Yancho Sabev : J'ai été captivé par la beauté multiforme du monde

Qu'est-ce qui vous a inspiré à créer de l'art et à devenir artiste ? (événements, sentiments, expériences...)

C’est probablement parce que ma formation et ma quête personnelle sont profondément liées à la philosophie et à l’esthétique zen que mon parcours artistique a été imprégné de la profonde reconnaissance que l’art sert de méthode de transcendance, de portail à travers lequel nous naviguons dans les subtilités de l’expérience humaine. J’ai été inspiré par la prise de conscience qu’avec la photographie, je pouvais capturer non seulement le monde visible, mais aussi les émotions ineffables, les moments éphémères qui échappent souvent à l’expression verbale.

Mon voyage a commencé comme une réponse à la poésie silencieuse du monde, suscitée par des moments fugaces et les émotions infinies qu'ils véhiculent. C'est dans la relation de la lumière et de l'ombre, dans l'interaction des couleurs et des contrastes, j'espère, que j'ai trouvé le moyen de transcrire l'intangible en expressions tangibles de beauté et de sens.

Quel est votre parcours artistique, les techniques et les sujets que vous avez expérimentés jusqu'à présent ?

Dès le début, j’ai adopté l’idée que la créativité ne connaît pas de limites, et mon art a été un témoignage évolutif de cette croyance.

Dans le domaine de la photographie, je me suis aventuré dans diverses techniques et styles, de l'élégance intemporelle de la photographie en noir et blanc au monde vibrant et immersif de la couleur.

En ce qui concerne les sujets, j'ai été captivé par la beauté multiforme du monde. J'ai parcouru les paysages urbains complexes, capturant le pouls des villes animées, tout en trouvant la sérénité dans la quiétude de la grandeur de la nature. Le portrait, avec sa capacité à éclairer les profondeurs de l'esprit humain, a été une muse constante, tout comme la photographie abstraite, où je me délecte des qualités éthérées de la forme, de la couleur et de la lumière.

Mon parcours artistique va cependant au-delà de la simple technique et du sujet. Il plonge dans le philosophique et le métaphysique, explorant l'interaction entre réalité et perception, plongeant dans le monde énigmatique de la photographie abstraite et minimaliste où l'image devient un véhicule pour transmettre des idées et des émotions, plutôt que de simples enregistrements visuels.

Quels sont les 3 aspects qui vous différencient des autres artistes, rendant votre travail unique ?

Se distinguer en tant qu’artiste est une entreprise périlleuse, car le monde de l’art regorge de talents exceptionnels. Cependant, je crois qu’il y a trois aspects qui distinguent mon travail et lui confèrent un caractère unique :

Esthétique zen : cette caractéristique distinctive confère à mes créations un accent mis sur la simplicité, l'équilibre et l'harmonie. C'est une qualité unique qui apporte un sentiment de calme méditatif et une connexion intime avec le monde, ce qui distingue mon travail des autres.

Récits poétiques : Je considère ma photographie comme une forme de poésie visuelle. Chaque image que je crée est une strophe, un moment, un vers, capturant la cadence de la vie et la dissonance harmonieuse de l’existence. Que ce soit par le jeu de la lumière et de l’ombre ou la résonance des couleurs, mes photographies se déploient comme des vers, invitant le spectateur à explorer les dimensions lyriques de la vie.

Résonance émotionnelle : je m’efforce de créer un art qui transcende le visuel pour toucher le cœur émotionnel du public. Grâce à l’interaction de la lumière, de la composition et du sujet, je pense que mon travail a le potentiel d’évoquer un large spectre d’émotions, favorisant une connexion profonde entre le spectateur et l’image.

Ces trois facettes façonnent collectivement mon identité artistique, marquant mon travail comme une convergence de curiosité intellectuelle, de récits poétiques, de résonance émotionnelle et d’approche multidisciplinaire. Grâce à ce mélange unique, j’aspire à provoquer la contemplation, à évoquer le sentiment et à offrir une expérience artistique multidimensionnelle qui distingue mon travail dans le paysage en constante évolution de l’art et de la photographie.

D'où vient votre inspiration ?

Ma source d’inspiration concerne les aspects suivants.

L'élégance de la nature : La nature est pour moi une muse éternelle. De la sérénité d'une forêt brumeuse à l'aube à la grandeur tumultueuse d'un orage, je trouve une profonde inspiration dans la beauté intemporelle de la nature et ses cycles incessants.
Expérience humaine : Le monde des émotions, des histoires et des expériences humaines est une source inépuisable d’inspiration. Chaque visage que je photographie, chaque histoire de vie que je rencontre se connecte à ma source d’énergie créatrice. Capturer l’essence de la condition humaine est un thème récurrent dans mon travail, car je cherche à dévoiler les fils universels qui nous unissent.

