エコロジーから親密さへ: アート・バーゼル 2024 を発見
国際的に著名なアートフェアであるアート バーゼルは、2024 年にバーゼルに戻ってきます。世界中の重要な現代アートを展示するという伝統を引き継いでいます。1970 年に創設されたこのフェアは、アーティスト、ギャラリー、コレクターを結びつける重要なイベントとなり、文化や社会の問題に関する議論も促進しています。2024 年版のアート バーゼルは、エコロジー、親密さ、歴史、政治、グローバリゼーション、テクノロジーなどの重要なテーマを取り入れることで、従来の芸術的プレゼンテーションの境界を広げ、包括的で多様な文化体験を生み出します。
今年のイベントのハイライトの 1 つは、シュテファニー・ヘスラーが初めて監督を務める「パルクール」セグメントです。バーゼルのクララ通りを、環境の変化と世界貿易を探求する場所固有のインスタレーションを備えた没入型のパブリック アート展示会に変えます。これは、アートが文化や環境の変化に影響を与え、それを反映する方法を示しています。ジョヴァンニ・カルミネがキュレーションする「アンリミテッド」セクターでは、アート フェアのブースの従来の境界を超えた大規模なインスタレーションと野心的な作品が展示され、ギャラリーに典型的な空間的制約なしにアーティストが自由にビジョンを表現する機会を提供します。
キンバリー・ブラッドリーのキュレーターのもと、今年で20周年を迎えるカンバセーションプログラムは、11のパネルに25人以上の思想的リーダーを集め、現代の文化的課題とアート界の将来の構成について議論します。議論では、政治、デジタルテクノロジー、社会的ダイナミクスなどのトピックを取り上げ、アート分野における対話と知的交流の重要性を強調します。同時に、フィリパ・ラモスがキュレーションし、今年で25回目を迎える映画プログラムは、厳選されたアーティストの映画やドキュメンタリーを通じて、生態学的物語や歴史的反映を掘り下げ、アートと社会に関するユニークな映画の視点を提供します。
最後に、メッセプラッツ プロジェクトは、サミュエル ロイエンベルガーがキュレーションしたアグネス デネスによるサイト固有のプレゼンテーションで、今回のエディションを特徴づけます。インスタレーション「Honouring Wheatfield - A Confrontation (2024)」は、環境とエコロジカル アートに対するデネスの取り組みを反映し、アート、環境、都市空間の相互作用を強調しています。都市と自然の両方の文脈におけるアートの影響に関するこの力強い考察は、イベントの魅力的な終わりを提供します。
CHEMINEMENT (2017)マリー・A・デュボアによる絵画
エコロジー、親密さ、政治、歴史に関する創造的な対話
Artmajeurは、アーティストの作品を通して、アートバーゼル2024の主要テーマを再解釈します。今回も、エコロジー、親密さ、歴史、政治といったコンセプトが中心的な支点として登場し、フェアが築き上げた文化的対話を豊かにする新たな視点と解釈を提供します。
マリー・A・デュボアとニコラ・バドゥによるエコロジカルアート
エコロジーというテーマを探求するマリー・A・デュボアとニコラ・バドゥの作品を詳しく調べる前に、「環境抗議アート」が何を意味するのかを定義することが重要です。
環境をテーマにした幅広い芸術分野において、エコロジカル アートや環境アートとは一線を画す特別な運動が存在します。それが環境抗議アートです。この芸術形態は、環境への直接的な介入ではなく、批判的で挑発的なアプローチで環境問題を強調する視覚作品を通じて、環境悪化を表現することに重点を置いています。
環境芸術には、環境と直接相互作用する作品、つまり周囲の環境に直接視覚的または機能的な影響を与えるインスタレーションや特定の介入を作成する作品が含まれる傾向があり、生態学的芸術は機能的な生態系の修復または作成に積極的な役割を果たすことが多いプロジェクトに専念していますが、環境抗議芸術は主に絵画、彫刻、写真などの伝統的な技法を使用してメッセージを伝えます。
環境抗議アートは、感情的かつ知的な反応を同時に呼び起こす能力が際立っています。このジャンルのアーティストは、急激な工業化、汚染、森林破壊、その他の生態系への害によって引き起こされることが多い環境破壊のシナリオを、強力で時には不安をかき立てるイメージで表現します。これらの作品は、鑑賞者の良心を揺さぶり、環境に対する人間の責任と保護活動の緊急性について考えさせることを目的としています。
