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Une forme d'art, principalement la peinture, qui a été influencée par le spiritisme est appelée art spirite, art spirituel, art médiumnique ou peinture psychique. L'art spirituel a eu une influence significative sur le modernisme et, par conséquent, sur l'art d'aujourd'hui.

Georgiana Houghton et Piet Mondrian sont deux artistes spirituels bien connus. Le spiritisme a également inspiré l'art abstrait pionnier de Vasily Kandinsky, Piet Mondrian, Kasimir Malevich et František Kupka. Houghton et d'autres artistes spirites ont aidé les historiens à reconnaître l'importance du spiritisme et du milieu occulte.

Ces dernières années, de nombreux experts en art reconnaissent maintenant la contribution du spiritisme au développement de l'art abstrait moderne. Les principaux artistes contemporains interagissent toujours avec la spiritualité. Sous la direction du célèbre médium-guérisseur brésilien Jean de Dieu, l'artiste de performance serbe Marina Abramovic est devenue médium. De nombreux éléments spiritualistes ainsi que ceux puisés dans les traditions afro-américaines et aborigènes australiennes sont présents dans son travail.

Différents types d'art spirituel

Bien que de nombreux artistes aient été influencés par le spiritisme, très peu ont créé ce que les spirites appellent «l'art spirituel». Ce qui constitue exactement «l'art spirituel» peut être classé en trois catégories principales: les œuvres d'art «précipitées»; portraits d'esprits peints par les mains des médiums lors des séances ; et des créations réalisées par des médium-artistes qui prétendent que leurs mains sont guidées par des esprits.

Les médiums affirment que dans le premier cas de « précipitation », les esprits n'ont pas utilisé un artiste humain pour diriger leurs mains ; au lieu de cela, ils ont créé les peintures eux-mêmes. Dans un deuxième exemple d'art spirituel, les portraits d'esprits, il était très populaire pour les médiums de dessiner des portraits des esprits qu'ils disaient être présents aux séances au plus fort du spiritisme. Les "auragraphes", qui décrivent l'histoire, le présent et l'avenir d'une personne tels qu'ils sont vus par un médium ou un clairvoyant, sont proches du deuxième type d'"art spirituel".

Selon les spirites, le troisième type d '«art spirituel» consiste en des œuvres d'architecture, de sculpture et de peinture produites par des esprits dirigeant les mains de l'artiste. Dans le deuxième groupe (portraits d'esprits), on dit que les esprits dirigent également fréquemment les mains du médium, mais dans la troisième catégorie, diverses œuvres d'art sont créées plutôt que des portraits des esprits eux-mêmes.

Œuvres d'art "précipitées"

David Duguid (1832-1907) fut le premier médium bien connu à pouvoir "précipiter" les peintures d'esprit. Bien que Duguid peignait fréquemment avec l'aide de peintres spirituels, ses guides réalisaient également au cours de ses séances des peintures «directes» (précipitées).

Les frères Campbell, qui résidaient dans la communauté spirite de Lily Dale, New York, ont peut-être été les premiers médiums à se spécialiser dans la précipitation des peintures. Bien qu'ils ne soient pas frères, Allen Campbell (1833–1919) et Charles Shourds (1863–1926) partageaient une maison et dirigeaient des séances ensemble. Les frères Campbell n'ont jamais mis la main sur la toile lors de la réalisation de leurs portraits les plus connus, dont ceux de Napoléon et d'Abraham Lincoln, réalisés en public. Aujourd'hui encore, les touristes et les habitants de Lily Dale affirment avoir eu des rencontres spirituelles devant les chefs-d'œuvre des Campbell.

Les Bangs Sisters, Elizabeth (1859-1920) et May Mary Elvira (1862-1917), étaient également connues pour leurs portraits précipités de personnes décédées. Bien qu'ils aient été fréquemment exposés comme des fraudes, les Campbell Brothers et les Bangs Sisters étaient fortement protégés par un segment important de la communauté spirite américaine.

La «Swami Laura Horos», également connue sous le nom d'Ann Odelia Diss Debar (1849–1911), qui prétendait être guidée par les esprits de plusieurs maîtres anciens européens, était également associée à des peintures d'esprit. Debar a été emprisonnée en 1901 après avoir été reconnue coupable de fraude et de comportement sexuel immoral dans son temple de Londres.

Au début de sa carrière, Madame Helena Blavatsky (1831–1891), l'occultiste la plus connue et la plus légendaire du XIXe siècle et la fondatrice du mouvement New Age, s'est également engagée dans la précipitation des peintures spirituelles.

