ヤニック・アーロン: 誰もがアーティストとして生まれてくる

アートワークを作成し、アーティストになるきっかけとなったのは何ですか? (出来事、感情、経験...)

誰もがアーティストとしてこの世に生まれ、機会があればすぐに構築と解体を始めますが、それは同じプロセスです。私にとっても、それは同じことでした。あなたの小さなお子さんが継続的にレゴで遊んでいたのを覚えています。建設当日、私にはおもちゃがあまりないという制約があり、楽しむためにおもちゃを作らなければなりませんでした。その後、10代の頃、友人に「空き地にある落書きを見に行こう」と勧められ、その時、本物の落書きよりも少し時間をかけて描かれた本物の落書きに出会ったのです。たとえば、鉄道の線路で作られたものは、私もすぐにやりたいと思いました。落書きをするというこの行為には、思春期の反抗、アドレナリン、逃避、目的を達成するために社会のルールを破壊することが含まれていました。この場合、私の落書きを描くために禁じられた場所に忍び込んだという事実がありました。できる限り効率的に、これらすべてはすでに私のキャラクターの中にあり、私が発見したばかりの当時のヒップホップの動きと組み合わされて、このニーズは生まれ続けました。私にとって、それに陥るためのすべてがそこにあり、それから私は自分の作品を作り始めました自分の創作物を壁に飾ることがほとんどでしたが、それが違法で、それがますます増え、ついには時々授業に行かずにそればかりをするようになりました。そして、これらすべての落書きには意味があり、コードが存在し、すべての落書きアーティストにはそれぞれ独自のグループがあることを発見しました。荒地で他の落書きアーティストに出会い、そこから私は決して止まらない強迫観念を抱くようになり、破壊行為が混ざり合ったものになります。組織化されたギャングではありますが、常に観客の感情を発展させるという芸術的なアプローチを持ち、それは単なる熟考ではなく、ペイントで生意気な方法で大衆に衝撃を与え、最大のタグ、最大のグラフ、最大のものを常に作成する必要がありました、いつも。

あなたの芸術的背景、これまでに実験してきたテクニックや主題は何ですか?

私がグラフィティを始めたのは1997年で、当時は線路全般に数十メートルの大きな文字をたくさん描いたり、パリ郊外のRER車内に消えない滴り落ちたタグをたくさん描いたり、フルタイムで行っている仕事です。しかし、誰がお金を支払われないのかというと、公共財産の劣化と、非常に複雑で曖昧な都市環境への落書きの影響、また落書きによる劣化との関係の曖昧さに焦点が当てられます。 、それがもたらす装飾、私は常に善と悪の間の主観的な限界、または落書きに反応する観客の感情、ネガティブな感情が私にとってポジティブな感情と同じくらい大きな影響を与えるものを探しています。私は2011年に社会人生活を始めるまで、路上で絵を描いていました。当時、私はエアロゾルスプレーを使ってより詳細な壁画を作成できる技術を開発しました。数か月間失業していましたが、数人の友人が私に壁画を作るように頼んだのです。部屋や庭、そしてこれらの注文の1つから、テーマに合わせたカスタム壁画を作成するサービスを提供することを目的としてWebサイトを作成することにしました。アイデアは次のとおりです。クライアントからテーマが与えられ、私がプロジェクトのモデルを作成します。フォトモンタージュを使用して、クライアントに直接行き、事前に定義された壁のフレスコ画を作成します。当初、私の顧客は主に子供部屋の個人で構成されていましたが、数年後には企業もこのトレンドに加わりました。その後、私は注文簿を守るためにヨーロッパ中を旅してすべての時間を費やしました。当時はテーマ別コマンドについてでした。主にエアゾールスプレーを使って壁にテクニックを開発するのですが、それは尊重すべき仕様でかなり枠付けされたままですが、あまりにも枠にとらわれすぎた要求に悩まされ始めます。ほとんどの場合、これらの制約は意思決定者である人々によって与えられます。社内にはいるけど芸術的な経験のない人、絵を描かない人、個人的な趣味だけで会社を決める人、このことが私にますます影響を与え、残念なことに絵で自分の作品を作りたいと思うようになりました。考えてみれば、注文帳がどんどん埋まっていくので、時間がなくなってしまうのです。 2020年になるまで、あるいはコロナのおかげで私は息をすることができ、ついに自分の作品を作り始めました。絵画の作業は、壁や大きな表面の作業とはまったく異なります。エアゾール缶を使用すると、非常に大きな表面を不透明に覆うことができるため、非常に効果的ですが、線のサイズには制限があり、正確な線を描くことはできません。エアロゾル缶の髪のサイズですが、まさにこの特性が、より小さなサイズの絵画の弱点になります。それから私はアクリル絵の具の技術を学ぼうと決心し、さまざまな種類のブラシ、さまざまな種類の絵の具を調べ、不透明度に慣れ、色を作ることを学びました{ce dont je n avais pas besoin avec les bombes aérosols car chaque bombe a sa couleur}私はアクリルグレージングの技術を発見し、その後油絵に移り、脂肪、ウォッシュ、テレビン油、油混合物、さまざまな溶剤の技術も学びました。私の技術的な作品は、動きとタグの力を彷彿とさせる幾何学的な形状の使用に基づいており、色の変化による透明効果と関連付けられています。主題は多様ですが、多くの場合、女性の昇華を通過します。私はこれらのポートレートを次のようにカスタマイズします。それらをアイコンのようなものにし、透明効果を利用して主題の非現実的なビジョンを表現することができ、色の遊びが作品にダイナミズムと超越的な側面をもたらします。また、私が作品で表現しているより人気のある主題や社会的な主題を取り上げることもあります。アイコン。

