추상 미술에서 여성의 복수: 발견할 10명의 예술가

힐마 아프 클린트

힐마 아프 클린트(1862년 10월 26일 ~ 1944년 10월 21일)는 스웨덴의 화가이자 신비주의자로, 현재 서양 미술사에서 가장 초기의 추상 예술가 중 한 명으로 알려져 있습니다. 칸딘스키, 말레비치, 몬드리안보다 앞서 일하면서 그녀는 심오한 영적 개념을 탐구하는 그림을 만들었습니다. 힐마 아프 클린트의 스타일은 기하학, 구상, 상징주의, 영성의 독특한 융합입니다. 종종 규모가 큰 그녀의 작품은 그녀의 과학적, 식물학적 연구에서 영감을 받아 유기적 성장과 자연적 과정의 개념을 탐구했습니다.

힐마 아프 클린트의 걸작 중 하나는 다음과 같습니다.   "N. 7, 성인기"는 "성전을 위한 그림" 연작의 "가장 큰 10가지" 시리즈의 일부입니다. 높이가 3m가 넘는 이 대형 작품은 섬세한 라일락색 배경에 유동적인 유기적 형태와 노란색, 빨간색, 초록색과 같은 생생한 색상을 결합합니다. 식물학적, 수학적 형태를 떠올리게 하는 이 그림은 성장과 존재를 상징합니다. 이 중요한 맥락에서 비평가 Adrian Searle은 다윈 이론의 영향, 특히 식물과 자연 형태의 발달이 수학적 진행을 따른다는 생각을 인정했습니다. 이런 의미에서 "양식화된" 숫자와 문자의 존재는 상징주의의 층을 더합니다.

또한 학자 마크 허드슨은 "삭스, 색소폰, 섹스" 또는 "에로스 우"와 같은 곡선 형태와 암호문이 미묘하게 숨겨진 에로틱한 전하를 암시한다고 언급했습니다. 마지막으로, " 성인기 " 에 사용된 기법은 종이에 그린 다음 캔버스에 장착되었으며, 일반적으로 추상 표현주의와 관련이 있고 종종 남성 예술가에게만 적용되는 대형 포맷을 선호한다는 점을 강조할 가치가 있습니다.

조지아 오키프, 일출, 1916년. 종이에 수채화.

조지아 오키프

조지아 토토 오키프(1887년 11월 15일 ~ 1986년 3월 6일)는 미국 모더니즘의 선구자로, 20세기 미술사에서 가장 영향력 있는 인물 중 한 명으로 인정받고 있습니다. 이 작가는 자연의 본질과 힘을 포착하는 방식으로 추상화와 표현을 혼합하는 능력으로 유명합니다. 그녀의 스타일의 독특한 측면 중 하나는 특히 꽃 그림에서 "확대된" 형태를 사용하는 것입니다. 그녀는 세부 사항에 주의를 집중하여 색상과 모양을 조화롭게 융합하여 추상화로 변환했습니다. 그녀의 생생한 색상 팔레트와 부드러운 선은 또한 눈에 보이는 이미지를 넘어 깊은 감정과 창조와의 연결을 불러일으키는 데 도움이 되었습니다.

그녀의 가장 초기이자 가장 중요한 추상 작품 중 하나는 수채화 "일출"(1916)입니다. 사우스캐롤라이나에서 가르치던 시기에 만들어진 이 작품은 종이에 그린 작품으로, 뛰어난 색상과 "합성" 형태를 통해 일출의 섬세함과 힘을 포착합니다. 걸작의 팔레트는 빨강, 보라색, 노랑의 음영을 특징으로 하여 점차 밝아지는 하늘을 생생하게 표현했으며, 지평선에서 떠오르는 태양의 빛나는 에너지를 연상시키는 동심원 구성이 특징입니다. 이 비전은 평화의 감각과 함께 떠오르는 활력을 전달하며, 중앙의 강렬한 빛과 가장자리의 어두운 음영 사이의 대비로 강조됩니다.

