同時代の抽象画家の巨匠、フランク・ステラが87歳で亡くなった。

フランク・ステラは、当初は単色のシンプルな美学を信奉していましたが、徐々にメタリックな色調、そして鮮やかな色を作品に取り入れ、さまざまな幾何学的構成で表現するようになりました。彼の革新的な形状のキャンバスは、1960 年にカステリで行われたデビュー個展のアルミニウム シリーズで初めて登場しました。ニューヨークでの生活の初期には、ステラの作品は、ホイットニー美術館での「幾何学的抽象」(1962 年)、ソロモン・R・グッゲンハイム美術館での「形状のキャンバス」(1964 年) と「体系的絵画」(1966 年)、そして 1971 年にホイットニー美術館で開催された「色の構造」など、ニューヨークのトップ文化施設で開催される数多くの重要な展覧会で紹介されました。

ステラは 1936 年にボストンのすぐ北の郊外、マサチューセッツ州モールデンで生まれ、隣接するメルローズで育ち、教育を受けた後すぐにニューヨークに移りました。彼は、マサチューセッツ州アンドーバーのフィリップス アカデミーでパトリック モーガンに師事して絵画を学びながら、家の装飾家として生計を立て、その後プリンストン大学で美術史家ウィリアム サイツと抽象画家スティーブン グリーンに師事して 1958 年に卒業しました。1959 年までに、ステラはオハイオ州のオバリン大学、ニューヨークのティボール デ ナジ ギャラリーとレオ カステリでのグループ展にすでに参加しており、MoMA の「Sixteen Americans」に重要な作品として取り上げられることになりました。

MoMA 回顧展

1965 年、フランク ステラは、ロバート ラウシェンバーグ、ジャスパー ジョーンズ、クレス オルデンバーグ、ジム ダインなどの同時代のアーティストとともに、ヴェネツィア ビエンナーレの米国代表に選ばれました。1967 年までに、ステラはレオ カステッリでプロトラクター シリーズを発表しました。鮮やかな色彩と製図用具にちなんで名付けられた大規模な半円形が特徴のこれらの作品は、現代抽象芸術に対する彼の影響力を確固たるものにしました。1970 年、わずか 33 歳のステラは、ニューヨーク近代美術館 (MoMA) で回顧展を開催された最年少のアーティストとなりました。MoMA での 2 回目の総合展覧会「フランク ステラ: 1970 年から 1987 年の作品」(1987 年から 1988 年) は、ポーランド村シリーズから始まりました。これらの作品は、第二次世界大戦中にポーランドで破壊されたシナゴーグへのオマージュであり、低浮き彫りのコラージュからフェルトや厚紙などの素材を使用したより複雑な高浮き彫りの構造への移行を示すものである。

1999 年に The Art Newspaper のインタビューで、ステラは作品の進化について次のように振り返っています。「レリーフ ペインティングによって、私は現実世界とより積極的に関わらざるを得なくなりました。フェルト、ベニヤ板、ハニカム アルミニウムなどの素材を調達するために外に出かけるようになりました。このプロセスによって私のアートに新しい要素がもたらされ、スタジオという管理された環境から、より探索的な素材の使用へと移行しました。ピカソも素材の使用において従来の境界を越えようとしましたが、今日の基準からすると、彼は物理的な探索よりも素材の革新という点で限界を押し広げたと言えます。」

フランク・ステラは、ロンドンのバーナード・ジェイコブソンで彫刻展を開催した1999年、自身の初期のキャリアを振り返り、自分の職業上の変化について次のように述べている。「私は1960年代のディーラーたちより成長したか、長生きした。ラリー・ルービンは引退し、レオ・カステリは亡くなりました（同じ年に亡くなりました）。私は実際、別の世代で育ちましたが、彼らは皆、今はもういません。私の世界は過ぎ去り、消え去りました。私はまだ前進しようと奮闘していますが、今日の厳しい世界には、あまり適合していません。」

