추상화에 관한 모든 것: Artmajeur 예술가들의 이야기

Artmajeur 예술가 Stefan Fiedorowicz가 그린 "난잡한 색상"은 서정적 추상화의 전통에서 나타날 수 있습니다. 흰색의 질감이 있는 배경을 떠다니는 다양한 모양과 기호가 마음에서 생성된 기억과 경험의 출현을 암시하기 때문입니다. 실제로, 조성물은 단단한 형태를 고수하지 않습니다. 오히려 기억과 감각 경험이 우리 의식에 짜여지는 방식과 마찬가지로 요소들이 제약 없이 자유롭게 상호 작용할 수 있게 해줍니다. 모든 의도와 목적을 위해, 예술가는 문제의 작품이 그의 내면적 감정적 투쟁과 그의 야행성 "편집증"을 모두 반영하여 항상 공감할 준비가 되어 있는 관객과 이를 공유한다는 점을 인정합니다. "난잡한 색"은 존 로크의 철학, 특히 개인은 타고난 정신적 내용 없이 태어나고 모든 지식은 경험과 감각적 인식에서 나온다는 "타불라 라사(Tabula Rasa)" 개념을 의미하기도 합니다. 후자의 측면은 그림을 서정적 추상의 문체적 특징과 더욱 연결시켜 인간의 내면 세계의 발전에 대해 더 깊이 성찰하게 만듭니다.

MALEVICH의 "RED SQUARE"(2024)에 대한 새로운 아이디어 Tatiana Yasin의 그림

구성주의와 절대주의

20세기 첫 20년 동안 러시아 혁명의 격동 속에서 구성주의와 절대주의라는 두 가지 매우 혁신적인 예술 운동이 등장했습니다. 두 사람 모두 예술의 미학적, 철학적 풍경을 재정의하고 다른 일련의 운동에 영향을 미치며 현대 미술에 지울 수 없는 흔적을 남기는 데 근본적인 역할을 했습니다. 열렬한 러시아 아방가르드 현장에 공통의 뿌리를 공유하고 있음에도 불구하고 이러한 운동은 현대 사회 정치적 환경에 대한 독특한 반응을 반영하는 독특한 이데올로기와 시각적 언어를 개발했습니다.

구성주의는 1917년 러시아 혁명 이후 새로운 소련 국가의 요구에 부응할 수 있는 예술 형태로 구체화되었습니다. 부분적으로 절대주의에 미학적 뿌리를 둔 구성주의는 입체파와 미래주의와 같은 유럽 운동의 영향도 받았습니다. 이는 예술이 단지 미적 관조를 위해서만 존재해서는 안 되며, 일상생활과 사회주의적 재건에서 적극적인 역할을 해야 한다는 급진적인 생각을 제안했습니다. 이 운동은 예술가들이 새로운 사회 질서의 디자이너가 되어 가구에서 선전에 이르기까지 실용적인 물건을 만드는 예술에 대한 실용적인 접근 방식이 특징이었습니다. 구성주의는 금속, 유리, 플라스틱과 같은 재료에 초점을 맞추고 예술 창작에 대한 과학적인 접근 방식을 강조하면서 현대를 찬양했습니다.

1915년 카지미르 말레비치(Kazimir Malevich)가 개발한 최고주의(Suprematism)는 사물의 표현보다 순수한 예술적 감정이 우월하다는 주장 때문에 붙여진 이름입니다. 말레비치의 접근 방식은 객관적 현실의 잔여물을 제거하고 최소한의 배경 위에 떠 있는 사각형, 원, 선과 같은 본질적인 기하학적 형태를 선호했습니다. 절대주의는 예술의 '0도'에 대한 추구에 의해 주도되었으며, 말레비치의 상징적인 "검은 사각형"이 예시되어 과거 예술 형식에서 급진적인 단절과 순수한 추상화를 향한 움직임을 표현했습니다.

두 운동 모두 추상화를 수용했지만 접근 방식과 의도는 크게 달랐습니다. 구성주의는 근본적으로 기능성과 집단적 이상을 지향했습니다. 그것은 사회의 기술자로서 예술가에 대한 믿음을 반영하면서 구조와 산업에 중점을 두고 물질 세계에 뿌리를 두고 있습니다. 대조적으로, 최고주의(Suprematism)는 보는 사람의 영적, 감정적 반응을 불러일으키기 위해 형태와 공간을 탐구하는 데 관심을 두고 좀 더 철학적이고 내성적이었습니다.

