미술사에서 가장 유명한 정물화 탑 5

정물화는 예술가들에게 불가사의한 만큼이나 매혹적인 운동입니다. 많은 화가들이 이러한 장르의 그림에 "손을 댔기" 때문에 기법에 매료되었습니다. 모델이 필요하지 않고 포즈를 취하는 데 오랜 시간이 필요하지 않기 때문에 실현하기 쉬울 뿐만 아니라 스튜디오에서 직접 칠할 수 있기 때문에 종종 심지어 촛불로.

빈센트 반 고흐, 해바라기(F456) , 1888. 노이에 피나코텍, 뮌헨, 독일.

무엇보다도 많은 정물은 무생물의 단순한 표현보다 더 깊은 의미를 담고 있기 때문에 특히 신비로운 것으로 밝혀졌습니다 . 종종 잊혀지긴 하지만 정물 은 우리가 사랑하는 것들의 필연적인 시간의 흐름과 부패하기 쉬운 본성을 상기시키는 풍속화 인 바니타스 의 유산입니다. 그림에서 손상된 과일은 죽음을 묘사할 수 있고, 활짝 핀 해바라기는 우울을 나타낼 수 있습니다 .

그렇다면 미술사에서 가장 유명한 정물화는 무엇일까요?  

1. Fede Galizia, 정물 (ca. 1610)

Fede Galizia, 정물, 1610년경. 개인 소장품.

예술의 역사를 다시 정의하는 것으로 시작한다면 어떨까요? 지난 몇 세기 동안의 예술적 서사시에서 여성의 자리가 여성에게 남겨진 자리를 생각하면 의외일 수도 있겠지만 , 정물이 독특한 스타일로 등장한 것은 주로 여성의 맹렬한 의지가 낳은 결과다 .

여자? 아니, 여자들 . 17세기 초에 정물에 대한 최초의 실제 실험이 현대적인 의미 에서 (오래된 허영심과는 거리가 먼) 무생물, 일반적으로 과일, 식료품, 기구 및 동물의 구성을 의미하는 번성했습니다.

Fede Galizia, majolica tazza에 사과가 있는 정물, 메들라와 흰 건포도 , ca. 1612. 알 수 없는 현지화.

그 당시 정물화는 감가상각되지 않고 신화 와 종교화 , 인물화 , 풍경화 등 다른 전통 장르와 공존했습니다. 그러나 화가들은 주로 초상화를 그렸고 (돈을 받았기 때문에) 신화와 종교 그림을 그렸고( 유명하게 했기 때문에), 점차 허영심, 정물, 풍경을 버려 명성도 부도 얻지 못했습니다. 유럽은 네덜란드에서 이탈리아, 프랑스를 거쳐 많은 예술적 장소가 모든 종류의 재능으로 부글부글 끓고 있습니다. 이 예술가들 중 세 명의 여성은 상식에서 벗어나 정물화 구현에 대부분의 창의력을 쏟아 붓게 됩니다.

하지만 정물화의 파워퍼프걸은 누구일까요?

먼저, 밀라노(이탈리아)에서 Fede Galizia 는 일련의 맛있는 과일 바구니를 만듭니다. 수천 킬로미터 떨어진 곳에서 앤트워프(네덜란드)에 살고 있는 그녀의 동시대 사람 중 한 명인 Clara Peeters 는 풍부하고 세련된 식사를 위한 테이블을 나타내는 수백 개의 정물을 통해 꽃을 피우고 있습니다. 마지막으로 몇 년 후인 1630년경에 프랑스 예술가 Louise Moillon 도 Fede Galizia의 맥락에서 수많은 정물을 제작했습니다.

클라라 피터스, 은도금 타짜가 있는 정물 , 1613. 개인 소장품.