마지막으로, 이 작품은 오키프의 경력에서 중요한 순간을 표시하기 때문에 없어서는 안 될 작품입니다. 즉, 화가가 자연 세계의 표현과 추상성을 결합한 개인적인 시각 언어로 확실히 전환한 것입니다.

애그네스 마틴, 행복한 휴일, 1999년.

애그네스 마틴

애그니스 버니스 마틴(Agnes Bernice Martin, 1912년 3월 22일 ~ 2004년 12월 16일)은 캐나다계 미국인 추상화가로, 미니멀리즘 스타일과 추상 표현주의에 기여한 것으로 유명합니다. 단순한 격자와 선이 특징인 그녀의 작품은 20세기 다양한 예술 운동의 교차로에 위치하여 평온함과 영성을 전달하며, 미니멀리즘과 컬러 필드 페인팅의 요소를 결합합니다. 이러한 특징은 비유적이지 않지만, 그녀의 작품 제목과 글에서 분명히 드러나는 자연과의 강한 연결을 반영합니다. 사실, 마틴은 일상 생활의 단순함과 유기적 세계에서 영감을 얻었고, 나중에 부드럽고 고요하며 빛나는 색상이 배열된 격자로 구성했습니다. 이러한 접근 방식을 통해 화가는 무한한 색상과 형태의 변형을 탐구하여 예술가의 엄격하고 고독한 삶과 극명한 대조를 이루는 영적이고 명상적인 평온함을 전달할 수 있었습니다.

애그네스 마틴의 가장 대표적인 걸작 중 하나는 "해피 홀리데이"(2000)로, 흰색과 복숭아색이 번갈아 가며 균등한 너비의 14개 수평 띠로 나뉜 추상화입니다. 띠를 나누는 선은 연필과 짧은 자로 손으로 그려져 그녀의 그림 접근 방식에서 전형적으로 나타나는 가벼움과 단순함을 느끼게 합니다. 자를 사용했음에도 불구하고 선은 실제로 떨리고 불규칙한 품질을 가지고 있어 그녀의 작업에서 그림 그리기의 중요성과 수작업 세부 사항에 대한 그녀의 관심을 강조합니다. 마지막으로 흰색 제소 층으로 준비된 캔버스 바닥은 전체 그림에 생생한 광채를 부여하는 반면 얇은 층으로 적용된 아크릴 색상은 표면에 떠 있는 것처럼 보입니다.

조안 미첼, Hemlock, 1956. 그림. 휘트니 미술관, 뉴욕.

조안 미첼

조앤 미첼(Joan Mitchell, 1925년 2월 12일 ~ 1992년 10월 30일)은 미국의 화가로, 추상 표현주의 운동에 기여한 것으로 유명하지만, 그녀의 작품은 액션 페인팅의 전형적인 보다 자발적인 접근 방식에서 벗어났습니다. 그럼에도 불구하고 그녀의 작품은 그녀가 기억하는 풍경과 앙리 마티스와 같은 위대한 후기 인상주의 거장의 영향을 받아 감정적으로 강렬한 스타일로 특징지어졌습니다. 조앤 미첼의 붓질은 대담한 색상과 결정적인 획을 결합한 몸짓의 강렬함으로 두드러집니다. 또한 미첼은 종종 자연과 시와 관련된 기억을 불러일으키는 방식으로 작곡을 계획한 것으로 알려져 있는데, 이 방법은 그녀의 작품에 즉흥성과 보다 정의된 구조의 균형을 이루는 성찰적인 품질을 부여했습니다.

그녀의 캔버스는 일반적으로 크고 색이 풍부했으며, 종종 여러 패널로 나뉘었는데, 작가는 "균일하게 분포된" 예술이라는 개념을 거부했기 때문입니다. 큐레이터 존 야우가 지적했듯이, 미첼의 작품은 "그림이 분리되어 있으면서도 서로 얽힌 부분으로 구성될 수 있다는 생각을 발전시켰습니다." 이러한 특성 덕분에 그녀는 남성이 지배하는 예술계에서 두각을 나타낼 수 있었고, 추상 표현주의에서 가장 중요한 인물 중 한 명이 되었습니다.

