Luigi M. Verde : Ma passion pour la photographie est née à l'université

Qu’est-ce qui vous a poussé à créer de l’art et à devenir artiste ? (événements, sentiments, expériences...)

L'un de mes premiers souvenirs d'enfance qui me revient souvent est celui de ma sœur et moi, toujours et curieusement silencieux – bien que nous soyons à un âge de malice – perchés sur le bord du bureau de mon père, le regardant manipuler calmement les toiles, les couleurs, les tubes. , chiffons, palettes et pinceaux. En éthologie, « imprimer » (comme faire une impression, une marque, frapper) est un type d'apprentissage par exposition : je pense que ces toutes premières expériences ont marqué de manière indélébile ma vision du monde et de l'art. Plus tard, j'ai poursuivi des études scientifiques et réalisé que la dimension purement analytique et méthodologique de la science n'était pas pleinement satisfaisante sans une pointe d'irrationalité, ou l'ajout d'un geste guidé par le hasard et l'instinct.

Quel est votre parcours artistique, et quelles techniques et matériaux avez-vous expérimentés jusqu’à présent ?

Ma passion pour la photographie a commencé à l'université, par une rencontre presque fortuite avec le charme et la magie de la chambre noire. Je me souviens d'avoir étudié la physique, l'analyse, la chimie le matin... tandis que l'après-midi, quand je le pouvais, je me faufilais dans les salles de classe de l'académie des beaux-arts pour suivre des cours ou des séminaires de photographie. Plus tard, j'ai commencé à travailler dans le génie logiciel et j'ai apprécié toutes les technologies numériques, de la retouche photo aux animations, des scénarios virtuels 3D au monde de l'intelligence artificielle. Mais je n'ai jamais perdu ce goût ancien pour l'impression, l'odeur du papier, la sensation tactile agréable des médiums, les contaminations de la peinture, en essayant toujours de fusionner innovation et savoir-faire.

Quels sont les trois aspects qui vous différencient des autres artistes et rendent votre travail unique ?

Bernard de Chartres disait que nous sommes des nains juchés sur les épaules de géants : cela signifie qu'aucune œuvre n'est jamais complètement originale, mais aussi que chacun de nous a toujours quelque chose d'unique. L’enjeu est de comprendre comment dépasser cette contradiction entre unicité et différence. Ma particularité est que je ne peux pas séparer la science de l'art, je n'aime pas me laisser influencer par les modes ou les goûts dominants et je préfère les espaces de solitude et de silence. L'étude de la philosophie a également façonné mon approche de l'art et m'a fait apprécier des auteurs comme De Chirico. Petit à petit, j’ai réussi à concilier différences et affinités.

D'où vient votre inspiration?

La lecture, qu'elle soit non-fictionnelle ou littéraire, est certainement ma principale source d'inspiration, au même titre que la musique, tant classique que moderne. Je m’intéresse plus que jamais à l’aspect idéal des choses plutôt qu’à une vision plus phénoménologique du monde. Le « comment » et le « pourquoi » avant le « quoi ». Donc, j’observe beaucoup mais je photographie ces derniers temps avec une extrême délibération. Je cherche aussi l'inspiration dans les espaces ouverts, dans le vide, dans la méditation, loin des bruits de notre époque, qui sont souvent la cause de trop de pensées confuses.

Quelle est votre démarche artistique ? Quelles visions, sensations ou sentiments souhaitez-vous évoquer chez le spectateur ?

L’art vit à travers le spectateur, qui est le premier partenaire du créateur. Pour bien collaborer, le spectateur doit être stimulé par des doutes, des questions, des requêtes ouvertes, des doubles sens, des paradoxes et, si nécessaire, même par de l'ironie et de l'irrévérence. Il faut toujours rompre avec une vision faite de clichés, d'images gonflées ou trop prévisibles. J'aime créer ce que j'appelle des « discontinuités visuelles », des points d'arrêt qui nous poussent à nous renseigner, à nous remettre continuellement en question. Pour ne pas être trop agressif envers mon spectateur, je recherche toujours un équilibre formel qui procure plaisir visuel et repos (mais pas à l'esprit), sans jamais abandonner un fond profond d'imagination et de bienveillance.

Quel est le processus de création de vos œuvres ? Est-ce spontané ou implique-t-il une longue phase préparatoire (technique, inspirée de l'art classique ou autre) ?