제가 발표하기로 선택한 작품, 즉 타티아나 야신(Tatiana Yasin)의 "말레비치 붉은 광장의 새로운 아이디어"는 카지미르 말레비치(Kazimir Malevich)의 "붉은 광장" 스타일을 연상시키는 절대주의를 독점적으로 구현합니다. 실제로, 구성의 중심에는 시각적 영역을 지배할 준비가 된 대담하고 큰 빨간색 기하학적 형태가 나타납니다. 사각형은 검정색과 흰색의 비슷한 기하학적 형태로 채워져 있으며 뚜렷한 대비를 제공하여 역동적이고 매력적인 시각적 경험을 생성할 수 있습니다. 실제로, 뚜렷한 선과 색상 간의 상호 작용은 Suprematism의 전형적인 미니멀리스트 접근 방식에서도 움직임과 깊이감을 만들어냅니다. 타티아나 야신(Tatiana Yasin)에 대해 말하면, 그녀의 그림은 현실을 복제하는 것이 아니라 감정의 본질과 무형의 리듬을 전달하는 것을 목표로 하며, 기존의 경계에 도전하고 관객이 미지의 감정적 풍경과 성찰에 참여하도록 유도합니다. 요컨대 야신은 언어와 문화를 초월하여 직관적인 수준에서 시청자와 연결되어 신조형주의, 절대주의, 구성주의의 관용어로 자신을 표현하는 것을 목표로 합니다.

LOOKING FOR BALANCE 7 (2017) Lucie Jirků의 그림

COLOR TANGLE | INSPIRED BY MONDRIAN (2023)피터 렌의 그림

기하학적 추상화와 신생물주의

20세기 초 신조형주의의 출현은 예술적 서사에 혁명적인 전환점이 되었다. 1917년 네덜란드에서 시작된 이 운동은 De Stijl 잡지의 출판과 밀접하게 연관되어 있으며 회화의 가장 기본적인 요소인 색, 선, 형태를 통해 절대적인 진실을 전달하고자 했습니다. 네덜란드 예술가 피에트 몬드리안(1872-1944)은 아마도 이 운동과 관련된 가장 유명한 인물일 것이며 순수한 2차원 형태를 활용한 기하학적 추상 형태를 옹호했습니다.

신조형주의는 예술을 통한 감정 표현을 믿었던 바실리 칸딘스키(Wassily Kandinsky)의 생각과 달리 회화에서 3차원과 감정적 가치를 제거하는 것을 목표로 했습니다. 대신에 신생물적 접근 방식은 선과 색상에 초점을 맞춰 직선과 모호한 곡선이 없는 이상적인 형태로 직사각형을 선호했습니다. 이 무브먼트의 팔레트는 음영과 자연주의적인 표현을 피하면서 노란색, 파란색, 빨간색과 같은 원색으로 제한되었습니다.

신조형주의와 기하학적 추상화는 비표현 예술 영역에서 공통 조상을 공유하지만 그 뉘앙스는 뚜렷합니다. 신조형주의는 예술을 사회 개혁의 수단으로 보는 철학적 기반이 특징입니다. 직선과 원색의 엄숙한 시각적 언어를 엄격하게 고수하는 것은 보편적 진리와 균형을 반영하려는 의도였습니다.

기하학적 추상화는 형태를 기하학적 본질로 축소하는 것과 일치하지만 반드시 동일한 철학적 의도를 전달하는 것은 아닙니다. 이는 더 넓은 범위의 관행을 포괄하며 다양한 맥락에서 볼 수 있지만, 항상 유토피아적 비전을 구현하거나 엄격한 미학적 규칙을 고수하는 것은 아닙니다.

본질적으로, 신조형주의는 절대주의와 구성주의와 마찬가지로 보다 독단적이고 이데올로기적으로 지향된 더 넓은 기하학적 추상 미술의 하위 집합을 나타내며, 표현과 의도가 더 다원적이고 다양할 수 있습니다.