미첼의 가장 유명한 걸작 중 하나는 캔버스에 그린 유화 "Hemlock"(1956)으로, 차가운 톤이 지배적인 대담한 제스처 붓놀림이 특징이며, 흰색이 녹색과 검은색 수평선과 교차하여 겨울의 상록수 풍경을 연상시킵니다. 사실, "Hemlock" 은 월리스 스티븐스의 시 "Domination of Black"에서 언급된 나무에서 이름을 따왔는데, 이는 확실히 예술가에게 영감의 원천이었습니다.

헬렌 프랭컨탈러, 산과 바다, 1952. 캔버스에 오일과 목탄. 워싱턴 DC 국립 미술관

헬렌 프랭컨탈러

헬렌 프랭컨탈러(1928년 12월 12일 ~ 2011년 12월 27일)는 20세기에서 가장 영향력 있는 예술가 중 한 명으로, 전후 미국 회화사에서 중요한 역할을 했습니다. 맨해튼에서 태어난 그녀는 일찍이 뉴욕 미술계에 소개되었고, 잭슨 폴록, 프란츠 클라인, 로버트 마더웰과 같은 인물들을 만났으며, 나중에 그들과 결혼했습니다. 추상 표현주의의 영향을 받았지만, 프랭컨탈러는 자신만의 독특한 기법인 "소크 스테인"을 개발하여 회화에서 색상을 사용하는 방식에 혁명을 일으켰습니다. 희석된 페인트를 프라이밍되지 않은 캔버스에 붓는 이 과정은 지지대 자체의 원단과 융합되어 3차원의 환상을 제거하는 빛나는 워시를 만들었습니다. 그녀의 작품은 원래 추상 표현주의와 관련이 있었지만, 이 작가는 캔버스에 넓은 면적의 순수한 색상을 사용하는 것을 찬양하는 운동인 컬러 필드 페인팅에 기여한 것으로 더 잘 알려져 있습니다. 그녀의 그림은 추상적인 면이 있기는 하지만, 종종 자연 풍경에서 영감을 받아 색을 통해 그 풍경의 감각과 분위기를 포착했습니다.

"산과 바다"는 헬렌 프랭컨탈러의 경력에서 결정적인 전환점을 만든 걸작으로 여겨지는데, 이 1952년 그림에서 작가는 처음으로 혁신적인 기법을 선보였기 때문입니다. 이 구성은 프랭컨탈러가 작품을 만들기 직전에 방문했던 노바스코샤주 케이프 브레튼의 풍경에서 영감을 받았습니다. 이 자연스러운 맥락에서 색상이 중심 역할을 했으며, 분홍색, 파란색, 녹색이 언덕, 바위, 물을 윤곽으로 그렸습니다. 마지막으로 가볍게 스케치한 목탄 선과 프라이밍되지 않은 캔버스에 자유롭게 펼쳐지는 생생한 색조 사이의 섬세한 대비를 주목하는 것이 중요합니다.

Lee Krasner, Gaea, 1966. 캔버스에 유채. 뉴욕 현대 미술관.

리 크라스너

리 크래스너(Lee Krasner, 1908년 10월 27일 ~ 1984년 6월 19일)는 미국의 화가이자 추상 표현주의의 가장 중요한 인물 중 한 명으로, 주로 뉴욕에서 활동했습니다. 쿠퍼 유니언의 여성 미술 학교와 국립 디자인 아카데미에서 학업 교육을 받은 후, 그녀는 뉴욕시 현대 미술관에서 후기 인상주의를 접하면서 현대 미술의 세계에 소개되었습니다. 1930년대에 그녀는 한스 호프만과 함께 공부하면서 입체파 요소를 작업에 통합했고, 대공황 동안 그녀는 연방 예술 프로젝트에서 일했습니다. 10년 후, 크래스너는 빌렘 드 쿠닝과 마크 로스코와 같은 화가들과 함께 뉴욕 화파의 저명한 인물이 되었습니다. 그러나 추상 표현주의의 중심 인물인 잭슨 폴록과 1945년 결혼하면서 그녀의 경력은 종종 가려졌습니다. 1956년 폴록이 교통사고로 비극적으로 죽은 후, 크래스너는 깊은 슬픔을 겪었지만, 계속해서 새로운 예술적 열정으로 작업을 이어갔으며, 그 후 몇 년 동안 점점 더 많은 인정을 받게 되었습니다.

