時代を超えた色合い: アートやデザインにおけるニュートラルカラーの影響

彫刻シリーズ「Eggs」の卵 #1 (2019) タニヤ・クリャットによる彫刻

4つのニュートラルカラーのプレゼンテーション

白、灰色、茶色、黒などの中間色は、絵画と彫刻の両方において、芸術の分野で長い歴史を持っています。純粋さ、明るさ、完璧さを連想させる白は、古代から特に彫刻において中心的な色調でした。たとえば、白い大理石で作られた作品は、美の美的概念に影響を与えただけでなく、古典文明からルネッサンス、そしてそれ以降の西洋芸術の進路を決定的に形作ってきました。

その最も象徴的な例は、ミケランジェロの「ダビデ像」です。これは、美的完成度と英雄主義の最高のシンボルであるカラーラ大理石で彫刻されました。トスカーナの芸術家は、素材の品質を巧みに利用して、体の解剖学的形状を強調し、石の硬さと肉体の柔らかさの間に印象的なコントラストを生み出しました。この二重性は、神と人間の卓越性の間にあるビジョンを生き生きと表現しています。

しかし、現代絵画では、ミニマリストアートに見られるように、白は広さを強調したり、コントラストを作ったりするためによく使われます。インテリアデザインの観点から言えば、白いアート作品を空間に取り入れることで、間違いなく環境がより明るく整然とした感じになり、モダンな設定にも、よりクラシックまたはミニマリストな設定にも理想的な特徴となります。

「灰色の1月」（2024年）ヴラディスラフ・ズドルの絵画

「抽象、白と茶色」（2018）アレッシオ・マリオットによる絵画

グレーに関しては、この洗練された中間色は、ゲルハルト・リヒターの傑作のいくつかで重要な役割を果たしていることで知られています。それは、絵画という媒体の究極の探求を表す、主題のない絵画です。確かに、明確なモチーフがないように見えるこれらの作品は、絵画と写真の関係を問う表現媒体の実験に焦点を当てています。その目的は、伝統的な色や明確な比喩的内容に頼ることなく、絵画がどのように存在し続けることができるかを理解することです。

茶色は大地や自然を連想させる色で、何世紀にもわたって芸術においても中心的な役割を果たしてきました。ルネッサンス時代を例にとると、レンブラントをすぐに思い浮かべると、この色合いがいかに巧みに使われて深みと感情の強さを呼び起こし、光と影の劇的なコントラストを生み出していたかがわかります。さらに、この色は日常生活や風景の描写に欠かせないもので、ジャン＝フランソワ・ミレーの作品で示されているように、茶色は自然や田舎暮らしとの深いつながりを表現しています。したがって、これらの色調の芸術作品を家庭環境に取り入れることで、温かさと歓迎の気持ちが加わり、根付いた感覚と幸福感を促進する親密な雰囲気が生まれ、家庭環境が強化されることが明らかです。

Farbauftrag Nr.10 (2024) クリストフ・オーベレンツァーによる絵画

最後に、神秘と深みの色である黒は、絵画や彫刻などにドラマチックさとコントラストを加えるためによく使用されます。これは、カラヴァッジョなど美術史の象徴的な人物の作品に明らかです。カラヴァッジョは、この色を巧みに使用して光と影の間に強いコントラストを作り出し、感情的で立体的な明暗法を生き生きと表現しました。ロマン主義の時代には、フランシスコ・ゴヤも不安をかき立てる力を持つ黒を採用し、作品にこれまでにない悲劇的で象徴的な意味を与えました。「我が子を食らうサトゥルヌス」を覚えていますか? 最後に、インテリアデザインの文脈では、これらの色調の絵画や彫刻を使用すると空間がどのように変化するかがよく知られています。黒は注目を集めるだけでなく、他の色では実現が難しい深みと洗練さの感覚を生み出すのにも役立ちます。

Artmajeur の現代アートにおけるこれらの色の使用例を挙げると、白では Andrea Giorgi と Nataliia Sydorova、灰色では Olamilekan Okunade と Roger Quesnel、茶色では Aleksandr Ilichev と Liquette-Gorbach、最後に黒では Alexandre Geoffroy と Roberto Barbuti の作品が挙げられます。