環境抗議アートは、単に環境の悪化を描写するだけではなく、変化のきっかけとなることを目指しています。人間の行動の結果を視覚的にドラマ化することで、アーティストは一般の人々の間で批判的な対話を刺激し、環境問題に対する意識を高めることを望んでいます。この芸術ジャンルは、環境に関する知識と集団行動の架け橋として、文化的および社会的景観において重要な役割を果たしています。
この芸術的概念上の区別を行った後、マリー・A・デュボアとニコラ・バドゥの作品を検討し比較する準備が整いました。
HELL (2023)ニコラス・バドウの絵画
上で述べた 2 つの作品、マリー・A・デュボアの「Cheminement」とニコラ・バドゥの「Hell」は、異なる美的アプローチと物語的アプローチに従っているにもかかわらず、環境抗議芸術というテーマについて鋭い考察を示しています。
最初の絵画は、自動車の廃棄物が大量に存在し、ほとんど通行不能になっている道に沿って鑑賞者を導きます。これは、消費社会の持続不可能な慣行を象徴しています。これらの車両に囲まれた道に沿って視線を導く遠近法によって豊かになった作品の構成は、無視と衰退の感覚を深く呼び起こします。直接的かつ現実的な方法で表現されたこの風景は、明らかに鑑賞者の注意を引き、熟考を促すように設計されています。その意図は、人間の過失を視覚的に描写するだけでなく、私たちの行動が環境に与える壊滅的な影響について批判的な考えを喚起することです。
一方、2 番目の作品は風刺的なアプローチと鮮やかな色彩のパレットを使用して、環境災害に関する集団の「注意散漫」に疑問を投げかけています。絵画はビーチでの休暇の風景を描いており、その上には燃える空が迫っており、遠くの森林が燃えていることを象徴しています。休暇の風景の活気と、終末的な背景の火事との鮮明なコントラストは、環境危機に対する広範な無関心を浮き彫りにしています。大胆な色彩の使用とダイナミックな構成により、バドウトは一般的なのんきな態度を批判し、一時的な喜びと永続的な環境の脅威とのギャップを強調しています。
このように、正反対のアプローチではあるものの、両作品が視覚的な力を使って意識を刺激していることは明らかです。デュボアは人間の過失を生々しくリアルに描写することを選び、バドウはシュールで皮肉なスタイルを採用しながらも、同様に批判的です。最後に、デュボアは日常のシーンに焦点を当てて私たちの行動の直接的な結果を強調し、バドウは誇張した比喩を使って私たちの無関心の不条理さを強調しています。
芸術における親密さ：ドガからテティアナ・コーダ、アラン・ルシュメイヤーまで
もう一度、美術史から見てみると、親密さを見事に捉えた傑作が見つかります。感情の深さや人間の親密さを伝えることに長けた芸術家によって作られたこれらの作品は、日常生活のプライベートなニュアンスを照らし出します。たとえば、エドガー・ドガは、舞台裏の隠れた空間を探求し、休息中のバレリーナを永遠に描きました。一方、グスタフ・クリムトは、感情がこもった抱擁の中に人間のエロティシズムと愛情を描きました。エゴン・シーレは、個人の感情の複雑さを探求し、被写体の魂に浸透する生々しく強烈な肖像画で際立っていました。
メアリー・カサットとヨハネス・フェルメールは、家庭内の室内に焦点を合わせ、より静かだが同様に鋭い視点を提示しました。カサットは、母親が子供を世話するなど、シンプルでありながら意味深い動作の繊細さを描写し、フェルメールは、窓から優しく差し込む光で彩られた日常の光景を捉え、静かな思索のひとときを思い起こさせました。
現代では、ナン・ゴールディンやゲルマン・ロルカなどの芸術家が写真を使って親密さの新たな側面を探求し、人間関係のありのままの現実を描き出し、日常生活の中に美しさを発見してきました。彼らの写真は、しばしば社会の慣習に挑戦し、個人の私生活を真に垣間見せてくれます。
ジャン＝ガブリエル・エイナール、スタニスワフ・イグナツィ・ヴィトキエヴィチ、オリヴェイラ・ゴメスなどの他のアーティストも、さまざまなメディアを通じてこれらのテーマを掘り下げ、芸術が人生を反映するだけでなく、人生に影響を与え、人生を豊かにし、親密さと人間関係の認識を広げる方法を示しています。これらのアーティストのビジョンは、目に見えるものを超えて、人間の存在の最も深い琴線に触れることを可能にします。
現在、バトンは、テティアナ・コーダとアラン・ルシュメイヤーの具象的な探求に代表される、現代作品を通じて親密さを探求し、再解釈し続けているアートマジュールのアーティストたちに渡されます。
INTIMATE REFLECTIONS (2023)テティアナ・コーダによる絵画
アンティミテ (2022)アラン・ルーシュメイヤーによる絵画