스타일 면에서 크래스너의 작품은 끊임없는 진화와 뛰어난 예술적 다양성이 특징입니다. 처음에는 추상 표현주의와 관련이 있었지만, 그녀는 마크 로스코와 바넷 뉴먼과 같은 동시대 작가들의 작품에서 느낀 반복성을 거부했습니다. 그녀가 "브레이크"라고 불렀던 갱신에 대한 그녀의 열망은 1940년대 후반의 유명한 "작은 이미지" 시리즈, 1950년대의 대담한 콜라주, 1960년대의 크고 밝은 색의 캔버스를 포함하여 새로운 형태의 예술적 표현을 개발하게 했습니다. 크래스너는 또한 피에트 몬드리안의 작품에서 영감을 받아 "올오버" 기법을 실험한 최초의 예술가 중 한 명이었고, 이는 나중에 잭슨 폴록의 유명한 드립 페인팅에 영향을 미쳤습니다. 그녀의 예술은 단일 기법이나 스타일에 국한되지 않고 발전했습니다. 자신의 창작물을 다시 살펴보고 재작업하는 경향은 오래된 캔버스를 잘라내고 재활용하여 콜라주를 만드는 관행에서 분명하게 드러났습니다. 이 과정은 앙리 마티스의 영향을 반영합니다. 게다가 크라스너는 추상화를 탐구하는 것뿐만 아니라 자연과 유기적 세계와의 깊은 연결을 표현하고자 했습니다.

리 크래스너의 가장 대표적인 작품 중 하나는 캔버스에 그린 기념비적인 유화 작품 '가이아'(1966)로, 색채에 대한 그녀의 생동감 넘치는 탐구와 자연과의 깊은 관계를 구현하고 있습니다.

엘레인 드 쿠닝, 바커스 #81, 1983. 조지아 미술관, 아테네, 미국.

엘레인 드 쿠닝

엘레인 드 쿠닝(1918년 3월 12일 ~ 1989년 2월 1일)은 전후 시기에 활동한 추상 표현주의 화가이자 비유적 화가였습니다. 미술 평론가이자 교사로도 알려진 그녀는 뉴욕 미술계에서 가장 활기차고 영향력 있는 목소리 중 하나였습니다. 그녀의 경력은 남편인 빌렘 드 쿠닝과 아실 고르키를 포함한 운동의 주요 인물들의 영향을 받았습니다. 처음에는 남편의 명성에 가려졌지만 엘레인 드 쿠닝은 추상적 요소와 비유적 요소를 융합한 개인적인 예술적 언어를 개발했으며, 종종 친구, 운동선수, 심지어 미국 대통령을 묘사했습니다.

스타일 면에서, 액션 페인팅과 그 몸짓과 역동적인 접근 방식을 받아들인 그녀는 대상의 정확한 모습보다는 대상의 에너지와 개성을 포착하는 데 집중했습니다. 드 쿠닝은 초상화에서 생동감 있고 유동적인 붓놀림을 통해 사람의 본질을 포착하고자 했으며, 순전히 사실적인 표현을 피했습니다. 이러한 접근 방식은 신화적 대상과 원시적 주제를 특징으로 하는 그녀의 작품에서도 분명하게 드러납니다. 그녀는 종종 이를 사용하여 형태와 움직임 사이의 긴장을 탐구했습니다.

예를 들어, "바커스 #3"(1978)은 엘레인 드 쿠닝의 걸작 중 하나입니다. 이 대형 그림은 캔버스 전체에 섞여 있는 생생한 녹색, 회색, 파란색이 특징이며, 표면에는 검은 선이 나타나 조각품 그룹의 모습을 암시하는데, 아마도 파리의 뤽상부르 공원에 있는 바커스 조각품에서 영감을 받은 것 같습니다.

