당대 추상미술의 거장 프랭크 스텔라(Frank Stella)가 87세의 나이로 세상을 떠났다.

처음에는 삭막하고 단색의 미학을 수용했던 프랭크 스텔라(Frank Stella)는 점차 금속성 톤과 생동감 넘치는 색상을 작품에 접목시켜 다양한 기하학적 구성으로 표현했습니다. 그의 혁신적인 모양의 캔버스는 1960년 Castelli에서 열린 데뷔 개인전에서 알루미늄 시리즈로 처음 등장했습니다. 뉴욕에서 초기 몇 년 동안 Stella의 작품은 "Geometric Abstraction"(1962)을 포함하여 도시 최고의 문화 기관에서 열린 수많은 중추적 쇼에 등장했습니다. ) 휘트니 미술관 소장, "The Shaped Canvas"(1964), 솔로몬 R. 구겐하임 미술관의 "Systemic Painting"(1966), 1971년 휘트니 미술관의 "The Structure of Color".

1936년 보스턴 바로 북쪽 교외 지역인 매사추세츠 주 몰든에서 태어나 인근 멜로즈 마을에서 자란 스텔라는 교육을 받은 후 바로 뉴욕으로 이주했습니다. 그는 매사추세츠 주 앤도버에 있는 필립스 아카데미에서 패트릭 모건 밑에서 그림을 공부하고 나중에는 프린스턴 대학에서 미술사학자 윌리엄 세이츠와 추상 예술가 스티븐 그린 밑에서 그림을 공부하면서 집 장식가로 자립하여 1958년에 졸업했습니다. 1959년까지 스텔라는 이미 그룹에 참여하고 있었습니다. 오하이오주 Oberlin College와 뉴욕의 Tibor de Nagy Gallery 및 Leo Castelli에서 전시회를 열었으며 MoMA의 "Sixteen Americans"에 크게 포함되었습니다.

MoMA 회고전

1965년 Frank Stella는 Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Claes Oldenburg, Jim Dine과 같은 동시대인들과 함께 베니스 비엔날레에서 미국을 대표하도록 선정되었습니다. 1967년까지 Stella는 Leo Castelli에서 각도기 시리즈를 출시했습니다. 생동감 넘치는 색상과 제도 도구의 이름을 딴 대규모 반원 모양이 특징인 이 작품은 현대 추상 미술에 대한 그의 영향력을 확고히 했습니다. 1970년, 33세의 나이에 스텔라는 현대 미술관(MoMA)에서 회고전을 갖는 영예를 안은 최연소 예술가가 되었습니다. MoMA에서 열린 그의 두 번째 종합전시 "Frank Stella: Works from 1970 to 1987"(1987-88)은 폴란드 마을 시리즈로 시작되었습니다. 제2차 세계대전 중 폴란드에서 파괴된 유대교 회당을 기리는 이 작품은 그가 낮은 부조 콜라주에서 펠트와 판지와 같은 재료를 사용하여 더 복잡한 고부조 건축물로 전환했음을 나타냅니다.

1999년 The Art Newspaper와의 인터뷰에서 Stella는 자신의 작품에서 이러한 진화에 대해 다음과 같이 회상했습니다. "부조 그림을 통해 현실 세계에 더욱 적극적으로 참여하게 되었습니다. 저는 펠트, 합판, 벌집형 알루미늄과 같은 재료를 조달하러 나가게 되었습니다. 이 과정은 내 예술에 새로운 요소를 가져왔고, 스튜디오의 통제된 환경에서 보다 탐구적인 재료 사용으로 전환했습니다. 피카소는 또한 재료 사용에 있어 전통적인 경계를 넘어 모험을 시도했지만 오늘날의 기준으로 볼 때 그는 한계를 더 뛰어 넘었습니다. 물리적 탐구보다는 물질적 혁신이 중요합니다."

프랭크 스텔라(Frank Stella)는 런던의 버나드 제이콥슨(Bernard Jacobson)에서 조각 전시회를 열었던 1999년 자신의 초기 경력을 회고하면서 자신의 전문 분야의 변화에 대해 다음과 같이 언급했습니다. "나는 1960년대의 딜러들보다 더 성장했거나 더 오래 살았습니다. 래리 루빈 은퇴했습니다. [그는 같은 해에 사망했습니다.] 저는 실제로 다른 세대에서 자랐고 이제 모두 사라졌습니다. 저는 여전히 계속 살아가고 있습니다. 하지만 나는 오늘날의 험난한 세상에는 별로 어울리지 않아요."