テティアナ・コーダの「Intimate Reflections」とアラン・ルシュメイヤーの「Intimité」という 2 つの作品を分析すると、両アーティストが親密さというテーマを独自の方法で探求していることがわかります。
最初の絵画「親密な反映」では、テティアナ・コーダは、下着姿で横たわり、完全に身を任せリラックスした瞬間をとらえた女性の姿を描いています。窓から差し込む光と水彩画の柔らかくぼやけた色調が、静かな内省の雰囲気を醸し出しています。色彩と構成の選択は、プライベートな瞬間の脆弱さと美しさを強調し、非常に個人的で家庭的な親密感を呼び起こします。
一方、ルーシュマイヤーの「アンティミテ」は、浴室にいる2人の女性を描いています。浴室という設定自体が、プライベートで親密な空間を想起させます。明るい色彩とミニマリスト的な構成が、静寂と内省の雰囲気を醸し出しています。日常のひとときを描いたこのシーンは、ピッチャーの前景のディテールによってさらに引き立てられ、鑑賞者に、日常のひとときの美しさと人間関係の複雑さについて考えさせます。
2 つの作品を比較すると、「Intimate Reflections」では水彩画を使用して夢のような官能的なイメージを描き、孤独の瞬間と傷つきやすい個人的な内省を伝えるように設計されています。対照的に、「Intimité」ではアクリルを使用して家庭内の設定での 2 人の相互作用を探求し、共有された親密な瞬間の静けさと懐かしさを強調しています。
ウォータールー (2023)チュジクによる絵画
LA LIBERTÉ GUIDANT LE PEUPLE/ STATUE OF LIBERTY (2023)ローラン・ペラッツァによる絵画
チュジクとペラッツァによる歴史絵画の再考
今度は歴史の番であり、歴史芸術物語から出発して再び取り上げられるテーマです。
歴史画は、宗教的、神話的、寓意的な主題を除いた、厳密な意味での歴史から描かれた場面を描いた絵画を指すことが多い。宗教的、神話的、寓意的な主題は、歴史画という広義の用語に含まれる。
ルネッサンス期と人文主義期には、市民史や宗教史のエピソードが、その重要性を強調するために、現代の文脈で頻繁に再解釈されました。マザッチオ、マンテーニャ、ピエロ・デッラ・フランチェスカなどの芸術家は、現代の設定と衣装を使用して、古代の物語に新しい命を吹き込みました。バロック時代には、歴史画はより寓話的な側面を帯び、18 世紀後半には、ジャック＝ルイ・ダヴィッドなどの芸術家が、歴史上および神話上の人物に現代の衣装を着せ、革命的な市民の美徳を表現しました。
19 世紀とロマン主義の到来とともに、歴史画は現実の出来事や当時の出来事の描写へと移行し、ナポレオンやネルソンのような英雄や、民衆のような集団運動を称揚するようになりました。こうした進化にもかかわらず、歴史画は祝賀的な性格を維持しており、それはイタリアのリソルジメント芸術にも顕著に表れています。
20 世紀には、歴史画は戦争の恐ろしさや社会的不正義を非難する役割を担うことが多かった。有名な例としては、オットー・ディックスの「戦争三連祭壇画」やピカソの「ゲルニカ」などがあり、これらは芸術を通じて重要な問題を批判し、認識を高めた。ナチズムやソビエト社会主義リアリズムなどの全体主義体制下では、歴史画はプロパガンダの目的で使われることが多く、さまざまな芸術的成果をもたらした。
歴史画は、アールマジュールの芸術家チュジクとローラン・ペラッツァの作品によく例証されています。彼らはその作品を通じて、人類の物語における極めて重要な瞬間を再解釈しました。
チュジクの絵画「ワーテルロー」は、有名なワーテルローの戦いを現代的に再解釈したもので、鮮やかな色彩とダイナミックな構成を特徴とする独自のスタイルで再考されています。この画家の作品に繰り返し登場する特徴は、その瞬間の緊張感を伝えるのに役立っています。
実際、対照的な色彩のパレットがシーンのドラマ性を強調し、部分的に後ろ姿で描かれたナポレオンの中央の人物が戦場を観察し、全体の構成を支配しています。背景で戦っている人物の影は、動きと混沌の感覚を生み出すように設計されており、戦争の残忍さと不確実性を想起させます。
2 つ目の絵画「人々を導く自由の女神」はローラン・ペラッツァによるもので、ウジェーヌ・ドラクロワの有名な傑作と、民主主義と希望の象徴である自由の女神像にインスピレーションを受けています。ペラッツァは歴史的要素と現代的な要素を巧みに組み合わせ、過去の言葉を通して現在を語る構成を生み出しています。
