Ghada Amer, née le 22 mai 1963 au Caire, en Égypte, est une artiste contemporaine égypto-américaine pionnière, réputée pour son exploration du genre et de la sexualité à travers un large éventail de médiums, notamment la peinture, le dessin, la sculpture, l'installation et la performance. Figure influente du mouvement Hurufiyya, l'œuvre d'Amer est particulièrement célèbre pour ses peintures brodées complexes qui juxtaposent le corps des femmes à des images pornographiques, remettant en question et redéfinissant les perceptions de la féminité et du désir. Ayant déménagé en France à l'âge de 11 ans, Amer a fait ses études à Paris et à Nice avant de s'établir à New York. Son parcours artistique reflète un profond engagement envers l'identité culturelle et personnelle, ce qui fait d'elle une voix importante de l'art contemporain.
Biographie de l'artiste : Ghada Amer
Ghada Amer est née au Caire, en Égypte. Elle a passé ses premières années dans un environnement multiculturel, en raison de la carrière diplomatique de son père, qui a conduit la famille à travers des pays comme la Libye, le Maroc, l’Algérie et finalement la France. Cette exposition à des cultures et des expériences diverses a joué un rôle fondamental dans la formation de son identité d’artiste. Bien qu’Amer ait vécu en France pendant plus de deux décennies, elle ne s’identifie pas strictement comme égyptienne, africaine ou française. Au contraire, son origine multiculturelle sert de prisme essentiel à travers lequel sa pratique artistique a évolué. Pendant son enfance au Caire, Amer a observé les femmes locales se rassembler pour coudre, y compris sa mère, une agronome qui confectionnait ses propres costumes d’affaires. Cette exposition précoce à l’artisanat domestique deviendra plus tard la pierre angulaire de l’art d’Amer, car elle a transformé l’activité traditionnellement « féminine » de la couture en un moyen d’expression et de résistance féministes. Elle a commencé sa formation artistique à l'École Nationale Supérieure d'Art de la Villa Arson à Nice, en France, où elle a obtenu son baccalauréat en beaux-arts en 1986 et son master en beaux-arts en 1989. Elle a également étudié à l'étranger à la School of the Museum of Fine Arts de l'Université Tufts à Boston, dans le Massachusetts. C'est pendant ses études à l'école d'art qu'Amer a été confrontée pour la première fois aux restrictions liées au genre dans le domaine artistique, comme les cours de peinture réservés aux étudiants de sexe masculin. Cette exclusion des supports artistiques traditionnels l'a poussée à rechercher son propre langage artistique « féminin », une pratique qui est devenue centrale dans sa carrière. Inspirée par la couture de sa mère et par sa propre frustration face aux frontières artistiques liées au genre, Amer a commencé à incorporer la broderie dans ses peintures, utilisant ce support comme un moyen de subvertir les attentes de ce qui constitue les beaux-arts.
Les œuvres d’Amer abordent fréquemment les thèmes de la féminité, de la sexualité et de l’identité postcoloniale. Ses pièces les plus emblématiques sont des images brodées de femmes dans des poses érotiques, tirées de magazines pornographiques, superposées sur des lavis abstraits de peinture. En combinant le médium traditionnellement masculin de la peinture avec l’artisanat « féminin » de la couture, Amer remet en question les normes patriarcales dans l’art et la société. Son utilisation d’images sexuellement explicites sert de critique du regard masculin, renversant la façon dont les corps féminins sont généralement représentés. Cette approche féministe ne se limite pas à ses peintures ; l’œuvre d’Amer couvre plusieurs médiums, dont la sculpture, l’installation, la performance et le dessin, qui reflètent tous son engagement à aborder les problèmes des femmes et à affirmer une perspective féminine dans le monde de l’art. Le retour d’Amer en France après ses études à Boston a marqué un moment charnière dans son développement artistique. Elle a été captivée par le travail de Rosemarie Trockel, qui avait utilisé avec succès le tricot pour créer un langage visuel distinct pour les femmes, mêlant symboles commerciaux et politiques à des thèmes féministes. Cette influence, combinée à ses propres expériences de déplacement géographique et culturel, a influencé l'évolution de la pratique artistique d'Amer. Son travail explore souvent les significations changeantes de l'identité et de la représentation, empruntant aux langages de l'abstraction et de l'expressionnisme pour remettre en question les normes établies.