기하학적 추상화의 선언문은 Lucie Jirků의 "Looking for Balance 7"입니다. 이 그림은 균형 잡혔지만 역동적인 구성을 형성하기 위해 모양과 선이 복잡하게 얽혀 있는 그림입니다. 실제로 캔버스는 직사각형, 정사각형 및 기타 기하학적 모양이 표면에 배치된 직선과 교차하거나 단순히 병치된 패치워크입니다. 크기와 색상이 다양한 이 추상 형상은 베이지, 회색, 파란색, 녹색 및 약간의 빨간색 음영이 포함된 팔레트를 제공합니다. 신생물성 작품에 관해서는 제목에서 드러나듯이 피터 렌(Peter Ren)의 "Color Tangle | Inspiration by Mondrian"은 건축학적 정밀성과 예술적 표현의 긴밀한 융합을 반영할 정도로 네덜란드 거장의 작품에 영향을 받았습니다. 실제로 건축과 인테리어 디자인에 대한 배경 지식을 갖고 있는 Artmajeur 화가는 기하학적 형태의 세심한 배열과 원색의 대담한 사용에서 분명하게 드러나는 회화에 대한 다학제적 접근 방식을 제시합니다. 또한, 작가가 밝힌 의도는 "미학적 영향뿐만 아니라 지성을 자극하고 영적 치유를 불러일으킬 수 있는 잠재력 때문에" 각 선과 색조를 선택하는 것이라고 덧붙일 수 있습니다.

ROTHKO 영감 - 지금은 시간(2024) Nadiia Antoniuk의 그림

비공식 미술과 추상 표현주의

제2차 세계대전의 여파로 미술계에는 추상 표현주의와 비공식 미술이라는 두 가지 운동이 나타났습니다. 비록 서로 다른 문화적 맥락에서 발생했지만, 비록 방식은 다르지만 전쟁의 잔학 행위와 트라우마에 대응하는 데 있어서 그들은 공통된 맥락을 공유했습니다.

주로 뉴욕에 뿌리를 둔 추상 표현주의는 예술가의 개인적인 감정 표현과 보편적인 주제를 강조하는 것이 특징입니다. 초현실주의와 좌파 정치의 영향을 받은 추상 표현주의자들은 예술을 무의식의 깊이를 탐구하고 실존적 질문을 해결하는 수단으로 보았습니다. 이 운동은 액션 페인팅(Action Painting)과 컬러 필드(Color Field)를 포함한 다양한 흐름을 포괄했습니다. 잭슨 폴록(Jackson Pollock)과 같은 예술가들이 대표하는 액션 페인팅(Action Painting)은 자연스러운 표현의 한 형태로서 회화라는 물리적인 행위를 강조했습니다. 예술가들은 캔버스에 물감을 떨어뜨리고, 붓고, 뿌려서 예술적 과정 자체의 에너지를 포착하는 역동적인 구성을 만들어냈습니다. 이러한 접근 방식은 전통적인 구성 제약에서 벗어나 창의성의 본능적이고 원시적인 특성을 포용하려는 욕구를 반영했습니다. 이와 대조적으로 Mark Rothko 및 Helen Frankenthaler와 같은 예술가가 예시한 Color Field 그림은 감정적, 정신적 반응을 불러일으키기 위해 광범위한 색상에 중점을 두었습니다. Color Field 아티스트는 표현 요소를 제거하고 색상을 주요 표현 수단으로 활용함으로써 시청자에게 몰입감 있고 명상적인 경험을 선사하고자 했습니다.

대서양 반대편에서는 전후 시대의 혼란과 불확실성에 대한 대응으로 관련 앵멀 아트가 등장했습니다. 비평가 미셸 타피에(Michel Tapié)가 창안한 앵포르말 아트(Informal Art)는 전통적인 형식을 거부하고 반구성 기법을 채택하여 통합된 다양한 스타일을 포괄합니다. 유럽, 미국, 일본 등의 예술가들은 그 시대의 실존적 고뇌에 맞서기 위한 수단으로 초현실주의에서 영감을 받은 몸짓 추상화와 자발성을 탐구했습니다.