オムニア ヴィンシット アモール (白) (2019) アンドレア ジョルジによる彫刻

ホワイト グレー (2023) ペイントン 作： di Nataliia Sydorova

ホワイト：絵画と彫刻の比較

Artmajeur の 2 人の現代アーティスト、Andrea Giorgi と Nataliia Sydorova は、作品の中で白の持つ力を探究していますが、その方法はまったく異なり、それぞれが独自の芸術言語でこのニュートラル カラーを豊かにしています。

イタリアの彫刻家は、その作品「Omnia vincit amor 」に白を使用しています。タイトルが示唆するように、この作品は永遠の愛という概念を強調するために考案されました。時間の経過を思わせるひび割れや欠損が特徴的な男性の像は、愛の脆弱性と回復力を暗示しています。したがって、白は単なる色ではなく、主人公の胸の中に小さな女性の像が彫られていることから、人間の心の純粋さと脆さの比喩です。このディテールは、愛が静かに魂を満たし形作るものであり、かつ永遠に残るものであることを示唆しています。

一方、ウクライナのアーティスト、シドロヴァは、ゲルハルト・リヒターの階層的な言語から「受け継いだ」と思われる抽象的なアプローチで白を探求しています。さらに、グレーと白の色合いの豊かな質感を持つこの作品は、視覚の深さと動きを強調し、増す、ほぼ単色の効果を生み出すことを意図していました。これらの特徴は、鑑賞者に落ち着きと内省の感覚を育むように設計されており、白がキャンバスの表面を強調し、開放的で瞑想的な視覚空間を作り出しています。

ジョルジがこの色を比喩的な感情を伝え、人間関係を表現するために使用しているのに対し、シドロヴァは空間認識と表面のダイナミズムを高めるために抽象的な方法で使用していることは明らかです。どちらの場合も、アーティストは白に中心的かつ象徴的な役割を与えていますが、スタイル上の成果はまったく異なります。

花咲く (2024) オラミレカン・オクナデの絵画

風に吹かれて（2023）ロジャー・ケスネルによる絵画

グレーの象徴性

アーティストのオラミレカン・オクナデとロジャー・ケスネルは、異なるスタイルや主題を通じてグレーを解釈していますが、どちらも深く複雑な思考を呼び起こすためにこの色を使用しています。ナイジェリアの画家オクナデは、「The Bloom」という作品でこの色を使い、特に結婚という制度における文化的融合のプロセスを暗示するためにこの作品を制作しました。グレーは、伝統と現代、さらには西洋の価値観の強制とアフリカの文化的ルーツの保存との間の結婚を表しています。

典型的な西洋のウェディングドレスやブーケは、アフリカの文化的背景において西洋の習慣や理想が広く強制されていることを象徴しています。このようにして着飾った花嫁は、2つの世界の衝突と融合の象徴となり、結婚が伝統的な要素を保持しつつも、グローバリゼーションによって深く影響されていることを示唆しています。まとめると、グレーはアフリカの伝統と白人西洋文化における結婚のシンボルとの架け橋となる色であり、適応だけでなく文化的な回復力も表現していると見ることができる。

一方、カナダの画家は、グレーをより「古典的」な方法で使用し、その色合いを利用して、より現実的でドラマチックで内省的な雰囲気を生み出しています。「Windblown」では、風に吹かれて雨雲が流される様子にインスピレーションを受け、この色は憂鬱で瞑想的な感情を表現する手段となります。さらに、このキャンバスはモノクロームシリーズの一部であり、グレーはシーンと観客の間に感情的なつながりを生み出す役割を果たしています。

したがって、「The Bloom」のオラミレカン・オクナデにおいて、グレーは外部の規範の強制によって引き起こされた妥協を示唆する文化的な移行の象徴となり、ロジャー・ケスネルの作品では自由に焦点を当てています。これらの感情は、風に吹かれて飛んでいく雲の動きに宿り、感情や記憶の自律的で変化する本質を表現しています。