Zen : Mon inspiration artistique est profondément enracinée dans la simplicité et la pleine conscience de l’esthétique et de la philosophie zen. La façon zen de percevoir le monde qui nous entoure influence chaque facette de mon travail et ajoute une profondeur intellectuelle délicate. Je cherche à capturer la beauté du moment présent, permettant aux spectateurs de s’engager dans le calme, la clarté et la profondeur qu’inspirent les enseignements zen. Cette influence imprègne mon art d’une sérénité unique, invitant les spectateurs à contempler le monde à travers une approche zen, où chaque photographie est un aperçu méditatif de l’essence de l’existence.

Exploration interdisciplinaire : Je crois fermement au pouvoir de l’exploration interdisciplinaire. La musique, le cinéma et les autres formes d’art ne sont pas des domaines séparés, mais plutôt des paysages contigus qui se croisent avec la photographie. En m’inspirant de ces divers domaines, je cherche à m’affranchir des frontières artistiques traditionnelles et à forger de nouvelles connexions qui enrichissent mon travail.

Quelle est votre démarche artistique ? Quelles visions, sensations ou sentiments souhaitez-vous susciter chez le spectateur ?

Ma démarche artistique est un amalgame de recherche philosophique, d'esthétique zen et du désir de susciter des réponses profondes chez le spectateur. Mon objectif est de créer un récit visuel qui transcende l'ordinaire et plonge dans l'extraordinaire.

Ma vision première est d'inviter les spectateurs à un état de contemplation et de pleine conscience. Je cherche à éveiller en eux un sentiment de sérénité et d'émerveillement, un peu comme les sentiments qui surgissent lors des moments d'expérience zen. À travers la composition, l'éclairage et le sujet, je m'efforce de capturer la beauté du moment présent, en mettant l'accent sur l'harmonie de la simplicité et de la profondeur.

Je souhaite que mon travail évoque une gamme d’émotions, de la tranquillité d’un moment de calme dans la nature aux profondeurs de l’introspection que la philosophie inspire. Chaque photographie est un portail vers une expérience unique, incitant les spectateurs à explorer leurs propres perceptions, émotions et tendances contemplatives. Mon objectif est de créer un espace artistique où les spectateurs peuvent se perdre dans l’image et, ce faisant, se retrouver à nouveau.

Quel est le processus de création de vos œuvres ? Spontané ou avec un long processus préparatoire (technique, inspiration des classiques de l'art ou autre) ?

Mon processus créatif est un équilibre délicat entre spontanéité et préparation réfléchie, une danse qui harmonise l'éphémère avec le méticuleux. Il s'inspire à la fois du principe zen d'être présent dans l'instant et d'un respect pour les classiques de l'art.

L'étincelle initiale d'inspiration survient souvent spontanément, qu'il s'agisse d'un jeu de lumière éthéré dans une rue de ville ou de la sérénité d'un paysage naturel. Dans ces moments-là, je capture ce que j'appelle « l'inspiration brute » avec spontanéité, en me laissant guider par la beauté du moment.

Mais cette capture spontanée n’est qu’un début. La véritable alchimie se produit lors du processus de post-production, où je puise dans une solide base de connaissances techniques et dans ma compréhension de l’histoire de l’art. Je peux m’inspirer de l’art classique ou contemporain, de la cinématographie ou de la philosophie qui se prête à la transformation de l’image brute en œuvre d’art finie où je prête attention à chaque détail, de la composition à l’équilibre des couleurs.

Utilisez-vous une technique de travail particulière ? Si oui, pouvez-vous l'expliquer ?

Certes, j'utilise une technique de travail particulière qui puise à la fois dans les traditions artistiques et dans la photographie contemporaine. Mon approche peut être caractérisée comme une synthèse de multiples techniques et principes. Permettez-moi de développer :

Pleine conscience observationnelle : Au cœur de ma technique se trouve la pratique de la pleine conscience observationnelle, influencée par la philosophie zen. Avant même de prendre mon appareil photo, je m’immerge dans le moment présent, en observant mon environnement en pleine conscience. Cette pleine conscience m’aide à m’accorder aux nuances subtiles du monde et à percevoir ses couches plus profondes, souvent cachées à l’observation occasionnelle.

Composition et cadrage : Une fois que je suis en phase avec l'instant, j'utilise les principes classiques de composition, tels que la règle des tiers, les lignes directrices et l'équilibre, pour créer un cadre visuellement attrayant. La composition est la pierre angulaire de ma technique, car elle me permet de guider le regard du spectateur et d'évoquer des émotions et des sensations spécifiques.