ステラは、その活動範囲を大型彫刻や、65年来の友人であるリチャード・マイヤーなどの建築家とのコラボレーションへと広げていきました。2人は、フェニックスの連邦裁判所（2000年オープン）、バルセロナ現代美術館（1995年）、南ドイツのウルム近郊にあるヴァイザウプト・フォーラム（1993年）、ローマのジュビリー教会（2003年）などのプロジェクトに協力したほか、サンティアゴ・カラトラバとも協力しました。注目すべきプロジェクトのひとつに、カラトラバがデザインしたリング状のフレームにステラが描いた全長30メートルのバナー絵画「ミヒャエル・コールハース・カーテン」（2008年）があります。

ステラの絵画史探究

1983年から1984年にかけて、ステラはハーバード大学で「ワーキング スペース」と題したチャールズ エリオット ノートン講義を行いました (その後、ハーバード大学から 1985 年に出版されました)。これらの講義で、ステラはバロックやその他の歴史的スタイルが空間とボリュームを詩的かつ建設的に使用していることを称賛しました。2017年から2018年にかけてフォート ローダーデールの NSU 美術館で開催された「フランク ステラ: 実験と変化」展では、ステラの作品 300 点以上が展示され、ステラとキュレーターのボニー クリアウォーターは、ステラの絵画史への深い関わりについて語りました。ステラは、フィラデルフィア美術館でロヒール ファン デル ウェイデンの「磔刑の二連祭壇画」(1460 年頃) に出会ったときのことを語り、それが芸術が何を達成したいのかを理解する上で大きな影響を与えたと述べました。展覧会カタログの中でクリアウォーターは、ステラにとって絵画の魅力的な視覚的インパクトはモダニズムの教義に固執することよりも重要な目的だったと述べています。

ステラの最初の妻であるバーバラ・ローズは、著名な美術評論家として頭角を現し、1965 年に「アート・イン・アメリカ」誌に「ABC アート」という影響力のあるエッセイを執筆しました。このエッセイは、ミニマリズムの理解を形成する上で重要な役割を果たしました。このエッセイでローズは、ドナルド・ジャッド、ロバート・モリス、そして当時の夫ステラ (1969 年に別居) などのニューヨークのアーティストの作品に見られる「控えめな匿名性」は、当時流行していた抑制のない個人的表現に対する反動であり、また当時の絵画の過剰さに対する形式的な反応であると示唆しました。

ステラの芸術に対する率直なアプローチ

フランク・ステラは、作品について率直に語る人物として知られていました。彼の有名な言葉「あなたが見たものは、あなたが見たもの」は、美術史家ブルース・グレイザーとの会話の中で生まれました。グレイザーが「それでは、あとに残るものは多くありませんね」と答えると、ステラは「他に何があるのかわかりません」と言い返しました。数十年後、アート・ニュースペーパーのインタビューでこのことを振り返り、ステラは「何度も言ってきたことですが、抽象化はさまざまなものになり得ます。抽象化は、ある意味では、物語を語ることができます。たとえ、最終的には絵画的な物語であってもです」と繰り返しました。

1999 年、アート ニュースペーパーのノーバート リントンとのインタビューで、フランク ステラは、キャリアの最初の 40 年間の作品の進化をどのように認識しているかについて、洞察を共有しました。「よく『なぜ変化するのですか』と聞かれます。私の答えは、実際にはそれほど変化していないということです。私の作品の変化は、2 つの主な感情から生じています。少しの不満と少しの希望、常に何か新しいものを求めているからです。人々は、アーティストが『自分を見つけ』、一貫したスタイルを確立することを期待しますが、アーティストは一般的に探求し続けたいのです」と彼は説明しました。

最先端のテクノロジーを採用

ステラは、新技術をいち早く取り入れ、革新的に活用したことでも有名です。1980 年代後半からコンピューター支援設計 (CAD) に取り組み、2000 年代半ばには 3D 印刷技術を活用し始めました。The Art Newspaper の報道によると、ステラは 3D 印刷を使用して、多色彫刻シリーズ「スカルラッティ カークパトリック」の金属と樹脂の部品を作成しました。このシリーズは、18 世紀イタリアの作曲家ドメニコ スカルラッティのチェンバロ ソナタと、20 世紀アメリカの音楽学者ラルフ カークパトリックの学術研究の両方からインスピレーションを得ています。