あなたを他のアーティストと区別し、あなたの作品をユニークなものにしている 3 つの側面は何ですか?

私の優先事項は、卓越性の探求、つまり、何かとその反対のものを混合し、何か新しいものを得るために調和を見つけることであり、混合とコントラストに情熱を持っており、古典的な絵画、落書き、秩序と無秩序を自分の作品に混ぜることがよくあります。滴る絵の具、とてもきれいな平らな部分、影と光の部分、相補性があり、私たちはもはや何が美しいか醜いかの区別がつきません。これは私の最初の落書きと少し似ています。

私を差別化する2番目の側面は、構成にダイナミズムを与えるためにクロマティックフィルターと呼んでいるものを使用することです。それらは私の構成を一目で認識できるようにし、私たちが住んでいる社会を反映しており、一種の閃光です。光、最近はすべてが非常に速く進み、私たちはすべての断片しか見ていません、音楽においてさえ、もはや実際にはストーリーではなく、想像上の視覚効果を意味のあるものにするためにまとめられた文章の断片にすぎません、私が使用するこのプロセスは完全に調和しています時代とともに。

シンボルをパターンとして使用すると、花のモチーフ、ピクセル、天使のアーチがよく見られますが、これは私が絵画で表現するビジョンを強化するものであり、それらによって作品が曖昧になりすぎないようにすることができます。彼は知っているものにしがみついている。

あなたのインスピレーションはどこから来ますか？

私は異なる文化、コントラストに情熱を持っています。一見すると非常に異なる 2 つのものをどのように調和させるかを見るのが面白いと思います。私のインスピレーションはそこから来ていると思います。私は絵画の中でこれらのコントラストを引き出そうとしています。

あなたの芸術的なアプローチは何ですか？見る人にどのようなビジョン、感覚、感情を呼び起こしたいですか?

私は主に非現実的なビジョンを作成しており、私が呼び起こしたい感覚は超越性、力強さ、熟考、ダイナミズムですが、ポジティブなエネルギーの中で、10代の頃にグラフィティをしていた頃よりもはるかに暗くなく、その強さは今でも残っていると思います。同じです、同じ周波数ではないだけです、それが普通です、私は成長しました、私は進化しました。

作品はどのようなプロセスで作られているのでしょうか？自発的ですか、それとも長い準備プロセス（テクニック、古典芸術からのインスピレーションなど）を経てですか？

通常、私はまずアイデアをメモ帳に書き留め、主題と色を視覚化します。次に、ほとんどの場合、タブレットを使用して、プロジェクトの構成を作成します。これにより、構成内の要素がどのようにレンダリングされるかを一目で確認できます。これは、このテクニックの興味深い点であり、変更することができます。プロジェクトを直接作成します。ワンクリックで、当時はプロジェクト全体を完全に再設計する必要がありましたが、プロジェクトの準備ができたら、それをペイントします。当然、制限はありません。それをベースとして使用し、数日かけて完成させます。私のインスピレーションによると。