Portraits d'esprit

Victor Hugo (1802–1855) a créé ses peintures spirituelles lors de séances tenues dans sa résidence de Jersey, dans les îles anglo-normandes. À cette époque, un marché spirite florissant était également soutenu par des personnes à la recherche de portraits de leurs proches décédés aux États-Unis. Là, Wella Percy (1833–1900) et Lizzie Pet Anderson (1839–1896; éminent) étaient partenaires dans la vie et le spiritisme. Ils ont été promus par Gallery of Spirit Art, une publication basée à Brooklyn qui ne présentait que des œuvres d'art créées avec l'aide des esprits.

Les portraits d'esprits qui apparaissent lors des séances font toujours partie de la scène spirite actuelle, et pour les personnes qui pensent reconnaître leurs proches décédés, ils peuvent être une expérience très émouvante. Frank Leah (1886-1972) et Coral Polge (1924-2001), deux artistes spirituels britanniques, étaient internationalement reconnus dans ce domaine.

Plusieurs centaines de peintres spirituels perpétuent la tradition, dont Coral Ryder et Ann Bridge Davies au Royaume-Uni, Francesca Ferraro au Canada et Angelique van Bezouwen aux Pays-Bas.

Art produit par des esprits dirigeant les mains de l'artiste

Les spirites brésiliens qui pratiquent la peinture de transe canalisent fréquemment les œuvres de peintres et de sculpteurs bien connus. José Medrado (né en 1961) est bien connu dans le monde entier pour ses peintures acryliques de transe et pour la simplicité avec laquelle il peut produire une œuvre d'art avec l'aide de nombreux assistants spirituels. En état de transe, il a créé des peintures sous l'influence de maîtres de la peinture tels que Renoir, Vincent Van Gogh, Claude Monet, Matisse, Gauguin, Cassatt, Da Vinci, Morisot, Manet. Également connu sous le nom de Medrado au Brésil, Luiz Antônio Gasparetto (1949-2018) peint et sculpte de ses mains guidé par Degas, Sandro Botticelli, Amedeo Modigliani et de nombreux autres artistes de renom.

Certains exemples d'architecture spirituelle entrent également dans cette catégorie. Grâce à l'utilisation de médiums, Iulia Hasdeu (1869–1888), a révélé les plans architecturaux de son célèbre "Château Hasdeu" à Câmpina et de sa tombe à Bucarest. Le village italien de Rosazza, près de Biella, construit entre 1880 et 1899 pour le sénateur et franc-maçon italien Federico Rosazza (1813–1899), est un autre exemple d'architecture spirituelle. Il a été conçu par le peintre Giuseppe Maffei (1821-1901). Il était basé sur des plans qui lui avaient été donnés par les esprits d'Augustin d'Hippone (354-430), qui n'a jamais travaillé comme architecte de sa vie, et un homme anonyme de Volterra, en Toscane.

Influence du spiritisme sur l'art contemporain

Il y a eu un regain d'intérêt pour la spiritualité dans l'industrie de l'art ces dernières années. Une attention posthume est accordée dans les musées aux artistes décédés qui se sont longuement penchés sur le mysticisme et la religion. La captivante exposition Hilma af Klint au musée Guggenheim en 2018-2019, qui est devenue l'exposition la plus visitée de l'histoire du musée, en est peut-être l'exemple le plus connu. Le Whitney Museum of American Art a présenté la première exposition personnelle d'Agnes Pelton de son travail en plus de 20 ans en 2020.

L'idée de spiritualité prend de plus en plus de place dans de nombreux discours culturels du XXIe siècle, dont celui de l'art contemporain. Une tradition spirituelle ou religieuse peut être évoquée ou représentée dans un art considéré comme spirituel. Dans le passé, le lien entre l'art et la religion a servi de médiateur entre la spiritualité et l'art. Cependant, malgré la chute de la religion organisée en Europe occidentale, il y a eu une augmentation de l'intérêt lié à la spiritualité dans d'autres sphères de la culture, en particulier dans les arts.

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L’art contemporain est une constellation vibrante d’expressions artistiques. Cet univers créatif englobe une vaste gamme de médiums, allant des peintures, sculptures et photographies aux dessins, gravures, arts textiles et arts numériques, chaque médium étant une étoile brillant de sa propre radiance distincte. Les artistes utilisent des supports et des matériaux divers pour donner vie à leurs visions, tels que la toile, le bois, le métal et même des toiles numériques innovantes pour la création de chef-d’œuvres virtuels.