카르멘 에레라, 무제, 1952. 뉴욕 현대 미술관.

카르멘 에레라

카르멘 에레라(1915년 5월 31일~2022년 2월 12일)는 추상 및 미니멀리즘 예술에 기여한 것으로 유명한 쿠바계 미국인 화가였습니다. 하바나에서 태어난 그녀는 일생의 대부분을 뉴욕에서 보냈고, 1950년대 중반에 뉴욕으로 이사했습니다. 이 작가는 추상이 뉴욕 예술계를 지배했던 시기에 활동했지만, 그녀의 스타일은 추상 표현주의 운동의 동료들과 완전히 일치하지 않았습니다. 사실, 종종 고립되어 작업했던 그녀의 예술적 언어는 기하학과 사려 깊고 생생한 색상 사용을 결합한 형식적 순수성이 특징이었습니다. 그녀의 스타일은 단순함과 정밀성에 뿌리를 두고 있으며, 날카로운 선과 평평한 색상 필드로 표시되어 필수적이고 중요한 구성을 생성하는 것을 목표로 합니다. 실제로 그녀의 작품은 형태와 색상 간의 관계를 탐구하며, 특히 표면과 공간 간의 상호 작용에 중점을 둡니다.

이러한 접근 방식은 그녀를 하드 에지 추상화와 옵 아트와 같은 운동과 연결하지만, 그녀의 작품은 엄격한 형식적 축소와 조화로운 배열에 대한 주의로 여전히 독특합니다. 걸작에 대해 말하자면, "제목 없음"(1952)은 작가의 가장 중요한 그림 중 하나입니다. 캔버스에 합성 페인트로 만든 이 작품은 표면을 가로지르는 흑백 선이 특징으로, 캔버스를 두 개의 삼각형 섹션으로 나눕니다. 단순하면서도 인상적인 구성은 거의 폭력적인 진동을 암시하는 날카로운 모서리로 질서와 움직임 사이의 긴장감을 탐구합니다. 마지막으로, 기하학적 모양과 색상 대비는 옵 아트를 연상시키는 시각적 효과를 만들어내지만, 작품에서 발산되는 에너지는 훨씬 더 직관적이고 실험적인 접근 방식의 결과입니다.

리지아 클라크, Planes in Modulated Surface No. 4, 1957. 나무 위의 포마이카와 산업용 페인트. 뉴욕 현대 미술관.

리지아 클라크

리지아 클라크(1920년 10월 23일 ~ 1988년 4월 25일)는 20세기 가장 영향력 있는 브라질 예술가 중 한 명으로, 추상화와 상호작용 설치물로 유명합니다. 그녀는 브라질 구성주의 운동과 긴밀히 연관되어 있으며 나중에 아밀카르 데 카스트로, 프란츠 바이스만, 리지아 파페와 같은 예술가들과 함께 네오콘크리트 운동을 공동 창립했습니다. 그녀의 작품은 예술 작품과 관객 간의 상호 작용에서 혁신을 이루어 예술 참여 개념을 새로운 차원으로 끌어올린 것으로 유명합니다. 사실, 클라크는 감각적 지각과 걸작과의 심리적 연결과 관련된 원리를 탐구하여 그녀의 작품을 "살아있는 경험"으로 정의했습니다.

1970년대부터 그녀는 예술의 치료적 활용에 점점 더 집중하면서 사물과 참여를 심리적 트라우마와 개인적 경험에 대처하는 수단으로 활용했습니다. 이러한 이유로 작가는 점차 전통적인 회화에서 벗어나 관객을 적극적으로 참여시키는 새로운 표현 방식을 탐구했으며, 그녀는 관객을 예술 작품의 필수적인 부분으로 여겼습니다.

하지만 그녀의 그림 작업에 대해 말하자면, 걸작 "유기적 선의 발견"(1954)은 주목할 만하다. 강력한 기하학적 기반을 유지하면서도, 이 작품은 그녀의 3차원 공간 탐구의 시작과 대중과의 더 큰 상호작용으로의 전환을 나타낸다.

주디 시카고, 디너 파티, 1979년.

주디 시카고