Lumière et ombre : Je porte également une attention particulière au jeu de la lumière et de l’ombre. La lumière, avec sa capacité à révéler et à dissimuler, est un élément fondamental de mon travail. Elle peut accentuer la texture, souligner la profondeur et créer une ambiance. J’expérimente souvent différentes conditions d’éclairage, de la douce lueur du lever du soleil aux contrastes saisissants de midi, pour imprégner mes photographies de la résonance émotionnelle souhaitée.

Le post-traitement comme art : Dans le domaine numérique, ma technique s'étend à la phase de post-traitement. Ici, je traite chaque image comme une toile numérique, en y appliquant à la fois des améliorations techniques et des modifications artistiques. C'est lors du post-traitement que je peux m'inspirer de diverses traditions artistiques, en introduisant des éléments qui évoquent une ambiance ou un thème spécifique. Cette étape me permet de transformer la capture brute en une œuvre d'art raffinée.

Expérimentation et innovation : Ma technique n'est jamais stagnante ; c'est un voyage en constante évolution. Je suis toujours ouvert à l'expérimentation avec de nouvelles technologies, de nouveaux équipements et de nouvelles approches artistiques. La volonté d'adopter l'innovation tout en respectant des principes intemporels garde ma technique fraîche et adaptable.

Y a-t-il des aspects innovants dans votre travail ? Pouvez-vous nous les décrire ?

Dans mon parcours artistique, j'adopte à la fois des techniques photographiques classiques et des innovations de pointe. Si je m'inspire de méthodes traditionnelles telles que la double exposition, la longue exposition et le mouvement intentionnel de la caméra (ICM), je me suis également aventuré dans le domaine de l'intelligence artificielle (IA) pour repousser les limites de l'art dans de nouvelles directions passionnantes.

Dernièrement, j'ai expérimenté du contenu visuel généré par l'IA. Cela représente pour moi la prochaine frontière de l'art, un domaine qui regorge de possibilités et de potentiel inexploités. L'IA me permet d'explorer de nouvelles voies de créativité en exploitant les algorithmes et l'apprentissage automatique pour générer des images et des concepts qui remettent en question les normes artistiques conventionnelles.

La fusion des techniques classiques et de la création de contenu pilotée par l'IA favorise une interaction dynamique entre l'humain et la machine, donnant naissance à un art qui brouille les frontières entre l'organique et le synthétique. C'est un témoignage de la nature en constante évolution du monde de l'art, où l'innovation et l'expérimentation ouvrent les portes de territoires artistiques inexplorés.

L’intégration de l’IA dans mon travail élargit non seulement la portée de ma créativité, mais souligne également l’intersection de l’art, de la technologie et de l’imagination humaine, où les possibilités sont aussi illimitées que le domaine sans limites de l’esprit artistique.

Avez-vous un format ou un support avec lequel vous êtes le plus à l'aise ? Si oui, pourquoi ?

Bien que j’apprécie la diversité des formats et des médiums disponibles dans le monde de l’art et de la photographie, je dois avouer que je me sens à l’aise avec un format particulier. Le médium qui résonne le plus en moi est la photographie en noir et blanc.

Il y a une élégance intemporelle dans le monochrome qui me captive. L'absence de couleur permet une exploration approfondie du contraste, de la forme et de la texture. Elle encourage le spectateur à s'engager avec l'essence de l'image, dépourvu des distractions que la couleur peut parfois introduire.

La photographie en noir et blanc est un médium qui fait écho aux fondements philosophiques de mon travail. C'est un domaine artistique où je peux explorer l'interaction de la lumière et de l'ombre, les subtilités de l'émotion et l'essence d'un moment. Ce médium s'aligne sur mon objectif de créer un art contemplatif et stimulant, car il simplifie le récit visuel, invitant les spectateurs à plonger au cœur de l'image.

Bien que je ne me limite pas exclusivement au noir et blanc, il reste un médium fondamental et réconfortant dans mon répertoire artistique, offrant un canal direct et intemporel pour mon expression créative.

Où réalisez-vous vos œuvres ? Chez vous, dans un atelier partagé ou dans votre propre atelier ? Et dans cet espace, comment organisez-vous votre travail créatif ?

Mon processus artistique s’étend sur deux sphères distinctes : le monde comme toile et le sanctuaire de mon espace créatif. Ces deux espaces jouent un rôle déterminant dans l’organisation de mon travail créatif.