Une peinture contemporaine, par exemple, peut tisser son histoire à travers des coups de pinceau habiles d’acrylique ou d’huile, tandis qu’une sculpture contemporaine peut chanter sa chanson dans la langue de la pierre, du bronze ou d’objets trouvés. Les arts photographiques capturent et manipulent la lumière pour produire des images frappantes, tandis que la gravure utilise des techniques telles que la lithographie et la sérigraphie pour produire des multiples d’une seule image marquante. L’art textile joue avec les tissus et les fibres, tandis que l’art numérique repousse les limites de la création avec une technologie innovante.

L’attrait de l’art contemporain réside dans sa nature qui repousse les limites, sa quête incessante d’expérimentation et sa constante réflexion sur l’évolution de l’expérience humaine. Cette créativité sans bornes, associée à son fort commentaire social et personnel, fait de chaque œuvre d’art contemporaine un emblème unique de son époque, un miroir reflétant les réalités et les rêves de notre monde complexe. Elle nous chuchote, nous émeut, provoque la réflexion et allume une profonde réponse émotionnelle, éveillant l’âme de quiconque est disposé à écouter. C’est en effet, le langage des émotions et des idées, parlé dans le dialecte de notre ère.

Origines et histoire de l’art contemporain

L’histoire de l’art contemporain se déroule au milieu du XXe siècle, marquée par des changements sismiques dans l’expression artistique. Après la Seconde Guerre mondiale, vers les années 1950 et 1960, les artistes ont commencé à expérimenter au-delà des limites traditionnelles, remettant en question les normes de ce que pouvait être l’art. Cette époque révolutionnaire a engendré une multitude de nouveaux mouvements et formes artistiques tels que l’expressionnisme abstrait, le pop art et le minimalisme. Les peintures, autrefois confinées au réalisme, ont embrassé l’abstraction, les artistes utilisant la couleur et la forme pour exprimer des émotions et des idées. Des périodes remarquables comme l’avènement du pop art à la fin des années 1950 et au début des années 1960 ont vu des œuvres d’art imiter la culture populaire et les médias de masse, reflétant le changement de focus de la société.

Les arts sculpturaux ont également connu une métamorphose. Les sculpteurs ont commencé à expérimenter de nouveaux matériaux et formes, créant souvent des œuvres d’art qui interagissent avec le spectateur et l’espace environnant, favorisant un sens de l’engagement. Le dessin, une pratique intemporelle, a également évolué, les artistes incorporant des techniques et des concepts novateurs pour redéfinir son rôle dans l’art contemporain.

La photographie, un médium relativement nouveau, est devenue un outil puissant dans le paysage de l’art contemporain. Née au XIXe siècle, elle a véritablement pris son envol dans la seconde moitié du XXe siècle, brouillant les frontières entre les beaux-arts et la documentation. La gravure, une pratique remontant à l’Antiquité, a connu un intérêt renouvelé et une expérimentation accrue avec des techniques telles que la lithographie, la gravure et la sérigraphie.

L’univers de l’art textile s’est considérablement élargi, car les artistes ont commencé à apprécier la polyvalence et la qualité tactile des tissus et des fibres. Les artistes ont commencé à utiliser les textiles pour remettre en question les frontières entre les beaux-arts, l’artisanat et le design.

L’avènement de la technologie numérique à la fin du XXe siècle a annoncé une nouvelle ère pour l’art contemporain. L’art numérique est apparu alors que les artistes ont commencé à exploiter de nouvelles technologies pour créer des expériences immersives et interactives, brouillant souvent la frontière entre le monde virtuel et le monde physique.

À travers ces périodes de transformation, l’essence de l’art contemporain est restée la même : un reflet dynamique et évolutif de l’époque dans laquelle nous vivons, repoussant continuellement les limites et embrassant le nouveau, remettant toujours en question, toujours explorant.

Évolutions de ces œuvres contemporaines sur le marché de l’art

Alors que nous naviguons à travers le 21ème siècle, le paysage dynamique de l’art contemporain continue d’évoluer et de s’étendre, reflétant notre monde en constante évolution. Les peintures contemporaines, autrefois principalement confinées à des toiles en deux dimensions, embrassent maintenant une multitude de formes et de techniques, allant des installations multimédias aux créations numériques, chaque pièce étant une riche tissage de pensées, d’émotions et de récits. La sculpture, elle aussi, a largement dépassé la pierre et le bronze traditionnels, les artistes incorporant la lumière, le son et même le mouvement, incarnant l’éphéméralité et le flux du monde moderne.

La photographie, entre les mains d’Artistes Contemporains, a élargi ses horizons, se mêlant parfaitement à la technologie numérique pour créer des images à couper le souffle qui remettent en question notre perception de la réalité. Le dessin, quant à lui, a transcendé les frontières du papier, incorporant des éléments multimédias et des techniques exploratoires pour redéfinir son rôle dans le discours artistique. La gravure continue de prospérer, les artistes contemporains utilisant des méthodes traditionnelles de manière innovante pour fournir des commentaires sociaux et personnels puissants.

