抽象芸術における女性の復讐: 発見すべき 10 人のアーティスト

ヒルマ・アフ・クリント

ヒルマ・アフ・クリント（1862年10月26日 - 1944年10月21日）はスウェーデンの画家、神秘主義者で、西洋美術史上最も初期の抽象芸術家の一人として知られています。カンディンスキー、マレーヴィチ、モンドリアンに先駆けて、彼女は深遠な精神的概念を探求した絵画を制作しました。ヒルマ・アフ・クリントのスタイルは、幾何学、具象、象徴、精神性を独自に融合したものです。彼女の作品は、多くの場合大規模で、科学的および植物学的研究に触発され、有機的な成長と自然のプロセスの概念を探求しました。

ヒルマ アフ クリントの傑作の 1 つは、   「N. 7、成人期」は、 「神殿の絵画」サイクルの「最大の 10 点」シリーズの一部です。高さ 3 メートルを超えるこの大型作品は、流動的な有機的な形状と、淡い薄紫色の背景に黄色、赤、緑などの鮮やかな色を組み合わせています。植物や数学的な形状を思い起こさせるこの絵画は、成長と存在を象徴しています。この重要な文脈において、批評家のエイドリアン・サールは、ダーウィンの理論、特に植物や自然の形態の発達は数学的な進行に従うという考えの影響を認識しました。この意味で、「様式化された」数字と文字の存在は、象徴性をさらに高めています。

さらに、学者のマーク・ハドソンは、曲線的な形状や「ソックス、サックス、セックス」や「エロス・ウー」といった謎めいた銘文も、微妙に隠されたエロチックな魅力を示唆していると指摘した。最後に、 「成人期」に使用された技法は、紙に描かれ、その後キャンバスに貼り付けられるというもので、抽象表現主義者とより一般的に関連づけられ、男性アーティストにのみ用いられることが多い大判の好みを予見するものであることを強調しておく価値がある。

ジョージア・オキーフ、「日の出」、1916年。紙に水彩画。

ジョージア・オキーフ

ジョージア・トット・オキーフ (1887 年 11 月 15 日 - 1986 年 3 月 6 日) は、アメリカのモダニズムの先駆者であり、20 世紀の美術史で最も影響力のある人物の 1 人として知られています。この芸術家は、自然の本質と力を捉える方法で抽象と具象を融合させる能力で知られています。彼女のスタイルの特徴の 1 つは、特に花の絵画で「拡大」された形状を使用することです。彼女は細部に注意を向け、色と形の調和のとれた融合を通じてそれらを抽象化しました。彼女の鮮やかな色彩と柔らかい線は、目に見えるイメージを超えて、深い感情と創造とのつながりを呼び起こす役割も果たしました。

彼女の初期の、そして最も重要な抽象画の 1 つが、水彩画「日の出」（1916 年）です。サウス カロライナで教師をしていた時期に制作されたこの紙の作品は、色彩と「合成」形態の巧みな使用により、日の出の繊細さと力強さを表現しています。傑作のパレットには、赤、紫、黄色の色合いが使われ、徐々に明るくなる空が生き生きと表現されています。同心円状の構図は、地平線から昇る太陽の輝くエネルギーを想起させます。この光景は、中心の強い光と端の暗い色合いのコントラストによって強調され、平和感だけでなく、活力の高まりも伝えています。

最後に、この作品は、抽象感覚と自然界の表現を組み合わせた、画家としての個人的な視覚言語への決定的な移行という、オキーフのキャリアにおける重要な瞬間を示すものであるため、欠かせない作品です。

アグネス・マーティン『ハッピー・ホリデー』、1999年。

アグネス・マーティン

アグネス・バーニス・マーティン（1912年3月22日 - 2004年12月16日）は、ミニマリストのスタイルと抽象表現主義への貢献で知られる、カナダ系アメリカ人の抽象画家です。シンプルなグリッドと線を特徴とする彼女の作品は、ミニマリズムとカラーフィールドペインティングの要素を組み合わせた、20世紀のさまざまな芸術運動の交差点に位置する静けさと精神性を伝えています。これらの特徴は具象的ではありませんが、自然との強いつながりを反映しており、作品のタイトルや文章に明らかです。実際、マーティンは日常生活のシンプルさと有機的な世界にインスピレーションを見出し、後にそれらをグリッドにまとめ、柔らかく穏やかで明るい色を配置しました。このアプローチにより、画家は色と形の無限のバリエーションを探求することができ、アーティストの厳格で孤独な生活とは対照的に、精神的で瞑想的な静けさを伝えることができました。