Documenter et découvrir le monde : une grande partie de mon travail se déroule en pleine nature, où je m'immerge dans les divers paysages et cultures du monde. Voyager pour documenter et découvrir le monde me permet de m'inspirer de la beauté brute de la nature et de la profondeur de l'expérience humaine. Qu'il s'agisse de capturer la majesté d'une chaîne de montagnes isolée ou le dynamisme d'un marché animé, ces aventures deviennent la source de ma vision artistique.

Préparation et exécution de projets à la maison : De retour dans mon sanctuaire créatif, je prépare et exécute méticuleusement mes projets. C'est là que je me plonge dans le post-traitement, que j'expérimente diverses techniques et que j'affine les concepts inspirés de mes voyages. Dans cet espace, j'utilise des outils numériques avancés et, comme mentionné précédemment, je m'aventure même dans le domaine de l'intelligence artificielle pour créer du contenu innovant. C'est ici que je nourris mes photographies, des captures brutes aux œuvres d'art finales et évocatrices.

L’organisation de mon travail créatif suit un double rythme. Sur le terrain, j’adopte la spontanéité et l’exploration intuitive, laissant le monde guider mon regard. À la maison, le processus est plus structuré, impliquant la sélection et la mise en valeur minutieuse des images et le développement de nouveaux projets artistiques.

Cette dualité dans mon processus créatif témoigne de la synthèse entre l'inspiration du monde extérieur et le travail minutieux du monde intérieur. Ensemble, ils constituent la tapisserie de mon identité artistique, où le cœur de la création est partagé entre les merveilles infinies du monde et les confins intimes de mon espace créatif.

Votre travail vous amène-t-il à voyager pour rencontrer de nouveaux collectionneurs, à l’occasion de salons ou d’expositions ? Si oui, qu’est-ce que cela vous apporte ?

En tant qu’artiste, mon travail m’amène souvent à voyager et je saisis chaque occasion d’explorer le monde vibrant de l’art. Même si ces voyages ne sont pas toujours destinés spécifiquement à rencontrer des collectionneurs ou à assister à des foires et des expositions, ils me permettent de vivre des expériences inestimables. J’utilise ces voyages pour m’immerger dans l’art de différentes cultures, pour visiter des musées, assister à des expositions locales et participer à divers événements artistiques.

Au cours de mes voyages, je trouve non seulement l’inspiration dans les diverses expressions artistiques de différentes régions, mais je noue également des liens avec des artistes locaux. Ces interactions m’offrent de nouvelles perspectives, suscitent des dialogues créatifs et conduisent parfois à des collaborations qui enrichissent mon propre parcours artistique.

Comment imaginez-vous l’évolution de votre travail et de votre carrière d’artiste dans le futur ?

L’évolution de mon travail et de ma carrière d’artiste est un voyage marqué par une exploration et une croissance continues. En me projetant dans l’avenir, j’envisage plusieurs directions clés :

Exploration philosophique plus approfondie : je prévois d’approfondir encore davantage la photographie philosophique et conceptuelle. Cela implique d’utiliser l’imagerie pour explorer des questions profondes sur la condition humaine, l’existence et la nature de la réalité. Mon art servira de récit visuel qui suscite la contemplation et transcende l’ordinaire.

Collaborations innovantes : J’aspire à m’engager dans davantage de projets collaboratifs avec des artistes de disciplines diverses. Ces collaborations introduiront de nouvelles perspectives, repousseront les limites de l’art et donneront lieu à des œuvres interdisciplinaires qui brouillent les frontières entre les médiums, créant une fusion de créativité à la fois dynamique et stimulante.

Expositions et rayonnement international : tout en respectant mes responsabilités familiales et professionnelles, je m'efforce de trouver des moyens d'élargir ma portée aux galeries, aux collectionneurs et aux communautés artistiques à plus grande échelle. Cela implique d'explorer les plateformes numériques, les expositions virtuelles et d'autres moyens créatifs pour entrer en contact avec un public mondial.

Intégration de l’IA : Mes expériences avec l’intelligence artificielle continueront d’évoluer, me permettant de créer des œuvres qui repoussent les limites de la collaboration entre l’homme et la machine. L’IA deviendra partie intégrante de mon processus créatif, permettant des œuvres innovantes et captivantes qui remettent en question les normes artistiques.

Quel est le thème, le style ou la technique de votre dernière production artistique ?

Le thème, le style et la technique de ma dernière production artistique englobent deux projets distincts : « Convoluted » et « Flow ».