작품 분석에 따르면 나디야 안토니우크(Nadiia Antoniuk)의 "Rothko Inspiration - Now's the Time"은 생생하고 활력이 넘치는 그림입니다. 컬러 필드 예술의 이 예는 Rothko의 보다 일반적으로 정의된 색상의 직사각형과 부드러운 가장자리를 초월하여 색채 관계에 대한 더 큰 감정적 강도와 관심을 암시합니다. 그림의 상단 부분은 실제로 주황색과 노란색의 "클러스터"가 지배하고 있으며, 복잡한 선의 그물 모양은 Pollock의 역동적인 드리핑 기술에서 영감을 얻은 것으로 보입니다. 따뜻한 색상의 생동감 넘치는 폭발 아래에는 대비되는 파란색의 병치가 있으며 캔버스의 아래쪽 부분을 채울 준비가 되어 있어 바다의 깊이나 광활한 밤하늘을 거의 연상시킵니다. 베이스에는 흰색의 수평 스트립이 있는데, 이는 위의 혼란에 대한 평화로운 해결로 해석될 수 있으며 아마도 파도의 볏을 암시할 수 있으며 거품 모양과 함께 작품에 질감 대비를 제공하기 위한 의도입니다. 전반적으로 이 그림은 로스코의 컬러 필드의 정서적 무게감과 단순함, 그리고 폴록 액션 페인팅의 역동적인 몸짓 기법을 활용하여 영향의 융합을 나타냅니다.

BLACK LACE (2021)Kurotory의 디지털 아트

옵아트

올리브 행사(2022)구스타프 티드홀름의 그림

미니멀리즘

미니멀리즘은 1960년대 초 뉴욕에서 예술가들이 최근 예술 경향의 피로와 학문주의로 인식한 것에 대한 반응으로 나타났습니다. 추상 표현주의의 과도한 표현을 거부하고, 새로운 세대의 예술가들은 극적인 것보다 단순하고 기하학적인 것을 강조하는 작품을 창조하려고 노력했습니다. 산업 재료로 만든 조각품은 익명성을 강조하고 명백한 상징성을 피하면서 이 운동의 특징이 되었습니다.

미니멀리즘의 핵심은 예술가들이 추상 표현주의에서 널리 퍼진 전기적, 은유적 연관성과 거리를 두면서 의도적으로 표현을 거부하는 것이었습니다. 대신 그들은 미적 매력에 대한 전통적인 개념에 도전하는 매끄럽고 기하학적인 작품을 만드는 데 집중했습니다. 러시아 구성주의와 마르셀 뒤샹(Marcel Duchamp)의 기성품에서 영감을 받은 미니멀리스트들은 모듈식 제작과 산업 재료를 수용하여 정교하게 제작된 예술품이 아닌 공장에서 생산된 제품과 유사한 작품을 만들었습니다.

미니멀리즘의 독특한 특징 중 하나는 작품이 차지하는 물리적 공간을 강조한다는 것입니다. 단순하고 반복되는 기하학적 형태와 조립식 재료를 통해 미니멀리스트 작품은 보는 이로 하여금 형태의 조직과 규모, 그리고 자신의 물리적, 시각적 반응을 마주하게 만든다. 이 접근 방식은 회화와 조각 사이의 전통적인 구분을 무너뜨리고 클레멘트 그린버그(Clement Greenberg)와 같은 비평가들이 옹호하는 형식주의 교리에 도전하는 것을 목표로 했습니다.

1960년대의 경향은 관객의 인식을 가지고 노는 것을 목표로 하는 표면을 제시하는 미니멀리스트 추상화 운동인 구스타프 티드홀름(Gustaf Tidholm)의 "올리브 행사"에 잘 포착되어 있습니다. 종종 조화와 평화를 연상시키는 색상인 은은한 올리브 그린으로 칠해진 이 작품은 평온함과 낙관적인 느낌을 전달합니다. 작품의 표면은 원의 질감으로 이루어져 있어 보는 사람의 관점과 빛이 그림과 상호 작용하는 방식에 따라 깊이가 달라집니다. 이 작품을 만든 현대 스웨덴 화가 구스타프 티드홀름(Gustaf Tidholm)은 일상적인 상호 작용의 경험과 창작 과정 자체를 자신의 예술로 표현합니다. 사실 그의 미니멀리스트 표현은 단순히 순수한 종합과 기하학을 암시하는 것이 아니라 기쁨, 희망, 행복, 평화, 믿음과 같은 구체적인 감정을 전달하고자 한다. 작품의 천에 미묘하게 엮인 이러한 감정은 보는 이로 하여금 모노크롬의 단순함을 조용하고 여유롭게 감상하게 함으로써 자연스러운 관조와 몰입을 이끌어낸다.