アグネス・マーティンの代表作の一つに「ハッピー・ホリデー」（2000年）があります。これは、白と桃色が交互に並ぶ、幅が等しい14本の水平の帯に分かれた抽象画です。帯を区切る線は鉛筆と短い定規で手描きされており、彼女の絵画へのアプローチに典型的な軽快さとシンプルさを感じさせます。定規を使用しているにもかかわらず、線は震えていて不規則な質感があり、彼女の作品における描画の重要性と手作業による細部へのこだわりを強調しています。最後に、白いジェッソの層で準備されたキャンバスのベースは、絵画全体に鮮やかな輝きを与え、薄い層で塗られたアクリル絵の具は表面に浮かんでいるように見えます。

ジョーン・ミッチェル、『ヘムロック』、1956年。絵画。ホイットニー美術館、ニューヨーク。

ジョーン・ミッチェル

ジョーン・ミッチェル（1925年2月12日 - 1992年10月30日）はアメリカの画家であり、抽象表現主義運動への貢献で知られているが、彼女の作品はアクション・ペインティングに典型的なより自発的なアプローチとは異なっていた。それでもなお、彼女の作品は、記憶に残る風景や、アンリ・マティスなどの偉大なポスト印象派の巨匠たちから影響を受けた、感情的に強烈なスタイルを特徴としていた。ジョーン・ミッチェルの筆遣いは、大胆な色彩と決然としたストロークを組み合わせた、その身振りの強烈さで際立っている。ミッチェルは、自然や詩に関連する記憶を呼び起こすことで作品を計画したことでも知られており、この手法により、彼女の作品には、即興性とより明確な構造とのバランスが取れた反省的な性質が与えられた。

彼女のキャンバスは一般的に大きく、色彩豊かで、しばしば複数のパネルに分割されており、これは彼女が「均一に分布した」芸術という概念を拒絶したためである。キュレーターのジョン・ヤウが指摘したように、ミッチェルの作品は「絵画は別々でありながらも絡み合った部分から成り立つという考えを推し進めた」ものであり、この特徴により彼女は男性優位の芸術界で際立った存在となり、抽象表現主義における最も重要な人物の一人となった。

ミッチェルの最も有名な傑作の一つに「ヘムロック」（1956 年）があります。これはキャンバスに描かれた油絵で、大胆な筆致が特徴で、寒色系の色調が支配的で、白が緑と黒の横線と交差し、冬の常緑樹の風景を思い起こさせます。実際、 「ヘムロック」という名前は、ウォレス・スティーブンスの詩「黒の支配」に登場する木に由来しており、この詩は間違いなくミッチェルのインスピレーションの源でした。

ヘレン・フランケンサーラー『山と海』、1952年。キャンバスに油彩と木炭。国立美術館、ワシントンDC

ヘレン・フランケンサーラー

ヘレン・フランケンサーラー (1928 年 12 月 12 日 - 2011 年 12 月 27 日) は、20 世紀で最も影響力のあるアーティストの 1 人で、戦後のアメリカ絵画史において重要な役割を果たしました。マンハッタン生まれの彼女は、ニューヨークのアート シーンに早くから登場し、そこでジャクソン・ポロック、フランツ・クライン、後に結婚するロバート・マザーウェルなどの人物と出会いました。抽象表現主義の影響を受けながらも、フランケンサーラーは独自の技法「ソーク ステイン」を開発し、絵画における色彩の使用に革命をもたらしました。この技法では、下塗りされていないキャンバスに希釈した絵の具を注ぎ、光り輝くウォッシュを作り、それが支持体自体の生地と融合し、立体感をなくしました。彼女の作品は当初抽象表現主義と関連付けられていましたが、このアーティストはキャンバスに広大な純色を使用することを賞賛した運動であるカラー フィールド ペインティングへの貢献でよく知られています。抽象的であるにもかかわらず、彼女の絵画は多くの場合、色彩の使用を通じて感覚や雰囲気を捉えた自然の風景の印象に触発されています。