« Convoluted » est une exploration de la couleur envoûtante en mouvement. Elle utilise des motifs de couleurs tourbillonnants et hypnotiques qui semblent couler sans effort. L'interaction des nuances crée une sensation de profondeur et de complexité, invitant le spectateur à se perdre dans les motifs complexes. Dans « Convoluted », le thème est centré sur la fusion de la couleur, du mouvement et de l'émotion, offrant un voyage visuel qui résonne avec les sens.

« Flow », quant à lui, cherche à capturer l’essence de l’énergie en mouvement. Ce projet est une représentation abstraite du concept omniprésent de « flow », où les formes, les couches, les motifs, les structures, les couleurs et les dégradés se fondent en parfaite harmonie. Il reflète l’idée que l’énergie coule comme une force constante et fluide, façonnant notre monde. « Flow » est une méditation sur l’interdépendance de toutes choses, animée par un style abstrait contemporain qui engage à la fois les facettes visuelles et émotionnelles du spectateur.

Pouvez-vous nous parler de votre expérience d’exposition la plus marquante ?

Bien que je n'aie pas encore eu une grande expérience en matière d'exposition, je prépare actuellement un corpus important d'œuvres pour ma première exposition prévue en 2024. Cet événement à venir marque un moment charnière dans mon parcours artistique, où j'aurai l'occasion de partager ma vision et mes créations avec un public plus large.
L'attente et la préparation de cette exposition ont été une expérience profonde et transformatrice en soi. C'est une aventure passionnante dans le monde de la présentation de l'art, et je suis impatient de présenter une collection qui résume mon évolution artistique et mes philosophies.

En travaillant avec diligence à la préparation de cette exposition, je suis consciente de l’impact qu’elle aura sur ma carrière artistique et des liens qu’elle tissera avec d’autres artistes, collectionneurs et amateurs d’art. Cette exposition à venir représente une étape importante dans mon parcours et j’ai hâte d’avoir l’occasion de m’engager avec un public plus large et de partager les histoires et les émotions qui se cachent derrière chacune de mes œuvres.

Si vous aviez pu créer une œuvre célèbre dans l'histoire de l'art, laquelle auriez-vous choisi ? Et pourquoi ?

Si je devais me considérer comme le créateur d'une œuvre célèbre de l'histoire de l'art, je choisirais « La Chute d'Icare » de Jacob Peter Gowy. Ce tableau résume un récit qui a toujours exercé sur moi une profonde fascination.

« La Chute d'Icare » dépeint le moment tragique où Icare, après avoir volé trop près du soleil avec des ailes de plumes et de cire, descend dans la mer. Le tableau témoigne de l'ambition de l'humanité, de la poursuite de l'extraordinaire et des conséquences de l'orgueil.

Créer une œuvre comme celle-ci me permettrait d'explorer les thèmes de l'ambition, l'équilibre délicat entre les aspirations humaines et les limites de la réalité, et la tension omniprésente entre le désir d'atteindre de nouveaux sommets et l'inévitabilité de faire face aux défis et aux conséquences. C'est un récit qui a résonné à travers les âges, servant de puissante métaphore de l'expérience humaine, et le capturer dans un chef-d'œuvre visuel serait une entreprise artistique extraordinaire.

Si vous pouviez inviter un artiste célèbre (mort ou vivant) à dîner, qui serait-ce ? Comment lui proposeriez-vous de passer la soirée ?

Charlie Chaplin, génie par excellence du cinéma muet, est une sommité du monde du cinéma dont l'art transcende le temps. Sa capacité à transmettre des émotions complexes et des commentaires sociaux sans prononcer un mot témoigne de son talent sans égal.

Ce qui rend l'œuvre de Chaplin si brillante, c'est sa vision aiguë de la condition humaine. Il avait une capacité étonnante à puiser dans les émotions et les expériences universelles qui nous relient tous. Ses films n'étaient pas seulement du divertissement ; ils étaient des explorations profondes de l'amour, de l'espoir, de la lutte et de l'esprit humain indomptable.

La capacité de Chaplin à mêler humour et pathos, à nous faire rire et pleurer dans la même scène, est le reflet de sa profonde compréhension des complexités de la vie. Un dîner avec lui serait l'occasion de glaner des informations sur l'art du cinéma, le pouvoir de la narration et la sagesse intemporelle que son œuvre transmet.

Eh bien, pour finir, je voudrais remercier chaleureusement Artmajeur pour le privilège de m'accorder cette interview. Ce fut une opportunité incroyable de partager mon parcours artistique, mes philosophies et ma vision créative. Je suis vraiment reconnaissante de pouvoir me connecter avec d'autres passionnés d'art et de célébrer le monde de l'art. Merci pour votre soutien et d'avoir rendu cette expérience possible.