En plus de son travail personnel, Ghada Amer a collaboré étroitement avec l’artiste iranien Reza Farkhondeh. Les deux se sont rencontrés alors qu’ils étudiaient en France et ont commencé à travailler ensemble sous le nom de « RFGA » au début des années 2000. Leur collaboration a commencé par hasard, lorsque Farkhondeh a peint sur l’une des toiles d’Amer et qu’elle a trouvé que sa contribution était un complément à son propre travail. Ce qui a commencé comme une expérience ludique s’est transformé en un partenariat artistique important, Amer se concentrant sur la sexualité féminine et Farkhondeh contribuant à des images de la nature et des formes abstraites. Ensemble, ils ont créé une série de dessins et d’estampes qui explorent l’intersection du monde féminin et du monde naturel, élargissant encore la portée de l’art féministe d’Amer. Grâce à son utilisation innovante des matériaux, à ses sujets provocateurs et à ses influences multiculturelles, Ghada Amer s’est taillé une place distincte dans le monde de l’art contemporain. Son travail ne se contente pas de reprendre la broderie et d'autres formes de « travail de femme », mais remet également en question l'histoire de l'art dominée par les hommes, en proposant de nouvelles façons de voir et de comprendre la sexualité, l'identité et le pouvoir des femmes. La capacité d'Amer à naviguer et à mélanger le personnel, le politique et le culturel dans son art continue de faire d'elle une figure révolutionnaire et essentielle de la scène artistique mondiale.
Style artistique et œuvres d'art emblématiques
Ghada Amer est connue pour ses « peintures en broderie », une technique pionnière qui associe l’artisanat traditionnellement féminin au monde de la peinture dominé par les hommes. L’une de ses premières œuvres révolutionnaires, Cinq Femmes Au Travail (1991), présente des dessins au trait soigneusement cousus de femmes effectuant des tâches domestiques comme la garde des enfants, le ménage et la cuisine, d’après des publicités de magazines. Ces premières pièces ont marqué un tournant pour Amer, car elles lui ont permis de développer un langage exclusivement féminin dans le domaine des beaux-arts dominé par les hommes. Par l’acte répétitif et méticuleux de la broderie, Amer s’est réapproprié un artisanat souvent rejeté comme un « travail de femme », l’utilisant pour explorer les thèmes de l’ennui, de la domesticité et des rôles de genre. L’exploration de l’imagerie domestique par Amer s’est poursuivie jusqu’en 1993, lorsqu’elle s’est tournée vers des sujets plus provocateurs : la représentation de la sexualité féminine. Dans un geste audacieux, Amer a commencé à incorporer des images pornographiques dans ses œuvres, reprenant des formes féminines érotiques de magazines comme Hustler et Club . Dans Couleurs Noires et The Slightly Smaller Colored Square Painting (2000), elle a assemblé des images explicites de femmes dans des poses intimes et sexuelles, mais les a masquées derrière des fils emmêlés, brouillant les frontières entre représentation et abstraction. Ce faisant, Amer a redéfini la manière dont la sexualité féminine est représentée, transformant des images traditionnellement exploitantes en expressions puissantes d’érotisme et de désir. Ces œuvres reflètent sa propre relation complexe avec la sexualité, influencée par le fait d’avoir grandi dans une culture conservatrice où de telles discussions étaient taboues.
En plus de ses peintures brodées, l’art d’Amer s’étend à différents supports, notamment la sculpture et l’installation. Son installation sculpturale Encyclopedia of Pleasure (2001) se compose de 54 boîtes recouvertes de toile, chacune brodée de passages en fil d’or tirés d’un texte arabe du XIIe siècle sur le plaisir sexuel. À travers cette œuvre, Amer explore non seulement les perspectives historiques sur la sexualité féminine, mais critique également la façon dont ces idées autrefois progressistes sont désormais réprimées dans la culture islamique moderne. Une autre sculpture emblématique, 100 Words of Love , présente une structure globulaire composée de mots arabes pour l’amour, étroitement tissés pour former un tout harmonieux. Ces sculptures marquent la continuation du projet féministe d’Amer, fusionnant un artisanat délicat avec de grands thèmes conceptuels du genre, du pouvoir et de l’amour. Ses installations repoussent encore plus les limites de l’art féministe. Dans Love Park (1999), une installation en plein air, elle a inscrit sur les parterres de fleurs des adjectifs couramment utilisés pour décrire les femmes, tels que « docile » et « douce », faisant ainsi une déclaration audacieuse sur les attentes de la société envers les femmes. Après les événements du 11 septembre, son travail a pris une tournure plus politique avec des pièces comme Language of Terror (2005), qui juxtaposait l'imagerie féminine à un commentaire sur le terrorisme, ajoutant une nouvelle dimension de critique culturelle à son œuvre.