「山と海」はヘレン・フランケンサーラーのキャリアにおいて決定的な転換点となった傑作とみなされています。この 1952 年の絵画で、この画家は初めて革命的な技法を披露しました。この構図は、フランケンサーラーがこの作品を制作する直前に訪れたノバスコシア州ケープブレトンの風景からインスピレーションを得ています。この自然主義的な文脈では、ピンク、青、緑のウォッシュで丘、岩、水の輪郭が描かれ、色が中心的な役割を果たしました。最後に、軽く描かれた木炭の線と、下塗りされていないキャンバス全体に広がる鮮やかな色彩の繊細なコントラストに注目してください。

リー・クラスナー『ガイア』、1966年。キャンバスに油彩。ニューヨーク近代美術館。

リー・クラスナー

リー・クラスナー（1908年10月27日 - 1984年6月19日）は、アメリカの画家で、抽象表現主義の最も重要な人物の一人で、主にニューヨークで活動した。クーパー・ユニオン女子美術学校と国立デザインアカデミーで学問的訓練を受けた後、ニューヨーク近代美術館でポスト印象派に触れ、近代美術の世界に入った。1930年代にはハンス・ホフマンに師事し、キュビズムの要素を作品に取り入れ、大恐慌の時期には連邦芸術プロジェクトで働いた。10年後、クラスナーはウィレム・デ・クーニングやマーク・ロスコなどの画家と並んでニューヨーク派の著名な人物となった。しかし、抽象表現主義の中心人物であるジャクソン・ポロックと1945年に結婚したことで、彼女のキャリアはしばしば影を潜めることとなった。 1956年にポロックが自動車事故で悲劇的な死を遂げた後、クラスナーは深い悲しみの時期を耐えたが、新たな芸術的情熱をもって制作を続け、その後の数年間でますます評価を高めていった。

スタイルに関して言えば、クラズナーの作品は絶え間ない進化と並外れた芸術的多様性を特徴としています。当初は抽象表現主義と関連づけられていましたが、マーク・ロスコやバーネット・ニューマンなど同時代のアーティストの作品に見られる反復性を拒否しました。クラズナーは「ブレーク」と呼んでいた刷新への欲求から、1940 年代後半の有名な「リトル・イメージ」シリーズ、1950 年代の大胆なコラージュ、1960 年代の大きくて鮮やかな色のキャンバスなど、新しい芸術表現形式を開発しました。クラズナーは、ピエト・モンドリアンの作品に触発されて「オールオーバー」技法を試した最初のアーティストの 1 人でもあり、この技法は後にジャクソン・ポロックの有名なドリップ ペインティングに影響を与えました。彼女の芸術は、単一の技法やスタイルにとらわれることなく進化しました。自分の作品を再検討し、作り直す傾向は、古いキャンバスを切り取って再利用し、コラージュを作成するという彼女のやり方に明らかで、アンリ・マティスの影響を反映しています。さらに、クラスナーは抽象表現を探求するだけでなく、自然や有機的な世界との深いつながりを表現することも求めました。

リー・クラスナーの最も代表的な作品の一つに「ガイア」（1966年）があります。これは、彼女の色彩の鮮やかな探求と自然との深いつながりを体現した、キャンバスに描かれた巨大な油絵です。

エレイン・デ・クーニング、バッカス #81、1983年。ジョージア美術館、アテネ、アメリカ。

エレイン・デ・クーニング

エレイン・デ・クーニング (1918 年 3 月 12 日 - 1989 年 2 月 1 日) は、戦後に活躍した抽象表現主義者および具象画家です。美術評論家および教師としても知られ、ニューヨークのアート界で最も精力的で影響力のある人物の 1 人でした。彼女のキャリアは、夫のウィレム・デ・クーニングやアーシル・ゴーキーなど、この運動の主要人物の影響を受けています。当初は夫の名声に隠れていましたが、エレイン・デ・クーニングは抽象と具象の要素を融合した独自の芸術言語を発展させ、友人、スポーツ選手、さらには米国大統領を描写することが多かったです。