Stella는 대규모 조각품과 65년 친구인 Richard Meier와 같은 건축가와의 협업을 포함하도록 작업을 발전시켰습니다. 그들은 함께 피닉스 연방 법원(2000년 개관), 바르셀로나 현대 미술관(1995), 독일 남부 울름 근처의 바이스하우프트 포럼(1993), 로마의 희년 교회(2003)와 같은 프로젝트에 참여했습니다. , 산티아고 칼라트라바(Santiago Calatrava)와도 마찬가지입니다. 주목할만한 프로젝트 중 하나는 Calatrava가 디자인한 고리 모양의 프레임 위에 드리워진 30m 길이의 스텔라 배너 그림인 The Michael Kohlhaas Curtain(2008)입니다.

스텔라의 회화사 탐구

1983~1984년 학기 동안 Stella는 Harvard University에서 "Working Space"(이후 1985년 Harvard에서 출판)라는 제목으로 Charles Eliot Norton 강의를 진행했습니다. 이 강의에서 그는 공간과 양을 시적이고 건설적으로 활용한 바로크 양식과 기타 역사적 양식을 칭찬했습니다. 300여 점의 작품을 선보인 포트로더데일 NSU 미술관에서 열린 2017~2018년 "프랭크 스텔라: 실험과 변화" 전시회에서 스텔라와 큐레이터 보니 클리어워터는 회화의 역사에 대한 그의 깊은 참여에 대해 논의했습니다. Stella는 필라델피아 미술관에서 Rogier van der Weyden의 Crucifixion Diptych(약 1460년경)를 처음 접한 일을 회상했는데, 그는 이것이 예술이 무엇을 달성하고자 하는지에 대한 그의 이해에 중대한 영향을 미쳤다고 설명했습니다. 전시회 카탈로그에서 클리어워터는 스텔라의 경우 모더니즘 교리를 고수하는 것보다 그림의 강렬한 시각적 영향이 더 중요한 목표라고 언급했습니다.

Stella의 첫 부인인 Barbara Rose는 저명한 미술 평론가로 떠올랐고 1965년에 Art in America를 위한 영향력 있는 에세이 "ABC Art"를 집필했는데, 이 에세이는 미니멀리즘에 대한 이해를 형성하는 데 중요한 역할을 했습니다. 그녀의 에세이에서 Rose는 Donald Judd, Robert Morris 및 당시 그녀의 남편 Stella(1969년 별거)와 같은 뉴욕 예술가들의 작품에서 관찰된 "자기 소멸 익명성"이 제한되지 않은 개인에 대한 반작용이었다고 제안했습니다. 당시 널리 퍼진 표현과 만연한 회화 적 과잉에 대한 공식적인 반응.

예술에 대한 스텔라의 솔직한 접근

프랭크 스텔라(Frank Stella)는 자신의 작품에 대한 솔직한 담론으로 유명했습니다. "당신이 보는 것은 당신이 보는 것이다"라는 그의 유명한 말은 미술사학자 브루스 글레이저(Bruce Glaser)와의 대화 중에 나왔습니다. Glaser가 "나중에 너무 많이 남지는 않죠? "라고 대답했을 때. 스텔라는 "그 밖에 뭐가 있는지 모르겠어요"라고 반박했다. 수십 년 후 The Art Newspaper와의 인터뷰에서 Stella는 "나는 여러 번 말했습니다. 추상화는 많은 것이 될 수 있습니다. 어떤 의미에서는 이야기를 전달할 수 있습니다. 비록 결국에는 그렇지 않더라도 말입니다." 화보같은 이야기."

1999년 The Art Newspaper의 Norbert Lynton과의 인터뷰에서 Frank Stella는 경력의 첫 40년 동안 자신의 작품의 발전을 어떻게 인식했는지에 대한 통찰력을 공유했습니다. "사람들은 종종 '왜 바꾸나요?'라고 묻습니다. 내 작업의 변화는 두 가지 주요 감정에서 비롯됩니다. 약간의 불만과 약간의 희망, 항상 새로운 것을 찾고자 하는 마음입니다. 일관된 스타일을 확립하지만 예술가들은 일반적으로 계속 탐구하고 싶어합니다."라고 그는 설명했습니다.

최첨단 기술 수용

Stella는 또한 신기술의 조기 채택과 혁신적인 사용으로도 유명했습니다. 1980년대 후반부터 CAD(컴퓨터 지원 설계)를 접했고 2000년대 중반부터 3D 프린팅 기술을 활용하기 시작했습니다. The Art Newspaper의 보도에 따르면 Stella는 다색 조각 시리즈 Scarlatti Kirkpatrick의 금속 및 수지 부품을 만들기 위해 3D 프린팅을 사용했습니다. 이 시리즈는 18세기 이탈리아 작곡가인 도메니코 스카를라티(Domenico Scarlatti)의 하프시코드 소나타와 20세기 미국 음악학자인 랠프 커크패트릭(Ralph Kirkpatrick)의 학문적 작품에서 영감을 얻었습니다.