이 세 명의 여성은 수집가와 다른 예술가들과 함께 유럽 전역에서 이 장르를 대중화했습니다. 그러나 예술의 역사에서 선택의 여지가있는 것은 나중에 도착한 남성 상대입니다. 선구자적 활동에도 불구하고 부당하게 잊혀진 이 세 여성에게 오늘 정의를 행합시다. 이는 재발견되어야 합니다.

Louise Moillon, 과일 바구니와 아스파라거스가 있는 정물 , 1630. 시카고 아트 인스티튜트.

예술의 역사에서 여성 예술가 의 재활 이 당신의 마음에 가까운 주제라면 우리의 전용 기사를 확인하십시오. .

2. Jean-Siméon Chardin, The Ray (1728)

Jean Siméon Chardin, The Ray , 1728. 루브르 박물관, 파리.

동시대인들에게 Jean-Siméon Chardin은 특히 그의 기술과 놀라운 작곡으로 인해 장르의 절대적인 거장으로 여겨졌습니다 . 루브르 박물관 에 전시된 이 작품은 그의 회화적 효율성에 대한 강력한 증거입니다.

이 구성에서 우리는 다양한 물건이 배열된 작은 나무 작업대를 발견합니다. 주방 용품과 용기는 고양이, 생선 사체, 굴과 함께 제자리를 찾습니다. 이 기이한 무질서 위에는 벽돌 벽이 반쯤 빛을 내뿜고 있고, 작품의 중앙에 있는 광선은 금속 고리에 의해 유지됩니다 .

왜 그런 혼란? 이 무생물(이 대담한 고양이를 제외하고)의 얽힘을 통해 작가는 자신의 회화적 의지를 보다 자유롭게 표현할 수 있습니다 . 예를 들어, 여기에서 그는 구성을 구성하기 위해 피라미드 구조 를 선택합니다. 중앙 피라미드는 분명히 광선으로 표시되며, 두 개의 다른 더 낮은 피라미드가 동물의 양쪽에 나타납니다. 철 냄비.

흰색 식탁보 는 작품 의 중앙 에 이중 성을 부여 하고 구성 을 둘 로 나눕니다 . 마지막으로 눈에 보이는 광선의 내장은 작품에 놀라운 잔혹성을 가져옵니다. 이렇게 배열된 광선의 기이한 표정은 우리를 향하고 우리를 불편하게 만듭니다. 샤르댕은 이 내장이 풀린 가오리로 우리를 낭만주의에서 멀리 데려갑니다 .

3. 에두아르 마네, 아스파라거스 무리 와 아스파라거스 (1880)

에두아르 마네, 아스파라거스 다발, 1880. Wallraf-Richartz 박물관, 쾰른, 독일.

여기에 예술계의 파격적인 이야기와 사회에서 빛을 발하는 재미있는 일화가 있습니다. 이 두 정물은 하나이며 동일하며 순수한 미적 특성보다 제작 비하인드 스토리로 더 잘 알려져 있습니다.

옛날 옛적 1880년에 미술 수집가이자 인상파 화가들의 좋은 친구인 Charles Ephrussi 가 있었습니다. 그는 자신이 가장 좋아하는 예술가인 에두아르 마네에게 아스파라거스 무리를 나타내는 정물화를 의뢰하기로 결정했습니다. 그는 그 작품에 대해 800프랑을 제안했습니다 . 마네는 수락하고 아스파라거스를 칠하고 그 결과를 후원자에게 보냈습니다. 그것을 받은 후, 그것은 놀랍습니다. Charles Ephrussi는 그림을 좋아하고 이 멋진 아스파라거스 뭉치를 보고 기뻐하며 Manet에게 1000프랑을 줍니다(예상보다 200프랑 더 많음). 그런 다음 예술가는 이 관대한 후원자에게 또 다른 정물 인 아스파라거스 를 제공하기로 결정했습니다 . "당신의 무리에서 하나가 빠졌습니다." .

Edouard Manet, A Sprig of Asparagus , 1880. Musée d' Orsay, Paris, France.