スタイルに関しては、アクション ペインティングとそのジェスチャー的でダイナミックなアプローチを採用した彼女は、被写体の正確な肖像ではなく、そのエネルギーと個性を捉えることに重点を置きました。肖像画では、デ クーニングは生き生きとした滑らかな筆使いで人物の本質を捉えようとし、純粋に写実的な表現を避けました。このアプローチは、神話的な主題や原始的なテーマを扱った作品にも顕著に表れており、彼女はこれらの主題をしばしば形態と動きの間の緊張関係の探求に使用しました。

たとえば、「バッカス #3」（1978 年）はエレイン・デ・クーニングの傑作の 1 つです。この大きな絵画は、キャンバス全体に混ざり合った鮮やかな緑、灰色、青が特徴で、表面に浮かび上がる黒い線は、おそらくパリのリュクサンブール公園にあるバッカスの彫刻にインスピレーションを得たと思われる彫刻群の姿を示唆しています。

カルメン・エレーラ『無題』1952年。ニューヨーク近代美術館。

カルメン・ヘレラ

カルメン・エレーラ（1915年5月31日 - 2022年2月12日）は、抽象芸術とミニマリスト芸術への貢献で知られるキューバ系アメリカ人の画家です。ハバナで生まれ、1950年代半ばに移住して以来、人生の大半をニューヨークで過ごしました。抽象表現主義がニューヨークのアートシーンを席巻していた時代に活躍したアーティストですが、彼女のスタイルは抽象表現主義運動の仲間たちと完全には一致していませんでした。実際、孤立して作業することが多かった彼女の芸術言語は、幾何学と思慮深く鮮やかな色使いを組み合わせた形式の純粋さを特徴としていました。彼女のスタイルはシンプルさと正確さに根ざしており、シャープな線とフラットな色面を特徴とし、本質的で活気のある構成を生み出すことを目指しています。実際、彼女の作品は形と色の関係を探求しており、特に表面と空間の相互作用に重点を置いています。

このアプローチは、ハードエッジ抽象やオプアートなどの運動と結びついていますが、彼女の作品は、形式を厳密に削減し、調和のとれた配置にこだわっている点で独特です。傑作といえば、「無題」（1952 年）は、このアーティストの最も重要な絵画の 1 つです。キャンバスに合成塗料で描かれたこの作品は、キャンバスの表面を横切る白黒の線が特徴で、キャンバスを 2 つの三角形のセクションに分割しています。シンプルでありながら印象的な構成は、秩序と動きの間の緊張を探求しており、鋭いエッジはほとんど暴力的な振動を示唆しています。最後に、幾何学的な形状と色のコントラストは、オプアートを彷彿とさせる視覚効果を生み出しますが、作品から発せられるエネルギーは、明らかにより直感的で実験的なアプローチの結果です。

リジア・クラーク、「Planes in Modulated Surface No. 4」、1957年。木材にフォルミカと工業用塗料を使用。ニューヨーク近代美術館。

リジア・クラーク

リジア・クラーク (1920 年 10 月 23 日 - 1988 年 4 月 25 日) は、抽象画やインタラクティブなインスタレーションで知られる、20 世紀で最も影響力のあるブラジルのアーティストの 1 人です。彼女はブラジル構成主義運動と密接な関係があり、後にアミルカル・デ・カストロ、フランツ・ワイスマン、リジア・パペなどのアーティストとともにネオ・コンクリート運動を共同で創設しました。彼女の作品は、芸術作品と観客の相互作用における革新性によって際立っており、芸術への参加という概念を新たなレベルに引き上げました。実際、クラークは傑作との感覚的知覚と心理的つながりに関する原理を探求し、作品を「生きた経験」と定義するようになりました。

1970 年代から、彼女は芸術の治療的利用にますます重点を置き、物や関わりを心理的トラウマや個人的な経験に対処する手段として利用しました。このため、彼女は伝統的な絵画から徐々に離れ、鑑賞者を積極的に関与させる新しい表現方法を模索しました。彼女は鑑賞者を作品の不可欠な一部とみなしました。

しかし、彼女の絵画作品といえば、傑作「有機的な線の発見」（1954年）が特筆に値します。この作品は、幾何学的な基盤をしっかりと維持しながらも、三次元空間の探求と、観客との交流へと向かう彼女の方向転換の始まりを示しています。

ジュディ・シカゴ、『ディナー・パーティー』、1979年。

ジュディ・シカゴ