インスピレーションが足りないときは、手持ちの本を参考にすることがあります。たとえば、色の調和について書かれた作品や、他のアーティストの作品、色、インスピレーションについて書かれた作品などです。また、たとえば展覧会を見に行くこともできます。そこからインスピレーションを得たり、本物のビジュアルの宝庫である Instagram もあります。以前、90 年代には、新しい絵を見たいときは、動き回って落書きのある空き地を探す必要がありました。先週から新しい壁が塗り直されているかどうかを確認するために、RER で数時間移動しなければならないこともあれば、変わっていないこともあり、手ぶらで引き返し、落書きは不評でどこにも配布されず、誰も見ていなかったポイント。今日では、あるアーティストによってロサンゼルスに作られた壁を親指でスクロールすることさえできます。親指を立てれば、さらにドイツのアーティストのスタジオにいます。0.5秒進めば、パリのバスキア展にいます。もちろん、実際に作品を見たときに受けるかもしれない平手打ちに代わるものではありませんが、少なくとも他のアーティストにインスピレーションを与えるというメリットはあります。

特定の作業テクニックを使用していますか?もしそうなら、説明してもらえますか？

私が最も気に入っているのは釉薬です。釉薬は、すでに乾燥した絵の具の層に塗布される、透明な絵の具の薄い層です。芸術作品に透明度、奥行き、色の効果を生み出すために使用されます。釉薬を使用すると、微妙な影やハイライトを作成できます。透明な釉薬を適用することで、アーティストは色の間の変化を和らげ、微妙な色合いを作り出し、影をより深くすることができます。透明なコートであるため、明るさが増し、透明な釉薬により光が絵の具の層を透過して反射し、輝きの効果が生まれます。グレーズ効果を使用すると、既存のレイヤーを完全に覆うことなく、すでにペイントされた領域の色やトーンを調整することもできます。これは私が長年落書きをしてきた中では知らなかったテクニックですが、作品に新たな次元を加えるのです。

あなたの作品に革新的な点はありますか？どちらか教えていただけますか？

たとえば、投影技術と古典的な油絵技術の組み合わせについては、すべてを明らかにすることはできませんでしたが、場合によっては、訓練された目、または絵画技術の愛好家だけがこれらの革新的な効果に気づくことができます。レイヤーがレイヤー間にどのように配置されているかを見て、その下または上で何が行われたかを想像して、それがそれほど単純ではないことを理解する必要があります。たとえば、細かい液滴ペインティングの投影で色のグラデーションを作成する方法などです...

最も使いやすい形式または媒体はありますか? 「はい」の場合、なぜですか?

私は非常に大きな壁を描くために最初から直接始めたことを考えると、この形式のほうが快適です。絵画の小さな形式に慣れるのは、サイズの変更だけでなく、作成に必要なツールにも非常に苦労しました。これらの作品は違っていて、本当に別の世界です。正方形のフォーマットも高く評価しています。これは長方形とポートレートの中間のハイブリッドフォーマットで、読書を妨げることなく、背景の風景で作業しながらポートレートを作成することができます。

どこで作品を制作していますか？自宅でしょうか、共有ワークショップでしょうか、それとも自分自身のワークショップでしょうか?この分野では、クリエイティブな作品をどのように整理していますか?

私は作品の大部分を、数年間住んでいるポーランドのポズナンにあるスタジオで制作しています。以前はいつも旅に出て壁画を描いていたので、これは私にとって本当の組織の変化です。ここにスタジオがあることで、スタジオで直接作品を制作し、販売したりギャラリーで展示したりするために世界中に発送することができます。そのおかげで、私は本当に仕事だけに集中することができますが、壁画プロジェクトでは、旅行、素材の準備、睡眠のためのホテルの予約、制作時間の制限など、ロジスティックな部分全体を考慮する必要があります。壁画や建設現場でのあらゆる出来事を管理する必要があります。壁画ツアーも引き続き行っていますが、スタジオでの仕事に集中しているため、より頻繁に開催されなくなります。ダンス、ジョルガ ニーセの空間、私の創作活動は次のとおりです。次の作品のプロジェクトを実行できるように、コンピューター、グラフィック タブレット、iPad を使用するパートがあります。その後、キャンバスをカットして作業台に流し込み、連続して描いていく部分がありますが、同時に油絵の具の乾燥時間を考慮して、通常2～4枚で作業します。動作します。同時に、乾燥時間を管理することもできます。一つの作品が乾いている間に、次の作品を描き、という具合に、サポートから外して木枠の上に広げます。また、2m×2mの大判の絵画を飾ることができる無料の壁もあります。スタジオで過ごすのは贅沢なことですが、自分の作品に対して大きな視点を持つことができ、次の作品へのインスピレーションを与えてくれます。