2013年にThe Art Newspaperのインタビューで、ニューヨーク美術デザイン博物館のキュレーターであるロン・ラバコ氏は、3Dプリント技術によってフランク・ステラが壁からの投影物を制作することができた理由について語った。従来の方法では扱いにくく重すぎるため、実現できなかった方法だ。ラバコ氏は、2013年から2014年にかけて開催された「Out of Hand: Materialising the Postdigital」と題したコンピューターを利用したアートに焦点を当てた展覧会にステラの作品を含めた。

2022年、フランク・ステラは、1987年に米国のビジュアルアーティストの著作権、ライセンス、監視を通じてアーティストの権利を保護するために設立されたアーティスト権利協会（ARS）と共同で、「Geometries」プロジェクトの一環として初のNFT（非代替性トークン）を発売した。このパートナーシップは、ステラの長年にわたるARSへの関与と支援を強調するものだった。ARSの事業開発ディレクター、カタリーナ・フェダーは、アート・ニュースペーパーに次のように報告している。「2,100トークンすべてを完売し、さらに重要なことに、フランクが長年主張してきた二次販売から再販ロイヤリティを獲得しました。」

アーティスト・ライツ・ソサエティ（ARS）は、デジタル部門のARSNLを通じて、プロセスビデオとアート分析の専門家ジェイソン・ベイリーによるキュレーターの声明を共有し、NFTコレクターと交流した。「デジタルコレクターはフランクと彼の作品に夢中になりました」とカタリーナ・フェダーは指摘する。「そして、その多くが独自の派生作品を作成し、フランクはそれを許可しました。私たちはこれらの派生作品のいくつかをフランクに提示したところ、彼は喜んでくれました。」ステラにとってのNFTドロップの魅力は、彼がNFTマガジンのRight Click Saveに説明したように、「抽象的な意味では、NFTは、画像技術と製造技術の再現性の向上によってもたらされる課題の一部に対処できる可能性があるように思われます。より具体的には、アーティストが再販権を主張するメカニズムを提供してくれるのです。私たちが持つべきだと私は考えています。」

ステラはNFTドロップに関して進歩的な姿勢をとり、コレクターに派生作品の作成とアート作品の3Dプリントの両方を奨励し、アーティストの権利擁護者としての彼の評判をさらに確固たるものにした。グレッチェン・アンドリューは、アート・ニュースペーパーのコラム「アート・デコード」で、ステラの献身的な姿勢を強調した。「フランクは、仲間の権利を擁護するのと同じくらい、作品の素材性と触感に常に関心を持っていた。彼は何年もの間、再販権の推進に積極的に声を上げてきた。」

スターシリーズ

フランク・ステラの晩年の作品の中で最も高く評価されているのは、大きな多角形の独立した星を特徴とする「スターズ」シリーズです。このシリーズの注目すべきインスタレーションには、2015年にロンドンの王立芸術院の中庭に展示された高さ7メートルの星のペアがあります。2021年、ステラはニューヨーク市の新しい7ワールドトレードセンターの広場で、ステンレス鋼の彫刻「ジャスパーのスプリットスター」を発表しました。この彫刻は、9/11の攻撃で破壊される前の元の7ワールドトレードセンターのロビーに展示されていた、ステラの2つの大きな絵画「ラエストリゴニアI」と「テレピルス・ラエストリゴニアII」（それぞれ10フィート×10フィート）の感動的な象徴的な代替品となりました。

フランク・ステラの永続的な遺産：抽象芸術における革新と影響

フランク・ステラは、60年以上にわたり抽象芸術の分野で不屈の力を発揮し、この分野への先駆的な貢献を特徴とする膨大な遺産を残しました。87歳での彼の死は、時代の終わりを意味しますが、画期的な「ブラック・ペインティング」から革新的な大型彫刻、建築家とのコラボレーションまで、彼の作品の永続的な影響を強調しています。ステラの探求は、形、色、空間ダイナミクスの領域に及び、抽象芸術と現代のテクノロジーやNFTなどの新しいメディアとの交差点をめぐる対話を再構築しました。アーティストの権利を擁護しながら芸術的表現を進化させることに尽力したことは、クリエイターとしてだけでなく、アート界の先見の明のある思想家としての彼の役割を際立たせました。ニューヨークの若い画家から、その時代の美的境界に挑戦し、それを超越した作品で尊敬されるアイコンになるまでのステラの旅は、現代アートのキャンバスに永続的な痕跡を残しています。