茶色の肖像 (2022) アレクサンドル・イリチェフによる絵画

航海 (2015) リケット・ゴルバッハによる彫刻

ブラウン：心理学と自然のバランスの間

アレクサンドル・イリチェフと芸術家デュオのリケット・ゴルバッハは、それぞれの分野で茶色を比喩的に解釈してきました。茶色は伝統的に大地、安定、自然とのつながりと関連づけられており、彼らの作品では独特の意味を帯びています。キャンバスにアクリル絵の具を使って内面生活や人間の心理を探求することで知られる画家イリチェフは、「ブラウン ポートレート」を制作しました。これは、線、色、テクスチャの層を通して被写体の本質と感情を捉えた、ほぼ「分割主義的」な絵画です。

この文脈では、色彩は生き生きとダイナミックに使用されています。茶色と金色の筆遣いの層で覆われた少女の顔は、複雑な内面生活と深い感情を暗示し、被写体と鑑賞者の間の壁を打ち破るように設計された鋭い視線によって強調されています。イリチェフは茶色の質感と色合いを使用して肖像画にドラマと内省を与え、被写体の脆弱性と強さを引き出しましたが、芸術家デュオのリケット=ゴルバッハは代わりに、軽やかさと心の安らぎを呼び起こすミニマリストの彫刻を制作しました。エキゾチックな木材で作られた彼らの作品「 Voyage 」は、シンプルさと素材の自然な表現に対する彼らの興味を反映しています。さらに、木材の使用と茶色の色合いは、地球とのさらなるつながりを提供します。素材の葉脈と磨かれた表面は、ほとんど有機的であるように見える彫刻の形を生み出します。

すると、茶色が感情表現の媒体として機能しているイリチェフのアプローチとは異なり、リケット＝ゴルバッハはこの色をシンプルさと静けさを強調するために使用し、熟考とバランスを促すオブジェクトを制作していることが明らかになります。実際、丸みを帯びた自然な形状の彫刻は静けさの感覚を伝え、茶色は安定性と継続性の象徴として機能します。

黒い壊れた鏡（2024）アレクサンドル・ジョフロワの絵画

サイ (2015) 彫刻 ロベルト バルブーティ

抽象と具象の間の黒

アレクサンドル・ジョフロワとロベルト・バルブティは、まったく異なる方法で作品に黒を使用する2人の現代アーティストです。フランス人画家は、抽象的な作品で光沢のある黒とレリーフ素材を使用して光と深みに焦点を当てています。一方、ロベルト・バルブティは、旧石器時代の洞窟壁画にインスピレーションを受けた動物の力強さと生命力を呼び起こすために、同じ色をテラコッタの塗装に使用しています。

詳細には、「Black Broken Mirror」で、アレクサンドル・ジョフロワは「Pigments」と呼ばれる単色シリーズで、黒を使用して光と影を探求しています。この作品は、キャンバスにスプレーと石膏を組み合わせた革新的な技法に基づいており、何千もの小さな正方形で構成されたレリーフ面を作成します。これらの正方形は光を反射し、影と反射のダイナミックな効果を生み出し、角度と光に応じてマットにも光沢にも見える黒に深みと動きを与えます。ジョフロワにとって、この色合いは暗闇と輝きを同時に探求し、素材と光の相互作用を捉える手段であることが明らかになります。

対照的に、ロベルト・バルブティの「サイ」は、黒を原始的な力強さと動物の生命力の象徴として解釈しています。洞窟壁画にインスピレーションを得たイタリア人アーティストは、「コロンビーノ」技法を使用してテラコッタを彫刻し、それが表す種の精神的な本質を保持する像を創り出しています。様式化された非現実的な形状を使用しているにもかかわらず、彼の動物彫刻は完全に認識可能であり、力強さと物理的な存在感を醸し出していることに注目することが重要です。油絵の具で焼いた後に塗られた黒は、対象の筋肉と力強い構造を強調し、荘厳な雰囲気を与えます。

「Black Broken Mirror」では、ジェフロワが黒を抽象的な方法で使用し、光と影を巧みに操って深みと立体感を生み出し、視覚的な相互作用によって色彩をダイナミックで移り変わる体験に変えていることは明らかです。対照的に、 「Rhino」では、バルブティは同じ色合いを使用して動物の肉体的かつ原始的な強さを強調し、色彩を具体的で具体的な力の象徴にしています。どちらの場合も、黒は強さと深みを伝えるために不可欠ですが、一方は抽象的で視覚的に移り変わり、もう一方は肉体性と強さに根ざした、正反対のスタイルでアプローチしています。