니다. 이 작품은 카탈로니아인들이 핵 신비주의라고 불렀던 시기에 제작된 1956년 걸작입니다. 이 작품은 그가 의식적인 마음과 양자 사이의 관계에 대해 조사하려고 했던 회화적 순간입니다. 물리학. 위의 내용을 어떻게 간단하게 설명할 수 있습니까? 문제의 걸작을 만들면서 Dali는 자신의 의식적인 마음에 호소하고 Van Schooten의 정물화 Table with Food를 통해 표현한 예를 회상함으로써 영감을 얻었습니다. 물리학에 관해 말하면, 마스터가 네덜란드 테이블 설정을 변형하여 움직임의 기적을 부여했을 때 그것이 시작되었으며, 물론 완벽한 초현실주의 방식으로 해석되었습니다. 결과적으로 일반적으로 정적인 정물 장르는 제목대로 살아있는 것이 됩니다! 이 특정한 경우 존재는 가장 작은 구성 요소인 원자 입자로 환원될 수 있는 물체의 운동을 통해 목격됩니다. 후자를 통해 우리는 앞서 언급한 핵 신비주의라는 그림의 생성적 개념에 도달하는데, 이는 미국이 일본에 투하한 사악하고 무시무시한 원자폭탄에서 불가분의 영감을 받은 것입니다.
앤디 워홀, 캠벨 수프 캔, 1962년. 캔버스에 합성 폴리머 페인트, 51cm × 41cm. 현대 미술관.
9. 앤디 워홀: 캠벨의 수프 캔(1962)
Campbell의 수프 포장에서 영감을 받은 32개의 동일한 실크 스크린 프린트는 문제의 주제를 의도적으로 반복하여 슈퍼마켓 제품의 전형적인 직렬 배열을 재현하는 설치를 만드는 것을 목표로 합니다. 작가가 여러 번 해석한 이 주제는 문제의 걸작에서 처음으로 표현되었으며, 이 역시 당시 미국인들의 삶에 수프가 끊임없이 존재했음을 암시하기 위해 고안되었습니다. 일단 작업이 완료된 후 앤디 자신이 20년 동안 반복해서 그 제품을 먹었다고 고백했다고 생각해보세요! 게다가 문제의 이미지가 편재한다는 점을 통해 그는 또한 그림이 발명과 독창성의 수단이라는 생각에 도전했습니다. 캠벨 수프 캔의 연속성은 반기계화된 스크린 인쇄 기술을 사용했기 때문입니다. 그러나 내가 쓴 모든 내용에는 부정확한 부분이 있습니다. 찾을 수 있습니까? 농담입니다. 하지만 위에서 발표한 것처럼 수프 캔이 서로 동일하지 않다는 점을 분명히 하고 싶습니다. 왜냐하면 각 그림은 몇 가지 독특한 세부 사항이 적용된 원본 모델의 복제품을 나타내기 때문입니다. 이 시점에서 앤디는 의도치 않게 산업용 물체마저도 독특하게 만드는 특정 특성을 강조한 걸까요?
조르지오 모란디, <정물>, 1949년. 개인 소장품.
10. 조르지오 모란디: 정물(1950)
몇 가지 가정용 물건이 그림의 거의 중앙에 그룹화되어 있으며, 유사하지만 밝은 색상의 배경에 대해 불명확한 표면에 놓여 있습니다. 단순하게 배열된 몇 가지 사물을 불멸화하기로 선택한 이유는 무엇인가? 대답하려면 화가가 회화 기법 분석에 더 집중하기 위해 이러한 유형의 구도를 선택한 시기인 1940년대와 1950년대로 돌아가야 합니다. 항상 이 목표를 추구하면서 그의 정물화는 주로 병, 주전자, 꽃병, 그릇과 같은 동일한 주제를 주로 표현했기 때문에 덜 "환상적"이었습니다. 그렇다면 각 작품이 다른 작품과 구별되는 이유는 무엇입니까? 형식, 시점, 그리고 빛! 실제로 모란디는 톤의 변화를 최소화하는 데 중점을 두었지만 오렌지, 핑크, 블루와 같은 채도가 높은 색상을 병치하는 것을 잊지 않고 회색, 아이보리, 흰색 음영을 사용하는 것을 선호했습니다. 그의 작업에 어떤 다른 상수를 추가할 수 있습니까? 화가는 "변동하는" 경계가 있는 부드러운 비전을 만드는 것을 목표로 그의 전형적인 고무질 붓놀림으로 그림을 그리곤 했습니다. 이 특징은 밝은 빛이 그림자를 밝게 하고 광원과 함께 물체를 효과적으로 비물질화하는 경향이 있는 2차원 색상 필드를 사용하여 렌더링된다는 사실에 기인합니다!
Olimpia Gaia Martinelli
| ArtMajeur 매거진