この作品は、実に複数の解釈の層で構成されている。前景には、ガスマスクを着けた人物が描かれており、現代的で荒涼とした背景を即座に提示している。この人物は、他の現代人物の横に配置され、自由という中心主題、つまりこの作品の古代の焦点を取り囲んでいる。背景には、車や、最近のフランス民衆の抗議運動のシンボルである黄色いベストを着た人物など、現代世界の細部が、さらなる深みと意味を加えている。
この絵は、空を飛ぶカラスとハトによって表現される動物界の存在によってさらに豊かになっています。これらの鳥は、不幸の前兆と平和への希望の対比を表す象徴的な要素として理解され、現在の状況の曖昧さと緊張を強調しています。
最後に、チュジクとペラッツァの作品を比較すると、歴史画に対する両者の独特のアプローチがはっきりと浮かび上がってきます。チュジクの「ワーテルロー」は、単一の出来事に焦点を当て、関与した兵士の感情と経験を呼び起こし、見る者に戦争の残酷さについて考えさせます。対照的に、ペラッツァの絵画は、歴史的なシンボルを使用して現代の現実についてコメントし、過去と現在の要素を融合して、歴史的な革命と現代の抗議運動との対話を生み出しています。
リサイクル レーニン #5 (2024) 彫刻家オレクサンドル・バルビシェフ
THE SHOW MUST GO ON (2023) ウラジミール・レウチェンコによる絵画
芸術と活動主義：バルビシェフとレフチェンコの作品
最後のトピックは、さまざまな形で現れる深いつながりである芸術と政治の関係についてです。芸術は常に変化をもたらす強力な手段でした。古代の洞窟壁画から現代のストリート アートまで、アーティストは作品を使って社会や周囲の世界についての意見を表現してきました。多くの場合、それは社会問題や政治問題への反応です。抗議芸術には、絵画、彫刻、壁画など、さまざまな形があります。
今日、抗議アートは美術館、公共スペース、ソーシャルメディアで見られ、社会に大きな影響を与え、社会的および政治的運動に影響を与えています。抗議アートを制作するアーティストは、作品を通じて権威に異議を唱え、行動を促し、コミュニティを構築する活動家と見なされることが多いです。
抗議芸術の歴史は長く豊かで、何世紀も遡ります。たとえば、ルネッサンス時代には、ミケランジェロのような芸術家が作品を通じて宗教や政治に関する意見を表現しました。20 世紀には、カジミール・マレーヴィチの「黒の正方形」や、オットー・ディックスの「戦争」で戦争の悲惨さを描いた芸術家によって、抗議芸術はより広まりました。
1960 年代と 1970 年代には、抗議アートは人種差別、性差別、冷戦紛争などのテーマを取り上げました。ジャスパー ジョーンズなどのアーティストは、あからさまに政治的ではないものの、アメリカのナショナリズムに対する批判として解釈される作品を制作しました。今日では、バンクシーなどのアーティストが、政治的な意味合いを持つ壁画を使って権威に異議を唱え、変化を促しています。
芸術と政治の関係を表現するために選ばれたアートマジュールのアーティストは、オレクサンドル・バルビシェフとウラジミール・レフチェンコです。
「リサイクル レーニン #5」について言えば、オレクサンドル バルビシェフの彫刻は、ソ連時代のレーニンを描いた磁器の胸像を改造したもので、芸術家が冷酷な独裁者と考える人物を嘲笑している。実際、バルビシェフは、ソ連の邪悪な残滓をユーモラスで脅威のないものに変えることによって、自国のトラウマ的な歴史的経験を克服しようとしており、敵の復活を防ぐには警戒が必要だが、最も強力な悪でさえも打ち負かすことができることを示している。
一方、ウラジミール・レウチェンコの「ショーは続く」は抗議活動の場面を描いた作品で、機動隊は状況の重大さと緊張を強調するために灰色で描かれ、カラフルな漫画のキャラクターと鋭いコントラストをなしている。ミッキーとミニーが自撮りをしている間に、不運なトゥイーティーは警察につかまっており、抗議活動の現実と、メディアを通してしばしば認識される表面的な内容との間にコントラストを生み出している。レウチェンコは、ポップカルチャーのアイコンを使用することで深刻な問題に無関心で矮小化されることを批判し、センセーショナリズムが現実の認識をいかに歪めるかを示している。
最後に、バルビシェフとレウチェンコの芸術言語は、両者とも対比を通して機能するため、重要な類似点を示しています。バルビシェフは抑圧的な過去の象徴をばかげたオブジェクトに変換し、レウチェンコはポップな図像と抗議の重大さの間の対立を利用しています。
Olimpia Gaia Martinelli
| ArtMajeur Magazine