あなたの仕事は、フェアや展示会のために新しいコレクターに会うために旅行することにつながりますか?もしそうなら、それはあなたにとって何を意味しますか？

私は定期的に壁画やさまざまな展覧会に同行しますが、作品が一般の人々にどのように認識されるかを知ることは常に有益です。スタジオ期間は常に自分たちだけで過ごし、間違いを見せますが、インスタグラムの絵文字以外には特に意見はありません。作品が実際の聴衆の前でギャラリーに展示されてからです。販売は、私たちが仕事の真の価値を認識したことによって成立します。以前は何も分からず、作成プロセスに数か月かかることもありました。

将来、あなたの作品とアーティストとしてのキャリアはどのように進化すると思いますか?

私は将来に自信を持っています。自分の作品に実行したプロセスを本当にマスターできるようになるまで、約10年かかると思います。心が創作に忙しい限り、問題はありません。私には大きな野心があり、自分の作品をできるだけ世界中で共有できればと思っていますが、特に時間の経過とともに絵を描くという事実は、時間の価値を考慮させてくれます。時間には限りがあり、無限に絵を描くことはできないことがますますわかります。

あなたの最新の芸術作品のテーマ、スタイル、テクニックは何ですか?

私の最近の作品は、創造とテクノロジーをテーマに女性のアイコンを作成し、背景に星の模様をレゴブロックで再現した、かなり斬新な作品でした。アクリル製で、自分なりに工夫を凝らした作品です。本当に久しぶり。この作品の背景を構成するアクリル ブロックは 800 個以上あり、その結果は非常に気に入っています。今後数か月以内にシリーズにさらに追加できると思います。

あなたの最も重要な展示体験について教えていただけますか?

私が参加できた最大の展示会は上海アートフェアでしたが、残念ながらそこに実際に行くことができませんでした。この展示会の企画を担当したのは、このイベントで私の代表を務めたギャラリーでした。中国市場の現在のレベルに関連していくつかのカーソルを見て配置することができたので、それは新しくて非常に充実した経験でした。ヨーロッパの市場とは大きく異なり、同じ基準はなく、同じ方法で販売することもありません。私は大きな絵をたくさん作りますが、彼らはどちらかというと小さなフォーマットのファンですが、それでも本当の魅力があります。ストリートアート用に。この経験により私は確信することができました このテーマに関する私の信念は、将来的に適応できるものです。

美術史に残る有名な作品を作れるとしたらどれを選びますか?なぜ ？

クラゲの筏、その構図が当時やっていた落書きを思い出させるので、落書き文字のように混ぜ合わせた、ワイルドなスタイルです。思春期の頃、私はこの作品を賞賛したり、他の絵画の小さなスケッチを描くためにルーブル美術館によく行きましたが、この作品は多くのグラフに影響を与え、無意識のうちに古典絵画とグラフィティを結び付けることを可能にしました。それが今日のスタイルになるまで。

有名なアーティスト（生死を問わず）をディナーに招待できるとしたら、誰を招待しますか?彼に夜をどのように過ごすことを提案しますか?

ジャン・ミッシェル・バスキアは確かに、近所で一緒に遊んであまり話さない友達というイメージがあるんですが、彼はいつもそこにいて、白人は迷惑ではなく、むしろ快適です、私はグラフや彼の最新の絵を見て、おそらく外に出て黙って引っ掻いたり、タバコを吸ったり酒を飲んだりして、あまり話さずに、良き友人になるだろう、と私たちも同じようになると思います。