La création part d'une graine spontanée, d'une première lumière, d'une image latente. S’ensuit un processus préparatoire long et complexe, guidé par mon âme scientifique. J'utilise une méthodologie la plus rigoureuse possible, faite d'essais et d'erreurs, où le travail s'apparente à un théorème mathématique à falsifier. Je le teste, l'attaque sous différents angles, pour en faire ressortir des faiblesses ou des aspects à mieux cerner. Ce processus peut durer des mois jusqu'à ce que j'atteigne une forme plus stable et définie. Mais tout résultat n’est jamais définitif ; cela ne représente qu'un moment de réflexion, car de nouvelles idées, de nouvelles graines, se cachent déjà et peuvent tout changer, ravivant le flambeau de l'imagination. Malgré l'engagement, la rigueur et la passion, c'est toujours le jeu qui guide le chemin, une sorte de carrousel qui tourne continuellement sans jamais s'arrêter, à la recherche d'un regard non contaminé, tout comme celui des enfants.

Utilisez-vous une technique de travail particulière ? Si oui, pouvez-vous l'expliquer ?

Je commence presque toujours par un groupe de photos ou un croquis d'un projet précédent que j'ai laissé à l'état embryonnaire ou incomplet. Ensuite, je commence à traiter les images initiales, en ajoutant et en supprimant des éléments jusqu'à ce que je trouve le bon équilibre pour la structure visuelle que j'ai en tête. Après les phases initiales, j'adopte une approche plus déconstructive qui consiste à supprimer des éléments pour nettoyer la scène et rendre l'image plus pure et plus essentielle.

Y a-t-il des aspects innovants dans votre travail ? Pouvez-vous nous en parler ?

La photographie constitue la base de la plupart de mes œuvres. C'est la discipline qui a vu les plus grandes innovations technologiques dans l'art et qui invite à expérimenter autant que possible. Par exemple, j'ai commencé à entraîner un réseau de neurones génératif sur mes photos, pour essayer de créer des images en utilisant des techniques d'intelligence artificielle qui ressemblent le plus à mon style. Une autre chose que je fais est de prendre des photos avec des scans 3D du même sujet pour ensuite les combiner en post-production. Je suis actuellement intéressé à explorer comment personnaliser le logiciel de guidage d'un drone, pour l'utiliser pour des angles de prise de vue plus efficaces et des images de meilleure qualité. En fin de compte, la photographie elle-même, telle qu’on l’entend aujourd’hui, fait partie des éléments les plus innovants en raison de son extraordinaire capacité à faire paraître vrai (ou plausible) tout ce qui est faux, et vice versa.

Avez-vous un format ou un support avec lequel vous vous sentez le plus à l’aise ? Si oui, pourquoi?

En termes de supports, comme mentionné, j'aime expérimenter, donc lorsque cela est possible, je modifie souvent l'ensemble du flux de travail de mon équipement (appareils photo, ordinateurs, scanners, imprimantes, papiers...). Cependant, je me sens beaucoup plus à l'aise avec les images carrées : elles me donnent une impression de plus grande harmonie. De plus, mon approche personnelle du remplissage et du vider la scène est, en un sens, simplifiée par ce format. Je crois que ce choix découle aussi d’un intérêt profond qui lie les mathématiques et l’art dans la recherche d’un équilibre.

Où produisez-vous votre travail ? À la maison, dans un studio partagé ou dans votre propre studio ? Et dans cet espace, comment organisez-vous votre travail créatif ?

Dans mon home studio, je dispose de différents espaces pour réfléchir, fonctionner et étudier. Mon travail commence par un texte qui synthétise l'œuvre, puis je prends les premières photos et commence à les traiter sur ordinateur. Parfois, j'utilise également des croquis ou des impressions préliminaires pour clarifier certaines des étapes ultérieures. Après un premier « prototype », j'entre dans une sorte de boucle : je commence à réviser le texte pour mieux en définir les aspects esthétiques et opérationnels, améliorant ainsi les activités de production et de post-production. Le flux de travail suit le modèle d'une mélodie, avec des hauts et des bas, des pauses, des moments vibrants et calmes. Je trouve qu'il est presque impossible de travailler sans être accompagné de bonne musique.

Votre travail vous oblige-t-il à voyager pour rencontrer de nouveaux collectionneurs, pour des foires ou des expositions ? Si oui, qu'est-ce que cela vous apporte ?