2013년 The Art Newspaper와의 인터뷰에서 뉴욕 예술 디자인 박물관의 큐레이터인 Ron Labaco는 어떻게 3D 프린팅 기술을 통해 Frank Stella가 전통적인 방법과 방식으로 벽에서 투영을 만들 수 있었는지 논의했습니다. 번거롭고 무거워서 달성할 수 없었습니다. Labaco는 2013년부터 2014년까지 진행된 "Out of Hand: Materializing the Postdigital"이라는 제목의 컴퓨터 기반 예술에 초점을 맞춘 전시회에 Stella의 작품을 포함시켰습니다.

2022년 Frank Stella는 저작권, 라이선스, 미국의 시각 예술가를 모니터링합니다. 이 파트너십은 ARS에 대한 Stella의 오랜 참여와 지원을 강조했습니다. ARS의 비즈니스 개발 이사인 Katarina Feder는 The Art Newspaper에 "우리는 2,100개의 토큰을 모두 매진했고, 결정적으로 2차 판매에서 재판매 로열티를 창출했는데, 이는 Frank가 오랫동안 옹호해 온 이유입니다."라고 보고했습니다.

ARS(Artists Rights Society)는 디지털 부서 ARSNL을 통해 미술 분석 전문가 Jason Bailey의 프로세스 비디오와 큐레이터 성명을 공유하여 NFT 수집가를 참여시켰습니다. Katarina Feder는 "디지털 수집가들은 Frank와 그의 창작물에 매료되었습니다. 그리고 많은 사람들이 Frank가 허용한 자신만의 파생 작품을 만들기 시작했습니다. 우리는 이러한 파생 작품 중 일부를 Frank에게 제시했고 그는 기뻐했습니다."라고 말했습니다. Stella가 NFT 잡지 Right Click Save에 설명했듯이 NFT 드롭의 매력은 "추상적인 의미에서 NFT는 이미징 및 제조 기술의 재현성 증가로 인한 일부 문제를 해결할 수 있는 것처럼 보입니다. 더 구체적으로 말하자면, 그들은 예술가들이 우리가 소유해야 한다고 생각하는 재판매 권리를 주장할 수 있는 메커니즘을 제공합니다."

NFT 드롭에 대한 Stella의 진보적인 입장은 수집가들이 파생물을 만들고 작품을 3D 인쇄하도록 장려하여 예술가 권리의 옹호자로서의 명성을 더욱 확고히 했습니다. Gretchen Andrew는 The Art Newspaper의 Art Decoded 칼럼에서 Stella의 헌신을 다음과 같이 강조했습니다. "Frank는 동료의 권리를 옹호하는 만큼 항상 자신의 작품의 물질성과 촉각적 특성에 관심을 가져왔습니다. 수년 동안 그는 재판매 권리를 추진하는 데 적극적인 목소리를 냈습니다."

스타 시리즈

Frank Stella의 후기 경력 중 가장 유명한 작품 중 하나는 크고 여러 뾰족한 독립형 별을 특징으로 하는 Stars 시리즈입니다. 이 시리즈의 주목할만한 설치에는 2015년 런던 왕립 아카데미 안뜰에 전시된 7m 높이의 한 쌍의 별이 포함되었습니다. 2021년 Stella는 스테인리스 스틸 조각품인 Jasper's Split Star를 New 7 World 광장에서 공개했습니다. 뉴욕시의 무역 센터. 이 조각품은 스텔라의 큰 그림 두 점(각각 10피트 x 10피트)인 Laestrygonia I과 Telepilus Laestrygonia II를 가슴 아픈 상징적으로 대체하는 역할을 했습니다. 이 작품은 이전에 원래의 7 세계 무역 센터 로비에 보관되어 있었지만, 9/11 공격.

프랭크 스텔라의 지속적인 유산: 추상 미술의 혁신과 영향력

60년 넘게 추상 미술 분야에서 불굴의 영향력을 발휘해 온 프랭크 스텔라(Frank Stella)는 이 분야에 선구적인 공헌을 함으로써 엄청난 유산을 남겼습니다. 87세의 그의 죽음은 한 시대의 종말을 의미할 뿐만 아니라 획기적인 "검은 그림"부터 혁신적인 대규모 조각품 및 건축가와의 협력에 이르기까지 그의 작품의 지속적인 영향을 강조합니다. Stella의 탐구는 형태, 색상, 공간 역학 영역에 걸쳐 추상 미술과 NFT를 포함한 현대 기술 및 뉴미디어와의 교차점에 대한 대화를 재구성했습니다. 예술가의 권리를 옹호하면서 자신의 예술적 표현을 발전시키기 위한 그의 헌신은 창작자로서뿐만 아니라 예술계에서 선구적인 사상가로서의 그의 역할을 강조했습니다. 뉴욕의 젊은 화가에서 당대의 미적 경계에 도전하고 초월한 작품을 통해 존경받는 아이콘이 되기까지의 스텔라의 여정은 현대 미술의 캔버스에 지속적인 흔적을 남깁니다.