Historique de l'exposition
La carrière de Ghada Amer est marquée par un nombre impressionnant d'expositions individuelles et collectives qui mettent en valeur son approche innovante de l'art. Parmi ses expositions individuelles notables figurent celles organisées dans des lieux prestigieux tels que Cheim & Read et Deitch Projects à New York, le PS1 Contemporary Art Center et la Biennale de Venise en 1999. Amer a également présenté ses œuvres à la Biennale de Gwangju en Corée du Sud (2000), au SITE Santa Fe au Nouveau-Mexique et aux galeries Gagosian à Londres et à Beverly Hills. Elle est entrée dans l'histoire en étant la première artiste arabe à avoir une exposition personnelle au Musée d'art de Tel Aviv. Son travail a fait la couverture d'ARTnews en septembre 2006, et elle a organisé d'importantes expositions personnelles au Hanes Art Center, à l'UNC-Chapel Hill (1996) et au Contemporary Art Museum de Houston (2001). L'exposition de 2004 à Valence et celle de 2007 à la galerie Kukje à Séoul, présentant des œuvres en collaboration avec Reza Farkhondeh, ont encore consolidé sa réputation internationale. En 2010, Amer et Farkhondeh ont présenté The Gardens Next Door à la Galeria de Lisbonne, et en 2012, son travail a été exposé au Musée d'art contemporain de Montréal. L'exposition Rainbow Girls de 2014 à Cheim & Read, à New York, a présenté ses sculptures métalliques complexes et ses toiles brodées. Ses expositions de 2018 comprenaient une exposition axée sur la céramique à Dallas Contemporary et une autre à Cheim & Read à Londres. Women I Know, Part I a été présentée à la Kewenig Gallery de Berlin en 2021, et la même année a vu l'exposition publique de Women's Qualities au Sunnylands Center and Gardens en Californie. Son exposition de 2022, My Body, My Choice , à la Goodman Gallery de Londres, a exploré les thèmes des droits des femmes à travers un mélange d'art biologique et de toiles brodées. Les expositions collectives d'Amer comprennent des expositions de premier plan telles que la Biennale de Johannesburg en 1997, la Biennale de Whitney en 2000 et Without Boundary: Seventeen Ways of Looking au Museum of Modern Art de New York (2006). Son travail a été présenté dans la rétrospective de 2008 au Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art du Brooklyn Museum et est apparu dans le documentaire Our City Dreams de Chiara Clemente la même année. Elle a également participé à l'exposition itinérante de 2014-2015 The Divine Comedy: Heaven, Purgatory and Hell Revisited by Contemporary African Artists , organisée par Simon Njami.
Les contributions remarquables de Ghada Amer à l’art contemporain ont été reconnues par de nombreux prix et résidences prestigieuses, notamment celles du Leroy Nieman Center for Print Studies de l’Université Columbia, de l’Université de Caroline du Nord et de Pace Prints Chelsea. Son influence est également soulignée par sa résidence au Smithsonian Artist Research Fellowship Program et au Singapore Tyler Print Institute, ainsi que par des distinctions telles que le Prix UNESCO à la 48e Exposition internationale d’art de La Biennale di Venezia et une bourse de la Fondation Pollock-Krasner. Son travail est mis en évidence dans de grandes collections publiques comme l’Art Institute of Chicago, le Centre Pompidou et le musée Guggenheim d’Abou Dhabi. Ces réalisations soulignent son rôle central dans l’art contemporain, où son utilisation innovante de la broderie, de la sculpture et de l’installation a remis en question les normes traditionnelles et abordé des questions culturelles et féministes importantes, affirmant son impact et son héritage durables dans le monde de l’art.
Selena Mattei