J'ai voyagé pendant plusieurs années, mais pendant cette période, j'ai choisi une vie plus calme et moins trépidante. Je voyage donc beaucoup moins, mais j'essaie de rencontrer par d'autres moyens des personnes intéressées par mon parcours artistique et professionnel, comme des auteurs, des promoteurs, des commissaires ou des collectionneurs.

Comment envisagez-vous l’évolution de votre travail et de votre carrière d’artiste dans le futur ?

Cette période est pleine d'opportunités et de nouvelles connaissances. Par exemple, je suis très porté sur l’étude de la créativité : point de rencontre entre la conscience et l’inconscient, encore si mystérieux et peu exploré. J'aimerais également créer mon propre « laboratoire de recherche » où je pourrai expérimenter et approfondir ce sujet à travers la création de nouvelles œuvres et idées qui soutiennent mon chemin. Je crois que ma carrière artistique peut trouver sa place dans cette vision, également grâce à de plus grandes opportunités d'être remarqué par les galeristes et les conservateurs et aux nouvelles technologies qui brisent certaines barrières.

Quel est le thème, le style ou la technique de votre dernière production artistique ?

Le thème de ma dernière production artistique est une réflexion entre la Terre et l'Humanité, un partenariat qui semble avoir été interrompu, rompu. J'ai pensé à recréer une imagerie de figures humaines formées uniquement de terre, de racines et d'autres petits débris. Ici, la figure humaine prend forme par le travail silencieux des racines, via une lente construction guidée par un chant ancien, sorte d'énergie primordiale dont la terre et les humains ont progressivement tiré leur existence. Stylistiquement, j'ai choisi une tonalité sombre pour créer un décalage visuel entre le monde réel et notre perception, entachée par le refus de se connecter à la nature. D’où ces visions troublantes, nées de l’incapacité à reconnaître et à accepter nos origines les plus authentiques. Pour mieux harmoniser ces images, j'ai choisi d'utiliser des techniques de construction à partir d'agents artificiels, tout en maintenant un contrôle formel strict des résultats pour garantir la bonne qualité photographique. Cette œuvre donne également vie à un nouveau livre d'artiste avec des images et des mots sous forme d'histoire.

Pouvez-vous nous parler de votre expérience d’exposition la plus marquante ?

L'expérience d'exposition la plus importante que j'ai eue a eu lieu il y a quelques années lors d'une exposition personnelle au Palazzo Serra di Cassano, siège de l'Institut italien d'études philosophiques de Naples. C'était important pour plusieurs raisons : la possibilité de renouer avec des personnes dont les circonstances nous avaient éloignés, la chance d'inscrire l'exposition dans une conférence qui a scellé le caractère plus global de l'art que je considère comme une expérience culturelle, et le sentiment de marcher. dans les mêmes salles où, en tant qu'étudiant universitaire, j'ai eu le plaisir et le privilège d'écouter d'importants universitaires, artistes et lauréats du prix Nobel du monde entier.

Si vous pouviez créer une œuvre d’art célèbre tirée de l’histoire, laquelle choisiriez-vous ? Et pourquoi?

C'est une question difficile qui pourrait même compromettre le résultat d'une invitation à dîner avec un artiste préféré ! Je choisirais de créer le David de Michel-Ange : en tant qu'admirateur passionné de la statuaire, depuis la Grèce antique, David représente pour moi le summum de la perfection du processus créatif. Cette œuvre me séduit par sa force mais aussi la fragilité de cet unique bloc de marbre, son caractère imposant mais aussi sa sensation de légèreté ; l'élégance alliée à la richesse des détails, la concentration singulière du héros biblique qui représente l'emblème d'une méthode de travail rigoureuse et inaccessible.

Si vous pouviez inviter un artiste célèbre (vivant ou décédé) à dîner, qui serait-ce ? Comment proposeriez-vous de passer la soirée ?

Si disponible, j'aimerais inviter Giorgio De Chirico à dîner le week-end prochain. Pour le mettre à l'aise, je lui demanderais de partager ses premières expériences avec les lectures de Nietzsche, qui ont donné le coup d'envoi à sa peinture métaphysique. J'accompagnais cette première conversation d'un dîner léger (en me rappelant que De Chirico souffrait de douleurs abdominales gênantes lors de son séjour à Florence) et je me lançais ensuite dans une lecture plus rigoureuse de certaines de ses œuvres, pleines de charme et de mystère, le provoquant doucement, peut-être avec la complicité d'un bon verre de vin, pour offrir ses inspirations les plus cachées.