이것은 겉보기에 하찮은 작품이 현대 미술사에서 전설이 되는 데 필요한 전부였습니다. 오늘날 두 작품은 분리되어 있습니다. 하나는 파리의 오르세 미술관에, 다른 하나는 쾰른 시립 박물관에 있습니다. 그러나 둘 다 매우 밀접하게 관련되어 있기 때문에 언젠가는 오기를 진심으로 바랍니다. 함께 .

4. 폴 세잔, 해골이 있는 정물 (ca. 1898)

Paul Cézanne, 해골이 있는 정물 , 1898년경. Barnes Foundation, 필라델피아.

이 문체 운동의 확실한 대가인 이상하고 매혹적인 폴 세잔 을 언급하지 않고 어떻게 예술 역사상 가장 유명한 정물화에 대해 이야기할 수 있습니까? 남프랑스와 사랑에 빠진 이 예술가는 평생 동안 수백 장의 정물을 그렸는데, 모두 다른 것보다 더 숭고했습니다.

바실리 칸딘스키( Wassily Kandinsky )에게 세잔 은 "정물이 더 이상 무생물이 아닐 정도로 정물을 높였습니다. 그는 모든 것의 내면을 추측할 수 있는 능력을 받았기 때문에 이러한 것들을 인간으로 그렸습니다"라고 말했습니다 . 수학의 프리즘 아래 그림을 분석하는 데 몰두한 이 열정적인 화가에게 아름다운 경의를 표합니다.

폴 세잔, 사과 바구니, ca. 1892. 시카고 아트 인스티튜트.

Cézanne의 사과가 그렇게 매혹적이라면, 그것은 그가 그것들을 단순히 표현할 대상이 아니라 구와 원기둥으로 보았기 때문입니다. 그의 구도가 그렇게 자연스럽다면 그것은 선과 형태가 아니라 대조의 연금술로 만들어졌기 때문이다. 형태는 톤의 정확한 조화를 통해 만들어지며, 이러한 조화가 조화를 이루면 그림이 저절로 만들어집니다 . 아티스트의 언어로 "모델링" 은 무엇보다 "변조" 를 의미합니다. Cézanne의 작품은 20세기의 주요 예술적 경향, 특히 입체파 를 예고하는 예술사에서 필수적인 부분입니다.

5. 조르주 브라크, 바이올린과 촛대 (1910)

Georges Braque, 바이올린과 촛대 , 1910. 샌프란시스코 현대 미술관.

조르주 브라크( Georges Braque )가 20세기의 지배적인 예술 양식인 입체파( Cubism )를 공동 창립한 것은 파블로 피카소 와 함께였습니다. 입체파는 주로 고전적 관점의 포기, 형태를 다른 기하학적 면으로 분해 ("큐브"의 인상을 주는) 및 구성의 다른 평면의 독립성을 특징으로 하는 예술적 운동입니다 . 그들의 연구를 이해하기 위해 Braque와 Picasso는 다음 과정에 따라 작품을 제작해야 했습니다. Braque는 먼저 풍경을 만든 다음 정물 이라는 전통적인 주제를 해체하기 시작했습니다 .

바이올린과 촛대 는 확실히 예술사에서 가장 유명한 입체파 정물화입니다 . 1910년에 만들어졌으며 일반적으로 분석적 큐비즘 으로 알려진 큐비즘의 첫 번째 단계의 일부입니다. 여기에서 구성 요소는 순수한 단색 스타일의 여러 관점을 사용하여 단순한 모양으로 표현됩니다. 아티스트는 동일한 색상의 다른 톤만 사용했습니다. Braque와 Picasso와 함께 예술은 논리적이고 수학적 연습이 됩니다.

조르주 브라크, 유리와 글자가 있는 정물, 1914. 뉴욕 MoMA.

그게 다야, 이 분류는 끝났고, 우리는 당신이 그것을 즐겼기를 바랍니다!
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