L’art textile, autrefois considéré comme un artisanat, occupe désormais une place importante dans le monde de l’art contemporain, les artistes l’utilisant pour explorer les questions d’identité, de tradition et de patrimoine culturel. Pendant ce temps, l’art numérique, le plus récent membre de la famille de l’art contemporain, a révolutionné la façon dont nous créons et interagissons avec l’art, offrant des expériences immersives qui brouillent la frontière entre le virtuel et le physique.

Ces diverses formes d’art contemporain ont une valeur significative sur le marché de l’art actuel, non seulement en raison de leur attrait esthétique mais aussi de leur capacité à encapsuler et à communiquer des idées et des émotions complexes. Les collectionneurs, les conservateurs et les amateurs d’art du monde entier recherchent ces œuvres, attirés par leur dynamisme intrinsèque, leur utilisation innovante des matériaux et leurs expressions éloquentes de notre expérience humaine partagée. En témoignage de notre époque, ces œuvres d’art contemporain encapsulent l’impulsion de notre société et la résonance des voix individuelles, gravant à jamais notre récit collectif dans les annales de l’histoire de l’art.

Artistes contemporains célèbres

Alors que nous plongeons dans le monde vibrante de l’art contemporain, nous rencontrons une variété d’artistes qui façonnent ce domaine dynamique. Chacun est un maître dans son médium - peinture, sculpture, photographie, dessin, gravure, textile ou art numérique - ils repoussent les limites artistiques, reflétant notre époque et remettant en question nos perceptions. Explorons ces contributeurs remarquables et leurs œuvres révolutionnaires.

1. Gerhard Richter - Connu pour son approche multifacette de la peinture, Richter défie les limites du médium, oscillant habilement entre les styles abstrait et hyperréaliste. Ses œuvres, qu’elles présentent des pigments étirés à la raclette ou des images photographiques floues, engagent un dialogue fascinant avec la perception.

2. Jeff Koons - Une figure importante de la sculpture contemporaine, Koons crée des pièces monumentales qui explorent les thèmes de la consommation, du goût et de la culture populaire. Ses animaux en ballon iconiques, construits en acier inoxydable poli miroir, captivent par leur commentaire à la fois ludique et profond.

3. Cindy Sherman - Photographe de renom, Sherman utilise son objectif pour explorer l’identité et les rôles sociaux, en particulier ceux des femmes. Reconnue pour ses autoportraits conceptuels, elle assume une multitude de personnages, repoussant les limites de la photographie en tant que moyen d’expression artistique.

4. David Hockney - Hockney, avec une production prolifique s’étendant sur six décennies, est une figure clé du dessin contemporain. Son utilisation audacieuse de la couleur et son exploration ludique de la perspective transmettent un sentiment enivrant de joie et une célébration sans retenue de la vie.

5. Kiki Smith - Une graveuse innovante, le travail de Smith explore la condition humaine, en particulier le corps féminin et ses connotations sociales et culturelles. Ses gravures sur cuivre et lithographies évoquent des expériences universelles de la vie, de la mort et de la transformation.

6. El Anatsui - Maître de l’art textile, Anatsui crée de superbes installations ressemblant à des tapisseries à partir de bouchons de bouteilles et de morceaux d’aluminium jetés. Ces sculptures flexibles et scintillantes mêlent esthétique africaine traditionnelle et sensibilité artistique contemporaine, abordant les thèmes de la consommation, des déchets et de l’interconnectivité de notre monde.

7. Rafael Lozano-Hemmer - Une figure de proue de l’art numérique, Lozano-Hemmer utilise la technologie pour créer des installations interactives qui mêlent architecture et art de la performance. Son travail, souvent participatif, explore les thèmes de la surveillance, de la vie privée et de la relation entre les personnes et leur environnement.

Œuvres d’art contemporain remarquables

Le panorama de l’art contemporain est un patchwork dynamique d’expressions diverses et d’idées innovantes, chaque œuvre étant un dialogue unique avec son public. Voici une sélection d’œuvres d’art contemporain renommées, couvrant divers médias tels que la peinture, la sculpture, la photographie, le dessin, la gravure, l’art textile et l’art numérique, qui ont profondément influencé ce mouvement vibrant.

Ces œuvres, dans leur diversité, illustrent la riche tapisserie de l’art contemporain, chaque pièce étant un commentaire unique sur notre monde et un témoignage du potentiel illimité de l’expression créative.